[показать] Вершиной творчества чешского композитора Антонина Дворжака(1841-1904) в жанре крупных музыкальных произведений является оратория «Святая Людмила» для солистов, хора и оркестра. Согласно древним народным поверьям, легендарная Людмила является покровительницей чешских земель.
В первой части оратории, сюжет которой относится к концу IX века, изображается языческое празднество; во второй — встреча Людмилы с ее будущим мужем князем Боривоем; в третьей — свадебное пиршество и ликование народа, принявшего вслед за ними христианство.
Величавая концепция, с мощными хоровыми фресками, богатством музыкальных характеристик, выдвигает это произведение в ряд лучших ораторий, созданных в XIX веке.
ДЛЯ СОЛИСТОВ, ХОРА И ОРКЕСТРА 1886 OP. 71(1885 — 1886)
A. Dvorák
Svatá Ludmila (De Heilige Ludmilla)
Oratorio for solists, chrous & orchestra, B. 144 (Op. 71)
|
|
|
|
*****
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
ЧЕРНИ, КАРЛ (1791–1857), австрийский композитор, педагог и пианист. Родился 20 февраля 1791 в Вене. Начал учиться музыке в возрасте 5 лет под руководством отца, известного педагога и высокообразованного музыканта. Карлу еще не исполнилось 9 лет, когда он начал публичные выступления. В 1800 Бетховен, услышав игру мальчика, предложил давать ему уроки; занятия продолжались с перерывами более 10 лет. В этот период Черни занимался также у И.Н.Гуммеля и М.Клементи.
Самое ценное в его композиторском наследии – педагогические сочинения. Черни писал почти во всех музыкальных жанрах: он – автор месс, реквиемов, симфоний, концертов, камерных произведений, романсов и множества концертных фортепианных пьес. Общее число его опусов приближается к тысяче, причем многие опусы содержат до полусотни и более отдельных номеров.
Nocturne 'la Consolation' Op. 164 no. 6
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
В творчестве Ф.Шуберта камерно-инструментальная музыка занимает особо важное место. Композитор уделяет ей внимание на протяжении всей своей жизни.
Опираясь в своих ранних произведениях на богатейшее наследие своих предшественников, таких как Гайдн, Моцарт и Бетховен, Шуберт, именно в камерном жанре обнаруживает черты нового стиля, который все ярче раскрывается в его последующих произведениях. Более того, сохраняя во многом классическую форму своих ранних камерных произведений, Шуберт утверждает себя как романтик. И если в ранних камерных произведениях ощущается связь композитора с его предшественниками, то в произведениях этого жанра последних лет стиль Шуберта достигает подлинных высот романтизма. Лучшие, наиболее характерные черты творчества Шуберта проявляются в камерных ансамблях, где композитор остается неповторимым мелодистом и изобретательным мастером в области гармонических средств.
Дмитрий Шостакович:
«Делайте честно свое дело. Не обижайте людей, старайтесь им помочь. Не надо пытаться спасать сразу все человечество. Попробуйте сначала спасти хотя бы одного человека. Это гораздо труднее. Помочь одному человеку — это очень трудно. Это так невероятно трудно.»
[показать]Воспоминания о нем самые противоречивые. Знавшие описывают словно разных людей:
«он был живым, жизнерадостным и падким на всякие модные штучки»; «отчужденный и
рассеянный», «хрупкий, ломкий, уходящий в себя, бесконечно непосредственный и чистый
ребенок»; «самое застенчивое и нервное существо, какое я когда-либо встречал»;
«жесткий, едкий, деспотичный».
Мощный симфонист и создатель популярных шлягеров. Его мелодии открывали космос, а иногда озорничали, хихикали, веселились. Музыку, начиная с Первой симфонии, рожденной еще в студенческие годы, играли на разных континентах. По «Ленинградской» симфонии, исполненной в голодном блокадном городе, мир понял: русский народ победить невозможно.
Собрание сочинений Шостаковича — «хроника эпохи», весьма конкретной, той, в которую выпало жить. И оно же — «музыка будущего», что ошарашивала, казалась дерзкой. Но неизменно — родной. Он был одновременно композитором гонимым и официальным. Его возносили, осыпали премиями и орденами и при этом лишали должностей, музыку запрещали к исполнению, спектакли закрывали. Многое в его личности так и осталось загадкой.
