***
Иоганн Филипп Кирнбергер (нем. Johann Philipp Kirnberger; крещён 24 апреля 1721, Заальфельд — 27 июля 1783, Берлин) — немецкий теоретик музыки, композитор и педагог.
По утверждению Ф. В. Марпурга, Кирнбергер в 1739—41 годах учился в Лейпциге у И. С. Баха, которого считал крупнейшим немецким композитором. Добивался публикации хоральных обработок Баха, о которых в письме лейпцигскому издателю Брейткопфу писал так:
По поводу хоралов Баха числом более 400, которые собрал К. Ф. Э. Бах и многие из которых переписаны его собственной рукой, мне исключительно важно, чтобы эти хоралы, которые ныне находятся в моем распоряжении, сохранились для будущих музыкантов, композиторов и ценителей музыки.
Эта публикация хоралов в четырёх томах под редакцией Кирнбергера (с предисловием, написанным К. Ф. Э. Бахом) была осуществлена после его смерти, в 1784-87 годах.
Собрание баховских хоральных обработок для органа BWV 690-713a ныне известно как «кирнбергерово».
Автор 8 научных и музыкально-педагогических трактатов, а также многих музыкальных статей в знаменитом словаре И. Г. Зульцера «Общая теория изящных искусств». Основной труд Кирнбергера, двухтомный «Kunst des reinen Satzes in der Musik», посвящён технике современной музыкальной композиции. В центре внимания автора гармония и контрапункт; в книге также рассматриваются виды фактуры, типы развёртывания мелодии, основы музыкального метра, обсуждаются проблемы строя и темперации. Разработал 3 темперации, из которых наибольшую известность приобрела третья (так называемая «кирнбергерова»).
Написал 10 флейтовых сонат (наиболее популярна соната es-moll), 10 трио-сонат и другую камерную музыку. Автор ряда сочинений для органа, в том числе прелюдий, вариаций и других обработок хоралов. Среди учеников Кирнбергера, в частности, Даниэль Штейбельт.
J.PH. KIRNBERGER, Concerto for Harpsichord, Strings and B.C. in C minor
Концерт для клавесина и струнных до минор
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Период с конца XVII до начала XIX века можно назвать золотым временем становления и развития всех классических форм инструментальной музыки - сонаты, симфонии, концерта, струнного квартета, духового квинтета.
По сравнению с сольным репертуаром для флейты, трубы, валторны, позднее кларнета, репертуар для фагота значительно более скромен, и тем ценнее каждое сочинение, написанное для инструмента, незаменимого в большинстве партитур камерных, симфонических и оперных сочинений самых разных эпох и стилей.
Непосредственным предшественником фагота был старинный духовой инструмент под названием «бомбарда». В отличие от неё, фагот для удобства изготовления и переноски был разделён на несколько частей. Изменение конструкции благотворно повлияло на тембр инструмента, что отразилось в его названии ― на первых порах его называли «дульцианом» (от итал. dolce ― «нежный, сладкий»).
Эдгар Дега. Оркестр Опера, 1870. На переднем плане ― фаготист Дезире Дио
1962 год, 27 декабря, г.Киев
Отец мой после окончания университета работал в тбилиссокм озеленительном тресте. Жили мы близ университета на улице Вардисубани в коммунальной большой светлой комнате с общим балконом и общими коммунальными удобствами. В этой комнате ранее жила моя тетя, Тамара Чкония, со своей семьей. Когда ее назначили комиссаром детских домов для сирот, ее семья получила хорошую отдельную квартиру в Сололаки (один из центральных районов Тбилиси) по ул. Энгельса, 35. Тетя Тамара смогла переоформить эту комнату на своего младшего брата, т.е. на моего папу, так как, не имея своего жилья, молодая семья с двумя малолетними детьми терпела настоящее бедствие. К сожалению, в этой квартире и вообще в Тбилиси наша семья не смогла удержаться.
