iskusstvo-zvuka.livejournal.com
В начале каждой видеозаписи с "Беседами о русской культуре" Юрия Лотмана звучала очень красивая музыка. Это старинная музыка эпохи барокко итальянского композитора Скарлатти. Очень захотелось найти её и послушать ) Вот эта очаровательная соната:
Leonard Gilbert, Scarlatti: Sonata in D minor (ре минор)
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Опера Массне «Манон»
Опера в пяти действиях Жюля Массне на либретто (по-французски) Анри Мельяка и Филиппа Жилля, основанное на романе Антуана Франсуа Прево «История кавалера Де Грие и Манон Леско».
Действующие лица:
МАНОН ЛЕСКО (сопрано)
ЛЕСКО, ее кузен (баритон)
ГРАФ ДЕ ГРИЕ (бас)
КАВАЛЕР ДЕ ГРИЕ, его сын (тенор)
ГИЛЬО ДЕ МОРФОНТЕН, старый арендатор (бас или баритон)
ДЕ БРЕТИНЬИ, аристократ (баритон)
актрисы:
ПУССЕТТА (сопрано)
ЖАВОТТА (сопрано)
РОЗЕТТА (сопрано)
Время действия: XVIII век.
Место действия: Амьен, Париж, Гавр.
Первое исполнение: Париж, «Опера комик», 19 января 1884 года.
Полуавтобиографический роман аббата Антуана Франсуа Прево «История кавалера де Грие и Манон Леско» вдохновил на создание сценических произведений многих выдающихся композиторов. До Массне оперу по этому роману написал Обер, а балет Галеви. После оперы Массне свою оперу на этот сюжет написал Пуччини, а еще позже сам Массне вернулся к этому сюжету и написал «Портрет Манон» — одноактное продолжение, которое никогда не было особенно популярным.
Однако нет проблемы с популярностью «Манон» (название которое Массне отстаивал и защищал как свое авторское - другие оперы назывались «Манон Леско»). После «Фауста» и «Кармен» это наиболее популярная французская опера как в самой Франции, так и за ее пределами. Это также одно из самых продолжительных произведений Массне и такое, к которому он испытывал особую привязанность. Возможно, одна из причин в том, что композитор, по-видимому, испытывал особую личную симпатию к характеру привлекательной и несчастной героини.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Щедрин. Балет «Анна Каренина»
Балет (лирические сцены) на музыку Родиона Щедрина в трех действиях. Либретто Б. Львова-Анохина по мотивам одноименного романа Л. Н. Толстого. Балетмейстер М. Плисецкая (совместно с Н. Рыженко и В. Смирновым-Головановым).
Первое представление: Москва, Большой театр, 10 июня 1972 г.
Действующие лица
Анна. Вронский. Алексей Александрович Каренин. Станционный мужик. Кити. Бетси. Тверской. Сережа. Тушкевич. Корсунский. Махотин. Княжна Сорокина. Кавалеры на балу. Офицеры на скачках.
Действие первое
Вокзал Петербургской железной дороги. На перроне — Вронский, встречающий свою мать. Из поезда выходит Анна. «Когда он оглянулся, она тоже повернула голову. Блестящие... серые глаза дружелюбно, внимательно остановились на его лице... Вдруг несколько человек с испуганными лицами пробежали мимо» — станционный мужик несет тело раздавленного поездом человека.
Бал. Среди танцующих — Вронский и Кити. «Весь бал... был для Кити волшебным сновидением радостных цветов, звуков и движений». Входит Анна. Вронский взволнован ее появлением. Кити «...видела, что они чувствовали себя наедине в этой полной зале... Весь бал, весь свет, все закрылось туманом в душе Кити... Она чувствовала себя убитою».
Метель. Анна погружена в свои мысли. «Метель и ветер рванулись ей навстречу... Ветер как будто только ждал ее... хотел подхватить и унести...» За снежной пеленой появляется чья-то фигура. «Она оглянулась и в ту же минуту узнала... Вронского». В его пылком объяснении — «выражение почтительного восхищения», страстная мольба, неотступное, упорное преследование. «Весь ужас метели показался ей еще более прекрасен теперь». Анна «...испугана и счастлива...» К ней подходит Каренин. Вронский и Каренин учтиво и холодно раскланиваются. Каренин предлагает руку Анне и уводит ее.