"Леди Макбет Мценского уезда"
Существует авторская сюита из "Леди Макбет Мценского уезда" для певцов и оркестра (op.29a) сделанная в 1932 году сразу после завершения оперы, а также Сюита из пяти антрактов, также сделанная Шостаковичем.
Уже в 90х дирижёр Джеймс Конлон создал симфоническую версию оперной сюиты заменив вокальные линии оркестровыми - получилось крупное симфоническое сочинение.
Сюита (в сжатом виде) отражает сюжетную драматургию всей оперы. Музыкальные зарисовки поражают психологической точностью и проницательностью. В них использованы разнообразные краски — проникновенно лиричная русская мелодика и остро гротескное переосмысление бытовых жанров, элементы пародии и возвышенного драматизма.
I. В поместье Измайловых (0:00)
II. Опасное сближение (2:12)
III. Катерина и Сергей I, Ночная сцена (6:57)
IV. Пассакалья, Смерть Бориса (14:27)
V. Катерина и Сергей II (21:09)
VI. Пьянчужка (27:03)
VII. Прибытие полиции (31:58)
VIII. На каторге(34:36)
*****
В программе спектакля Академии русского балета им. А.Я. Вагановой: картина "Польский бал" из оперы Михаила Глинки "Иван Сусанин" (хореография Андрея Лопухова и Сергея Кореня, возобновление Ирины Генслер); картина "Волшебные сады Наины" из оперы Михаила Глинки "Руслан и Людмила" (хореография Михаила Фокина, редакция Николая Цискаридзе); "Болеро" - одноактный балет на музыку Мориса Равеля (хореография Брониславы Нижинской, редакция Андриса Лиепы); "Фея кукол" - одноактный балет на музыку Йозефа Байера, вставные номера на музыку Петра Чайковского, Риккардо Дриго, Цезаря Пуни (хореография Сергея Легата и Николая Легата, возобновление Константина Сергеева, в редакции Николая Цискаридзе).
Исполнители: студенты Академии русского балета им. А.Я.Вагановой, Симфонический оркестр и хор Мариинского театра.
Дирижер: Валерий Овсяников.
Вступительное слово: Николай Цискаридзе (ректор Академии).
[показать]В программе грандиозное дефиле балетной труппы Парижской национальной оперы и три номера, центральный из которых - знаменитые "Этюды" Харальда Ландера на музыку Карла Черни.
Программа
1.Балетное дефиле. Гектор Берлиоз. Марш из оперы "Троянцы"
2.Suite de Danses. Фридерик Шопен.
Партия рояля - Elena Bonnay. Хореография Ivan Clustine
3."Etudes". Карл Черни. Хореография Harald Lander
4."Aunis". Maurice Pacher. Хореография Jacques Garnier (по мотивам традиционных танцев)
Исполнители:
Доротея Жильбер
Джошуа Хоффальт
Карл Пакетт
Этуали, премьеры, кордебалет Парижской национальной оперы
Студенты балетной школы Парижской национальной оперы
Оркестр Парижской Оперы
Дирижёр - Фредерик Ларок
Директор балетной труппы - Брижит Лефевр
Директор школы - Элизабет Платель
[показать]
«Пахита» — балет на музыку композитора Эдуара Дельдевеза с последующими музыкальными добавлениями композитора Людвига Минкуса.
Авторы либретто Поль Фушер и Жозеф Мазилье. Литературной основой послужила новелла Мигеля Сервантеса «Цыганочка».
Первое представление состоялось в Париже, на сцене театра «Гранд-Опера», 1 апреля 1846 г. в постановке хореографа Жозефа Мазилье на музыку Эрнеста Дельдевеза
Действующие лица:
Люсьен д’Эрвильи
Иниго, глава цыганского табора
Дон Лопес де Мендоза, губернатор провинции в Испании
Граф д’Эрвильи, французский генерал, отец Люсьена
Скульптор
Пахита
Донья Серафина, сестра дона Лопеса
Графиня, мать графа д’Эрвильи
Молодая цыганка.
Кулау Фридрих (1786–1832) немецко-датский композитор и пианист.
