[показать] [показать] «Осуждение Фауста» — вершина творчества Гектора Берлиоза(1803— 1869). Это грандиозное произведение занимает такое же положение в наследии композитора, как вдохновившая его трагедия «Фауст» в творчестве Гёте. И не случайно образ героя волновал обоих творцов на протяжении не одного десятилетия.Фауст — персонаж исторический, живший в протестантской Германии XVI века, — то ли ловкий шарлатан, морочивший народ на ярмарках своими фокусами, то ли действительно выдающийся ученый. Первое упоминание о нем относится к 1507 году. По легенде Фауст учился в Кракове, где заключил договор с дьяволом, который сопровождал его в скитаниях по всей Германии в виде собаки или лошади. В конце своей разгульной жизни Фауст раскаялся и обратился к Богу, но это не спасло его душу.
[показать] Величайший немецкий поэт Иоганн Вольфганг Гёте (1749— 1832), знавший с детских лет «народную книгу» о Фаусте 1599 года, работал над своим «Фаустом» с 1771 года на протяжении всей творческой жизни. Это — колоссальное философское произведение, полное размышлений о предназначении человека, жизни и смерти, завершающееся апофеозом героя. В Париже перевод первой части появился в декабре 1827 года и потряс 24-летнего Берлиоза, ученика консерватории: «Чудесная книга очаровала меня с первого раза, я не расставался с ней, я читал ее не переставая, за столом, в театре, на улице, повсюду». Тогда же композитор впервые положил некоторые эпизоды на музыку: в феврале 1829 года закончил 8 сцен из «Фауста» и задумал симфонию «Фауст».
Симфония так никогда и не была написана, а спустя более пятнадцати лет, в августе 1845 года родился замысел другого крупного произведения, сочетающего черты оратории и оперы с большими балетными эпизодами, — «Осуждение Фауста». Берлиоз бесповоротно осудил героя, подчеркнув это в названии, и закончил свою «драматическую легенду» скачкой Фауста и Мефистофеля на черных дьявольских конях, приносящих их прямо в ад, торжествующий победу над героем; небесный апофеоз ожидает лишь Маргариту.
Работа была завершена 19 октября 1846 года с посвящением другу и пропагандисту его творчества Листу. Премьера 6 декабря того же года в театре Комической оперы в Париже под управлением автора закончилась полным провалом.
Это грандиозное творение и теперь звучит не часто, тогда как три оркестровых эпизода, не связанных между собой и заимствованных из разных частей «Осуждения Фауста» (No 3, 12, 18), приобрели популярность на концертной эстраде.
Первый из них, Венгерский марш, первоначально не относившийся к «Фаусту», позднее завершил I часть. Действие этой части у Берлиоза, в отличие от Гёте, происходит в Венгрии. Композитор сделал в партитуре следующее примечание: «Тема этого марша, которую я инструментовал и разработал, знаменита в Венгрии под именем Ракоци, она очень древняя и принадлежит неизвестному автору. Это боевой напев венгров».
Венгерский марш
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Любовь Ромео и Джульетты живет в музыке прошлых времен и наших дней. Сменяются века, а люди не оставляют попыток выразить в звуках ее трагическую радость. Еще в 18 веке музыканты Германии и Франции посвящали свои произведения двум веронским влюбленным.
В 1830 году в Италии съехались молодые музыканты, посланные для усовершенствования из разных стран. Из Германии прибыл Феликс Мендельсон. Из России приехал Михаил Глинка. Франция прислала Гектора Берлиоза. На вилле Медичи, где жили стипендиаты Франции, велись бесконечные споры. Молодые французы воевали против застоявшихся авторитетов и собирались прорубать в искусстве новые пути. Самым яростным спорщиком был, конечно же, Гектор Берлиоз. В кафе Греко, излюбленном артистической молодежью, которая съезжалась в Рим со всех концов света, будущий вождь новой романтической школы музыки с той же горячностью продолжал свои речи: "Италия! Почтим прекрасную Джульетту, спящую мертвым сном в своей гробнице, - и прочь с кладбища! В Париж, друзья мои!"