Салон Бетси. Княгиня Бетси Тверская и ее муж принимают гостей. Здесь же Тушкевич. Свет сквозь пальцы смотрит на связь Бетси с Тушкевичем, ибо она прикрыта благопристойной ложью. Входит Анна с Карениным. Улучив удобное мгновение, Вронский останавливает Анну: «Вы и я для меня одно. И я не вижу впереди возможности спокойствия ни для себя, ни для вас. Я вижу возможность отчаяния, несчастия... или я вижу возможность счастья, какого счастья!..» Общество обращает на них внимание. «Это становится неприлично...» Каренин предлагает Анне уйти. Она отказывается. «Алексей Александрович раскланялся и вышел». Вронский снова подходит к Анне. Снова на них устремлены неприязненные лорнеты.
Из античных преданий всем известно, какую опасность таят в себе моря, населённые демоническими существами. Неминуемую гибель несла встреча с сиренами, обитательницами морских островов.
Что же зловещего таилось в этих загадочных существах - полуптицах-полуженщинах? Ведь они не нападали на мореплавателей, не преследовали их корабли, у них не было ядовитых стрел. Однако было у них другое - божественной красоты голос, необыкновенно притягательный, далеко разносившийся над гладью морских вод. Слышавшие песни сирен, не помня себя, бросались в море на их призывный зов и погибали.
(Из стихотворения Ш.Бодлера "Плаванье")
[показать]...Нужно раздвинуть время, чтобы увидеть венскую квартиру Франца Шуберта, свет сквозь шторы, красную розу на чёрном рояле. Шёл 1828 год. Шуберт получил из издательства "Диабелли и Каппи" свою фа-минорную фантазию и выполнил обещанное. На титульном листе альбома он написал: "Посвящено графине мадемуазель Каролине Эстергази Де Галанта". За пышным титулом скрыта хрупкая девочка, с которой у него, вопреки выдумкам сценаристов, не было романа. Но юная графиня сумела поселиться в его сердце, Франц был изумлён и покорён. Он писал другу: "Одна красота должна вдохновлять человека всю его жизнь. Отблеск этого вдохновения должен освещать всё остальное". Через несколько месяцев он умер в Вене - после краткого недомогания. Его погубила плохая вода, он заразился тифом.
Францу Шуберту не хватило года до возраста Христа, он ушёл из жизни на тридцать втором году.
К этим годам Бетховен, которого Шуберт обожал, считал учителем и даже завещал похоронить себя на том же кладбище, ещё не создал своих главных произведений - ни Героической, ни Пасторальной, ни Девятой симфонии. Шекспир ещё не написал "Гамлета". Сервантес - "Дон Кихота".
Но Шуберт, которого почти не знали современники - успел себя обессмертить, создав невероятное количество произведений, среди которых на удивление много не просто хороших, а высочайшей пробы.
"Фантазия для фортепиано в четыре руки фа минор, опус 103"...
Пианисты говорят, что "Фантазию" трудно играть не потому, что она технична, а потому что она исполнена мистики. С первых тактов ускоряется биение сердца. Мелодия главной партии словно обращена лично к тебе. Вокруг начинает вибрировать воздух - это музыка возводит храм любви, который остаётся с тобой навсегда...
[показать]Время – самый строгий, но и самый объективный из судей. Из всего созданного человечеством оно сохраняет лишь то, что ему, человечеству, совершенно необходимо, и ровно до тех пор, пока сохраняется сама эта необходимость. Русский романс, конечно, моложе «Повести временных лет», но и он за свою более чем двухвековую историю стал для нашего народа летописью – летописью взлётов и страданий той самой «загадочной русской души», которую, как и землю, эту душу взрастившую, «аршином точным не измерить», сколько ни пытайся. Потому и в начале XXI века русский романс поют с той же страстью и с тем же азартом, что и в конце века XVIII. В парке под гитару – для любимой. В караоке под минусовку – для друзей. В престижном концертном зале под оркестр – для всех, чьё сердце не утратило способности любить, болеть и трепетать.
Русский романс, способный и звенеть высоким слогом, и пылать неукротимой страстью, – удивительное явление, не исчезающее из нашей культуры.
Из интервью
Галины ПРЕОБРАЖЕНСКОЙ,заслуженного деятеля искусств России,
художественного руководителя Международного конкурса «Романсиада», директора Московского дома романса.
-Мы иной раз, употребляя известную фразу «высоким слогом русского романса», грешим против истины: порой не так уж и высок этот слог. В основном высоким слогом говорит классический русский романс. В других стилях царили по большей части авторы-эстрадники, порой отличные музыканты и неплохие поэты, а порой и дилетанты. Династия цыган Шишкиных, графиня Толстая, Яков Пригожий, Николай Зубов и многие другие оставили нам изумительные романсовые шедевры. Они бессмертны, их будут петь, будут плакать под них всегда. Отличный термин для русского городского и жестокого романса придумал академик Асафьев «прекрасная банальность».
