 | «Симфония создана летом 1971 года. Работал я над ней напряженно, но довольно быстро — примерно два месяца. Это произведение написано для сравнительно небольшого оркестра. Я очень волнуюсь перед премьерой...» (Новая симфония Шостаковича. — Советская Россия, 1972, 8 января) |
Симфония №15 ля мажор. Опус 141
1. Allegretto - см. с 5:00
2. Adagio - см. с 13:50
3. Allegretto - см. с 28:19
4. Adagio - см. с 33:29
Владимир Федосеев и Большой симфонический оркестр им. П.И.Чайковского.
Запись в Золотом зале Musikverein. 1971
Б. Тищенко(советский и российский композитор. Народный артист РСФСР. ):
«У Дмитрия Дмитриевича была в последних его сочинениях какая-то удивительная манера воздействовать так же сильно, как он мог воздействовать, скажем, в мощной Четвертой симфонии, в ораториальной Седьмой, Восьмой, так же сильно воздействовать тихой музыкой, на столько она глубоко пронзительна по своей сути, настолько возвышенна и совершенна. Вот таким произведением мне представляется Пятнадцатая симфония. Хотя это тот же Шостакович, который нам известен в Первой симфонии. Там есть и сарказм, есть и гротеск — вспомните Скерцо из этой симфонии. Есть и траурная речитация в медленной части, есть и обаятельный, такой прозаический разговор инструментов. Есть и игра, вот такая игра, какая есть в первой части (эти цитаты из Вильгельма Теля, эти шутки инструментальные), все это — широкий разнообразный мир этой симфонии. И удивительная концепция: от баловства в музыке, шутки — к постижению самых сокровенных тайн мироздания.
Все последние сочинения Дмитрия Дмитриевича Шостаковича являются каким-то особым тоном, что ли, в собрании его сочинений. К великолепному мастерству, удивительной глубине, зоркости прибавилось еще постижение, я бы сказал, такой потусторонней сущности бытия. У композитора нет или почти нет неоконченных сочинений — это был мастер такого масштаба, такого класса. Нам он говорил — студентам, аспирантам, — что нужно писать только прямо в партитуру, только чернилами и только без рояля. Ну, мы спрашивали, как вот, а если ошибка, как же? «А вы подумайте, перед тем как поставить ноты», — говорил он».
http://intoclassics.net/news/2012-06-12-28649
Месса — музыкальное произведение, которое представляет собой собрание частей католической литургии латинского обряда, тексты которой положены на музыку для одноголосного или многоголосного пения, в сопровождении музыкальных инструментов или без, для музыкального сопровождения торжественного богослужения в Римско-католической церкви и протестантских церквях высокого направления, например, в Церкви Швеции.
Мессы, представляющие собой музыкальную ценность, также исполняются вне богослужения на концертах, более того многие мессы позднейшего времени специально сочинялись либо для исполнения в концертном зале, либо по случаю какого-либо торжества.
 | Эрик Сати, возможно, и не представлял себе потенциал написанной им музыки. Его короткие пьесы, название для которых он придумал сам – гносиенны – словно мистические пространства с индивидуальной аурой. Нарочитая простота, предвосхитившая в некоторой степени минимализм, однако требует чуткости к этой ауре в заселении предложенного композитором пространства. |
И как выясняется,сравнивая исполнения Гносиенны No 1, фортепьяно может служить не единственным способом озвучивания ауры пьесы.
Сначала вы услышите традиционную версию в исполнении знаменитого французского пианиста Александра Таро.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
«Дон Сезар де Базан» — спектакль, поставленный Владимиром Кожичем в Ленинградском драматическом театре. Музыку к спектаклю написал Георгий Свиридов. В 1957 году режиссёром Иосифом Шапиро на киностудии «Ленфильм» была создана телевизионная версия спектакля. Премьера на советском телевидении состоялась 31 августа 1957 года, а со 2 сентября того же года телеверсия демонстрировалась и в кинотеатрах страны.
Спектакль «Дон Сезар де Базан» по одноимённой пьесе французских драматургов Филиппа Дюмануара и Адольфа д'Эннери (перевод с французского Е. Аскинази и В. Голод) был поставлен Владимиром Кожичем в 1948 году и на протяжении ряда лет пользовался неизменным зрительским успехом. В начале 50-х годов, когда появилась возможность записывать театральные постановки с помощью кинорегистраторов, в СССР была разработана программа создания фонда снятых на киноплёнку и предназначенных для массового зрителя — для демонстрации по телевидению, а иногда и в кинотеатрах — лучших спектаклей советских театров. В рамках этой программы в 1957 году была создана и телевизионная версия ставшего уже знаменитым спектакля.