Сегодня Фридрих Кулау известен в первую очередь как автор фортепианных сонатин для детей. Вместе с тем его музыкальное наследие огромно: оперы, фортепианный концерт, концертино, флейтовые, скрипичные, фортепианные сонаты, сонатины, вальсы, рондо, вариации, фантазии, дивертисменты, танцы, песни, различного состава дуэты, трио, квартеты, квинтеты, музыка к театральным постановкам.
[показать]
[600x366]
Есть сочинения Сергея Прокофьева, которые по разным причинам оказались незаслуженно забыты или (учитывая крайне редкие исполнения) полузабыты.
Трудно согласиться с той критикой, пусть даже исходившей из уст именитых музыкантов, которая определила судьбу этих произведений. Каждое из них достойно представляет творчество композитора, отмечено печатью прокофьевского гения, восхищает мастерством и неисчерпаемым богатством смыслов.
Симфоническая картина «Сны» (1910) уже при первом появлении на концертной
эстраде получила парадоксальную оценку музыкальных авторитетов: при практическом полном отсутствии критических замечаний по существу, произведение это было объявлено «бледным», «незрелым», подражательным и принадлежащим к стилю, из которого Прокофьев уже «вырос» (!). За пределами внимания осталась редкая красота музыки, ее тембровое богатство и то, что «Сны» органично развивают оригинальное направление русской симфонической музыки, идущее от позднего творчества Николая Римского-Корсакова.
"Сны"
симфоническая картина для большого оркестра
(1910)ор.6
Цикл Рахманинова не представляет законченного, единого целого, подобно, например, шумановским фортепианным циклам, и каждая из входящих в него пьес вполне самостоятельна по форме и образному содержанию. Прелюдии ор. 23 создавались на протяжении довольно длительного времени и, по-видимому, без общего плана. Тем не менее всему циклу присуще известное внутреннее единство. Композитор располагает отдельные пьесы в определенной последовательности, соблюдая логику тональных отношений, образных соответствий или контрастов.
Жанр прелюдии, получивший очень широкое развитие в русской фортепианной музыке рубежа XIX—XX веков, своеобразно трактуется Рахманиновым. Его прелюдии отличаются более крупными масштабами, наличием внутреннего развития, «концертностью» фактуры. Несмотря на отсутствие программных заголовков, музыка их чрезвычайно образна и часто рождает определенные картинные ассоциации. В некоторых прелюдиях Рахманинов прибегает к использованию отстоявшихся жанровых форм. Но и при отсутствии подобных авторских указаний жанровая природа отдельных пьес ощущается вполне ясно (например, «баркарольная» прелюдия D-dur). Однако эти жанровые типы, как правило, трактуются композитором очень свободно и индивидуально. В данном случае он избрал термин «прелюдия» как более употребительный и распространенный в музыке начала XX века.
Поразительно, сколь замечательно ложатся на музыку творения гениального А.С.Пушкина! Особенно это касается его стихотворных поэм. Когда в 1863 году у Даргомыжского впервые возникла мысль написать одноактную оперу «Каменный гость», воспользовавшись для этого текстом Пушкина, ничего в нем не меняя, то, как он сам признавался, он «отшатнулся перед колоссальностью этой работы». Сейчас, когда нам известны великолепные результаты этого опыта, такой подход к пушкинскому тексту кажется самым естественным.
[показать] Так, по-видимому, казалось и С.Рахманинову, когда он приступил к созданию своей — тоже одноактной — оперы на сюжет другой поэмы Пушкина — «Скупой рыцарь». Нагляднее всего различие литературной основы оперы (либретто Рахманинова) и ее первоосновы (поэмы Пушкина) предстанет, если либретто «наложить» на поэму. Мы сразу заметим, что Рахманинов внес лишь ряд сокращений. При этом ни одного своего слова, за исключением называния второстепенного персонажа «слугой», вместо странного (или ироничного?) пушкинского «Иван» (действие, судя по всему, происходит в Западной Европе в рыцарские времена, то есть в Средневековье; к тому же Пушкин пошел на мистификацию, дав подзаголовок: «Из Ченстоновой (то есть английского писателя XVIII века В.Шенстона. — А.М.) трагикомедии The covetous knight (Скупой рыцарь)». Какой уж там Иван!). Рахманинов опускает некоторые имена — графа, с которым сразился Альбер (у Пушкина — это граф Делорж) и еврея-аптекаря, изготавливавшего снадобья (и яды) (у Пушкина — это Товий). Из оперы мы не знаем и имени барона (у Пушкина барон в третьей картине сообщает молодому герцогу, что его отец звал его, барона, Филиппом). При этом сохранено имя дамы, особенно бурно реагировавшей на эффектный удар молодого рыцаря, — это Клотильда. Два-три раза Рахманинов изменил пушкинский порядок слов. Более вольно он обошелся с пушкинской пунктуацией, особенно это касается замены вопросительной интонации на восклицательную и наоборот.
