[показать]Сюита
Картинки с выставкибыла написана Модестом Мусоргским в 1874 году как дань дружбе с художником и архитектором Виктором Гартманом (умер не достигнув сорока лет). Именно посмертная выставка картин друга и дала Мусоргскому идею создать композицию.
| [показать] | Мысль передать в музыкальных образах зрительные впечатления искренне увлекла Мусорского, и работа закипела. Вскоре, в июне 1874 года, «Картинки с выставки» были закончены. | [показать] |
Этот цикл можно назвать сюитой – последованием десяти самостоятельных пьес, объединенных общим замыслом. Как каждая пьеса – музыкальная картинка, отразившая впечатление Мусоргского, навеянное тем или иным рисунком Гартмана.
Тут и яркие бытовые картинки, и меткие зарисовки человеческих характеров, и пейзажи, и образы русских сказок, былин. Отдельные миниатюры контрастируют между собой по содержанию и по выразительным средствам.
Цикл начинается пьесой "Прогулка", что олицетворяет прогулку самого композитора по галерее от картины к картине, поэтому данная тема повторяется в промежутках между описаниями картин.
Произведение состоит из десяти частей каждая из которых передает образ какой-то картины.
исп.Святослав Рихтер
Прогулка 00:00
I. Гном 01:06
Прогулка 03:29
II. Средневековый замок 04:14
Прогулка 08:39
III.Тюильский сад 09:01
IV. Быдло 09:58
Прогулка 12:07
V. Балет невылупившихся птенцов 12:36
VI. Два еврея, богатый и бедный 13:52
Прогулка 15:33
VII. Лимож. Рынок 16:36
VIII. Катакомбы.Римская гробница 17:55
IX. Избушка на курьих ножках 22:04
X. Богатырские ворота. В стольном городе Киеве 25:02
Этюд ми мажор (ор. 10 № 3) не случайно исполняют также в переложениях для скрипки, для виолончели и для певческого голоса в сопровождении фортепиано. Мелодию, звучащую в крайних разделах трёхчастной формы этого произведения, сам Шопен считал лучшей из всех, им созданных. Изумительно нежная и певучая, она исполнена сердечного тепла - словно ласковая материнская колыбельная песня с тихими, "баюкающими" покачиваниями в аккомпанементе.
А контрастная аккордово-пассажная середина этой пьесы - будто разыгравшаяся грозная буря или охвативший человека страшный сон. Но всё рассеивает возобновляющееся успокаивающее звучание задушевной песни. Слушая однажды, как Этюд ми мажор играл один из его учеников, Шопен воскликнул: "О, моя Родина!".
Слушаем:
[показать]Фернандо Сор (полное имя Хозе Ферран Сор-и-Мунтадес) (1778 - 1839) — испанский классический гитарист-виртуоз и композитор, один из самых значительных классических гитаристов XIX века.
Творчество Сора сыграло огромную роль в развитии гитарного искусства. Много концертируя по Европе, он снискал себе славу выдающегося виртуоза, наравне с известными гитаристами-современниками (Мауро Джулиани, Маттео Каркасси, Фердинандо Карулли). Как композитор Сор известен прежде всего своими сочинениями для гитары (более 60), вошедшими в репертуар ведущих мировых исполнителей, а также песнями и романсами, отмеченными ярким мелодизмом. Композитор трактует гитару как серьёзный музыкальный инструмент с богатыми полифоническими возможностями. На стиль Сора оказали влияние композиторы венского классицизма, прежде всего Гайдн и Моцарт. Сор также имеет большое значение как педагог — его «Школа игры на гитаре», опубликованная в 1830 году, пользовалась огромной популярностью. Среди учеников Сора — ряд известных впоследствии гитаристов, в том числе Наполеон Кост, редактировавший и издавший после смерти композитора многие его сочинения.
ФАНТАЗИЯ ДЛЯ ДВУХ ГИТАР
"ВОСПОМИНАНИЕ О РОССИИ"
(SOUVENIR DE RUSSIE) OP.63
Introduction (Andante moderato)
Tema with variations
Allegretto
Среди фортепианных миниатюр Шуберта выделяются восемь "Экспромтов". Это романтический жанр, пьесы,возникающие как бы в результате импровизации под влиянием какого-либо внезапного впечатления, вдруг нахлынувшего настроения.