В то время в Грузии разгорелись невиданные репрессии, расстреливали или переселяли в Сибирь интеллигенцию. Под репрессию попали мои дяди – Акакий и Михаил Чкония. Общеизвестно, что во главе этих черных дел в Грузии стоял Лаврентий Берия, который считал себя другом Акакия Чкония. Все это знаю по рассказам моей тети Вали. Оказывается, что Акакий и Лаврентий были школьными друзьями и часто по необходимости даже обменивались одеждами. В Тбилиси в кругу наших близких родственников после смерти Иосифа Сталина не затихали споры по поводу того, кому было выгодно столкнуть со своего пути Акакия Чкония. Мои тети и отец настолько были напуганы, что даже дома не смели вслух говорить об этом. Но иногда с оговоркой, что буду в тайне держать все это, некоторые подробности все-таки доверили мне.
Акакий Чкония - дядя Ламары Чкония
Во время учебы в консерватории, не имея своего угла, я ночевала то у тети Тамары, то у тети Вали. У них на глазах я и выросла. Они учили меня жизненной мудрости. В их семьях я часто слушала рассуждения о событиях 1937 года. О трагической судьбе их двух братьев. Мой дядя Акакий Чкония к тому времени был достаточно именитым журналистом, основал газету «Колхозник», затем газету «Сельская Жизнь». Выпустил сборник грузинских народных стихов «Саундже», книги о «Николозе Бараташвили» и «Важа Пшавела». Был автором множества статей. Имел большой организаторский талант. В 1935 году совершенно неожиданно по приказу Берия моего дядю оторвали от журналистского дела и назначили директором государственного театра оперы и балета, объявив причиной то, что надо хорошо подготовить коллектив театра для проведения первой декады грузинского искусства в Москве. Известно, что эта декада прошла блестяще... Вдохновителем и организатором этого большого успеха был директор театра Акакий Чкония.
| "Суть Танго - это объятие и человек, с которым вы танцуете". |
[700x443]Это было потрясение – то самое, которое случается в жизни, когда находишь что-то свое, исключительное, как любовь с первого взгляда! – примерно так бы я сказала о демонической танго-музыке Астора Пьяццоллы.
До этого танго в таком виде, как его стал играть Пьяццолла, не существовало. Новаторство Пьяццоллы привлекло музыкальный мир только в 90-е и музыкальный мир согласился танцевать под "новое танго" (nuevo tango) Пьяццоллы...
И вот я подхожу к следующему своему !!! "потрясению": 80-е годы в Советском Союзе вообще не могли знать о "нуэво танго" и его гении..., но именно в 1980-м выходит короткометражный фильм по рассказу Сомерсета Моэма "Жиголо и жиголетта", и весь фильм оформлен музыкой Пьяццоллы! -
и эту тангомузыку танцует лучшая балетная пара Советского Союза (и не только СССР) Екатерина Максимова и Владимир Васильев!!!...
Фильм сделан очень просто, но, поверьте, получите почти 40 минут "потрясений"от этой истории, где главные кинороли исполняют (не только танцуют) невероятные Максимова и Васильев!...
[640x400]Жиголо — в начале века так называли наемного партнера для парных танцев, далее значение расширялось: как правило, жиголо за деньги становится любовником богатой женщины и скрашивает ее одиночество.
18 апреля - 75 лет знаменитому артисту балета, Владимиру Викторовичу Васильеву.
О христианских корнях в творчестве юбиляра размышляет Арсений Замостьянов. ( 1977, Москва) — российский литератор, писатель, публицист, краевед, поэт.)
Статья показалась мне интересной, представляю её вашему вниманию.
[показать]У каждого из великих мастеров балета найдутся по две-три коронные партии. А у Васильева таких коронных ролей — как минимум, десять. Он разрушал стереотипы амплуа, служил театру и танцу как настоящий подвижник. Его семейный и балетный дуэт с Екатериной Максимовой — настоящее чудо, о котором будут рассказывать легенды и век спустя.
[показать]
На вопросы о любимой партии Владимир Васильев всегда отвечает так: «Мне легче назвать нелюбимые». Это Голубая Птица в «Спящей красавице» и юноша в «Шопениане»: «Я их просто ненавидел — в них не было какого-то развития: ну что, ну, голубая птичка, ну, порхает и порхает. Эти две роли меня просто абсолютно не цепляли».