Помимо музыки Георгия Свиридова, написанной к спектаклю, в телевизионной версии звучит музыка Дмитрия Толстого в исполнении Оркестра Ленинградской государственной филармонии. Поёт Виктория Иванова.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Первая лира, поэт, создана первоприхотью бога:
Из колыбели — на луг, и к черепахе — прыжок;
Панцирь прозрачный её шаловливый срывает младенец,
Гибкие ветви сама ива склоняет к нему;
Вот изогнулись они над щитом полукружием плавным,
Вот уже струны Гермес сладостные натянул;
С первою лирой в руках он тайком пробирается к гроту,
Прячет игрушку, а сам, новой рассеян игрой,
Вихреподобный полёт устремляет к Пиерии дальней,
Где в первозданной тени Музы ведут хоровод, -
В сад Пиерийский, куда ты, десятою музою, Сафо,
Через столетья придёшь вечные розы срывать.
Созданный Гермесом инструмент стал инструментом Аполлона. Ему посвящены вдохновенные строки поэтов, о нем рассказывали древние историки и писатели. Многовековое восхваление инструмента Аполлона создало ореол славы, который намного пережил не только музыкантов, игравших на нем, не только саму античность, но и благодаря неумирающим легендам и многочисленным поклонникам античности, жившим во времена Средневековья и Возрождения, он достиг наших дней. Как часто бывает в таких случаях, чем дальше уходило в прошлое время, когда звучал инструмент Аполлона, тем ярче светился блеск его славы. За прошедшие столетия человечество создало новые разнообразные музыкальные инструменты, по своей выразительности бесконечно превосходящие скромные возможности того, что держал в своих руках языческий олимпийский бог. И, вместе с тем, именно тот примитивный инструмент до сих пор зачастую является своеобразным эталоном, воплощающим некий древний художественный идеал.
Джакомо Пуччини — известный итальянский композитор, создавший 10 опер, большинство из которых уже более 100 лет идет на подмостках самых известных театров планеты. В их числе особое место занимает опера «Турандот», краткое содержание которой представлено ниже.
Автор Джакомо Пуччини родился в 1858 году в итальянском городе Лукка, в семье музыкантов. После смерти отца мальчик обучался игре на различных инструментах у дяди, а став старше, он поступил в Миланскую консерваторию. В 1884 году состоялась премьера первой оперы молодого композитора — «Виллисы». Затем ему предложили написать на заказ партитуру для музыкального спектакля «Эдгар». Однако настоящий успех пришел к Дж. Пуччини после постановки оперы «Манон Леско». Не менее удачными оказались также «Богема» и «Тоска», премьера которых состоялась в 1900 году. Успех не заставил Пуччини почивать на лаврах, и спустя 4 года он порадовал поклонников своим новым произведением «Мадам Баттерфляй». Оно вызвало фурор. Достаточно сказать, что после спектакля Пуччини 7 раз вызывали на сцену.
История создания оперы «Турандот»
Сказка Гоцци привлекла к себе внимание Пуччини в 1919 году. По признанию самого композитора, опера «Турандот» была написана после посещения спектакля в берлинском театре Макса Рейнгардта. Однако он задумал несколько изменить сюжет сказки. Для создания либретто Пуччини пригласил Джузеппе Адами и Ренато Симони, однако и сам активно участвовал в написании текстов к ариям. Опера «Турандот», краткое содержание которой представлено ниже, создавалась в период с лета 1920 года до последних дней жизни композитора. За это время Пуччини успел написать около 3/4 предполагаемого объема этого произведения. Однако он не успел написать финальный дуэт Турандот с принцем Калафом и последнюю сцену третьего акта. Их создал впоследствии друг Пуччини Франко Альфано.
«...Тогда, как если бы оркестр был действительно здесь, хлынуло наконец полной мерой единственное «Фанданго», о котором я мог сказать, что слышал его при необычайном возбуждении чувств, и тем не менее оно еще подняло их до высоты, с которой едва заметна земля.
Чрезвычайная чистота и пластичность этой музыки в соединении с совершенной оркестровкой заставила онеметь ноги. Я сам звучал, как зазвеневшее от грома стекло. С трудом понимал я, что говорит рядом Бам-Гран, и бессмысленно посмотрел на него, кружась в стремительных кругообразных наплывах блестящего ритма.