В "Экспромте" ми-бемоль мажор проявил себя дар Шуберта претворять в музыке поэтическое восприятие голосов природы и тем самым полнее раскрывать мир душевных переживаний человека. В крайних частях трехчастной формы этой пьесы прихотливо вьющееся стремительное пассажное движение напоминает журчание ручья с кристально чистыми, звонкими струями. Кажется, что они то весело сияют, отражая солнечные лучи, то темнеют от набежавших туч, рождая тревожные думы. А мелодия, выступающая на первый план в средней, си-минорной части, звучит подобно песне одинокого странника, полной взволнованных надежд и помыслов. Этой песне аккомпанируют словно беспокойно "завихряющиеся" всплески воды.
Тема среднего раздела вновь появляется в заключающей коде, которая заканчивается модуляцией в ми-бемоль минор.
Слушаем:
Брянцева В.Н. Музыкальная литература зарубежных стран.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Услышав только одно произведение этого композитора - "Романс для струнного оркестра", я сразу же заинтересовалась его творчеством. Музыка была очень красивой и произвела на меня сильное впечатление...
Джеральд Рафаэль Финци (англ. Gerald Raphael Finzi; 14 июля 1901, Лондон ― 27 сентября 1956, Оксфорд) ― британский композитор.
Финци родился в семье судового маклера Джона Абрахама Финци и Элизы Эммы Леверсон. В семилетнем возрасте потерял отца. Получив домашнее образование, музыкой стал заниматься в 1915 году под руководством композитора Эрнеста Фаррара, а после того, как тот ушёл на фронт ― у Эдварда Бэрстоу. Весть о гибели Фаррара в 1918 году глубоко потрясла Джеральда, наложив отпечаток на всё последующее его творчество. В 1922 Финци поселяется в Пэйнсвике и создаёт первые свои сочинения, среди которых ― оркестровая «Севернская рапсодия» и песни на стихи Томаса Харди. По совету дирижёра Адриана Боулта в 1925 он берёт уроки контрапункта у Р. О. Морриса, и в том же году возвращается в Лондон, где знакомится с молодыми композиторами ― Артуром Блиссом, Ховардом Фергюсоном, Робином Милфордом, Эдмундом Рубброй, ― и представителями старшего поколения: Густавом Холстом и Ральфом Воан-Уильямсом. Он часто посещает концерты, выставки, театральные представления, создаёт новые произведения и в корне перерабатывает ранее написанные (в том числе Скрипичный концерт, в 1928 с успехом исполненный под управлением Воан-Уильямса). По рекомендации Воан-Уильямса же Финци получил место в Королевской академии музыки, где преподавал в 1930―1933.
Romance for String Orchestra in E flat major, Op. 11 (Романс для струнного оркестра)
Увертюра к "Руслану и Людмиле" стала первой вершиной симфонического творчества Глинки. Она была сочинена после завершения всего произведения, строится на темах оперы и передаёт её главную идею - победу светлых сил над миром зла. Музыка увертюры, стремительная и ликующая, по словам Глинки, "летит на всех парусах"; она содержит основные образы оперы - мужественную героику, радость любви, таинственную сказочность.
Увертюра написана в тональности ре мажор, звучащей празднично и приподнято; она имеет сонатную форму. Вступление начинается с решительных могучих аккордов оркестра: они подобны, по выражению композитора, богатырским ударам кулака. Ярко национальный характер звучания первых тактов достигается благодаря плагальным оборотам (тоника - субдоминанта - тоника), типичным для русской музыки. Главная партия (взятая, как и тема вступления, из финала оперы), динамичная и неудержимая, также воплощает богатырский героический образ.
Певучая и исполненная радостного чувства побочная партия появляется в фа мажоре (в репризе прозвучит в ля мажоре). Она построена на теме любви из арии Руслана во втором действии и поручена виолончелям.
