[показать]27 ноября в Концертном зале им.П.И.Чайковского народный артист России Александр Рудин, Московский камерный оркестр Musica Viva совместно с прима-балериной Большого театра России Марианной Рыжкиной в роли балетмейстера представили уникальный проект "Балет для виолончели" или "Хореографические рококо-вариации".
[показать]
Идея этого оригинального проекта, задуманного Александром Рудиным, необыкновенно свежа, изящна и благородна. Маэстро предлагает всем нам по-новому взглянуть на одно из самых любимых и популярных сочинений виолончельного репертуара — знаменитые "Вариации на тему рококо" Петра Ильича Чайковского, а именно — услышать и увидеть эту музыку в танце. Говоря о Вариациях, Александр Рудин подчеркивает, что они всегда вызывали в нем «балетные ощущения». «В них есть какой-то элемент балетной формы, хореографической сюиты...», — считает музыкант.
Воплотить идею — создать на музыку авторской версии Вариаций балетную партитуру — взялась прима-балерина Большого театра Марианна Рыжкина. Являясь ярчайшей представительницей классической школы русского балета, Марианна, тем не менее, вносит в танец элемент импровизационности, — «говорит» на языке неоклассики. А еще для этого магического действа придуманы особые, динамические световые эффекты, что, безусловно, добавляет «мини-спектаклю в концерте» очарования театральности.
Премьеру ожидаешь с нетерпением: когда еще можно будет стать свидетелем такого чуда! В проекте, созданном оркестром MusicaViva, танец дополняет музыку, и танцовщики следуют за харизмой солиста, моментально подчиняя язык жестов вдохновенному исполнению партитуры, словно бы становясь непосредственным воплощением образов, возникающих у Александра Рудина в момент игры.
Драматургия концерта также заслуживает отдельных слов. К Вариациям — кульминации концерта — мы будем готовиться постепенно: сначала — в первом отделении — наслаждаясь танцевальностью, выраженной в музыке Вебера и Стравинского, а затем — и Чайковского, «Моцартиана» которого, открывающая второе отделение, будет исполнена Маэстро и его оркестром MusicaViva уже со световыми эффектами. И, наконец, кульминация концерта — хореографический дивертисмент .
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Эта прекрасная песня - песня замечательного композитора и человека Александра Егоровича Варламова. Сегодня исполняется 214 лет со дня его рождения.
Композитор, учитель, капельмейстер, певец, музыкальный критик,
Алекса́ндр Его́рович Варла́мов ( 27ноября 1801, Москва, Российская Империя — 27 октября 1848, Санкт-Петербург) — один из известных русских композиторов.
Романсы и песни А. Варламова — яркая страница русской вокальной музыки. Композитор замечательного мелодического дарования, он создал произведения большой художественной ценности, завоевавшие редкую популярность. Кому не известны мелодии песен «Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метет» или романсов «Белеет парус одинокий», «На заре ты ее не буди»? По справедливому замечанию современника, его песни «с чисто русскими мотивами сделались народными». Знаменитый «Красный сарафан» пелся «всеми сословиями — и в гостиной вельможи, и в курной избе мужика», и даже был запечатлен в русском лубке. Но судьба композитора сложилась менее счастливо, чем судьба его песен.
[показать] [показать]Третий концерт сочинен в 1800 году (эскизы относятся к 1797 г.). 15 декабря того же года в письме к издателю Бетховен писал : «...Лучшие концерты придерживаю для себя», — иначе говоря, для своей будущей академии. К апрелю 1802 года, по словам Бетховена, ор. 37 уже был готов, но композитор просил издателя повременить с публикацией. Первое исполнение концерта автором состоялось 5 апреля 1803 года.
В ноябре 1804 года концерт вышел из печати.
Концерт имел успех, снискал популярность. Так, в известном Музыкальном словаре Гербера, изданном в 1812 году, сказано: «...Это, быть может, высшее творение среди тех, что были созданы всеми мастерами в данном жанре».