-На моих глазах уже родилось несколько современных произведений, прочно занявших место среди признанных романсов-шедевров. Могу назвать хотя бы «Любовь – оружию под стать» Т. Камышевой и Е. Аграновича или «Семь летящих коней» В. Сапрыкина и Г. Поженяна. История, в общем, повторяется: пишут романсы и профессионалы, и любители, а время отбирает самое ценное. Своё влияние на современный романс, безусловно, оказывает и бардовская песня, и эстрадная лирическая, да и без смелых джазовых гармоний порой уже не обойтись.
Источник текста: "Литературная газета"
«И нисколько мы с тобой не постарели»
И. Иошка, Т. Ветрова.
Берио не был великим исполнителем, но он был великим педагогом, намного опередившим свою эпоху во взглядах на музыкальное преподавание. Недаром среди его учеников были великие скрипачи. До сих пор ученики музыкальных школ играют фантазии, вариации, концерты Берио. Певуче-мелодичные, они являются благодарнейшим педагогическим материалом.
Берио происходил из старинной дворянской семьи. Родился он 20 февраля 1802 года и в раннем детстве потерял обоих родителей. К счастью, его необычайные музыкальные способности обратили на себя внимание окружающих. В первоначальном обучении маленького Шарля принял участие учитель музыки Тиби. Берио занимался очень прилежно и уже в 9-летнем возрасте впервые выступил публично, сыграв один из концертов Виотти.
На духовное развитие Берио большое влияние оказали теории профессора французского языка и литературы, ученого гуманиста Жакото, разработавшего «универсальный» педагогический метод, в основе которого лежали принципы самообучения и духовной самоорганизации. Увлекшись его методом, Берио до 19 лет занимался самостоятельно. В начале 1821 года он направился в Париж к Виотти, который в это время занимал должность директора Гранд-Опера. Виотти отнесся к молодому скрипачу благожелательно и по его рекомендации Берио стал посещать занятия класса Байо, виднейшего в то время профессора Парижской консерватории.
Первое же выступление Берио в Париже принесло ему широкую известность. Его своеобразная, мягкая, лиричная игра очень понравилась публике.
[показать]В книге "Хроника моей жизни" Стравинский вспоминает о единственной встрече с Чайковским: "...мне посчастливилось увидеть в фойе Петра Ильича Чайковского, кумира русской публики, которого я никогда до этого не встречал и которого мне не суждено было больше увидеть.. .Я не мог, конечно, себе представить, что эта, хотя и мимолетная, встреча с живым Чайковским сделается одним из самых дорогих для меня воспоминаний".
Забегая вперед, укажем на музыкальное, творческое выражение любви Стравинского к Чайковскому, на его балет "Поцелуй феи", написанный в 1928 году и названный автором "Аллегорическим балетом, навеянным музыкой Чайковского". В самом балете Стравинский использовал в качестве тематического материала ряд произведений Чайковского: "Колыбельную в бурю", "Юмореску", "Ната-вальс", "Ноктюрн", "Скерцо", "Листок из альбома", романс "Нет, только тот, кто знал". Либретто написано самим композитором, положившим в его основу cказку Г. Андерсена "Ледяная дева".
[показать] Есть художники, у которых нет национальности в лучшем смысле этого слова. Их мышление мирового масштаба и творчество принадлежит всему миру. Такой мировой личностью был Игорь Стравинский, музыковеды его называют «композитором тысяча и одного стиля». Но, при таком разнообразии музыкального языка в его музыке всегда узнаваемо собственное «лицо».Композитор сознательно менял стили и манеру письма. Таким образом он расширял диапазон средств для выражения своих идей и образов. Его творчество можно условно разделить на разные «периоды», и в частности, балет «Поцелуй феи» относится к периоду неоклассицизма.
В самом слове «неоклассицизм» - новая классика – кроется подход композитора к музыкальному материалу. Стравинский считал, что его музыка – это часть всей мировой музыки, что она существует не сама по себе, а течет в огромной реке традиции, расширяет ее, обогащает и в то же время пользуется всеми ее достижениями.