В разработке характер обеих тем меняется; внезапные контрасты динамики, регистров, тембров, повторяющиеся "аккорды оцепенения" делают музыку таинственной и тревожной. Однако силы добра и любви побеждают: когда после "бурлящей" радостью репризы у тромбонов возникает призрак Черномора (целотонная гамма), то он быстро исчезает под напором жизнерадостных богатырских сил.
Слушаем:
По кн.: Козлова Н.П. Русская музыкальная литература
***
Этюд-картина ля минор ор.39 № 6. Жуткая аллегория-сказка лежит в основе этой пьесы. Этюд, по словам Рахманинова, "вдохновлен образами Красной Шапочки и Волка". Вообще весь опус 39 у Рахманинова мрачный, грозный, свирепый. Он создавался в 1916 - 1917 годы, накануне надвигаюшихся социальных катастроф, и творческая реакция композитора была смятенная.
Этюд строится на развитии двух контрастных образов. Зловещая хроматическая тема в басу с грозно "рыкающими" аккордами - это Волк. Жалобные, захлебывающиеся, будто спотыкающиеся шестнадцатые в высоком регистре - Красная Шапочка, убегающая от Волка.
Начинается преследование. Ритм скока Волка жесткий, агрессивный. Все быстрее темп, все размашистее прыжки, все торопливее и беспомощнее бег шестнадцатых, все чаще они "спотыкаются", будто выбиваясь из сил. Хроматическая гамма в басу и два аккорда-удара завершают пьесу. Волк настиг свою жертву.
Слушаем:
Цит. по кн.: Аверьянова О.И. Отечественная музыкальная литература ХХ века.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
«Коппелия», полное название «Коппелия, или Красавица с голубыми глазами» — комический балет французского композитора Лео Делиба. Либретто написано по новелле Э. Гофмана «Песочный человек» Ш. Нюитером и балетмейстером спектакля А. Сен-Леоном. Премьера балета состоялась в Парижской Опере («Гранд-Опера») 25 мая 1870, в присутствии Наполеона III и его супруги, императрицы Евгении. Балет пользуется большой популярностью, его постоянно ставят многие театры мира.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Концертная фантазия ор. 33 для скрипки с оркестром написана в пер-
вой декаде января 1887 года
и посвящена скрипачу Петру Артемьевичу Краснокутскому,
концертмейстеру оркестра Мариинского театра и преподавателю
Санкт-Петербургской консерватории — коллеге Римского-Корсакова.
Премьера сочинения состоялась в исполнении Краснокутского под
управлением автора 5 декабря 1887-го в Пятом Русском симфо-
ническом концерте. Программы этих мероприятий складывались
в то время в основном из произведений одночастных, компактных,
легко воспринимаемых с точки зрения структуры.
Фантазия (от греч. phantasm - воображение), инструментальная музыкальная пьеса, в которой важное значение приобретает импровизационное начало, свободное развёртывание музыкальной мысли. В 17 в. фантазия испытывала влияние концерта, симфонии, увертюры, сонаты, рондо. В 17-18 вв. она часто использовалась в качестве вступления к др. пьесе, например к фуге, порой и к сонате. В 19 в. сближается с сонатой. Фантазии зачастую создаются как свободные варианты сонатной формы порой по структуре близкие к симфонической поэме. Одновременно получила распространение Фантазия, как виртуозная пьеса, основанная на разработке (большей частью вариационной) тем из опер, балетов,например фантазия для фортепиано Листа на темы из оперы «Дон Жуан» Моцарта, мелодий народных песен, «Фантазия на темы русских народных песен» для скрипки с оркестром Римского-Корсакова.