Старший сын чешского композитора и скрипача Яна Вацлава Стамица, руководившего придворным оркестром в Мангейме. Первые уроки игры на скрипке получил от отца, после кончины того в 1757 году продолжил обучение у нового капельмейстера Мангеймского оркестра Кристиана Каннабиха, а также у придворных композиторов Игнаца Хольцбауэра и Франца Ксавера Рихтера. В 17 лет стал играть на скрипке в дворцовом оркестре, но с 1770 года начал гастрольную деятельность по всей Европе как исполнитель-виртуоз на скрипке, альте и виоле д’амур, в частности, в 1775 выступал в Санкт-Петербурге. С 1795 года проживал в Йене, где и скончался в бедности.
Sinfonia Concertante для скрипки и альта
[показать]Художник А. Милюков
Виктор Астафьев:
«После любви, детей, жизни, которую нам подарил Господь, после этих первоосновных даров небесных, второе из главных ценностей – сама природа и …музыка».
***
"Музыка воскрешает, «…возвращает человеку все лучшее, что есть в нем и пребудет на земле…. Я имею в виду настоящую музыку…"
***
"Больше других музыкальных произведений люблю Первую симфонию Калинникова"..
Symphony No.1 in G minor(Русская)
I. Allegro moderato
II. Andante commodamente
III. Scherzo. Allegro non troppo
IV. Finale. Allegro moderato
дирижер Евгений Светланов
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Выдающийся польский композитор Станислав Монюшко — создатель национальной классической оперы и камерной вокальной лирики. Его творчество впитало в себя характерные черты народной музыки поляков, украинцев и белорусов. С детства Монюшко имел возможность познакомиться с крестьянским фольклором славянских народов. Его родители любили искусство, обладали различными художественными талантами. Мать учила мальчика музыке, отец был художником-любителем. Часто устраивались домашние спектакли, и любовь к театру, зародившаяся у Станислава с детства, прошла через всю его жизнь.
Валентина Юрьевна Зо́граф-Пла́ксина (1866—1930) — русская и советская пианистка, педагог, общественный деятель. Сестра зоолога, профессора Московского университета Николая Зографа и пианистки Александры Зограф-Дуловой. Внучатой племянницей Зограф-Плаксиной была арфистка Вера Дулова, начинавшая под её руководством свои занятия музыкой.
В 1891 году окончила педагогическое отделение Московской консерватории. Училась у Сергея Танеева (теория) и Василия Сафонова (фортепиано).
После окончания консерватории, будучи прекрасной пианисткой, Валентина Юрьевна не смогла из-за тяжелого заболевания продолжить исполнительскую деятельность и перешла целиком на педагогическую работу.
Основательница (1891) и первый директор Общедоступного музыкального училища (ныне Академическое музыкальное училище при Московской государственной консерватории имени П. И. Чайковского ). Сама Валентина Зограф-Плаксина вела класс фортепиано, среди её первых учениц была юная Марина Цветаева. В автобиографической прозе «Мой Пушкин» Марина Цветаева впоследствии писала: «Немножко позже – мне было шесть лет, и это был мой первый музыкальный год – в музыкальной школе Зограф-Плаксиной, в Мерзляковском переулке, был, как это тогда называлось, публичный вечер – рождественский. Давали сцену из «Русалки», потом «Рогнеду».
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Фёдор Иванович Шаляпин 13 февраля 1873, Казань — 12 апреля 1938, Париж — русский оперный и камерный певец, в разное время солист Большого и Мариинского театров, а также театра Метрополитен Опера, первый народный артист Республики (1918—1927, звание возвращено в 1991), в 1918—1921 годах — художественный руководитель Мариинского театра.