В заглавии к балету «Поцелуй феи» автор пометил: аллегорический балет в четырех картинах, навеянный музыкой П. И. Чайковского. Это значит, что музыка сочинена в традиции Чайковского, но не просто стилизована, а переосмыслена композитором с современной ему точки зрения. Стравинский выразил этой музыкой свое отношение к творчеству Чайковского. Это его «музыкальное приношение» великому русскому мелодисту и симфонисту. В балете «Поцелуй феи» Стравинский не только по-русски «мелодизирует» свой язык, что ранее не было ему свойственно, но и в прямую цитирует романс «Нет, только тот, кто знал» и развивает эту мелодию в традиции симфоний Петра Ильича. Выбор сказочного сюжета по сказке Андерсена тоже намекает на всем известные его балеты, давно ставшие классическими и не сходившие со сцен театров уже десятки лет. Остается только добавить, что постановка балета по заказу Иды Рубинштейн приурочивалась к 35-летней годовщине со дня смерти Чайковского.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Уильям Хэйс (англ. William Hayes, 26 января 1708 (крещение) - 27 июля 1777 г.) - английский композитор, органист, певец и дирижер.
Хэйс родился в английском городе Глостер. Он учился в Глостерском Соборе и начал свою карьеру музыканта в качестве органиста в Сент-Мэри, Шрусбери (1729) и Вустерском соборе (1731). Но большую часть трудовой жизни Хэйс провел в Оксфорде, где он был назначен на должность органиста в Магдален-Колледж в 1734 году, и возведён в степень B.Mus (Бакалавр музыки) в 1735 и D.Mus (Доктор музыки) в 1749 году. (Его портрет был насписан художником Джоном Корнишем в докторской мантии (около 1749 г.)) В 1741 году он был единогласно избран на должность профессора кафедры Музыки и органиста университетской церкви. Он руководил концертной жизнью города на протяжении 30 лет, был одним из первых членов Королевского Общества Музыкантов. Умер в Оксфорде в возрасте 69 лет.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Хочу начать сразу с того, что не согласна с утверждением, что музыка не нуждается в словах и говорить о ней не нужно. В общем-то музыка наверное действительно не нуждается, а вот человек - да. Это вполне естественная его потребность в общении, в желании высказаться, поделиться своими мыслями. Музыка тоже в какой-то степени средство коммуникации, но её одной человеку не достаточно...
Недавно мне посчастливилось прочитать книгу замечательного итальянского театрального режиссёра и актёра, театрального деятеля Джорджо Стрелера "Театр для людей". Почему посчастливилось? Потому что в этой книге оказалось много близкого мне в понимании музыки и искусства вообще. Автор доступно и понятно сформулировал то, что ещё не до конца оформилось в моих мыслях, витало где-то в воздухе. В ней нашлись ответы на некоторые вопросы.
Наиболее понравившиеся отрывки из книги, посвященные музыке, хочется процитировать здесь. Умение красиво, грамотно, понятно и, что важно, очень доброжелательно излагать свои мысли - редкий дар, которому стоит поучиться.
Добавлю только, что Джорджо Стрелер не только драматический режиссёр-постановщик, он много работал в опере, ставил спектакли в «Ла Скала» и других оперных театрах. Его постановки были поэтичными и изысканными, ни в чем не уступали низкому вкусу и массовому сознанию, но книгу он свою назвал - "Театр для людей"...
Итак, первая часть: Моцарт, или О счастье
[показать]Говорят, что Моцарт - музыкант счастья, что его музыка дарует радость. Что она и есть радость. Это привычное, широко распространённое суждение, хотя с точки зрения эстетической оно не выдерживает критики. Однако даже в самой поверхности этого мнения есть, на мой взгляд, какая-то правда. Я хочу сказать, что в каком-то смысле всякое великое искусство счастливое. Оно призывает человека быть счастливым, помнить о невероятности и неповторимости его судьбы, верить в возможность радости, в свою активную способность изменять мир, быть верным и дружественным самому себе и другим людям. Настоящее произведение искусства всегда активно и всегда солнечно, оно спроецировано в то измерение человеческой жизни, которое "влечет историю вперёд", а не тащит её вспять. И в этом смысле Моцарт, как никто, музыкант счастья. Но, будучи музыкантом счастья, он ещё и музыкант "сдержанного", я бы даже сказал - "целомудренного" чувства. Обе эти его особенности мне чрезвычайно близки. В его музыке сокрыты и ужасающие пропасти одиночества, холода, страха (он сам об этом говорил). Но страдание всегда рассматривается у него в самом широком измерении, с той божественной широтой, которая не даёт человеку сосредоточиться только на самом себе. Никогда музыка Моцарта не воспроизводит его "личный дневник" в деталях. Всегда лишь в его общечеловеческой сущности. В Моцарте нет и следа "дневника", а если и есть, то он всегда поднят до уровня дневника всех.