«Все уносит, - сказал тот, кто вел меня в этот час, подобно твердой руке, врезающей алмазом в стекло прихотливую и чудесную линию, - уносит, разбрасывает и разрывает, - говорит он, - гонит ветер и внушает любовь. Бьет по крепчайшим скрепам. Держит на горячей руке сердце и целует его. Не зовет, но сзывает вокруг тебя вихри золотых дисков, вращая их среди безумных цветов. Да здравствует ослепительное «Фанданго»!» Оркестр замедлил и отпустил глухую паузу последнего перехода. Она перевернулась в сотрясающем нервы взрыве последнего ликования. Музыка взяла обаятельный верх, перенеслась там из вышины в вышину и трогательно, гордо сошла вниз, сдерживая экспрессию. Наступила тишина поезда, остановившегося у станции; тишина, резко обрывающая мелодию, напеваемую под стук бегущих колес...»
Александр Грин, «Фанданго».
Ballet Zambra "Doña Francisquita (Fandango)"
Этот фанданго Амедеу Вивес-и-Ройг из сарсуэлы "Донья Франсискита" самый любимый из всех, которые исполняются в Испании.
Почему я говорю в Испании (еще в испаноязычных странах) потому, что только в Испании и более нигде существует сарсуэла: сарсуэлу иногда называют испанской оперой, иногда сравнивают с опереттой. Но в любом случае, это самостоятельный жанр, который зародился в Испании в 17 веке и до наших дней переживал множество взлетов и падений. Отличается от оперы и оперетты тем, что: кроме музыки, танцев и пения в сарсуэле присутствует и речитатив, которого не бывает в опере.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Наверное, нет у нас такого человека, который бы не знал эту музыку буквально наизусть. Её автор - Владимир Дашкевич.
Он является также автором интересной книги - "Теория интонации", о которой здесь и пойдёт речь.
Музыка - это игра интонаций, она связывает весь живой мир. Интонация - это информация о живом мире и о человеке. Всё, что было, всё, что происходит и всё, что произойдёт с нами спрятано в тайном мире подсознания, языком которого является интонация.
Интонация - наиболее очевидное и в то же время трудно объяснимое понятие в музыке. Зафиксировать интонацию в отличие от мелодии, ритма, гармонических аккордов, полифонических сочетаний практически невозможно. Есть много видов интонации и всё же у них всех есть общее - желание живой материи быть услышанной. В интонации всегда есть тот, кто её создаёт и тот, к кому она обращена. Так возникает интонационное общение.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Согласно «гомеровскому» гимну «Гермесу» и в трактовке Аполлодора («Мифологическая библиотека»), дело происходило так.
Старшая из дочерей Атланта, сына титана Иапета, которую звали Майя, родила от Зевса маленького Гермеса. Это случилось в пещере горы Киллены, находящейся на северо-восточной границе Аркадии. Как полагается даже среди богов, новорожденного завернули в пеленки и положили в той же пещере в колыбель. Своими поступками он сразу же заявил о себе как бог, ибо то, что сделал Гермес, недоступно ни одному из смертных.
Муза! Гермеса восславим, рожденного Майей от Зевса!
Благостный вестник богов, над Аркадией многоовечной
И над Килленою царствует он. Родила его Майя,
Нимфа, достойная чести великой, в любви сочетавшись
С Зевсом-Кронионом. Сонма блаженных богов избегая,
В густотенистой пещере жила пышнокудрая нимфа.
Там-то на ложе всходил к ней Кронион глубокою ночью,
В пору, как сон многосладкий владел белолокотной Герой.
Втайне равно от богов и людей заключен был союз их.
Время пришло, — и свершилось решенье великого Зевса:
Сын родился у богини, — ловкач изворотливый, дока,
Хитрый пролаз, быкокрад, сновидений вожатай, разбойник,
В двери подглядчик, ночной соглядатай, которому вскоре
Много преславных деяний явить меж богов предстояло.
Скерцо (итал. scherzo букв. «шутка») — часть квинтета в живом, стремительном темпе, с острохарактерными ритмическими и гармоническими оборотами.
Квинтет (итал. quintetto от лат. quintus — «пятый») - музыкальное произведение, созданное для пяти инструментов,противопоставление разнохарактерных и богатых тембров струнных и фортепиано.
Такую музыку создавали Шостакович, Танеев, Брамс, Шуман, Шуберт.