Концерт для фортепиано с оркестром № 3,op. 37
и вариант-отдельно по частям-
1 часть, Allegro con brio
2 часть, Largo
3 часть, Rondo. Allegro
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Хотя мы сейчас навряд ли разделим мнение современников Г. Ф. Телемана, ставивших его выше И. С. Баха и не ниже Г. Ф. Генделя, он действительно был одним из наиболее ярких немецких музыкантов своего времени. Удивительна его творческая и деловая активность: композитор, о котором говорят, что он создал столько произведений, сколько Бах и Гендель вместе взятые, Телеман известен также как поэт, талантливый организатор, создавший и руководивший оркестрами в Лейпциге, Франкфурте-на-Майне, содействовавший открытию первого в Германии публичного концертного зала, основавший один из первых немецких музыкальных журналов. Это далеко не полный перечень видов деятельности, в которых он преуспел. В этом жизненном тонусе и деловой хватке Телеман - человек века Просвещения, эпохи Вольтера и Бомарше.
С ранних лет успех в его работе сопровождался преодолением препятствий. Само занятие музыкой, выбор ее своей профессией поначалу натолкнулось на сопротивление матери. Будучи в целом широко образованным человеком (он учился в Лейпцигском университете), Телеман, однако, не получил систематического музыкального образования. Но это с лихвой компенсировалось той жаждой знаний и способностью к их творческому усвоению, которыми была отмечена его жизнь вплоть до глубокой старости. Он проявлял живейшую общительность и интерес ко всему незаурядному и великому, чем славилась тогда Германия. Среди его друзей такие величины, как И. С. Бах и его сын Ф. Э. Бах, Гендель, не говоря уже о менее значительных, но крупных музыкантах. Внимание Телемана к чужим национальным стилям не ограничивалось наиболее ценимыми тогда итальянским и французским. Услышав в годы Капельмейстерства в Силезии польский фольклор, он восхитился его "варварской красотой" и написал ряд "польских" сочинений.
1- Concerto in E minor - Allegro (00:00)
2- Der stürmende Aeolus (04:38)
3- Concerto for trumpet ans strings (06:52)
4- Concerto for violin - Vivace (14:54)
5- Flute concerto in C - Tempo di minuet (17:28)
6- Concerto Grosso - Allegro (23:18)
"Его музыка похожа на своего создателя: загадочная, стремительная, дерзкая и непредсказуемая"
[показать] Сергей Дрезнин(р.1955г.)— композитор и пианист-исполнитель. Родился в Москве, закончил Центральную музыкальную школу и Гнесинский институт по классу фортепиано у Б. М. Берлина, Московскую Государственную Консерваторию им. П. И. Чайковского по классу композиции. Лауреат Первой премии Всесоюзного конкурса композиторов (1985 г.), дипломант Всероссийского конкурса пианистов «Казань-77». Выступал с концертами во многих странах. В 1988 в Вене основал Krassij Angel Company.Автор 16 музыкальных спектаклей, которые шли на сценах театров Вены, Берлина, Москвы, Нью-Йорка и других городов. Среди них: «Офелия», Rомео + Juliet, «Маленькие трагедии», «Победа над Солнцем» (с костюмами по эскизам Малевича), полит-мюзикл «1000 Солнц, или Др. Йокель рвется к власти» (Вена), «11. Сентября — Свидетельство». Его мюзикл «Екатерина Великая — музыкальные хроники времен Империи», выдвинутый на премию «Золотая Маска» (2009) в пяти номинациях, уже семь лет идет с аншлагами на сцене Свердловской музкомедии.
Автор музыки к фильмам «Легенда о Сальери» (Москва, 1986), «Эль Чико» (Австрия, 1995), «Падшие» (США, 2004) и нового музыкального сопровождения к шедевру советского немого кино «Бабы рязанские». В 1987 году по просьбе Ларисы Тарковской написал фортепианную сюиту In Memoriam Andrei Tarkovski, которую исполнил на концерте, посвященном Тарковскому, в Римини (Италия) с участием Максимилана Шелла и Кшиштофа Занусси, в присутствии 7000 зрителей.
12 марта 2001 года состоялась триумфальная премьера Концерта-Фантазии «Данте» (по Листу) в Большом зале Московской Консерватории. Исполнители — Гидон Кремер и «КРЕМЕРата Балтика». В 2004 г. на фирме "Дойче Граммофон «вышел компакт-диск с записью «Данте» и фантазии «Цирк» (по Дунаевскому) в исполнении Гидона Кремера.
Совместно с выдающимся австрийским тенором Райнвальдом Краннером создал вокальный цикл-спектакль Dichterliebe: Re-mixed Emotions по знаменитому вокальному циклу Роберта Шумана. В 2011 году к 200-летию Франца Листа вышел диск Franz Liszt: Live in Paris (Extraplatte).