Все остальные роли одинаково любимы мастером. Особенно неожиданные, как Альберт: «Поначалу многие вообще не понимали, зачем мне нужно танцевать Альберта в „Жизели“. А он оказался одним из последних спектаклей, которые мы с Екатериной Максимовой танцевали в Метрополитен-опера в Нью-Йорке. Мне уже исполнилось к тому времени пятьдесят лет. Именно этим балетом из классического репертуара я заканчивал свою карьеру».
Да, ему дорог благородный Альберт, но всё-таки Спартак — особое слово в балетной судьбе Васильева. Подводя итоги ХХ столетия, ведущие специалисты мира признали Васильева «Танцовщиком ХХ века» — и самым веским аргументом для такого решения был «Спартак».
Балет А.Хачатуряна по мотивам одноименного романа Р.Джованьоли в постановке Государственного академического Большого театра Союза ССР.
Балетмейстер-постановщик - Ю.Григорович. Дирижер - А.Жюрайтис...(1970)
С участием В.Васильева,М.Лиепы,Е.Максимовой,Н.Тимофеевой.
“Уже в процессе работы над спектаклем (“Каменный цве [404x592]ток” - ред.) я полюбил дарование Васильева, его, я бы сказал, демократическую природу, раскрывшуюся в образе Данилы так неожиданно после “Вальпургиевой ночи” и “Шопенианы”. Я еще не знал, какой стороной повернется его талант в диаметрально противоположном – героическом характере Спартака или наилиричнейшем Щелкунчике. Все это было еще впереди, но после премьеры “Каменного цветка” Васильев уже стал Васильевым -танцовщиком редчайшего таланта
Касьян Голейзовский
“Вот когда “летит” Владимир Васильев – это поэзия, ибо здесь порыв духа. Артист, обладающий совершенной техникой и ощущением музыки, подчиняет себе сценическое пространство, живописуя его своим свободным штрихом, как художник кистью. Умение вот так “разговаривать” и есть смысл артиста”
Игорь Моисеев
Евгений Баратынский
Стиль Респиги отличается редкостной органичностью. Рано определившись, он развивался эволюционно, всегда сохраняя опору на классику; лишь постепенно и с большой осторожностью усваивал композитор средства современного музыкального письма. Яркость мелодии, пленительные краски оркестра, утонченный артистизм сделали его музыку широко популярной, демократичной в лучшем понимании этого слова, то есть без примитивизации и упрощенности.
В симфоническом творчестве Респиги своеобразно сочетаются современная техника письма, красочность оркестровки и тяготение к архаичной мелодике, старинным формам. Мировое признание Респиги получил как крупнейший представитель итальянского симфонизма (главным образом программного), утверждавший в итальянской музыке импрессионизм и неоклассицизм.
Отторино Респиги - один из самых любимых моих композиторов. Поэтому к выбору исполнителей этого чудесного произведения я подошла очень придирчиво, переслушав множество вариантов, разумеется, из того, что предлагает видеоресурс.
«Золушка» – чудесная история о великих чувствах и, пожалуй, ярчайший феномен мировой культуры. Прославляя вечные ценности и основополагающие добродетели, эта сказка с древнейших времен фигурирует в преданиях почти всех народов мира. Да и кто из нас не был очарован ею хоть однажды?..
И, конечно, на свете нет более популярного и актуального сюжета для воплощения на сцене. Поэтому не будет преувеличением сказать, что программа «Бал»(на радио "Орфей") на этот раз подошла к важнейшему из своих экскурсов, а в сопровождающие взяла, пожалуй, три наиболее известных шедевра мировой музыкальной культуры на тему Золушки –
лирико-комическую оперу итальянского композитора Джоаккино Россини,
14 фортепианных пьес.