Сын крестьянина Вятской губернии Ивана Яковлевича Шаляпина , представителя древнего вятского рода Шаляпиных. Мать Шаляпина — крестьянка из деревни Дудинцы Кумёнской волости. В детстве Шаляпин был певчим. Мальчиком его отдали на обучение сапожному делу. Получил начальное образование в частной школе , затем учился в приходском училище в Казани, позже — в Шестом начальном училище. В мае 1885 года Шаляпин закончил училище, получив высший балл – 5.
[показать]
Струнный квартет №8- настоящий шедевр, вершина творчества Дмитрия Шостаковича. Этот квартет написан в течении трех дней в Дрездене, куда Шостакович выехал для работы над музыкой к кинофильму "Пять дней, пять ночей". И, хотя на титульном листе значится надпись "Памяти жертвам фашизма и войны", внимательный слушатель, знающий биографию композитора, может увидеть, что на самом деле - это исповедь композитора, реквием самому себе.
Квартет написан в 1960 году, практически сразу после вступления композитора в КПСС. Он принял это решение скорее из инстинкта самосохранения, был вынужден это сделать, как и многие люди той огромной страны. Но принять для себя "линию партии" композитор не смог до конца своих дней - да и как можно было принять идеологию, которая обвинила тебя в "формализме", назвав твое творчество пустым, не соответствовавшим соцреалистическим идеалам - а следовательно, не имеющим права на существование?
| ПОСВЯЩАЕТСЯ ГОДУ КИНО В РОССИИ [показать] | И 110-ЛЕТИЮ Д.Д.ШОСТАКОВИЧА  [400x266] |
Композитор пытался изменить эту ситуацию, предложив новый подход к музыкальному сопровождению фильма: «Единственный правильный путь - это написание специальной музыки, как это делалось ..... с «Новым Вавилоном».
**********
[показать]«Ночь на Лысой горе» – одноактный балет на музыку одноимённой симфонической поэмы М. П. Мусоргского (1867 г.) в инструментальной обработке Н. А. Римского-Корсакова,либретто И.Моисеева.
"Ночь на Лысой горе" - это дикий шабаш ведьм и чертей. Это настоящее зрелище, праздник, эротика танца, это сумасшедшая энергия. В спектакле моисеевцев все привлекает своей подлинностью, все изумляет – и точная безошибочность исполнения, и актерское мастерство, и безудержный темперамент, и музыка, и, конечно же, костюмы. Это самое близкое к Гоголю произведение в плане хореографии, по либретто, написанному самим Игорем Моисеевым.
Балет состоит из 2-х картин: народные гулянья на основе народной музыки и шабаш ведьм на музыку Мусоргского. Главный герой выпивает горилки и засыпает. Ему снится сон, где черт несет его на Лысую гору. Герой видит Кощея, приношение жертвы, ведьм и чертей. Все это безумно красиво и пластично.
Этот балет, прежде всего, необычен тем, что в нем задействованы все средства хореографического искусства - начиная от классического танца и заканчивая народным танцем, акробатикой, трюками.
*****
19 октября 2016 года исполнится 100 лет со дня рождения одного из величайших пианистов всех времен - Эмиля Гилельса.
Программа "Overtime" с Ольгой Сиротой на радио "Орфей" начала юбилейный марафон, в котором принимают участие известные музыканты и деятели культуры.
В первой передаче принимал участие единственный человек, физик по профессии, который знает, каким был Гилельс "без галстука", в семье. Что любил, о чем говорил. Это Петр Никитенко, зять Эмиля Гилельса, отец его единственного внука.
[показать]Чего мы не знаем об Эмиле Гилельсе? После того, как Ольга Сирота побеседовала с Петром Никитенко, зятем великого пианиста, выяснилось, что он жить не мог без Одессы, обожал анекдоты и любил песни Утесова. А еще он мог бы стать учеником самого Иосифа Гофмана ! Почему же не стал?