[показать]Почти 200 танцев написал великий композитор и каждый его танец – жемчужина.
| 6 Менуэтов, K 61 7 Менуэтов, K 65a/61b 4 Contredanses, K 101/250a 20 Менуэтов, K 103 6 Менуэтов, K 104/61e 6 Менуэтов, K 105/61f Менуэт в Ми-бемоле, K 122 Contredanse в Си-бемоле, K 123 6 Менуэтов, K 164 16 Менуэтов, K 176 4 Contredanses, K 267/271c Гавот в Си-бемоле, K 300 3 Менуэта, K 363 5 Менуэтов, K 461 6 Contredanses, K 462/448b 2 Кадрили, K 463/448c 6 немецких Танцев, K 509 Contredanse в D, K 534 | Contredanse в C, K 535 6 немецких Танцев, K 536 6 немецких Танцев, K 567 12 Менуэтов, K 568 6 немецких Танцев, K 571 12 Менуэтов, K 585 12 немецких Танцев, K 586 Contredanse в C, K 587 6 Менуэтов, K 599 6 немецких Танцев, K 600 4 Менуэта, K 601 4 немецких Танца, K 602 2 Contredanses, K 603 2 Менуэта, K 604 3 немецких Танца, K 605 6 немецких Танцев, K 606 5 немецких Танцев, K 609 Contredanse в Г, K 610 |
Послушаем некоторые из них.
- No. 1 in C major (0:00)
- No. 2 in G major (1:47)
- No. 3 in B flat major (3:22)
- No. 4 in F major (5:11)
- No. 5 in A major (7:02)
- No. 6 in D major (8:41)
- No. 7 in G major (10:12)
- No. 8 in E flat major (12:04)
- No. 9 in B flat major (13:52)
- No. 10 in F major (15:36)
- No. 11 in A major (17:18)
- No. 12 in C major (19:04)
[показать] Вы уверены, что знаете эту историю?Действительно ли Крестная – та добрая фея, за которую себя выдает?
Какую тайну скрывает Король?
Что делает Принц в лесу по ночам?
И кто хранит потерянную туфельку?
[показать] Среди многочисленных версий сказочной судьбы Золушки, эта – одна из самых неожиданных. Знакомые с детства герои обретают новые черты характера, проявляют себя в привычных ситуациях с неожиданной стороны, а Золушка находит свое счастье с новым героем, так непохожим на принца.
Реалии современной жизни и отношений в сюжете сказочного мюзикла дают надежду, что этот сюжет – бессмертен.
[показать]Сколько вы уже видели «Золушек»? Их потерянных хрустальных туфелек хватило бы на батальон. Cмахнув пыль и сахарную пудру с детской сказки, она превратилась в злободневную, правдивую и трогательную историю о нас с вами.
Теперь эта сказка — не совсем сказка. Слишком уж много в ней похоже на нашу жизнь: молодые романтики становятся заложниками неуемных амбиций и взаимных обид старшего поколения, правитель от скуки готов развязать войну, а добрые люди живут по понятиям — слишком непредсказуем этот мир, чтобы смотреть на него доверчивыми глазами. Но все закончится хорошо — ведь возможность чуда пока никто не отменял.
Мюзикл «Всё о Золушке» — одна из самых популярных постановок Московского театра мюзикла. Премьера состоялась в октябре 2014 года. Далеко не классический подход к известной всем с детства сказке, изобретательные костюмы и отличная музыка.
В этом мюзикле удалось сочетать на первый взгляд не сочетаемое. Лиричные мелодии Раймонда Паулса в аранжировке современной рок-группы.
В новой версии сказки неизменным остается одно: добро побеждает зло, настоящая любовь разрушает все преграды. Да, и, конечно, Золушка все так же мечтает попасть на бал. Но тыква так и останется тыквой. А вместо хрустальной туфельки – перчатка, которую обронил Принц.
Злая мачеха – бизнес-леди, окруженная приспешниками. Она без них даже руку поднять не хочет. А отец Золушки – неуверенный в себе человек, повторяющий как мантру в любой ситуации: все будет хорошо. Могущество феи совсем не волшебного свойства, она авторитет в бандитском мире.
В каждом персонаже есть какая-то сумасшедшинка. Королевский бал похож на безумное чаепитие. И только Принц и Золушка – совсем на сказочные, а очень настоящие герои. Они остаются верны своей любви даже, когда кажется, весь мир против них. Финальная песня как мораль: главное – не изменять себе, и тогда возможно любое волшебство.
Здесь представлены записи музыки Раймонда Паулса в переложении группы СЛОТ. Каждая мелодия — потенциальный хит, который хочется повторять и повторять снова.
Звучание музыки будет несколько отличается от того, которое зрители слышат в спектакле. Оно приближенно к авторским задумкам группы.