***
Ольга Филиппова
16 лет, Пензенская область, Белинский район, с. Чернышево
Музыка
Музыка: Антон Аренский. Сюита для 2-х фортепиано №1. Romance
[показать] Александр Константинович Глазунов(10 августа 1865 — 21 марта 1936) - фигура, крупная во всех отношениях: и как музыкант, и как неординарная личность… И даже внешность Глазунова поражала «масштабом», «значительностью». «Высокий, полный, даже статный, если бы не тучность и рыхлость, Глазунов производил впечатление человека, который не ходил, а словно передвигался, – писал Асафьев. – Он плыл, как гондола, никогда не спеша».Современники восхищались силой его дарования: обширная эрудиция, всеобъемлющая память, лёгкость в разрешении музыкально-технических задач. Глазунов обладал феноменальным слухом.Утверждали, что даже Римский-Корсаков мог пропустить в заданиях ученика некоторые ошибки, Глазунов же – никогда.
Больше двадцати лет Глазунов был профессором Петербургской консерватории, а с 1905-го года – её директором. Глазунов пользовался огромным авторитетом у студентов. Полный и величественный, он медленно проходил по консерваторскому коридору, погрузившись в свои мысли и держа в руке неизменную сигару. Говорят, что Глазунов любил повторять: «Можно критиковать мои сочинения, но нельзя отрицать, что я замечательный директор консерватории». Глазунов действительно был замечательным директором: он отдавал своё жалованье на стипендии ученикам, при царе просил за тех, кого собирались отчислить за революционную деятельность, а после революции выбивал пайки одаренным студентам.
Рассказывают, как однажды, в голодном 1921-м году он пришёл к Максиму Горькому с очередной просьбой.
Скрипач или пианист? – спросил Горький.
- Композитор.
- Сколько же ему лет?
- Пятнадцатый. Сын учительницы музыки... Он принес мне свои опусы.
- Нравится?
- Отвратительно! Это первая музыка, которую я не слышу, читая партитуру.
- Почему же вы пришли?
- Мне не нравится. Что же, очень жаль. Время принадлежит этому мальчику, а не мне. Надо устроить академический паёк.
- Записываю. Как фамилия?
- Шостакович.
Наступивший 20-й век – век скоростей, век терзаний – оказался чужд музыке Глазунова. Известный критик Александр Петрович Коптяев писал: «Одного лишь не хватает Глазунову: сильных эмоций, потрясений, страданий. Окружающая его жизнь так спокойна, так уютна, так однообразна!»
После Восьмой симфонии Глазунов писал мало и нерегулярно. Причины этого «молчания» кроются в повсеместном ниспровержении дорогих ему музыкальных идеалов, в изменении ценностных критериев.
Парадокс, но чем дальше и быстрее идёт время, тем большую ценность для нас представляют те лучшие качества музыки Глазунова, которые более ста лет назад отмечали её исследователи: «равновесие между традицией и новшеством», поклонение красоте, «густую, непроницаемую ясность, как голубая синева неба над высокой снежной вершиной или как цвет вод горных альпийских озёр».
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Фортепианное творчество Мусоргского невелико по объему, но оно представляет очень самобытную ветвь в его музыкальном наследии. Конечно, одним из выдающихся произведений считается цикл фортепианных пьес «Картинки с выставки», написанный в 1874 году как музыкальные иллюстрации-эпизоды к акварелям В. А. Гартмана. Но этим циклом не ограничиваются самые выдающиеся образцы его искусства в данной области.
Пьеса для фортепиано "Слеза" была написана Мусоргским в 1880 году. Через год композитора не стало. Тяжело больной, жестоко страдающий от нужды, одиночества и непризнания, Мусоргский, вдохновлённый большой концертной поездкой в 1879 году по югу России и Украины, пишет знаменательные слова: К новому музыкальному труду, широкой музыкальной работе зовет жизнь... к новым берегам пока безбрежного искусства! Судьба распорядилась иначе.
Услышав эту знакомую мелодию, я была удивлена, что она является частью произведения никому не известного австрийского композитора. Это Сигизмунд фон Нейком - "Theme Russe Con Variazione" из Квинтета си-бемоль мажор, ор 8, написанного в 1806 году. Он бывал в России и, видимо, услышал тогда эту мелодию. Но всё равно удивительно, если учесть, что это всего лишь 1806 год... нашему Глинке, например, всего 2 года...