В мае 2015 года в Париже состоялась премьера лирического мюзикла Сергея Дрезнина «Четыре часа из жизни женщины» по знаменитой новелле Стефана Цвейга.
[показать]И.Дунаевский - С. Дрезнин
Фантазия на темы музыки к кинофильму «Цирк»
(как всегда несколько вариантов)
Денис Мацуев(фортепиано) и Борислав Струлев(виолончель)
[показать] Гидон Кремер (скрипка) и Олег Майзенберг(фортепиано)
[показать]
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Цезарь Антонович Кюи был на редкость многогранной личностью. Он оставил после себя богатое музыкальное наследие, однако при жизни был известен не только как член «Могучей кучки», но и как профессор фортификации — военной науки о создании фортификационных построек.
Отец Цезаря, Антон Леонардович Кюи, был солдатом наполеоновской армии. После поражения в войне 1812 года был ранен и обморожен и вынужден был остаться в России. На родину во Францию он так и не вернулся. Поселился он в Вильне, там женился на Юлии Гуцевич и стал преподавать французский язык в местной гимназии.
Рожденный в их браке сын Цезарь уже с ранней юности стал проявлять интерес к музыке, скорее — с младенческих лет: ему не было еще и пяти, когда он уже мог на слух наигрывать услышанные ранее военные марши. Когда ему исполнилось десять, его стала обучать музыке старшая сестра.
В 1851-м году, когда ему исполнилось всего шестнадцать, поступил в главное инженерное училище в Петербурге, а к двадцати годам уже имел чин прапорщика. Окончив Николаевскую инженерную академию, он получил чин поручика и остался при академии служить в качестве репетитора. В Петербурге Цезарь познакомился с Балакиревым, и с остальными членами "Могучей кучки."
В 1858 году Кюи женился на Мальвине Бамберг, одной из учениц Даргомыжского, которой посвятил свой первый опус — Скерцо для фортепиано в 4 руки 1857 года.
Но идиллия мирной жизни длилась не долго. Когда началась Русско-турецкая война, Кюи отправился на фронт. Там он участвовал в укреплении фортификационных сооружений. Параллельно вел обзор фортификационных работ. Вскоре он занимал по своей специальности должность, причем в трех высших учреждениях сразу. В конце концов он дослужился вначале до профессора, а затем и до заслуженного профессора, и получил чин генерал-майора. Также он был известным автором по своему предмету и весьма уважаемым знатоком своего дела..
Прелюдия оп. 64, №2.
[показать] Вивальди! Прелестное имя. Как будто предупреждает непосвящённого ещё слушателя, что и музыка будет такой же прелестной!
[показать]Антонио Вивальди (1678—1741) внес весомый вклад в самые различные области музыкального искусства своего времени. Однако, наиболее значительные его достижения связаны с развитием инструментального, прежде всего скрипичного концерта. В этом жанре он по количественным показателям далеко превзошел не только своих современников, но и всех, когда-либо писавших для скрипки. У Вивальди выступления солистов рождены неограниченным полетом фантазии; в свободном, порой импровизационном изложении их партий раскрывается виртуозная природа инструментов и вся форма концертов приобретает совершенно новый динамичный характер.
[430x540]Антонио Вивальди
Концерт си минор RV580 для четырех скрипок
исп.Давид Ойстрах,Леонид Коган,Игорь Ойстрах,Павел Коган.
[показать] 
[показать] [показать]20 ноября 1925 — 2 мая 2015
В 1972 году француз Ролан Пети, руководитель и хореограф известного в мире Марсельского балета, поставил в Москве для блистательной балерины современности Майи Плисецкой одноактный балет «Гибель розы» на музыку «*Адажиетто» Густава Малера, сюжет которого был взят из стихотворения «Больная роза», английского поэта 18 века Уильяма Блейка.
Здесь роза – олицетворение красоты, а «… червь, реющий в бездне» - это образ Дьявола. Есть множество поэтических переводов этого стихотворения на русский язык, вот один из них :
Ты больна, бедняжка – роза,
Тайный червь в тебя вошёл -
Тот, что ночью крупнозвёздной
Оседлал попутный шторм.
Он проник в твой рай укромный
Цвета красного вина.
И его любовью тёмной
Жизнь твоя поражена.