Два обстоятельства являются причиной того, что это замечательное по музыке произведение редко ставится на оперной сцене и столь же редко звучит во фрагментах с концертной эстрады. Во-первых, в опере нет ни одной женской роли. Во-вторых, в ней отсутствуют замкнутые арии или ансамбли, которые могли бы исполняться отдельно.
Камерная опера «Скупой рыцарь» (на текст одной из «Маленьких трагедий» А.С. Пушкина, 1905) впервые прозвучала в Большом театре 11 января 1906 года под управлением автора. Композитор надеялся, что в спектакле будет участвовать его друг Федор Шаляпин, но тот отказался, откровенно высказав композитору свое мнение, что опера не стоит на уровне поэмы Пушкина. Отказ Шаляпина больно ранил Рахманинова и послужил охлаждению их взаимоотношений. Отсутствие Шаляпина, конечно же, сказалось и на уровне постановки. В первый сезон опера была дана всего четыре раза и по настоянию самого Рахманинова после этого была снята с репертуара
[показать] Производство: Центральная студия телевидения СССР
Год: 1958
Актеры: В. Радзиевский, Вадим Русланов, Юрий Лоран, В. Куманин, Владимир Захаров
[показать] (1732-1809)
Концерт для 4-х солирующих инструментов с оркестром
(B-dur, ор. 84, 1792)
1. Allegro (0:00)
2. Andante (9:37)
3. Allegro con spirito (14:06)
ЕЩЁ СООБЩЕНИЯ О ПРОИЗВЕДЕНИЯХ Й.ГАЙДНА-
«Жаворонок» Йозефа Гайдна
«Солнечные квартеты» Йозефа Гайдна
ПУСТЬ КАЖДЫЙ ДЕНЬ ВАШ БУДЕТ ЯРКИМ!
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Моте́т (от старофранц. mot — слово) — вокальное многоголосное произведение полифонического склада, один из центральных жанров в музыке западноевропейского Средневековья и Возрождения.
[700x524]
Мотет — универсальный жанр профессионального музыкального искусства. Его культурно-социальное функционирование зависело от содержания распетого в нём текста. Мотеты со стихами духовной тематики звучали как в церкви, так и в светской обстановке (например, при аристократических дворах); мотеты с текстами светской тематики (особенно на «вульгарных» наречиях) в церкви не распевались.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
***
Русский свадебный обряд является одним из важнейших семейных обрядов. Он включает в себя множество этапов: сватовство, смотрины, рукобитие, вытие, проведение девичника, проезд свадебного поезда, выкуп невесты, свадебный обряд в узком смысле, гуляние, послесвадебные обряды... Большинство этих этапов обязательно сопровождается обрядовыми песнями, причитаниями, обрядовыми играми. Свадебный обряд - отнюдь не произвольный набор песен и обрядовых действий, а стройная ритуальная система, сложившаяся в 13 - 14 веках.
Андрей Рябушкин. «Крестьянская свадьба в Тамбовской губернии.» 1880 год
Свадебные песни — песни, исполняемые в разные моменты традиционного свадебного празднества. Старинные русские свадебные песни разнообразны. Перед свадьбой девушка собирает у себя подруг на девичник. На самой свадьбе вначале девушка прощается с родными, затем одаривает новых родственников подарками, которые она приготовила своими руками: вышитыми полотенцами, вязаньем.
Древнейшей частью складывавшегося постепенно свадебного обряда был плач невесты, оплакивавшей разлуку с привольной жизнью в родном доме, с девичеством. Свадебные плачи особенно разнообразны.
Маковский К.Е. "Под венец"
Когда Бетховен писал эти очаровательные вариации, ему был 31 год. 7 вариаций на тему «Bei Männern, welche Liebe fühlen» из оперы Моцарта «Волшебная флейта» для фортепиано и виолончели. Памина и Папагено остаются одни и птицелов убеждает ее в том, что есть один юноша, который любит ее, и что он скоро придет, чтобы спасти ее. Она в свою очередь уверяет Папагено, что и он скоро найдет себе подругу. Они поют очаровательный дуэт во славу нежности («Bei Mannern welche Liebe fuhlen» — «Когда чуть-чуть влюблен мужчина»).
