Гори, гори моя звезда.
Наверное, нет в нашей стране человека, который бы не слышал голос Бориса Тимофеевича Штоколова. Кто-то бережно сохраняет дома радиолу с пластинками певца. Для кого-то магнитофон с его записями стал светлым воспоминанием о прошедшей молодости. Совсем молодые люди, блуждая по интернету, натыкаются на ролики с ариями, песнями, романсами в штоколовском исполнении и вдруг приостанавливаются, заслушавшись. Но творчество Штоколова слишком значительно, чтобы оставлять ему место лишь в истории и среди меломанов. В 1969 году после исполнения им партии Досифея в опере М.П. Мусоргского «Хованщина», поставленной в США, в Чикаго, американский критик писал: «Штоколов – великолепный художник. Его голос обладает редкой красотой и ровностью. Вот великий бас, имеющий в своем распоряжении безупречную технику. Певец Штоколов входит во внушительный список великих русских басов недавнего прошлого». А перед этим заслуженный артист РСФСР Борис Штоколов стал лауреатом Международного конкурса на VII Всемирном фестивале молодежи и студентов в Вене.
[800x300]
[500x440]Насколько хорошо вы разбираетесь в русской классической музыке?
Прослушайте 10 фрагментов из разных произведений и ответьте на вопросы теста.
Если задание покажется слишком сложным, воспользуйтесь подсказками.
1. Назовите исполнителя романса Петра Чайковского «Средь шумного бала».
Подсказка: этот тенор писал: «Я спел сто романсов Чайковского в цикле из пяти концертов».
Дмитрий Хворостовский
Федор Шаляпин
Михаил Бочаров
Сергей Лемешев
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Орфей был величайшим музыкантом в греческой мифологии. Действительно, он был столь великим, что возникла целая религия — орфизм, и Орфею поклонялись как богу уже примерно двадцать пять веков назад. Поэтому его история всегда казалась очень естественной для оперы. И действительно, самая ранняя из дошедших до нас оперных партитур основана на сюжете об Орфее. Это «Эвридика» Якопо Пери. Она датируется примерно 1600 годом, а вскоре после этого написано еще несколько опер об Орфее. Композиторы XVIII и XIX веков продолжали обращаться к этому персонажу.
Но единственная оперная версия данного сюжета, которую можно услышать в наши дни — это «Орфей и Эвридика» Глюка. Кстати, это самая ранняя опера из традиционно исполняемых в современных театрах, и датируется она 1762 годом. 5 октября этого года композитор дирижировал ее премьерой в Вене. В наше время дается, как правило, итальянская версия, а роль Орфея исполняет контральто — то есть, естественно, контральто женское.
Глюк и его либреттист, Раньеро да Кальцабиджи, опустили многие детали, имеющиеся в мифе об Орфее, в результате на сцене происходит не слишком много действия. Но зато мы одарены множеством хоровых номеров (особенно в первом действии), а также многочисленными балетными вставками. Ввиду отсутствия действия эта опера почти ничего не теряет в концертном исполнении, а также лучше других сохраняет свои достоинства в аудиозаписи.
[показать] Музыка Жака Ибера по-французски элегантна, отточена, гибка, прихотлива и изящна. Композитор склонен к музыкальной буффонаде, к остроумной, на грани эксцентричности шутке.
Оркестровое скерцо "Вакханалия" , созданное в 1956 году к юбилею радио Би-Би-Си, часто сравнивают с «Танцем с саблями» Арама Хачатуряна.
Ибер создал динамичный, гротескный образ разгульного веселья, полного сметающей все барьеры на своем пути радости.
[показать]Визитная карточка Арама Хачатуряна — знаменитый «Танец с саблями», благодаря которому во многих странах мира за композитором утвердилось прозвище «мистер Танец с саблями».
«Непокорное и шумливое дитя», — так сам Хачатурян называл пьесу, которую сочинил не по доброй воле, а по настоятельному требованию постановщика балета «Гаяне». Сочинил буквально за один вечер. Отдавая балетмейстеру ноты, композитор в сердцах написал на них: «Черт возьми, в угоду балету!» Было это в 1942 году.