У. Блейк (Перевод Е. и Я. Фельдман).
Премьера балета состоялась в Париже, полный драматизма и величественной красоты дуэт пользовался большим успехом.
В 1983 году в России был снят фильм-балет «Гибель розы» на музыку «Адажиетто» Г. Малера, где балетные партии исполняли Майя Плисецкая и Валерий Ковтун.
Этот балет исполняется сегодня во многих театрах мира и неизменно имеет успех его музыка ,мастерство танцоров и необычный сюжет.
Ещё о Майе Михайловне Плисецкой-Майя Плисецкая-не"Умирающий лебедь"
[показать]
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Мазурок Юрий Антонович
Родился 18 июля 1931 года в городе Красник (Люблинское воеводство, Польша).
Оперный певец (баритон).
Заслуженный артист РСФСР (20.06.1968).
Народный артист РСФСР (19.07.1972).
Народный артист СССР (25.05.1976).
Детство будущего певца прошло на Украине. Окончив среднюю школу, он поступил во Львовский политехнический институт (окончил в 1955), где увлёкся студенческим музыкальным театром. Вскоре Юрий стал признанным "премьером" оперной студии института.
В 1960 году окончил учёбу в Московской консерватории (класс С. Мигая). Ещё в период обучения он завоевал призовые места на трёх труднейших конкурсах вокалистов, в 1963 году окончил аспирантуру Московской консерватории (класс профессора А. С. Свешниковой).
В 1963 году был принят в стажёрскую группу Большого театра, с которым стало связано его дальнейшее творчество.
Выступал в спектаклях и других оперных театров страны, принимал участие в постановках зарубежных оперных трупп, пел в Ковент-Гардене, Венской опере, в Сан-Франциско, Милане, вместе с зарубежными исполнителями, среди которых Катя Ричарелли, Хосе Каррерас, Николай Гедда.
Много и с успехом гастролировал по стране и за рубежом с сольными концертами (Румыния, Венгрия, Великобритания, Канада, Польша, ФРГ, Финляндия, Франция, ГДР, Япония, Австрия).
В обширный камерный репертуар певца вошли песни и романсы русских и западноевропейских авторов - Чайковского, Рахманинова, Римского-Корсакова, Шуберта, Шумана, Грига, Малера, Равеля, песенные циклы и романсы Шапорина, Хренникова, Кабалевского, народные песни. Член КПСС с 1968 года.
Умер певец 1 апреля 2006 года в своем доме, в пригороде Москвы. Похоронен в Москве на Троекуровском кладбище.
[показать]
[показать] Иоганн Давид Хайнихен(1683 – 1729) -придворный капельмейстер, композитор, музыкальный теоретик.
Обучался в Риме, Неаполе и Венеции. Композитор, писавший яркую музыку и проживший, как это часто бывает с талантами, не так уж много.
Он скончался от туберкулёза в 1729 г., когда ему было всего 46 лет...
С 1717 г. до самой смерти Хайнихен служил придворным капельмейстером в Дрездене - а это о чём-то да говорит!
Двор саксонского князя Августа являлся одним из главных музыкальных центров Европы.
Из музыкальных сокровищ Дрезденской придворной капеллы 18 века.
Иоганн Давид Хайнихен
Concerto a 7 in G-Major, Seibel 214
I. Vivace (0:00)
II. Largo (2:35)
III. Allegro (4:37)
[показать]
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Вебер - многосторонне одаренная личность — дирижер, пианист, литератор, музыкально-общественный деятель. Он был активным борцом за немецкое национальное искусство. Его творческое наследие включает сонаты, концерты, программные пьесы для фортепиано, камерные произведения, песни, но ведущая роль принадлежит опере. Произведения Вебера связаны с поэтическим миром народных легенд, преданий, сказок. Музыка их пленяет неподдельной искренностью, она темпераментна, романтически порывиста.
Карл Мариа Вебер родился 18 ноября 1786 года в северо-немецком городе Эйтине, в семье странствующего антрепренера и дирижера. Детство будущего композитора протекало в атмосфере кочующего провинциального театра. Прекрасное знание сцены, приобретенное в детские годы, впоследствии оказалось плодотворным для оперного творчества композитора. Постоянные разъезды препятствовали систематическому обучению музыке, однако к семнадцати годам одаренный юноша был уже выдающимся пианистом и автором многих сочинений, в том числе оперы «Петер Шмоль и его соседи» .