Некоторые считали, что Бетховен разделял стремление Папагено найти сердечного друга, а немецкий композитор и пианист Фердинанд Рис шутливо заметил, что слышал о том, что Бетховен даже был довольно долгое время влюблён - "целых семь месяцев". Как бы там ни было, но музыка Моцарта произвела на Бетховена большее впечатление, чем слова дуэта. Вариации создают пленительное разнообразие чувств и настроений: настойчивость и решительность, нежность и грусть, смущение и восторг. Это другой Бетховен, чем, скажем, в Аппассионате. Музыка более интимная и лирическая.
Beethoven 7 Variations on "Bei Männern, welche Liebe fühlen" for Cello and Piano
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Опера в двух действиях Вольфганга Амадея Моцарта на либретто
Лоренцо Да Понте, частично основанное на «Каменном госте» — опере Джузеппе Гаццаниги на либретто Джованни Бертати. Имеется также еще довольно большое количество более ранних пьес о Дон-Жуане.
Действующие лица:
ДОН-ЖУАН, молодой аристократ (баритон)
ЛЕПОРЕЛЛО, его слуга (бас)
КОМАНДОР СЕВИЛЬИ (бас)
ДОННА АННА, его дочь (сопрано)
ДОН ОТТАВИО, ее жених (тенор)
ДОННА ЭЛЬВИРА, дама из Бургоса (сопрано)
ЦЕРЛИНА, крестьянка (сопрано)
МАЗЕТТО, ее жених (баритон)
Время действия: XVII век.
Место действия: Севилья и ее окрестности.
Опера Вольфганга Амадея Моцарта «Дон Жуан» - величайшая из когда-либо написанных опер. В подтверждение этого тезиса высказались по крайней мере три человека, имевших особое право на то, чтобы их мнение в этой области было услышано — Джоаккино Россини, Шарль Гуно и Рихард Вагнер. Бетховен, правда, отдавал предпочтение «Волшебной флейте», но это потому, что он считал сюжет «Дон-Жуана» аморальным.
Однако намерения как автора либретто, так и композитора были, по крайней мере с виду, абсолютно моральными. Теперешнее название оперы было не основным, а лишь подзаголовком. Первоначально она называлась «Наказанный распутник, или Дон-Жуан» и классифицировали свое произведение как «веселая пьеса», то есть комическая опера.
Как родились «Подмосковные вечера»
[показать](8 сентября 1841 - 1 мая 1904)
8 и 9 сентября в Концертном зале радио «Орфей» к 175-летию со дня рождения чешского композитора Антонина Дворжака прозвучат «Стабат матер» и камерные произведения композитора.
Камерно-инструментальные произведения создавались Дворжаком на протяжении почти тридцати пяти лет; им написано свыше тридцати произведений для разных составов, среди которых 14 струнных квартетов, 3 струнных и 2 фортепианных квинтета, 4 фортепианных трио, а также отдельные пьесы. Камерная музыка значила для чешского мастера нечто бόльшее, чем одна из областей творчества.
Разнообразные струнные и фортепианные ансамбли возникали «по велению души» и чаще всего были творческим откликом композитора на те или иные события его жизни.
Порой именно камерная музыка помогала Дворжаку справиться с тяжелыми утратами, потерей близких людей: он нуждался в том, чтобы, излив свои чувства, продолжать
творить с новой силой. Так, например, в фортепианном трио соль минор отразилась боль от утраты дочери, а драматичное фортепианное трио фа минор написано вскоре после кончины матери композитора.
Среди камерных ансамблей особенно часто звучат на концертной эстрадеФортепианный квинтет А-dur, «Американский» квартет, трио «Думки».