Франц Шуберт
Фортепианный квинтет ля мажор «Форель» D 667 (1819)
III. Scerzo. Presto
Ф.Шуберт. "Форель" и "Форельный" квинтет.
https://www.liveinternet.ru/community/4989775/post320127036
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
С Муз мою песню начну, с Аполлона и с Зевса-Кронида,
Ибо от Муз и метателя стрел, Аполлона-владыки,
Все на земле и певцы происходят, и лирники-мужи;
Все же цари — от Кронида. Блажен человек, если Музы
Любят его: как приятен из уст его льющийся голос!
Радуйтесь, дочери Зевса, и песню мою отличите!
Ныне же, вас помянув, я к песне другой приступаю.
Да, музы — великие богини. Но ведет их всех златокудрый красавец бог Аполлон, гениальный сын Зевса, называемый Мусагетом, то есть предводителем муз. В Гимне Аполлону, приписывающемуся самому Гомеру (хотя сейчас уже очевидно, что он не имеет отношения к автору «Илиады»), Аполлон изображен в том облике, в котором его знала античность: он играет на изящном струнном инструменте форминксе, его одежды источают волшебный свет и аромат амброзии, при прикосновении золотого плектра форминкс издает нежный звук. Когда Аполлон появляется на Олимпе, в жилище богов, все бессмертные увлекаются его игрой и пением. Чередуясь, музы своими прекрасными голосами поют о дарах богов и горестной участи смертных. А Аполлон, он же Феб («Лучезарный»), играет на инструменте и шествует с высоко поднятой головой.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
В балетных дисциплинах — классическом, характерном и историко-бытовом танцах, традиционно используется преимущественно французская терминология. При зарождении балета во Франции балетные термины были заимствованы из Италии, но уже в XVIII веке балетная лексика и названия танцевальных движений основывались практически полностью на грамматике французского языка. Сохранились лишь такие итальянские термины как пируэт (полный круговой поворот всем телом на носке одной ноги), кабриоль (Прыжок, во время которого одна нога подбивает другую) и револьтад (прыжок с переносом ноги через ногу и поворот в воздухе).
Классическое Па - де -де Обера.
Словосочетание «итальянская опера» в сознании миллионов людей неизменно ассоциируется с именами Россини, Верди, Пуччини. Италия, признанная родина этого жанра музыкального искусства, дарила миру непревзойдённые шедевры.
«На оперной сцене доставляют удовольствие даже самые маленькие радости или тусклые страсти. Речь идёт не о мучительном напряжении, сопровождающем крепнущие «вибрато», и не только о безумном порыве голоса, сотрясающего стены театра. Речь идёт о подлинном усилии оторваться от земли, о трепетании крыльев. При таком обнажении чувств публику в свою очередь тоже охватывает дрожь. Ведь это о ней поётся»
Густаво Маркези- итальянский музыкальный критик
[показать]Божественная итальянская опера
Хоры и увертюры
00:03 - Россини - Увертюра ("Сорока-воровка")
10:00 - Верди - Хор цыганок ("Травиата')
14:48 - Верди - Хор солдат ("Трубадур")
19:40 - Масканьи - Интермеццо ("Сельская честь")
24:25 - Верди - Хор цыган ("Трубадур")
28:00 - Верди - Увертюра("Набукко")
35:50 - Верди - Хор рабов ("Набукко")
41:36 - Верди - Хор беженцев ("Макбет")
49:00 - Беллини - Увертюра ("Норма")
55:55 - Пуччини - Хор, поющий без слов("Мадам Баттерфляй")
59:40 - Верди - Хор "Слава Египту и богам" и марш ("Аида")
Филармонический оркестр и хор нидерландского радио во главе с итальянским дирижером Джанкарло Андреттой исполняют оперные хоры и увертюры итальянских композиторов.
[показать]Приятного прослушивания!
[показать]Не секрет, что в 18 веке законодателем мод во многих сферах европейской жизни была Франция. Почти все, что исходило из Парижа: наряды, мысли, образ жизни, развлечения и философские идеи, танцы, крылатые словечки и даже экстравагантная манера картавить в разговоре – разлеталось по окрестным землям со скоростью света. Необычайно привлекательным находили в то время и завсегдатая парижских салонов: человека просвещенного, обходительного, блестяще остроумного, немного философа, немного либертина, но, безусловно, галантного героя.