Имя Михаила Ивановича Глинки не случайно стоит в истории русского искусства рядом с именем Пушкина. Они были современниками, почти ровесниками (Глинка на пять лет моложе), композитор не раз обращался к творчеству поэта, писал романсы на его стихи, создал оперу «Руслан и Людмила».
Но к Пушкину обращались многие и до Глинки, и после него. Важно то, что у обоих гениальных художников была единая задача, блистательно ими решенная: найти дорогу, по которой русские художники выйдут в один ряд с классиками мирового искусства. Это сделали, прежде всего, они сами — Пушкин и Глинка, став основоположниками русской литературной и музыкальной классики. Пушкина и Глинку сближает и ясный, светлый и оптимистический взгляд на мир, вопреки всем его несовершенствам и противоречиям. Отсюда такая стройность и ясность их собственных произведений.
Глинка осознал свое призвание очень рано. В помещичьем доме села Новоспасского, близ города Ельни, где он родился и провел детские годы, музыка звучала постоянно: играл крепостной оркестр, музицировали приезжавшие в гости любители музыки. Миша Глинка учился играть на фортепиано, немного на скрипке, но более всего любил слушать музыку.
«Музыка — душа моя»,— сказал однажды мальчик учителю, упрекавшему его за то, что на другой день после одного из домашних музыкальных вечеров он был необычно рассеян и думал вовсе не об уроках.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Много веков насчитывает история арфы - одного из древнейших
музыкальных инструментов. Появилась она еще на заре человеческой
цивилизации и стала прародительницей всех струнных инструментов.
Было это, возможно, так: однажды, натягивая тетиву лука, охотник заметил,
что она издает нежный мелодичный звук.
Он проверил свое впечатление, и звук
понравился еще больше. Тогда он решил натянуть рядом еще одну тетиву,
покороче, -- и получилось уже два музыкальных звука различной высоты.
Стало возможным сыграть простенькую мелодию. Это было великое
открытие: возник первый струнный щипковый инструмент.
Шли годы, десятилетия, века. К прежним струнам прибавлялись все новые и
новые; но музыкальный инструмент продолжал иметь форму лука. Его
держали в руках и играли, перебирая пальцами струны. Арфу любили в
Древнем Египте, Финикии и Ассирии. в Древней Греции и Риме. В Средние
века арфа получила огромное распространение в Европе. Особенно славились ирландские арфисты,
которые исполняли свои сказания -- саги -- под аккомпанемент маленькой
переносной арфы. Ее изображение даже вошло в национальный герб
Ирландии. Но постепенно арфа стала аристократическим инструментом.
На арфе играет лишь тот,
Кто свободен и знатен,
Она никогда не звучит
Под рукою раба...
так говорили поэты.
[показать]
Арфу богато украшали -- золотом, перламутром, мозаикой. Играли на ней, как
правило, женщины. "Волшебным инструментом" называли арфу поэты,
восхищенные ее нежными звуками.
В XIX веке считалось, что каждая благовоспитанная девица из "порядочного
общества" должна уметь играть на арфе. Лев Толстой в "Войне и мире"
рассказывает, как играла на арфе Наташа
Ростова. Сейчас арфа используется и как солирующий инструмент, и как один из
инструментов оркестра. Конечно, она очень сильно отличается от своих
средневековых предков. У нее сорок пять -- сорок семь струн, натянутых на
треугольную металлическую раму изящной формы, украшенную резьбой.
При помощи семи педалей, укорачивающих струны, когда это необходимо, на
арфе можно извлечь все звуки от ре контроктавы до фа четвертой октавы.
1963 год, 17 сентября, г. Киев
Киевский оперный театр по уровню и по официальной государственной категории уравнен с московским Большим и ленинградскими театрами. Таких театров в Советском Союзе только три. Когда говорю о категории этих театров, то подразумеваю огромные материальные ресурсы, возможности и большие зарплаты. Киевский театр десятилетиями украшала певица мирового уровня, народная артистка СССР, любимица украинского народа Зоя Михайловна Гайдай. Я не имела счастья слушать ее со сцены, так как за два года до моего приезда в Киев она оставила сцену и всю свою энергию отдавала воспитанию молодых певцов в консерватории. И вот через полтора месяца после моего приема в театр был назначен мой дебют в роли Татьяны в опере «Евгений Онегин» П. Чайковского.