Что следует знать о Бетховене, о страданиях Христа, об опере Моцарта и о романтизме, чтобы правильно понять одно из самых известных в мире произведений, объясняет проректор Гуманитарного института телевидения и радиовещания, кандидат искусствоведения Ольга Хвоина.
В обширном репертуаре мировой музыкальной классики трудно, пожалуй, найти более известное сочинение, чем Лунная соната Бетховена. Не надо быть музыкантом и даже большим любителем классической музыки, чтобы, услышав ее первые звуки, мгновенно узнать и с легкостью назвать и произведение, и автора.
(до-диез минор, оp. 27, № 2, или Лунная),
первая часть
Исполнение: Клаудио Аррау
Одно уточнение, впрочем, требуется: для неискушенного слушателя узнаваемой музыкой Лунная соната исчерпывается. В действительности это не все произведение, а лишь его первая часть. Как и положено классической сонате, оно имеет еще и вторую, и третью. Так что, наслаждаясь Лунной сонатой в записи, стоит прослушать не один, а три трека — лишь тогда мы узнаем «конец истории» и сможем оценить все сочинение целиком.
Для начала поставим перед собой скромную задачу. Сосредоточившись на хорошо знакомой первой части, попробуем понять, что таит в себе эта волнующая, заставляющая к себе возвращаться музыка.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм.
[669x300]
ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА - Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.
Много воспоминаний сохранилось о первом исполнении Первой симфонии А.К. Глазунова(1865–1936). Симфония была написана им в 1881 г., когда ему было только 16 лет. Исполнение состоялось годом позже в Бесплатной музыкальной школе под управлением М.А. Балакирева и сразу сделало Глазунова знаменитым.
I. Allegro
II. Scherzo: Allegro
III. Adagio
IV. Finale: Allegro
Главная партия первой части представляет собой русский дух, а побочная в «мазурочной» теме — польский колорит.
Вторая часть продолжает синтез русского и польского: сопровождающие «сельские» квинты создают образ русского характера, а грациозная мелодия в среднем разделе — польское.
Третья часть — Adagio с размерено развертывающейся элегической мелодией, эпически-сосредоточенным характером.
Характерен для Глазунова и финал — праздничная сцена непринужденного, раздольного народного веселья. В нём использованы слышанные здесь композитором польские народные песни, которые звучат поочередно с русскими наигрышами.
В данной симфонии нет признаков конкретной сюжетной повествовательности (программы), отсутствуют какие-либо цитаты. Однако Глазунов остается в сфере привычных для «кучкистов» образов. Тем самым симфония в известном смысле продолжает линию произведений на темы западных и южнославянских народов. Может быть, именно этим была внушена мысль назвать её «славянской», от которой, однако, Глазунов затем отказался.
«То был поистине великий праздник для всех нас, петербургских деятелей молодой русской школы, – писал Н.А. Римский-Корсаков. – Юная по вдохновенью, но уже зрелая по технике и форме симфония имела большой успех. Стасов шумел и гудел вовсю.
Александр Глазунов в 17-летнем возрасте.
Симфония — самый серьезный и ответственный жанр оркестровой музыки. Подобно роману или драме, симфонии доступен круг самых разнообразных явлений жизни во всей их сложности и многоплановости.
[640x425]
Бетховенские симфонии возникли на почве, подготовленной всем ходом развития инструментальной музыки XVIII века, в особенности непосредственными его предшественниками — Гайдном и Моцартом. Сложившийся окончательно в их творчестве сонатно-симфонический цикл, его разумные стройные конструкции оказались прочным основанием массивной архитектуры симфоний Бетховена.
Но бетховенская симфония могла стать тем, что она есть, лишь в результате взаимодействия множества явлений и их глубокого обобщения. Большая роль в развитии симфонии принадлежала опере. Оперная драматургия оказала существенное влияние на процесс драматизации симфонии, — это было явно уже в творчестве Моцарта. У Бетховена же симфония вырастает в подлинно драматический инструментальный жанр.
Следуя по пути, проложенному Гайдном и Моцартом, Бетховен создавал в симфонических инструментальных формах величественные трагедии и драмы.