Сочинения, открывшие или закрывшие какие-либо направления в музыке, оказавшиеся тупиками или, наоборот, воротами в дивный новый мир
Антифонарий папы Григория I Великого
[показать]Кодекс 121 из Айнзидельнского аббатства. 960–970 годы Кодекс включает в себя древнейшие целиком сохранившиеся невматические мессы антифонария; в наши дни манускрипт является важным источником для изучения григорианского пения (хорала)
Составление антифонария папы Григория I Великого — книги богослужебных песнопений — положило конец многочисленным региональным традициям пения и привело в целом к выхолащиванию изначально затейливой и многообразной природы церковных песнопений, прежде богатых украшениями, изысканных в ритмическом плане и разнообразных по выразительной динамике.
Результатом стало появление григорианского хорала, на долгие годы ставшего основным мелодическим фондом европейской музыки. Григорианский хорал, или «ровный напев» (plain chant) является, таким образом, конечным пунктом развития искусства импровизации по заданному канону (широко распространенной на Востоке до наших дней) и одновременно отправной точкой создания западноевропейской музыки.
Ирина Архипова родилась в 1925 году в Москве в семье известного инженера Константина Ветошкина. Несмотря на свою техническую профессию, отец Ирины был музыкально одаренным человеком и играл на различных инструментах. Мать, Евдокия Галда, пела в хоре Большого театра. Поэтому живую музыку Ирина слышала в родительском доме постоянно, и с детства ходила в музыкальную школу. Позже она начала посещать школу имени Гнесиных, где ее педагогом была Ольга Голубева, а затем Ольга Гнесина.
Родители видели музыкальный талант дочери, но решили, что профессия архитектора позволит лучше устроиться в жизни, чем занятия музыкой. Когда Ирина пошла в выпускной класс, началась война, и семья уехала в Ташкент, где в 1942 году Ирина поступила в Архитектурный институт. Здесь же через три года она начала учиться в вокальной студии при институте. Педагогом Архиповой была Надежда Малышева. Именно с посещения этой студии и началось настоящее знакомство будущей певицы с оперным искусством. Это стало первой ступенью ее творческой биографии.
Ирина активно занималась в студии, но не меньше усердия проявляла и в подготовке к работе архитектора. Темой для диплома Архипова выбрала проектирование памятника в честь павших в Севастополе солдат. В то время прошло лишь три года с окончания войны, и таких памятников еще не ставили. Поэтому идея казалось новой и необычной. В 1948 году Архипова защитила дипломный проект на «отлично» и закончила учебу в институте.
Генрих VIII, Иван Грозный, Лев Толстой, Фридрих Ницше и другие композиторы-любители.
В эпоху распространения всеобщей музыкальной грамотности в высших, а потом и в средних классах общества музыкальные досуги монархов, писателей, художников и актеров не были чем-то экстраординарным.
Cобрание произведений самых выдающихся из композиторов-любителей XVII–XX веков.
король Англии (1491–1547)
Именно Генриху VIII чаще всего приписывается авторство знаменитой английской песни «Зеленые рукава», и не одно поколение британских музыковедов сломало копья в битвах за доказательство его авторства.
Абсолютно точно же известно, что Генрих VIII написал не меньше инструментальных песен и танцев, чем подписал эдиктов и смертных приговоров.
Вот одна из лучших песен короля:
Исполнение: The King’s Singers
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Имя композитора и дирижёра Эдуарда Направника хорошо известно в России, так как он долгое время жил и работал в этой стране и фактически создал Мариинский театр в том виде, в котором мы его знаем сегодня. Именно при нём состоялся ряд оперных премьер на сцене Мариинского театра, и сформировалось целое поколение таких прекрасных дирижёров.