В 1804 году Вебер стал дирижером оперного театра в Бреславле, но ненадолго. В жизни композитора наступила тяжелая пора: не имея постоянного пристанища, испытывая нужду, он переезжал из города в город, был дирижером, домашним учителем музыки, пианистом. В этот период он писал многочисленные инструментальные и вокальные произведения. Патриотический подъем, охвативший передовую немецкую интеллигенцию во втором десятилетии XIX века после краха наполеоновской империи, нашел у Вебера активный отклик. Он создал сборник патриотических песен — «Лира и меч» на слова поэта Т. Кернера, получивший широкое народное признание.
С 1813 по 1816 год Вебер был оперным дирижером в Праге; затем переселился в Дрезден, где последние десять лет жизни руководил театром немецкой оперы. Дрезденский период ознаменован созданием лучших фортепианных сочинений Вебера — «Приглашения к танцу», «Концертштюка» для фортепиано с оркестром и др.
Что утро – не спешит менять картины,
Что не уходит быстро..."
Терентiй Травнiкъ
Итак,как сказал И.Гейне:"Где кончаются слова, там начинается музыка".
М. Мусоргский
"Рассвет на Москве - реке"
(увертюра к опере "Хованщина")
Краткое вступление к опере, которое композитор назвал «Рассвет на Москве-реке» — это не только удивительной красоты пейзажная зарисовка, но и символическая картина рассвета, встающего над страной по воле юного Петра, надежда на прекрасное будущее утро России.
Звучит начинающаяся с долгого вступительного звука восходящая мелодия у альтов. Ее подхватывает солирующая флейта, унося ввысь, где ее, в свою очередь, поддерживает дрожащее тремоло скрипок. На этом фоне вторые скрипки с гобоем запевают широкую народного характера мелодию, после которой соло кларнета звучит как крик петуха, возвещающего рассвет. Ему отвечает клич валторны. Переклички инструментов продолжаются и дальше на постепенно уплотняющемся оркестровом фоне. Вот уже раздольная песня у гобоя сопровождается непрерывно льющимися пассажами скрипок — как будто потоком солнечных лучей. Другая тема, близкая по характеру первой, появляется в более плотном звучании — кларнетов, фаготов и виолончелей. Валторны, арфы, литавры и тамтам с пиццикато контрабасов имитируют колокольный звон. Он все более разрастается, хотя и в пределах пианиссимо. Распевные мотивы становятся постепенно все короче и истаивают. Лишь легчайшее тремоло скрипок да восходящие ввысь отдельные звуки флейты и арфы завершают эту лаконичную зарисовку.
[показать]
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Вслед за темными и мрачными средневековыми временами пришел более цивилизованный, спокойный и красочный период барокко. Хореографические постановки все больше и больше насыщались утонченностью, манерностью и, в конце концов, превратились в бальные танцы, которые исполнялись на грандиозных придворных празднествах и торжествах. Эти балы сопровождались прекрасным музыкальным аккомпанементом, строгими правилами поведения и определенным этикетом, что обязывало танцы к соответствующей трансформации. Особо яркий расцвет бальной культуры и танцевального искусства в эпоху барокко пришелся на 17-й век.
Каждая эпоха характеризовалась своими предпочтениями, вкусами и приоритетами в искусстве, в том числе и в культуре танца. Именно во времена барокко появились различия между мужскими и женскими танцевальными движениями. Стиль танцев барокко отличался особой эмоциональностью, величием и спонтанностью, которые пришли в эту эпоху со времен ренессанса.
Голос её густой, сочный, напоминает низкий человеческий.
Лучше всего звучат на виолончели широкие напевные мелодии.
Федор Иванович Шаляпин говорил: «Петь надо так, как поет виолончель».
В этих словах заключена, пожалуй, наиболее глубокая характеристика этого замечательного музыкального инструмента.
То произведение ,что хочу вам предложить послушать,я впервые услышала на балу в честь Елены Образцовой.
Популярную арию Ленского из "Евгения Онегина" в переложении для виолончели исполнял виолончелист Борислав Струлев(его записи не нашла).
Виолончель пела!