Художник иной исторической эпохи, он вторгается в те области духовных интересов, которые с опаской обходили его предшественники и только косвенно могли их затронуть.
Бетховенская симфония, обращенная к огромным человеческим массам, нуждалась в монументальных формах «соразмерение числу, дыханию, зрению собравшихся тысяч» (Ромен Роллан). И действительно, Бетховен широко и свободно раздвигает границы своих симфоний.
Высоким сознанием ответственности художника, дерзновенностью замыслов и творческих концепций можно объяснить тот факт, что Бетховен до тридцати лет не решался писать симфонии. Теми же причинами по-видимому вызваны медлительность, суровая избирательность, напряжение, с которым он отделывал каждую тему. Любое симфоническое произведение Бетховена — плод долгого, подчас многолетнего труда.
Симфония №1 C major.
[показать] Владимир Иванович Федосеев.
День рождения-5 августа 1932 г.
Российский дирижёр и баянист, педагог, профессор.
Художественный руководитель и главный дирижёр Большого симфонического оркестра имени П. И. Чайковского с 1974 года.
Народный артист СССР.
Великий музыкант. Его искусство, творческий путь и необыкновенная биография достойны книг и кинофильмов. Документальных и художественных.
Всякий раз, когда слушаю оркестр под управлением Владимира Федосеева, восхищает это чудо: вдохновенное музыкантское единение. Он, дирижёр, адресуется оркестру в целом и каждому из музыкантов в отдельности. А вместе с оркестром - сотням людей в концертном зале и лично мне. И с первого взмаха его руки, с первых же звуков оркестра - посыл... тот самый, неповторимо федосеевский. Проникновенный и завораживающий магнетизм.
Да простят мне тавтологию: дирижёр Федосеев - поразительно музыкальный музыкант.
[показать] Первый фильм посвящен истокам:
Владимир Федосеев рассказывает о трудном военном детстве в блокадном Ленинграде, о своих родителях, педагогах, о начале дирижерской карьеры и о встречах, которые оказали влияние на всю его дальнейшую жизнь – с Сергеем Лемешевым, Евгением Мравинским, Георгием Свиридовым. Вспоминает о том, как трудно начинался его путь в Большой симфонический оркестр, – однако именно в эти непростые годы он встретил свою любовь. В фильме также принимает участие супруга Владимира Федосеева музыковед Ольга Доброхотова. Прозвучит музыка П. Чайковского, И. Брамса, Л. Бетховена, В. Илариона (Алфеева) в исполнении Большого симфонического оркестра Всесоюзного радио и телевидения, БСО имени П.И. Чайковского, Свято-Никольского хора Третьяковской галереи.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Александр Гречанинов - русский композитор, ученик Римского-Корсакова, более всего известный своими хоровыми произведениями и обработками народных песен. В стилистическом отношении - поздний продолжатель национальной эстетики «Могучей кучки».
Александр Гречанинов родился в Калуге, в купеческой семье. Очень скоро его родители переехали в Москву, где и прошло все детство и юность. Проучившись в гимназии всего пять классов, Гречанинов довольно скоро бросил занятия и в течение последующих пяти лет нигде не учился. Музыкой он начал заниматься очень поздно. В своей автобиографии, Александр Гречанинов вспоминал, что «настоящее» фортепиано впервые увидел в возрасте четырнадцати лет, а из музыкальных инструментов до той поры знал только оркестрион и гитару. Первая мелодия, которую он смог робко подобрать на пианино «одним пальцем», была ектения.
[800x300]25 сентября 2016 года исполняется 110 лет со дня рождения одного из крупнейших музыкантов XX столетия — Дмитрия Дмитриевича Шостаковича
[показать]31 июля в Концертном зале радио «Орфей» прозвучали Симфонии №2 «Октябрю» и №3 «Первомайская», балетные сюиты.
Симфония № 2 си мажор, оp.14 создана к десятой годовщине Октябрьской революции и имеет подзаголовок «Октябрю». Впервые была исполнена Ленинградским филармоническим оркестром и Академией хоровой капеллы под управлением Николая Малько 5 ноября 1927 года.