[показать]Эдуард Направник родился в 1839 году в Чехии, входившей в то время в состав Австрийской империи. Его музыкальная деятельность началась в Праге под руководством талантливых музыкальных педагогов. Именно к этому времени обучения юный композитор написал свои первые музыкальные произведения. В 1861 году молодой капельмейстер покидает родину и уезжает в Россию. Так случилось, что именно в тот момент князь Юсупов искал для своего домашнего оркестра дирижёра. Один из профессоров консерватории, зная о таланте Эдуарда, порекомендовал его князю, отдыхавшему в то время в Чехии. Юсупов выслал приглашение музыканту с просьбой занять место капельмейстера. Ему были предложены отличные условия – хорошее жалованье с полным содержанием. Он согласился и отправился в Петербург, который стал ему домом на пятьдесят пять лет. Здесь же он познакомился со своей будущей женой, оперной певицей Ольгой Эдуардовной Шрёдер. Главной заслугой Эдуарда Направника, конечно, считается его деятельность в Мариинском театре. Он получил приглашение на работу в нём после одного интересного случая. Капельмейстер пришёл в театр со своим другом, чтобы послушать оперу Глинки «Руслан и Людмила». Но случилось так, что вместо спокойного времяпрепровождения в партере, Направнику в этот вечер пришлось исполнить оперу вместо пианиста, который просто не пришёл на работу. Благодаря своим способностям и храбрости, Направник, можно сказать, спасший тот вечер, был приглашён на работу в этот театр. Он начал с помощника капельмейстера и дослужился до главного дирижёра Мариинского оркестра, которым и оставался на протяжении почти пятидесяти лет. С его приходом в театр связывают «золотой век» коллектива оркестра. Этот выдающийся дирижёр искренне любил русское творчество. Он старался сделать так, чтобы в стенах театра звучало как можно больше произведений русских композиторов. Музыканты отмечали его пунктуальность, сердечное и уважительное отношение к подчинённым. Современниками засвидетельствован тот факт, что дочь композитора Михаила Ивановича Глинки, основоположника русской композиторской школы, в знак особого уважения передала Направнику дирижёрскую палочку своего отца. Вот как высоко почитали этого иностранца, вложившего душу в русское музыкальное искусство!
ptel.cz/2014/11/nasledie-napravnika/
«Симфонические танцы» – последнее произведение Сергея Васильевича Рахманинова(1873 - 1943), созданное за 3 года до смерти, которое подытоживает весь творческий путь композитора.
[показать]Создание этого сочинения относится к лету 1940 года, которое композитор провел в Лонг-Айленде, на берегу морского залива. Будучи на природе, мысли Рахманинова были направлены назад, к родине и царившим за океаном ужасам войны. По воспоминаниям Наталии Рахманиновой, жены композитора, партитура писалась «на берегу моря, на даче недалеко от Нью-Йорка. В 8 часов утра Сергей Васильевич пил кофе, в 8 1/2 садился за сочинение. С 10 часов он играл два часа на фортепиано, готовясь к предстоящему концертному сезону. С 12 часов до часа опять работал над „Танцами“. В час дня завтракал и ложился отдыхать, а затем с 3 часов дня с перерывом на обед работал над сочинением до 10 часов вечера. Он непременно хотел кончить „танцы“ к началу концертного сезона. Намерение свое Сергей Васильевич выполнил...»
Именно в этот переполненный противоречивыми чувствами период рождается произведение глубоко философское и автобиографичное.
Начав «Симфонические танцы» в середине лета, композитор при очень интенсивной работе закончил его к 10 августа. Премьера состоялась 3 января 1941 года в Чикаго. Первыми исполнителями произведения стал высоко почитаемый Рахманиновым Филадельфийский оркестр под руководством Юджина Орманди, которому и был посвящен данный опус.
В Советском Союзе «Симфонические танцы» впервые прозвучали 25 ноября 1943 года. Дирижер Н.С. Голованов отмечал блестящее мастерство композитора, значительную усложненность его оркестрового письма, а так же необычайную трудность произведения для исполнения.Симфонические танцы представляют собой цикл, состоящий из трех симфонических картин, объединенных одним драматургическим смыслом. Подтверждением служит изначальный замысел автора дать программные названия частям: «День», «Сумерки» и «Полночь». Несмотря на то, что в последствии композитор отказался от каких-либо пояснений, в этих названиях можно прочитать общефилософский смысл, связанный с этапами человеческой жизни. Вероятнее всего, замысел несет в себе и автобиографический элемент.