исп.МИША МАЙСКИЙ
*****
Писатель Максим Горький в своей автобиографической повести «В людях» вспоминает, как однажды, идя поздним вечером по улице, он услыхал из окна «необыкновенный звук, точно кто-то очень сильный и добрый пел, закрыв рот; слов не слышно было, но песня показалась мне удивительно знакомой и понятной… Я сел на тумбу, сообразив, что это играют на какой-то скрипке, чудесной мощности и невыносимой — потому что слушать ее было почти больно. Иногда она пела с такой силой, что казалось — весь дом дрожит и гудят стекла в окне. Капало с крыши, из глаз у меня тоже закапали слезы».
Инструмент, который растрогал до слез молодого Горького, был виолончелью. Он в первый раз слышал звучание виолончели и еще не знал ее названия.
Впрочем, назвав виолончель «скрипкой чудесной мощности», Горький не так уж ошибся.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Сюита была создана Генделем в 1749 г. по заказу короля Георга II для праздника по случаю заключения Ахенского мира в войне за Австрийское наследство.
Торжество с фейерверком готовилось для знати, дипломатов и приглашённых гостей, но было решено провести генеральную репетицию без фейерверка, на которой музыку мог послушать народ. О месте репетиции (состоялась она в лондонском Грин-парке или в Воксхолл-гарденз) Гендель долго препирался с устроителями праздника.
Ещё бо́льшие споры вызвало стремление Генделя использовать в сюите струнные инструменты, в то время как король желал, чтобы играла только «военная музыка», то есть оркестр, состоящий из деревянных и медных духовых и литавр (оркестр должен был состоять из 16 гобоев, 15 фаготов, 20 валторн, 40 труб, 1 контрафагота, 8 пар литавр, 12 барабанов). Возникли трудности и с назначением даты генеральной репетиции, поскольку её хотел посетить герцог Камберлендский и потребовалось выбрать удобное для него время.
Генеральная репетиция состоялась 21 апреля 1749 г., в пятницу, в 11 часов утра. Входная плата составила два с половиной шиллинга. Сообщалось, что в репетиции участвовали 100 музыкантов, а слушателей собралось 12 тысяч. Конные экипажи и пешеходы, спешащие на представление, создали огромную пробку, и даже возникла драка.
Основное торжество прошло 27 апреля 1749 г. в Грин-парке в Лондоне. Музыка Генделя сопровождала грандиозный праздничный фейерверк. Режиссёром зрелища был известный архитектор и театральный декоратор Дж. Сервандони. Для музыкантов он возвёл громадное, напоминающее дорический храм деревянное здание высотой около 30 м и длиной около 117 м. После того как прозвучала музыка Генделя, дали знак к началу фейерверка. Был произведён салют из 101 медной пушки. Фейерверк оказался менее удачным, чем музыка. Построенное здание загорелось, когда на него упал барельеф Георга II. К счастью, никто не пострадал.
Елена Образцова – не просто звезда, она – суперзвезда, она – первая, настоящий Образец для всех, не зря ей Богом была дана такая фамилия»
Дмитрий Бертман
«Оперный бал Елены Образцовой»
[показать]Сегодня,10 ноября 2015 в 21.25(мск), на телеканале "Культура" трансляция из Большого театра России «Оперного бала Елены Образцовой» - Гала-концерта, посвященного великой певице, чье имя стало одним из символов русского оперного искусства и продолжает служить его славе.
Уникальный вечер под этим названием к 75-летию Елены Образцовой, состоявшийся в Большом театре 28 октября 2014 года, прошел с феноменальным успехом, имел широкий резонанс и, по единодушной оценке прессы, стал одним из самых ярких музыкальных событий прошедшего Года культуры. Тогда юбилей певицы собрал на сцене Большого театра России мировую оперную элиту в грандиозном Оперном шоу.
По окончании концерта, в тот вечер, прямо на сцене, Елена Образцова, при всеобщем воодушевлении, предложила через год вновь собраться вместе и сотворить еще один праздник Музыки.
Но, как оказалось, триумфальный «Оперный бал» стал прощанием певицы с Большим театром и с публикой. Ее внезапный уход в январе 2015 года явился для всех настоящим потрясением и в полной мере не осознается до сих пор. О Елене Образцовой невозможно говорить в прошедшем времени – настолько ощутимо и многообразно ее присутствие в нашей музыкальной жизни.