Штрихом к образу неотразимого светского кумира была его склонность к флейте: не все светские щеголи играли на флейте, но гламур того времени обязывал их разбираться во флейтовой музыке, поэтому слушали ее очень многие. Чрезвычайно элегантный и нежный тон этого инструмента был синонимом уютных дружеских вечеринок в интимном кругу, вошедших в жизнь парижан с расцветом стиля рококо, а вслед за ним и камерного музицирования. Неудивительно, что не только завзятые меломаны и светские львы, но даже и монархи в своих музыкальных занятиях отдавали ей предпочтение: игрой на флейте увлекался и великий король Фридрих II Прусский, и еще ранее его дед Фридрих I, которому аккомпанировала на клавесине его супруга.
[показать] Жозеф Боден де Буамортье
(1689 – 1755)
Ко времени вступления на столичную музыкальную арену Жозефа Бодена де Буамортье – а было это 29 февраля 1724 года – счет сольных и трио-сонат, сочиненных французскими композиторами, уже идет на дюжины.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Луиджи Керубини (14 сентября 1760, Флоренция, — 15 марта 1842, Париж) — итальянский композитор, музыкальный педагог и музыкальный теоретик, большую часть своей жизни проведший во Франции.
В 1818 г. Л. Бетховен, отвечая на вопрос, кто ныне является величайшим композитором (исключая самого Бетховена), сказал: «Керубини». «Выдающимся человеком» назвал итальянского маэстро Дж. Верди. Произведениями Керубини восхищались Р. Шуман и Р. Вагнер. Брамс испытывал сильное влечение к музыке Керубини, называл оперу «Медея» «прекрасным произведением», которое его необычайно захватило. Ему отдавали должное Ф. Лист и Г. Берлиоз — великие художники, у которых, правда, сложились не лучшие личные отношения с Керубини: первому,как иностранцу, Керубини, как директор, не позволил обучаться в Парижской консерватории, второго он хоть и принял в ее стены, но сильно невзлюбил.
Начальное музыкальное образование Керубини получил под руководством отца, Бартоломео Керубини, а также — А. Феличи, П. Биццари, Дж. Каструччи. Свое обучение Керубини продолжил в Болонье у Дж. Сарти - известнейшего композитора, педагога, автора музыкально-теоретических работ. В общении с большим художником молодой композитор постигает сложное искусство контрапункта (многоголосного полифонического письма). Постепенно и в совершенстве овладев им, он приобщается к живой практике: осваивает церковные жанры мессы, литании, мотета, а также наиболее престижные светские жанры аристократической оперы-seria и широко бытующей на городских оперных сценах и подмостках оперы-buffa. Заказы приходят из итальянских городов Ливорно, Флоренция, Рим, Венеция. Мантуя, Турин, из Лондона — здесь Керубини служит придворным композитором в 1784-86 гг. Более широкое европейское признание талант музыканта получил в Париже, где Керубини обосновался в 1788 года.
[показать]
 | Французский композитор Франсис Пуленк(1899–1963) обладает бесценным для слушателя качеством - писать красивую доступную для восприятия музыку без малейшего намёка на банальность. |
Композитор приглашает нас «прогуляться» по городу, используя и самые современные, и уже отошедшие в область предания виды транспорта: велосипед, автомобиль, дилижанс, автобус и другие.
10 пьес для фортепиано, FP 24
| I. A pied - «Пешком» | II. En auto - «В автомобиле» |
Дмитрий Степанович Бортнянский – крупнейший российский композитор своего времени. Начав творческую деятельность в период расцвета европейского музыкального классицизма, он охватил широкий круг стилевых и жанровых явлений XVIII века, чрезвычайно своеобразно и плодотворно преломив их на почве музыкальной культуры России. Певчий придворного хора в Санкт-Петербурге, затем ученик знаменитого Бальдассаре Галуппи в Италии, затем капельмейстер Придворной певческой капеллы и учитель музыки великой княгини Марии Фёдоровны и наконец директор Капеллы на протяжении тридцати лет, до самой своей смерти. Бортнянский оказал огромное воздействие на творческую и общую музыкальную культуру страны.