«Симфонические танцы» соч. 45
I. Non allegro 0:00
II. Andante con moto. Tempo di valse 11:09
III. Lento assai - Allegro vivace 21:02
Московский Филармонический Симфонический Оркестр.
Дирижер-Кирилл Кондрашин.(1963)
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Карл Черни родился в семье пианиста и педагога Венцеля Черни, ставшего первым учителем Карла. Под его руководством Карл начал концертировать в 9-летнем возрасте.
До 1815 года вёл концертную деятельность: ему Людвиг ван Бетховен доверил исполнение своего Третьего фортепианного концерта. Однако в 1815 году Черни прекратил фортепианное исполнительство и сосредоточился на педагогике и композиции. Работал преимущественно в Вене.
В середине XIX века Карл Черни считался одним из крупнейших преподавателей игры на фортепиано.
Творческое наследие Карла Черни насчитывает больше 1000 опусов, состав некоторых приближается к 50 и более номерам. Также Черни создал множество литературно-методических книг, посвящённых проблемам преподавания игры на фортепиано. Помимо собственных сочинений, Карл Черни создал собственные редакции «Хорошо темперированного клавира» И. С. Баха и сонат Доменико Скарлатти, а также опер, ораторий, симфоний и других оркестровых произведений.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Захотелось окунуться в несколько иную музыкальную культуру, отличную от европейской, полную тайн и очарования. Но в этом необычном мире музыки на самом деле можно обнаружить много общего и очень интересного, приоткрывающего завесу неизведанного и неразгаданного...
Почему такое название - "Государство звуков"? Потому что в индийской музыке есть звук "правитель", есть звук "министр", есть звуки "враги". Эти названия перекликаются с нашими тониками, доминантами и диссонансами, но об этом чуть дальше...
История собственно индийской цивилизации начинается с середины II тысячелетия до н.э. В это время с северо-запада в долины рек Инд и Ганг вторглись племена ариев, до сих пор хранящих тайну своего происхождения. Самым значительным памятником новой культуры, на протяжении более 3 тысяч лет развивавшейся и процветавшей на полуострове, стали, безусловно, веды, которые сложились из вдохновенных песнопений, звучавших на языке древнеиндийской культуры - санскрите и долгое время существовавших только в устной форме.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Звук - наименьший структурный элемент музыки, её, как казалось до сравнительно недавнего времени, непоколебимая основа, универсальный первокирпичик. Вопрос звука неразрывно связан с признанием или отрицанием социокультурной обусловленности восприятия музыкального звука. Так, существует довольно распространённая точка зрения, в соответствии с которой "звуки сами по себе никакой эмоциональной выразительностью не обладают и из анализа свойств самих звуков мы никогда не сумеем вывести законов их воздействия на нас. Звуки становятся выразительными, если этому способствует смысл слова"*. В такой позиции, безусловно, имеется рациональное зерно: если верно, что "на любой тон мы проецируем какое-то своё внутреннее напряжение"** (а это действительно так или как минимум вполне возможно, что так), то абсолютного значения этот любой тон иметь не может.
В 1867 году популярный французский композитор Шарль Гуно создает прославленную оперу "Ромео и Джульетта". По окончании консерватории Гуно отправился на три года в Рим, где изучал старинных итальянских мастеров, в результате чего появились его первые культовые композиции. В Париже, под влиянием Берлиоза и Мендельсона, Гуно обратился в сторону светской музыки. Несмотря на разносторонность творчества композитора, его широкая популярность основывается на операх "Ромео и Джульетта" и "Фауст".
Опера "Ромео и Джульетта" - произведение более сложное в гармоническом отношении. Причины его длительного воздействия на вкусы широкого слушателя заключаются прежде всего в необычайной доступности его музыки, основанной на соединении всевозможных стилей, выработанных опытом французских, итальянских и немецких опер.