Руководством «Фонда Елены Образцовой» было принято решение, поддержанное артистами, не менять планов и провести намеченный Гала-концерт в Большом театре как посвящение великой артистке, как праздник оперного искусства, которому Елена Васильевна, по ее собственным словам, «служила верой и правдой, с любовью и полнейшей самоотдачей».
На сцене Большого театра в честь Елены Образцовой выступят выдающиеся музыканты разных поколений, звезды оперного и балетного искусства: Анджела Георгиу, Руджеро Раймонди, Маквала Касрашвили, Зураб Соткилава, Ольга Бородина, Николай Цискаридзе, Юлия Махалина, Карло Коломбара, Ирина Лунгу, Екатерина Сюрина, Екатерина Семенчук, Дмитрий Корчак, Василий Ладюк, Асмик Григорян, Илья Сильчуков, Борислав Струлев.
Гала-концерт пройдет в сопровождении оркестра Московского театра Новая опера им. Е.В. Колобова под управлением главного дирижера Яна Латам-Кёнига.
источник
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Джованни Баттиста Виотти (1753—1824)
Джованни Баттиста Виотти - итальянский скрипач и композитор, ученик Гаэтано Пуньяни. Его произведения для скрипки оличаются трогательной и лиричной мелодичностью.
Виотти был великим скрипачом. Его исполнительство — высшее выражение стиля музыкального классицизма: игра отличалась исключительным благородством, патетической возвышенностью, большой энергией, огнем и вместе с тем строгой простотой; ей были присущи интеллектуализм, особенная мужественность и ораторская приподнятость. Виотти обладал мощным звуком. Мужественная строгость исполнения подчеркивалась умеренной, сдержанной вибрацией. «В его исполнении было нечто до такой степени величавое, вдохновенное, что даже самые искусные артисты стушевывались перед ним и казались посредственными», — пишет Герон-Аллен, цитируя слова Миеля. Исполнительству Виотти соответствовало и его творчество. Наибольшую известность из наследия композитора приобрели скрипичные произведения. Его произведения для скрипки оличаются трогательной и лиричной мелодичностью. Большое значение имеют 29 концертов для скрипки с оркестром, явившиеся важной вехой в развитии формы сольного инструментального концерта (наиболее популярен концерт № 22 a-moll). Виотти освободил скрипичный концерт от остатков церковного стиля, окончательно утвердил для 1-й части форму сонатного аллегро, тип финального рондо, расширил сольную партию скрипки, состав оркестра. В величии музыки концертов сказались героические настроения эпохи французской революции. В произведениях этого жанра Виотти создал образцы героического классицизма. Строгость их музыки напоминает полотна Давида и объединяет Виотти с такими композиторами, как Госсек, Керубини, Лесюер. Гражданственные мотивы в первых частях, элегический и мечтательный пафос в адажио, бурлящий демократизм финальных рондо, наполненных интонациями песен парижских рабочих предместий, — выгодно выделяют его концерты среди скрипичного творчества его современников. Виотти сумел чутко отразить веяния времени, что и придало его сочинениям музыкально-историческую значимость.
Скрипичный концерт №22.
[показать] [показать] Концерт для фортепиано с оркестром № 1 c-moll* Дмитрий Дмитриевич Шостакович(1906-1975) создал в 1933 году, и 15 октября того же года сочинение прозвучало впервые в Большом зале Ленинградской филармонии в исполнении Лениградского филармонического оркестра под управлением Фрица Штидри, немецкого дирижера, который эмигрировал из Германии в СССР после прихода к власти нацистов. Партию трубы исполнил Александр Шмидт, партию фортепиано — сам автор.Как в большинстве своих произведений, Шостакович по–особому трактует традиционный жанр, привнося в привычную концертную форму новые элементы.
Во–первых, первоначально Концерт был задуман как сочинение для трубы, и «память» об этом сохраняется в той большой роли, которую играют в законченном сочинении сольные эпизоды трубы, состязающейся с фортепиано.
Во-вторых, композитор насыщает музыкальную ткань Концерта звучанием чужих мелодий, вводя реминисценции известных музыкальных тем из произведений Й. Гайдна (Соната для фортепиано Ре мажор) и Л. ван Бетховена («Аппассионата», «Ярость по поводу потерянного гроша»).
Выразительным элементом становится цитирование популярной одесской песни «Как шумно было в доме Шнеерсона», а в четвертой части Концерта использована тема финала, созданного Шостаковичем в качестве вставного номера к опере Э. Дресселя «Бедный Колумб», которую в 1929 году собирались ставить в Ленинградском Малом оперном театре и для которой молодой Шостакович написал дополнительные номера.