Зоя Гайдай
Роль Татьяны для дебюта я избрала потому, что она у меня еще в Тбилиси была готова, но тогдашнее тбилисское руководство театра приложило все усилия, чтобы не допустить меня к этой роли. И вообще, после того как в опере «Даиси» роль Маро я спела успешно и в музыкальном мире города, а также в прессе появились положительные отзывы, руководство театра вместо того, чтобы поощрить начинающую артистку, в течение четырех лет, все силы приложило, чтобы я оставила театр.
В киевском театре на первых репетициях я почувствовала, что все вокруг буквально дышит воспоминаниями о Зое Гайдай: «Вот, наша Зоя это место так исполняла!.. Вот наша Зоя эту фразу так пела!.. Вот, наша Зоя эту фразу с таким подтекстом мыслила!». Дирижер, Режиссер и партнеры – все стремились как-то помочь мне достойно спеть спектакль. И я старалась учитывать их советы одновременно не потерять свою индивидуальность. Тем более, что в детстве в Батуми во время занятий в русской школе я всего «Евгения Онегина» знала наизусть. И даже имела свое индивидуальное видение образа Татьяны.
Генеральные оркестровые репетиции уже закончились, и мой дебют в роли Татьяны хорошо прошел. В зале был полный аншлаг. Люди стояли в проходах. Спектакль дирекция театра хорошо разрекламировала – по всему Киеву расклеены были огромные афиши. К этому добавились интервью директора театра по радио, телевидению и прессе.
После спектакля многие поздравляли меня с успехом. В переполненную людьми гримерную заглянул радостный директор Виктор Петрович Гонтарь и с порога громогласно заявил: «Вот, только сейчас можете считать, что вас приняли в театр, а не два месяца назад, когда зарплату назначили!».
Ламара Чкония - работа художника А. Отрешко
[показать]
Елизавета Владимировна Шумская
(12 апреля 1905 - 5 марта 1988)
«Чтобы петь вдохновенно, надо беззаветно любить свою профессию и неустанно работать над собой».
Эти слова народной артистки РСФСР Елизаветы Владимировны Шумской можно поставить эпиграфом ко всей ее творческой жизни, исполненной непрерывного труда, целеустремленного, освещенного преданной любовью к своему делу.
Творческий путь Е. В. Шумской начался в 1928 году на сцене только что организованной Ивановской самодеятельной рабочей оперы. Это было время, когда молодая советская интеллигенция активно претворяла в жизнь выдвинутый партией лозунг; «искусство в массы». Студентка Ивановского музыкального техникума Елизавета Шумская со всей присущей молодости энергией выступала вечерами в рабочих клубах, днем — прямо в цехах ткацкой фабрики; с такими же, как и она, студентами выезжала на концерты в Ивановскую область. Репертуар диктовался наличием аккомпанемента: под фортепиано пела оперные арии и романсы, под баян — русские народные песни. Эти концерты давали хорошую творческую практику, способствовали созданию репертуара, а главное — рождали непосредственное ощущение того, как нужно искусство самым широким массам молодой Республика Советов.
На сцене Ивановской оперы Е. В. Шумская впервые спела партии Микаэлы («Кармен» Бизе), Маргариты («Фауст» Гуно), Чио-Чио-Сан.
.
Чудесный фильм. В нем все прекрасно, и музыка, и исполнительское искусство пианиста, и, конечно же, прекрасен сам музыкант. А с каким восторгом принимает его публика, это все надо видеть.
В ряду великих пианистов XX века: Артура Рубинштейна, Артура Шнабеля, Эмиля Гилельса, Святослава Рихтера имя Владимира Горовица знаменовало величайшую веху в истории пианистического искусства. Жизнь В.Горовица, это большой путь, пройденный артистом в России, в Европе и Америке.