[700x442]
"Ромео и Джульетта" Гуно хорошо известна в мире и ставится до сих пор. Впервые опера была поставлена в театре Лирик в Париже. Либретто Барбье и Карре. В России впервые шла на итальянском языке в 1870 году. Маргарита Дезире Арто - знаменитая французская певица с голосом обширнейшего диапазона примирила Петра Ильича даже с музыкой Гуно, которую он до тех пор не любил. На советской сцене опера была поставлена 16 марта 1919 года в театре Оперы и балета в Петрограде. Режиссер - Боссе. Затем ставилась во многих городах. Среди выдающихся исполнителей: Ромео - Фигнер, Алчевский, Собинов, Смирнов, Юдин, Лемешев; Джульетта - Мравина, Больска, Нежданова, Барсова, Катульская, Масленникова.
Виллем де Феш - виртуозный нидерландский басовый скрипач и композитор. Ученик Карела Розира. Де Феш работал в Амстердаме с 1710 по 1725 гг.. С 1725 до 1731 он служил капельмейстером в Антверпенском Соборе. Затем музыкант переехал в Лондон, где давал концерты и работал в оркестре Генделя с 1746 г. После 1750 года он уже не выступал.
Как композитор Виллем де Феш создал оратории "Джудит" (1732) и "Джозеф" (1746), дуэты, соло и трио-сонаты, концерты и песни. Обе оратории долгое время считались утраченными, когда в 1980 году копия рукописи "Джозефа" была найдена в Королевской Консерватории Лондона.Виллем де Феш был, вероятно, одним из наиболее интересных и плодовитых голландских композиторов 18 века. За свою жизнь он имел возможность работать в разных европейских городах и странах, благодаря чему приобрёл значительную широту познаний в музыкальной теории и практике.
W. de Fesch: Op. 3. Molti Concerti e Concerti Grossi
[показать]Фортепианный цикл «Карнавал», Op. 9, созданный Робертом Шуманом в 1834—1835 годах, — цикл пьес, где перед слушателем то стремительно проносятся, то проплывают в медленном танце самые разные маски. Здесь есть и образы вполне реальных Шопена и Паганини, так и выдуманные Шуманом персонажи Эвсебий и Флорестан.Идею цикла подсказало Шуману название города Аш (Asch), где жила Эрнестина фон Фрикен, тогдашняя возлюблееная Шумана. Ноты ля (A), ми-бемоль (S), до (C) и си (H) легли в основу главной темы произведения.
В 1902 году «Карнавал» Шумана был впервые переложен для симфонического оркестра русскими композиторами.
Д.Мацуев и 20 пианистов исполняют цикл Р.Шумана "Карнавал"
1. Вступление_ Дмитрий Майборода
2. Пьеро _Полина Осетинская - 2.21
3. Арлекин _ Евгений Брахман- 4.51
4. Благородный вальс _ Вадим Руденко - 5.55
5. Эвсебий _ Екатерина Мечетина - 8.08
6. Флорестан _ Мирослав Култышев- 9.59
7. Кокетка _ Арсений Шульгин - 11.00
8. Реплика _ Анастасия Махамендрикова- 12.21
9. Бабочки _ Александр Малофеев- 13.14
10.Танцующие буквы _Владимир Петров- 13.58
11. Киарина _ Дмитрий Березняк- 14.49
12. Шопен _ Варвара Кутузова - 16.29
13. Эстрелла _ Наиль Мавлюдов-17.50
14. Признательность _ Александр Кутузов-18.50
15. Панталон и Коломбина _ Давит Хрикули- 20.00
16. Немецкий вальс ,Паганини _ Глеб Романчукевич/Даниил Харитонов/Глеб Романчукевич - 21.07
17. Признание _ Ма Син А - 23.30
18. Прогулка _ Алексей Мельников -24.44
19. Пауза _ Алексей Мельников
20. Марш" Давидова братства" против филистимлян _Денис Мацуев - 26.54
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Известно, что звон колоколов полезен для здоровья, но мало кто знает, в чем же конкретно заключается эта польза. Еще в древности на Руси люди верили, что если над тяжелобольным человеком ударить в колокол, то это поможет ему выздороветь. В средние века при угрозе эпидемий начинали бить в колокола, пытаясь таким образом спастись от напасти.
