[показать] Сложна и необычна композиторская судьба Александра Васильевича Мосолова (1900 - 1973)- яркого и оригинального художника, интерес к которому в последнее время все более возрастает.Ученик Глиэра и Мясковского,в его творчестве совершались самые невероятные стилистические модуляции, которые отразили метаморфозы, происходившие на различных этапах развития советской музыки.
Выдающийся советский композитор Александр Васильевич Мосолов принадлежал поколению смелых новаторов, решительно порвавших со «старорежимными» традициями, открывших новые пути музыкального искусства. Его творческий путь отражает героические и драматические перипетии композитора Новой музыки в советской России.
Будущий композитор родился вместе с XX веком - веком машин и самолётов, телефонов и телевидения, предельной утончённости и беспредельной грубости. Уже в школьные года Мосолов повернул на дорогу «левого» радикализма в музыке, далекого от академического направления, с чем обычно связывается консерваторское образование. Окончив Московскую консерваторию в 1925 году кантатой «Сфинкс» (по Оскару Уайльду, для тенора, хора и оркестра), Мосолов быстро выдвигается в лидеры Новой русской музыки. В сентябре того же года он становится членом только что организованной Ассоциации современной музыки (АСМ), филиала Международного общества современной музыки.
На 20-е годы приходится крупнейший композиторский успех Мосолова. В 1926 году у композитора наметился новый стилевой поворот. Отойдя от традиционных жанров фортепианной сонаты, инструментальной миниатюры и романса, Мосолов создал шокирующие «антихудожественностью» текстов вокальные пьесы «Четыре газетных объявления (из «Известий» ВЦИКа)» (1926); а в 1926-27 — нашумевшую «урбанистическую», «конструктивистскую» оркестровую пьесу «Завод. Музыка машин», изображавшую работу современного промышленного предприятия в автоматическом ритме бездушных механизмов. Эффектная партитура привлекла внимание многих исполнителей как в СССР, так и за рубежом.
Но 20-е годы — также время роковых политических перемен, становления диктатуры Сталина, тотального и все усиливающегося наступления на культуру, осуществлявшегося сперва Пролеткультом, а затем «пролетарскими писателями» и «пролетарскими музыкантами», в частности, в журналах «Музыка и революция», «Пролетарский музыкант». Мосолова ругали за «хулиганское молодечество», «есенинщину», «идейный распад». В результате сделали вывод, что автор «слишком уж чужд всей нашей советской действительности».
Еще с 1927 года сочинения Мосолова перестали звучать, как прежде, с концертных эстрад СССР, его перестали печатать, в 1931 году «контрреволюционера» Мосолова сняли с работы в Радиоцентре.
Травля и репрессии оказали решающее влияние на изменение творческих принципов Мосолова. Примерно с 1930 года его музыка утрачивает «авангардную» дерзновенность замыслов, интонационную новизну и значительность. Постепенно композитор перестал заметно возвышаться над ординарным творчеством. Не способствовали возрождению могучего духа и последующие десятилетия. С «отклонениями гения» было покончено. Умер Мосолов, пережив свое 70-летие, 12 июля 1973 года.
(Посвящается Вере Дуловой)
1. Менуэт c-moll
2. Гавот F-dur
3. Вальс D-dur
[показать]17 июля 1717 года вошло в историю музыки как дата первого праздничного представления "Музыки на воде" Г.Ф.Генделя. Всё это происходило на Темзе с участием короля Георга I, и это событие считается актом примирения короля с Генделем. Сейчас уже нет возможности проверить истинность этой легенды о примирении после известного непослушания Генделя, оставшегося в Лондоне вопреки распоряжению тогда ещё ганноверского курфюрста Георга.
Однако, 300-летний юбилей представления, пожалуй, самой популярной оркестровой музыки Генделя, есть все основания отметить, что мы сейчас и сделаем.
В произведение входят 19 пьес, главным образом танцевального характера. За торжественной увертюрой следуют разнообразные стилизованные танцевальные части: менуэты, бурре, хорнпайпы, ригодон, несколько медленных частей с обозначением «ария» и т. д.
«Музыку на воде» ("Water Musick") составляют три сюиты. Точный порядок частей внутри сюит неизвестен;в аутентичных интерпретациях части разных сюит иногда перемешиваются. Вероятно, когда музыка звучала для короля, медленные, часто тихие части исполнялись, когда барки короля и оркестра находились рядом, а громкие, оживлённые части — когда барки отплывали друг от друга.