Вольтер писал: «Чтобы иметь успех в области искусства, нужно иметь «чертика» в сердце». Присутствием «чертика» объясняли современники игру великого скрипача Н.Паганини. Успех В.Горовица — в какой-то мере следствие его «чертика».
[показать]Задолго до выступления, еще до прикосновения к роялю им овладевал ни с чем не сравнимый трепет, но за первым звуком, когда робость оставляла его, Горовиц преобразовывался до неузнаваемости, у него появлялась огромная энергия, и он исполнял произведение с азартом.
В 1925 году пианист эмигрировал за границу. Хотя на первых концертах В.Горовица в Берлине, Гамбурге и Париже слушателей было мало, так как его имя еще не было известно, в последующие дни билеты брались с боя.
Шумная слава Горовица началась следующим эпизодом. В Гамбурге в его номер гостиницы вбежал запыхавшийся антрепренер и попросил заменить заболевшего солиста в Первом концерте Чайковского. Выступать надо было через полчаса. Горовиц бросился в зал, где дирижер сказал ему:
- Следите за моей палочкой, и, бог даст, ничего страшного не случится.
Уже через несколько тактов ошеломленный дирижер сам следил за игрой солиста, и когда концерт окончился, восхищенная публика за полтора часа раскупила билеты на его последующие сольные концерты.
В.Горовиц триумфально входил в музыкальную жизнь Европы.
В 1928 году новые овации принесли Горовицу выступления на американском континенте. «После исполнения в Карнеги-холле концерта Чайковского с оркестром и сольной программы, ему была устроена самая бурная встреча, на которую может расчитывать пианист», — писала пресса. В дальнейшем, после перерыва на несколько лет из-за болезни, по настоянию своего друга Рахманинова и дирижера А.Тосканини (на дочери которого он был женат)
"Голос героической силы и необычайной красоты, исполненный мрачной чувственности и таинственной грусти, но прежде всего голос грома и молнии, огня и крови..."
Герберт фон Караян о Франко Корелли
[819x1009]
Франко Дарио Корелли практически всю свою исполнительскую жизнь посвятил выступлениям на оперной сцене. Сольные концерты Корелли были редкими. Он не получал систематического музыкального образования, многие знания он черпал от друзей, учившихся в консерватории. Учился Корелли на родине Россини, в Пезаро. Для развития верхнего регистра некоторое время стажировался у Лаури-Вольпи.
Корелли внимательно изучил записи и технику Дель Монако, начав с простой имитации его пения. Эта техника заинтересовала его, несмотря на то, что голосовые связки подвергались чрезмерному напряжению. Корелли смог приспособить ее для себя, выработав технику «плавающей гортани», что позволило ему сделать звучание голоса менее одноцветным, чем у Дель Монако и петь мецца воче и свои легендарные диминуэндо на высоких нотах.
Послушайте симфонию весны... - 41
Чудесное произведение Альфреда Шнитке "Сюита в старинном стиле" - 26
100 лет Святославу Рихтеру. ФРАГМЕНТЫ ЖИЗНИ - 25
Кошачья музыка: барочная «Кошачья фуга», джазовый «Котенок на клавишах»... - 19
Иоганн Себастьян Бах (1685 - 1750) - 18
Иоганн Себастьян Бах. Лекции игумена Петра (Мещеринова) - 18
Концерт органной и вокальной музыки "ОТ БАРОККО ДО СОВРЕМЕННОСТИ" - 17
"ПЕЛ Я СЛАДОСТНОЮ СКРИПКОЙ..."К 115-летию христианского «Орфея» - 13
«Солнечные квартеты» Йозефа Гайдна - 13
Грусть воспоминаний в музыке П.И.Чайковского - 12
Фильм-опера "Катерина Измайлова" Д.Шостаковича - 12
Посвящается Пабло Сарасате - 11
Мне слышен отчётливо МАРТОВСКИЙ ХОР... - 11
Йозеф Гайдн (1732 — 1809) - 10
100 лет со Дня рождения Святослава Рихтера. "Рихтер, непокорённый" - 10
Музыка барокко. Жан-Филипп Рамо - 10
Портреты на банкнотах: (не)много музыки... - 10
"МУЗЫКАЛЬНЫЕ ДЕЛИКАТЕСЫ" К ПРАЗДНИКУ! - 10
"Крейцерова соната" и "Интимные письма" Леоша Яначека - 10
Бетховен. Виолончельная соната соль минор - 9
Бетховен. Увертюра "Кориолан" - 9
Модест Петрович Мусоргский. "Борис Годунов" - 8
Китайский пианист Ланг Ланг выступил в Концертном зале Чайковского.