[показать]Увертюра I акта
*****
[показать]Ария Дровосека
*****
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Это — дьявольский человек, он часто предпринимает то, что невозможно, и более того — он это выполняет.
Г. Берлиоз.
Ге́нрик Венявский, в России Генрих Иосифович Венявский (1835, Люблин — 1880, Москва) — знаменитый польский скрипач и композитор.
Венявский родился 10 июля 1835 года в польском городе Люблине. Раннему музыкальному развитию будущего артиста способствовала атмосфера дома Венявских — здесь часто звучала музыка в исполнении выдающихся мастеров.
В творческой судьбе Венявского большую роль сыграла его мать — профессиональная пианистка.
«Вся тяжесть воспитания, — вспоминал впоследствии брат Генрика — Юлиан Венявский, — падала на нашу замечательную мать, которая посвятила нам всю жизнь... Она любила музыку, была сама необычайно музыкальна и сумела разбудить в нас чувство прекрасного. Ее влиянию следует приписать фанатическую привязанность Генрика и Юзефа к артистической профессии». Сочинения Венявского повлияли на многие сочинения скрипичного репертуара. Польский виртуоз создал особый «образ скрипки», привлекающий концертным блеском, изяществом, романтической приподнятостью чувств.
[показать]
[показать]К 260-летию со дня рождения Вольфганга Амадея Моцарта
[440x520]
Вольфганг Амадей Моцарт! Его музыка окружает нас постоянно. Трудно даже представить, но каких-то 260 лет назад в мире не существовало музыки австрийского гения. Ни единой ноты! Мир не знал его «Дон Жуана», Реквиема, Симфонии «Юпитер»…
Согласитесь, при всей нашей любви к необъятному наследию Моцарта, в нём есть области слабо нам знакомые. Многие ли знают, что кроме фортепианных и скрипичных, у композитора есть произведения для флейты, гобоя, кларнета, фагота, трубы, валторны,то есть для духовых инструментов.
[440x440]
СЕРЕНАДА №10 CИ-БЕМОЛЬ МАЖОР `GRAND PARTITA` (1781) KV361 (370A)
(для двух гобоев, двух кларнетов, двух бассетгорнов, двух фаготов, четырех валторн и контрабаса)
За свою жизнь Альма Шиндлер-Малер-Гропиус-Верфель сменила четыре фамилии, каждая из которых входит в золотой фонд австрийской культуры. Ее отцом был выдающийся художник, мужьями – великий композитор, знаменитый архитектор, известнейший писатель. Добавьте еще мать-певицу и отчима-скульптора, и станет ясно, что Альма Шиндлер была плоть от плоти Искусства. Она любила Искусство не только в себе, но и в других. У нее замирало сердце и подкашивались колени не от красоты или силы избранника, а от мощи его таланта. Но была ли она музой для своих многочисленных мужей и любовников, Музой девяти творцов, как вычурно называют ее биографы? Осмелимся утверждать, что нет – она была гораздо большим. Настоящая муза всего лишь дарит вдохновение – Альма же создавала для своих избранников питательную среду, в которой это вдохновение могло рождаться.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Анна Амалия Прусская (нем. Anna Amalie, Prinzessin von Preußen; 9 ноября 1723, Берлин — 30 марта 1787, Берлин) — прусская принцесса, младшая сестра короля Пруссии Фридриха Великого, немецкий композитор.
Музыкально одарённая Амалия начала уроки игры на клавесине и пианино в 17 лет, после смерти своего отца, «короля-солдата» Фридриха Вильгельма I, ненавидевшего музыку. В 21 год Амалия занялась также композицией. Она также научилась играть на флейте, лютне, органе и скрипке. Техникам композиции Амалию обучал Иоганн Филипп Кирнбергер. Амалия Прусская сочиняла кантаты, хоралы и марши.
Амалия Прусская на портрете кисти Антуана Пэна
Самым большим авторитетом в музыке для Амалии был Иоганн Себастьян Бах, и Амалия прославилась своей коллекцией в области исследования творчества Баха. Её собрание нот и манускриптов, так называемая «библиотека Амалии» (не путать с библиотекой герцогини Анны Амалии), является одним из экспонатов Государственной библиотеки в Берлине. Как упоминает Карл Фридрих Цельтер, которому Амалия как-то раз показывала свои музыкальные произведения, принцесса очень бережно относилась к своим сокровищам и не позволяла никому прикасаться к ним. Следует отдать дань уважения просвещенной принцессе: она всерьез увлекалась музыкой лейпцигского кантора и поддерживала отношения с его старшими сыновьями, стараясь узнать от них как можно больше об их отце. Ее личным учителем "музыки и контрапункта" был композитор и органист Иоганн Филипп Кирнбергер (Johann Philipp Kirnberger), один из учеников "старого Баха".