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Опера в трех действиях Джакомо Пуччини на либретто Луиджи Иллики и Джузеппе Джакозы, основанное на одноименной драме В. Сарду.
Действующие лица:
БАРОН СКАРПИА, шеф полиции (баритон)
ЧЕЗАРЕ АНДЖЕЛОТТИ, политический узник (бас)
РИЗНИЧИЙ (баритон)
СПОЛЕТТА, полицейский доносчик (тенор)
СКЬЯРРОНЕ, жандарм (бас)
ТЮРЕМЩИК (бас)
МАЛЬЧИК-ПАСТУХ (меццо-сопрано)
РОБЕРТИ, палач (молчит)
Время действия: июнь 1800 года.
Место действия: Рим.
Первое исполнение: Рим, театр «Костанци», 14 января 1900 года.
[640x425]
В. Сарду, король французских драматургов, написал «Тоску» специально для Сары Бернар. Она имела огромный успех в роли Флории Тоски, и представления «Тоски» давались, согласно утверждению автора, три тысячи раз. (Это число, быть может, несколько преувеличено: Сарду утверждал это двадцать лет спустя после премьеры.) Во всяком случае, эта драма вызвала интерес, как возможный источник для либретто не только Пуччини, но также Верди и Франкетти. Первым права на написание оперы по этой драме получил Франкетти, и лишь благодаря некоторому лукавству Тито Рикорди, издателю как Пуччини, так и Франкетти, эти права перешли от менее одаренного композитора к великому.
[показать]В музыкальном искусстве XX века, полном трагизма, рефлексии, часто – эмоциональной и интеллектуальной отстраненности, искусство Арама Хачатуряна – остров радости. В его музыке – полнокровие и неподдельный оптимизм. Яркие краски и контрасты вызывали неизбежные ассоциации из мира изобразительного искусства. Асафьев назвал Хачатуряна «Рубенсом наших дней», а его музыку – искусством «высокого Ренессанса». Фундамент его искусства – армянский фольклор (взрывные, импульсивные или, наоборот, бесконечно-томные импровизации народных певцов – ашугов), и европейская традиция XIX – XX веков («восточные» страницы музыки «кучкистов», особенно Бородина и Римского-Корсакова); новые идеи Прокофьева и Равеля в области музыкального языка и оркестровки).Бесконечность Востока и многоголосная музыкальная форма Запада – во многом, противоположные принципы музыкальной организации, соединившиеся в музыке Хачатуряна.
Основные театральные работы Арама Ильича Хачатуряна приходятся на 40 – 50-е годы.
В 1940 году для спектакля театра имени Ленинского комсомола «Валенсианская вдова» (1940 г., режиссеры И. Берсенев и С. Гиацинтова) Хачатурян сочинил cемь музыкальных номеров. Композитора необычайно привлекла блистательная комедия Лопе де Вега, созданная в эпоху Возрождения, в которой ситуации, перипетии, интриги служат утверждению гуманистической идеи, прославлению силы, достоинства и духовной красоты человеческой личности. Эта яркая праздничная музыка не только максимально адекватна стилю и характеру литературного источника, но и заключает в себе новые возможности музыкально-интонационного воплощения образов классической драматургии. Композитор удачно передал национальный испанский колорит и характеристики действующих лиц. В музыке прекрасно передан дух времени.
Демократизм комедии великого испанца, бьющая через край веселость, огненный темперамент – все это оказалось близко творчеству Хачатуряна.
Премьера «Валенсианской вдовы» состоялась 14 ноября 1940 года.
Большую популярность приобрела часто исполнявшаяся в концертах симфоническая сюита из музыки к спектаклю (1940 г.).