В настоящее время многочисленными наблюдениями подтверждено благоприятное действие колокольного звона для лечения нервозности, стресса, вегетососудистой дистонии и гипертонической болезни. Помогает он также при язвенной болезни желудка и двенадцатиперстной кишки, при бронхиальной астме, болезнях сердца, желчнокаменной болезни, мастопатии. Колокольный звон способен исцелить больных инфекционными заболеваниями, укрепив их иммунитет.
Что же скрывается за живительной силой колокольного звона, метафизическая сущность или вполне объяснимые явления? Однозначного мнения тут нет, однако ученые, проводившие исследования в этом направлении пришли к некоторым интересным результатам.
Колокольный звон исцеляет душу
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
«Я написал трагедию поколения, которое скоро исчезнет. Я не старался ничего скрыть из его пороков и добродетелей, из его тяжелой печали, его хаотической гордости, его героических усилий, его смертельной усталости под тяжким бременем сверхчеловеческой задачи: я изобразил «сумму» мира—мораль, эстетику, веру, человечество, которое должно быть переделано. — Вот то, чем мы были.
«Теперь—ваш черед, люди нашего времени, молодежь. По нашим телам, как по ступеням лестницы, — идите дальше вперед. Будьте более великими, чем мы, и более счастливыми».
Ромен Роллан. «Жан Кристоф»
Молодой Малер пришел в музыкальное искусство конца XIX века как прямой наследник романтизма. От романтиков он перенял стремление выйти за пределы своего искусства, заставить его слиться с литературой, театром, философией. Но расширение границ музыки было для Малера средством воплотить грандиозное духовное содержание. Он говорил о человеке и мире, добре и зле, жизни и смерти, гармонии и хаосе, он силился постигнуть, что есть вечное, прекрасное, что есть цель. Он видел свою миссию в том, чтобы поднять эти проблемы и разрешить их в своем творчестве не только для себя, но и для всего человечества. Подобных философских и этических задач симфонический жанр эпохи романтизма не знал…
Великий австрийский композитор говорил, что для него «писать симфонию — значит всеми средствами имеющейся техники строить новый мир. Всю жизнь я сочинял музыку лишь об одном: как я могу быть счастлив, если где-нибудь еще страдает другое существо».
Эмиль Жак-Далькроз, (фр. Emile Jaques-Dalcroze; 6 июля 1865 года, Вена — 1 июля 1950 года, Женева) — швейцарский композитор и педагог. Настоящее имя Эмиль Жак. Издательство его произведений предложило ему несколько изменить свою фамилию, так как в это же время был еще другой композитор, носящий фамилию «Жак», имя которого знают сейчас, вероятно, только узкие специалисты. Далькроз взял фамилию своего друга Валькроза, изменив только первую букву. С тех пор он подписывает свои произведения «Жак-Далькроз».
Человек
В Вене, где родился Жак-Далькроз, постоянно звучала музыка Иоганна Брамса, Антона Брукнера, Иоганна Штрауса. Эмиль Жак с детства был окружен музыкой. Дед играл на скрипке, дядя — пианист, в доме постоянно музицировали. С шести лет Далькроз начал брать частные уроки музыки, в семь лет сочинил марш, а в двенадцать стал учеником Консерватории в Женеве, куда в 1875 году переехала семья. Далькроз учился у Гуго де Зенгера и неоднократно награждался призами. С раннего детства окружающие отмечали его бунтарский характер. Окончив колледж, он радостно воскликнул, что наконец покидает эту «тюрьму» и только теперь чувствует себя человеком. Далькроза возмущало, что большинство педагогов не считает нужным объяснять, для чего надо выполнять то или иное задание — то есть то, что сам он с такой любовью выполнял в своей педагогической деятельности.