[498x207]
Более тридцати лет назад этот спектакль был поставлен Верой Боккадоро на сцене Большого театра.
Хотя хореография балета "Моцарт и Сальери" вполне традиционна и академична, в спектакле немало новинок. Так, впервые в истории балета постановщица решила расположить оркестр на сцене. Сценография спектакля предельно аскетична. На сцене появляются всего три действующих лица: Моцарт (Денис Медведев, приглашённый из Большого театра), Сальери (Дмитрий Соболевский) и Альтер Эго-Чёрный человек (Кирилл Литвиненко). Но главная изюминка в том, что звучит музыка Моцарта и Сальери. То есть мы видим и слышим музыкально-хореографический диалог двух друзей и невольных соперников, где каждый танцует под свою музыку и у каждого - свой хореографический рисунок роли. Если Моцарт поэтически воздушен и лёгок, то Сальери рационален и графически жестковат. Ну а Чёрный человек как бы раздваивается между ними - для Сальери он олицетворение терзающей его совести, а для Моцарта - мрачный посланник смерти, заказавший ему реквием.
Финал пушкинской трагедии, основанный на сомнительной легенде, всем известен: Сальери отравил Моцарта. И не так уж важно, что в реальности этого, скорее всего, не было. Талант всегда завидует гению, хотя и не всегда способен на злодейство.
Красноярский театр оперы и балета
Год выпуска: 2011
Жанр: балет
Музыка: Вольфганг Амадей Моцарт, Антонио Сальери
Либретто: Вера Боккадоро
Балетмейстер: Вера Боккадоро
Симфонический оркестр Красноярского театра оперы и балета
Дирижер: Анатолий Чепурной
Драма отношений двух великих музыкантов Моцарта и Сальери. Одухотворённый гениальный творец – Моцарт и блистательный композитор и дирижёр Сальери. Третий персонаж — Альтер Эго Сальери олицетворяет зависть, а для Моцарта этот чёрный человек – символ смерти. Несмотря на то, что эти композиторы дружат, зависть к успеху Моцарта доводит Сальери до желания убить его. Он предлагает Моцарту выпить чашу дружбы, в которую насыпает яд. Радость знака дружбы Сальери переходит в невероятную боль, и Моцарт понимает, умирая, что его отравил Сальери. Как бы торжествуя, Сальери думает, что только его музыка будет звучать после смерти Моцарта. Но в отчаянии понимает, что убив человека, нельзя убить гениальные произведения Моцарта, которые ещё ярче звучат! Сальери преклоняет колено перед пюпитром Моцарта.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
«Остров мёртвых», op. 29 — симфоническая поэма Сергея Рахманинова, написанная в 1908—1909 гг. в Дрездене. Произведение посвящено Николаю Густавовичу Струве, другу Рахманинова, композитору и музыкальному деятелю.
Симфоническая поэма появилась под впечатлением от чёрно-белой репродукции картины швейцарского художника-символиста Арнольда Бёклина «Остров мёртвых», находящейся в Лейпцигской картинной галерее. Позднее композитор вспоминал:
Впервые я увидел в Дрездене только копию замечательной картины Бёклина. Массивная композиция и мистический сюжет этой картины произвели на меня большое впечатление, и оно определило атмосферу поэмы. Позднее в Берлине я увидел оригинал картины. В красках она не особенно взволновала меня. Если бы я сначала увидел оригинал, то, возможно, не сочинил бы моего «Острова мёртвых». Картина мне больше нравится в чёрно-белом виде.
Поэма «Остров мёртвых» была написана во время пребывания в Дрездене и завершена в 1909 году. Главные мотивы поэмы: неотвратимость смерти и жажда жизни. Для того, чтобы передать ощущение движения волн, Рахманинов использовал редкий размер — пять восьмых [5/8]. Ориентировочная продолжительность поэмы составляет 20-25 минут. Это произведение считается классическим примером позднего русского романтизма начала XX века.
Премьера симфонической поэмы состоялась 18 апреля 1909 года в Москве в концерте Филармонического общества.