Ланг Ланг входит в сотню самых влиятельных персон планеты, по версии журнала «Таймс», а «Нью-Йорк таймс» называет его «самым ярким исполнителем классической музыки в мире».
Ланг Ланг приехал в Москву, чтобы дать единственный концерт в зале имени Чайковского. В программе: Бах, Чайковский, Шопен.
Всемирная популярность музыканта, игравшего на открытии Олимпиады в Пекине, на его родине отозвалась массовым увлечением фортепиано, которое уже назвали «эффектом Ланг Ланга».
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
«Джузеппе Тартини, — писал Давид Ойстрах, — принадлежит к числу корифеев итальянской скрипичной школы XVIII века, искусство которых сохраняет свое художественное значение до нашего времени. В музыке Тартини, прежде всего, привлекает ее выразительность, искренность, теплота, мелодичность. Музыке этой поры присущ речитативный характер, когда, кажется, только слов и не хватает, чтобы полностью передать воплощенные в ней чувства и переживания».
Тартини придавал важнейшее значение искусству «пения на скрипке». О его игре современники говорили: «Не играет, а поет на скрипке». Это подтверждается и широким использованием кантилены в сочинениях Тартини. Особенность его музыки заключалась в содержании скрипичного «пения», в его более субъективном и эмоциональном, углубленно-лирическом и проникновенном характере.
Скрипичный концерт ре минор - Allegro
[показать]Джузеппе Тартини родился в небольшом истрийском городке Пиране (итальянское название — Пирано), ныне принадлежащем Югославии. Отец его, флорентийский купец Дж. А. Тартини, поселился здесь еще в 70-е годы и женился на уроженке Пирано Катерине Занграндо. Близость Пирано к Венеции обусловливала итальянские музыкальные веяния; они органично переплетались здесь с воздействиями славянского фольклора, так как большую часть населения с давних пор составляли словенцы и хорваты. С детских лет Джузеппе окружали музыкальные впечатления, связанные с народными итальянскими и славянскими певцами и музыкантами, что в дальнейшем сказалось на его творчестве.
Идея создания «Stabat Mater» посетила Митрополита Илариона (Алфеева) еще в 2007 году, когда он работал над «Страстями по Матфею».
«В Евангелии от Матфея ничего не сказано о Матери Божией, стоящей у Креста. Но мне хотелось написать сочинение, которое было бы посвящено именно этой теме. Это вечная тема: Мать, плачущая о страданиях своего ребенка, и Божия Матерь, Которая плачет о страданиях всего мира и с молитвой обращается к Своему Сыну — воплотившемуся Богу».
Мировая премьера «Stabat Mater» Митрополита Илариона (Алфеева) состоялась 22 января 2012 года в Москве.
[435x520]"STABAT MATER"
(«Стояла мать скорбящая»)
[показать]«Страсти по Матфею»(2006) - монументальное произведение для солистов, хора и оркестра митрополита Илариона (Алфеева) . Фрагменты Евангелия чередуются с музыкальными номерами -- речитативами, хорами, и ариями, текст которых заимствован главным образом из православного богослужения Страстной седмицы. Молитвенное сопереживание страдающему Спасителю и духовное осмысление крестной смерти Богочеловека -- в этом заключается внутреннее содержание музыки, отражающей православное прочтение истории страданий Иисуса Христа.
«СТРАСТИ ПО МАТФЕЮ»
(премьера оратории митрополита Илариона (Алфеева)
Большой Зал Московской Консерватории, 27 марта 2007 года.