В результате в рамках четырехчастного концертного цикла возникает намеренно созданное композитором совмещение серьезного и смешного пластов.
Шостакович, говоря о сочинениях 20-30-х годов, отмечал: «Я хочу отвоевать законное право на смех в так называемой “серьезной” музыке. Когда слушатель громко смеется в моем симфоническом концерте, меня это нисколько не шокирует, напротив — радует».
Необычность звучанию Концерта придает и состав оркестра, в котором отсутствуют ударные и деревянные духовые инструменты (сначала автор даже называл сочинение «Концертом для рояля в сопровождении струнного оркестра и трубы»).
Концерт для рояля
в сопровождении струнного оркестра и трубы до минор
соч. 35 (1933)
1. Allegretto.
2. Lento.
3. Moderato.
4. Allegro con brio
*Концерт для фортепиано с оркестром (струнные и солирующая труба) № 1 c-moll навеян партитурой Пауля Хиндемита «Kammermusik № 2, op. 36.(ccылка)
[показать]источник
Народно-реалистическое по своей устремленности творчество Глинки оказало влияние на дальнейшее развитие русской музыки.
Оперы Глинки утвердили мировое значение русской музыки. В 1844-1848 гг. композитор проводит во Франции и Испании. Эта поездка утвердила европейскую популярность русского гения. Большим почитателем его таланта становится Берлиоз, исполнивший весной 1845 г. произведения Глинки на своем концерте.
С успехом прошёл авторский концерт Глинки в Париже. Там же в 1848 году он написал симфоническую фантазию "Камаринская" с русскими народными темами. Это необычайно жизнерадостная, полная юмора фантазия, наслаждаясь которой возникают ассоциации с русскими народными праздниками, народными инструментами и народным хоровым пением. "Камаринская" - это ещё и блестящая мастерская оркестровка. В Испании Михаил Иванович изучал культуру, нравы, язык испанского народа, записывал испанские фольклорные мелодии, наблюдал народные празднества и традиции. Итогом этих впечатлений были 2 симфонические увертюры: "Арагонская хота" и "Воспоминание о летней ночи в Мадриде".
Музыкальное искусство Глинки характеризуют полнота и разносторонность охвата жизненных явлений. Его оркестровое письмо, сочетающее прозрачность и внушительность звучания, обладает яркой образностью, блеском и богатством красок. Мастерское владение оркестром разносторонне выявилось в сценической музыке (увертюра "Руслана и Людмилы") и в симфонических пьесах. "Вальс-фантазия" для оркестра - первый классический образец русского симфонического вальса. "Испанские увертюры" - "Арагонская хота" и "Ночь в Мадриде"- положили начало разработке испанского музыкального фольклора в мировой симфонической музыке. В скерцо для оркестра "Камаринская" синтезированы богатства русской народной музыки и высочайшие достижения профессионального мастерства.
Основным творческим принципам Глинки сохраняли верность последующие поколения русских композиторов, обогащавшие национальный музыкальный стиль новым содержанием и новыми выразительными средствами. Под непосредственным влиянием Глинки - композитора и вокального педагога - сложилась русская вокальная школа. У Глинки брали уроки пения и готовили с ним оперные партии и камерный репертуар певцы Н. К. Иванов, О. А. Петров др.
В программе:
1. Арагонская хота.
2. Увертюра "Ночь в Мадриде".
3. Камаринская.
4. Вальс-фантазия.
5.Марш Черномора из оперы "Руслан и Людмила".
6. Восточные тацы: Турецкий, Арабский. Лезгинка.
Наверное, нет такого человека, который не знал бы балет " Жизель". Он есть и в "Искусстве звука", но посмотрев именно этот балет, решила все-равно выдать его в сообщество. Уж очень он мне понравился, даже не просто понравился, а я в неописуемом восторге от него. Прекрасные исполнители: замечательно танцуют и играют, красивые декорации и чудесная постановка. Постановка Владимира Васильева. Превосходно играет оркестр, дирижирует Альгис Жюрайтис. В главных ролях еще совсем молодые Николай Цискаридзе и Светлана Лунькина. Очень трогательный спектакль. Думаю никого не должен оставить равнодушным.