Его музыка отличается красотой и вкусом, классицистской благородной простотой, задушевностью и непосредственностью, сердечным лиризмом. Бортнянский – автор опер в стилях итальянской оперы-сериа и французской комической оперы. Его перу принадлежит также ряд камерно-инструментальных и вокальных сочинений. Но основной сферой приложения его творческий сил явилась хоровая музыка, создание которой было одним из главных условий его придворной службы. Написанная для придворной церкви, она мгновенно распространялась по всей России, пользуясь огромной популярностью как у владельцев крепостных капелл, так и у простых любителей музыки.
| Дирижер, композитор и пианист Евгений Федорович Светланов родился 6 сентября 1928 года в Москве в семье солистов оперы Большого театра Федора и Татьяны Светлановых. |  |
В 1951 году окончил Государственный музыкально-педагогический институт имени Гнесиных (ныне — Российская академия музыки имени Гнесиных) по классу фортепиано. В 1955 году окончил Московскую государственную консерваторию имени П. И. Чайковского по классу оперно-симфонического дирижирования. Педагогами Светланова были композиторы Михаил Гнесин, Юрий Шапорин и Александр Гаук, пианист Генрих Нейгауз.
читаем дальше-https://ria.ru/spravka/20130906/960771799.html
Свыше 40 лет он посвятил работе в Госоркестре, преобразовав его в уникальный, грандиозный коллектив, который под его управлением вышел на международную арену и получил статус одного лучших оркестров мира. Игру ГАСО под управлением Светланова отличали неподдельная искренность и обжигающая эмоциональность.
"Вы должны играть так, как будто от этого зависит ваша жизнь",– говорил он обычно музыкантам.
Слушаем ГАСО под управлением Е.Светланова -
Симфония №1 соль минор, соч. 13 "Зимние грезы"
А вы, друзья, как ни садитесь;
Всё в музыканты не годитесь".
И.А.Крылов"Квартет"
***
Нет-нет-нет!
К тому,о чем я хочу рассказать, эти известные строки никакого отношения не имеют.
Наоборот,столько исполнителей высокого уровня в одном проекте!
Вы удивитесь, каким разнообразным может быть квартет!
 | На телеканале «Россия К» стартовал новый музыкальный проект – «КВАРТЕТ 4Х4». 4 исполнителя в каждом коллективе, 4 квартета в каждой программе, 4 конкурсных сета в каждом туре, 4 исполняемых произведения – и невероятная феерия стилей и направлений! В проекте состязаются 16 квартетов самых разнообразных составов. Они демонстрируют разные стороны своего мастерства – исполнят оригинальные сочинения и аранжировки, классические композиции и произведения «лёгкого жанра», умение работать в направлении «кроссовер», будут музицировать с приглашённой звездой в формате «4+» и даже с членами жюри! |
Соревнование будет проходить в три тура. После первого тура останется 8 квартетов, после второго – 4. Эти 4 квартета-финалиста и станут лауреатами проекта. Среди них телезрители с помощью sms-голосования выберут самый яркий квартет, о котором будет объявлено на заключительном Гала-концерте.
В составе жюри – тоже квартет. 4 авторитетных музыканта с мировым именем, 4 мнения и 4 оценки: Екатерина Мечетина – пианистка, солистка Московской государственной филармонии, лауреат премии Президента РФ; Людмила Берлинская – пианистка, педагог, заслуженная артистка РФ, основатель фестиваля «Парижская музыкальная весна» (они будут сменять друг друга); Александр Ф. Скляр – рок-музыкант, радиоведущий, актёр, создатель и лидер группы «Ва-Банкъ», заслуженный артист РФ, организатор фестиваля альтернативной музыки «Учитесь плавать»; Сергей Старостин – мультиинструменталист, этнограф, певец, музыкальный продюсер, телеведущий и Михаил Дзюдзе – исполнитель на контрабас-балалайке, заслуженный артист РФ, один из основателей легендарного «Терем-квартета». Ведущий проекта тоже имеет к квартету самое непосредственное отношение. Это один из участников популярного «Квартета И» Камиль Ларин.
В Москве торжественно открыт концертный зал «Зарядье» - зал-трансформер, сложнейший, новейший, единственный в своём роде.
Над совершенством акустики в течение трех лет работали главные в мире специалисты в области дизайна звука.
А сама концертная площадка оснащена новейшими технологиями, подобных которым в России еще не было.
Три стены из стекла и крыша - чудо инженерной мысли. Ее называют «стеклянной корой». Площадь огромна - 8,5 тыс. квадратных метров, это самое большое светопрозрачное сооружение на планете.
«Панели стен - это красное дерево, наши кресла - это американская вишня. Сцена зала - японский кедр, это все мягкие породы деревьев, которые помогают звуку отражаться», - пояснила Ольга Жукова, гендиректор зала «Зарядье».
Симфонический оркестр Мариинки дал залу путевку в большую музыкальную жизнь. Программу народный артист России, художественный руководитель - директор Мариинского театра Валерий Гергиев составлял лично, чтобы показать все возможности чудо-зала.