I. Lento maestoso - Allegro quasi doppio movimento 0:00
II. Poco adagio - Vivace non troppo 5:18
III. Andante - Vivace non troppo 12:33
IV. Andante moderato - Allegretto scherzando - Meno mosso - Allegro - Tempo I 20:21
V. Allegro 25:30
VI. Lento maestoso - Vivace 29:14
(11 июня 1864 - 8 сентября 1949)
Рихард Штраус прошёл долгий, блистательный и трудный путь триумфатора. Слава окружала его с юных лет до конца жизни. Яростные дискуссии и резкие нападки на его творчество, казавшееся в своё время необычайно смелым, лишь способствовали росту его популярности и влияния. Его называли Рихардом вторым, преемником Рихарда Вагнера на престоле некоронованного главы немецкой музыки. Он был наделён многими способностями и талантами, а также неистощимой творческой энергией, сверх того он обладал неоценимым качеством: по выражению Густава Малера, он был "великим Своевременным", подлинным сыном своего века. Он всегда тяготел к яркой, эффектной, картинной музыке, за что и был любим публикой.
О последнем десятилетии жизни Штрауса биографы обычно пишут с большим удовольствием. Композитор был на удивление светел, свеж, полон творческих сил и создавал абсолютно новую для себя музыку – музыку кристальной чистоты и ясности. К тому времени он достиг всего, о чем мог мечтать. Все вершины были покорены, и оставалось лишь то, к чему доселе Штраус не испытывал особого интереса, – взглянуть вглубь самого себя.
Концерт для гобоя и оркестра (1945) был написан Штраусом по просьбе американского солдата Джона де Ланси, который в мирное время был гобоистом Питтсбургского симфонического оркестра. Ни с чем нельзя перепутать настроение этой музыки, даже если не знать, что ее автором был старец, уже отметивший восьмидесятилетие. Это настроение человека, который светло прощается с миром, от души забавляясь последний раз.
Концерт для гобоя с оркестром,
ре мажор AV 144 (1945)
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Сергей Иванович Танеев (13 ноября 1856, Владимир — 6 июня 1915, Дютьково под Звенигородом) — русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель. Младший брат адвоката В. И. Танеева.
В русской музыке рубежа веков С. Танеев занимает совершенно особое место. Выдающийся музыкально-общественный деятель, педагог, пианист, первый в России крупный ученый-музыковед, человек редких нравственных достоинств, Танеев был признанным авторитетом в культурной жизни своего времени.
Однако главное дело его жизни, композиторское творчество, далеко не сразу нашло подлинное признание. Причина не в том, что Танеев — новатор-радикал, заметно опередивший свою эпоху. Напротив, многое в его музыке воспринималось современниками как устаревшее, как плод «профессорской учености», сухой кабинетной работы. Странным и несвоевременным казался интерес Танеева к старым мастерам, к И. С. Баху, В. А. Моцарту, удивляла приверженность классическим формам и жанрам. Лишь позднее пришло понимание исторической правоты Танеева, искавшего для русской музыки прочной опоры в общеевропейском наследии, стремившегося к универсальной широте творческих задач.
Среди представителей старинного дворянского рода Танеевых встречались музыкально одаренные любители искусств — таким был и Иван Ильич, отец будущего композитора. В семье поддерживали рано обнаружившийся талант мальчика, и в 1866 г. он был определен в только что открывшуюся Московскую консерваторию. В ее стенах Танеев становится учеником П. Чайковского и Н. Рубинштейна — двух крупнейших деятелей музыкальной России. Блестящее окончание консерватории в 1875 г. (Танеев первым в ее истории был удостоен Большой золотой медали) открывает перед молодым музыкантом широкие перспективы. Это и разнообразная концертная деятельность, и преподавание, и углубленная композиторская работа. Но прежде Танеев совершает поездку за рубеж.
Пребывание в Париже, соприкосновение с европейской культурной средой оказало сильнейшее воздействие на восприимчивого двадцатилетнего художника. Танеев предпринимает суровую переоценку достигнутого им на родине и приходит к выводу о недостаточности своего образования, как музыкального, так и обще- гуманитарного. Наметив твердый план, он начинает упорную работу над расширением кругозора. Работа эта продолжалась всю жизнь, благодаря чему Танеев смог стать вровень с образованнейшими людьми своего времени.
Та же планомерная целеустремленность присуща и композиторской деятельности Танеева. Он желал практически овладеть сокровищами европейской музыкальной традиции, переосмыслить ее на родной русской почве. Вообще, как полагал молодой композитор, русской музыке недостает исторической укорененности, она должна усвоить опыт классических европейских форм — прежде всего полифонических.