Сюита из музыки к пьесе Лопе де Вега
[показать]I. Вступление -0.03
II. Серенада - 4.04
III. Песня - 8.28
IV. Шуточная -12.10
VI. Интермеццо -15.50
VII. Танец - 21.01
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
После окончания балетной карьеры наша сегодняшняя героиня начала работать в качестве педагога. В разные годы она занималась с такими известными танцовщицами как Екатерина Максимова, Людмила Семеняка, Нина Тимофеева, Нина Семизорова и некоторыми другими. Многие из ее учеников впоследствии сделали прекрасные карьеры в мире российского балета. Заслуги Галины Улановой в балете настолько велики, что в честь нее выпустили почтовую марку. Несколько раз Галина Уланова принимала участие в различных творческих фестивалях и международных конкурсах, где работала в качестве педагога и члена жюри. Кроме того, за свою карьеру она снялась в шести фильмах, большинство из которых носило документальный характер.
[показать]Поэт Константин Бальмонт как-то назвал Сергея Прокофьева «солнечным богачом». Действительно, «солнечность Прокофьева многообразна, его музыка ярка, как солнце, тепла, как солнце, и земной шар охватила она, как охватывают его солнечные лучи».
Цикл коротких фортепианных пьес - Мимолётности - написан под впечатлением стихов Константина Бальмонта. Две строки из его стихотворения были выбраны Прокофьевым в качестве эпиграфа.
Полные изменчивой радужной игры".
«Мимолётности»
Visions fugitives, Op. 22
«Осколками» крупных замыслов композитора, а иногда и просто лирическими отступлениями от капитальных работ являются созданные двадцать фортепианных миниатюр — «Мимолетности», ор. 22 (1915—1917).
«Первой была сочинена № 5, последней — № 19,— рассказывает Прокофьев,— порядок в сборнике был установлен из художественных соображений, а не из хронологических.
В фортепианном творчестве Прокофьева цикл пьес «Мимолетности» однако занимает отнюдь не преходящее, «мимолетное» положение. Здесь предельно сжато и конденсированно воплотился основной строй музыкальных образов композитора в их специфически прокофьевском пианистическом выражении.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Развитие жанра концерта как сочинения для одного или нескольких («двойной», «тройной», «четверной» концерт) солирующих инструментов с оркестром продолжилось в XIX веке в творчестве Никколо Паганини, Роберта Шумана, Феликса Мендельсона, Иоганнеса Брамса, Ференца Листа, Петра Чайковского, и многих других композиторов. При этом в сочинениях композиторов-романтиков наблюдался отход от классической формы концерта, в частности, был создан одночастный концерт малой формы - концертштюк или концертино.
Концертштюк (нем. Konzertstьck, буквально - концертная пьеса). 1) Одночастный концерт для солиста и оркестра сравнительно свободный по форме; обыкновенно темп и такт несколько раз меняются в продолжении произведения. Один из популярных образцов концертштюка для фортепиано и оркестра ор. 79 К. М. Вебера. В этом значении термин "Концертштюк" отвечает итальянскому термину концертино (1). 2) Рассчитанное на концертное исполнение сольное произведение крупной формы, как правило, блестящее, виртуозное. К обеим разновидностям Концертштюка могут быть отнесены многие произведения концертного плана, даже если они не носят названия "Концертштюка." Нередко пьесы типа Концертштюка представляют собой рондо, "Блестящее рондо" для фортепиано, вариации для фортепиано, каприччо, для фортепиано и оркестра. Название "Концертштюка" дают также небольшим салонным пьесам, предназначенным для концертного исполнения.
Карл Мария Вебер. "Концертштюк" оп.79.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
16 февраля исполнилось 242 года со дня его появления на свет. И хотя Пьер Роде почти не известен широкой публике, его произведения прочно вошли в репертуар музыкальных школ. Это и этюды, и каприсы, и, конечно, концерты для скрипки...
Пьер Роде (фр. Pierre Rode, 16 февраля 1774, Бордо, Франция — 25 ноября 1830, Шато-де-Бурбон, Франция) — французский скрипач и композитор.
Портрет работы Анри Греведона (1776—1860)