В 20-м столетии и на исходе 19-го почти совсем не было музыкантов-универсалов, таких, какие бывали в XVIII веке: скрипач, отлично играющий на клавесине, сочиняющий музыку, умеющий при этом руководить хором и инструментальным ансамблем, заниматься педагогикой, читать лекции и играть на органе... С середины XIX века, по сравнению с веком предыдущим, на убыль пошли и вундеркинды. Выросла культура. Опыт показал, что не каждая комбинация из беглости детских пальцев, локонов, бархата и кружевных воротничков в сумме дает Моцарта. К концу XIX века требования к каждой специальности в музыке так выросли, а процесс профессионализации потребовал от каждого музыканта столь напряженной отдачи духовных и физических сил, что тут уж не до многогранностей, ослепительно сверкавших в былые времена.
[показать]
Имя Игоря Моисеева давно стало не просто именем, а брендом выдающихся достижений нашей страны. Легендарный балетмейстер создал ансамбль, исполняющий народные танцы, доведенные до совершенства рукой мастера.
Он родился 21 января 1906 года. По семейной легенде, балетом стал заниматься по настоянию отца. Однажды тот стал свидетелем драки в подворотне и, когда пришел домой, сказал сыну, что он будет не драться, а заниматься балетом. И немедленно, буквально завтра, пойдет в балетную школу.
Поразительно признание Моисеева, что ансамбль он организовал «не от хорошей жизни», а оттого, что его выжили из Большого. Еще совсем молодым человеком он стал балетмейстером. Поставил «Спартака», но вмешалась зависть коллег. «Мне сказали: танцевать можете, а ставить не дадим. Для меня это была трагедия. Творчество мне было важнее исполнительства», — вспоминал Моисеев.
Хореограф ушел и организовал собственный ансамбль. Шла война, но Моисееву дали денег на ансамбль. А дальше — воля провидения. Однажды Моисееву посчастливилось встретиться с самим Сталиным, и вождь распорядился выделить молодому педагогу лучшее в Москве помещение для ансамбля. Что это? Везение? Удача? Моисеев усмехался и говорил: «Вы же знаете, везения не существует. Есть душевный труд и душевный опыт, который передается с каждым последующим перерождением души».
Сегодня ни у кого не вызывает сомнений, что народные танцы — это искусство. Это кажется простой истиной. Парадокс в том, что эту истину до нас донес именно Моисеев. Ведь до него никому не приходилось рассматривать народны танец наравне с танцем классическим.
Почему этого не происходило раньше — удивлялся сам маэстро.
«Народные танцы рождаются у каждого народа по тем законам, по каким рождается язык народа. Так что по существу это подлинное явление искусства. Почему этого никто не мог понять раньше, я не знаю. Так получилось, что я это понял раньше других и решил это обнажить и выявить народный танец как определенную национальную систему, как национальный язык», — говорил Моисеев.
Он рассказывал: "Меня часто спрашивают: "Чем вас привлекает народный танец?" Задумываясь над этим, я пришел к выводу, что не вижу более праздничного, жизнелюбивого вида искусства. Это пластический портрет народа. Немая поэзия, зримая песня, таящая в себе часть народной души. В его неистощимой сокровищнице много бесценных жемчужин. В них отражены творческая сила народной фантазии, поэтичность и образность мысли, выразительность и пластичность формы, глубина и свежесть чувств. Это эмоциональная, поэтическая летопись народа, самобытно, образно, ярко рисующая историю событий и чувств, пережитых им. У народного танца нет служебного хореографа, он рождается из окружающей среды. И в этом его отличие от классического балета, рожденного рациональным умом. Я много лет занимаюсь фольклором, конечно, не только потому, что многообразие его проявлений дает возможность постановки различных танцевальных спектаклей. Танец, несомненно, будет находить все новые и новые формы, которые неизбежно будут соответствовать развитию человеческого сознания, человеческого опыта, человеческой морали. Народный танец нуждается в тщательном изучении. Мы не коллекционеры танца и не накалываем их, как бабочек на булавку. Опираясь на народный опыт, мы стараемся расширить возможности танца, обогащая его режиссерской выдумкой, техникой танца, благодаря которой он еще ярче выражает себя. Короче говоря, мы подходим к народному танцу как к материалу для творчества, не скрывая своего авторства в каждом народном танце. Но наше творчество продолжается в природе самого народного танца. Такой путь не мною придуман".
Как известно, «Сиртаки» — это не народный греческий танец. Но у Моисеева это был один из тех номеров, на котором учили танцевать в ансамбле. Известно высказывание Моисеева: «Кто назовет себя солистом, того я уволю из ансамбля». У маэстро было особое отношение к солистам. Он учил не проявлять себя, а действовать всем коллективом. В его коллективе были лидеры, которые танцевали лучше других, но особенность ансамбля была и в том, что любого солиста можно было заменить и любой участник коллектива мог исполнить сольную партию.