"Water Musick"
Suite in F major HWV 348
Suite in D major HWV 349
Suite in G major HWV 350
1. Overture - Adagio e staccato
2. [Allegro]
3. Andante
4. [Allegro]
5. [Passepied]
6. Air
7. Bouree
8. [Andante]
9. Hornpipe
10. Menuet 1&2
11. [Allegro]
12. [Hornpipe]
13. [Sarabande]
14. Aria 1&2
15. Menuet 1&2
16. [Gigue 1&2]
17. [Bouree]
18. Lentement
19. Coro
Zefiro ('Цефиро')Baroque Orchestra
**************
300-летие праздника на воде
передача на радио "Россия" |
И вновь мы идем в концертный зал Мариинки...
[690x448] На сей раз слушаем Бетховена,Дебюсси и Равеля.
[800x530]
Ко дню рождения В.В.Маяковского - 19 июля - Санк-Петербургская филармония им.Д.Д.Шостаковича совместно с Музеем Маяковского собрали плейлист из музыки, которую любил поэт, и которая его вдохновляла .
Такой музыки было достаточно, о чём осталось множество воспоминаний, поэтому они решили собрать её хотя бы частично, чтобы мы услышали, как чувствовал и каким музыкальным умом обладал поэт.
По своему отношению к музыкальному искусству Маяковский похож на многих из нас — он слушал то, что ему нравится, а то, что не нравится — миновал, порой категорично. Однажды, он «бежал от невыносимой мелодизированной скуки» «Острова мертвых» Рахманинова, «...априорно не любил Стравинского» и считал Прокофьева «настоящим композитором».
«Его любимые вещи» (слова Маяковского)
Пьеса С.С.Прокофьева «Наваждение», о которой Маяковский оставил запись во время концерта: «Сергей Сергеевич играет на самых нежных нервах Владимира Владимировича».
  |
исп.С.С.Прокофьев
Смелая, стихийно мощная и дерзко впечатляющая пьеса — «Наваждение» (ор. 4) (Prestissimo fantastico),написанная в 1907 году. «Страшные всадники степей, подавляющие всякое появление жизни» (Б. Асафьев); «насильственное вторжение злых фантастических сил, враждебных человеку» (И. Нестьев) — так можно ассоциировать этот остро экспрессивный образ захватывающей силы.
Ни́на Алекса́ндровна Капцо́ва (16 октября 1978, Ростов-на-Дону, СССР) — российская артистка балета, прима-балерина Большого театра России. Заслуженная артистка России (2010).
[450x600]
Мировую славу Капцовой принесли лирико-драматические партии в балетах «Жизель», «Спартак», «Сильфида», «Щелкунчик», «Спящая красавица», «Ромео и Джульетта».
С 5 лет мечтала станцевать Чёрного лебедя в «Лебедином озере. Занималась балетом сначала в кружке, а затем с 1988 года в Московской государственной академии хореографии. Первым её педагогом стала Людмила Алексеевна Коленченко, затем Лариса Валентиновна Доброжан, а на последних двух курсах Софья Николаевна Головкина, народная артистка СССР, профессор, ректор академии. В 1991—1992 годах стала самым молодым стипендиатом международной благотворительной программы «Новые имена», получив её вместе с Николаем Цискаридзе и Дмитрием Белоголовцевым. В 1994—1995 годах — стала самым молодым лауреатом этой программы. В 1996 году являлась стипендиатом Олимпийского комитета России. На 1-м курсе танцевала па-де-де из балета «Тщетная предосторожность» А. Горского с выпускником Денисом Медведевым, на 2-м курсе — па-де-де из балета «Щелкунчик» В. Вайнонена с выпускником Сергеем Васюченко и на 3-м, выпускном курсе, — па-де-де из балета «Коппелия» А. Горского вместе с однокурсником Андреем Болотиным.
Эта передача стала поводом к этому посту.
Йозеф Вёльфль - современник и соперник Бетховена.
| |
В выпуске - встреча с виолончелистом и дирижёром, художественным руководителем оркестра "Pratum Integrum" Павлом Сербиным.
Возрождение музыки современника Л.ван Бетховена Йозефа Вёльфля - один из его проектов.
Этот композитор – не только соперник Бетховена и достойный собеседник Моцарта: возможно, не будь его прекрасных Adagio, не появились бы на свет и «божественные длинноты» Шуберта(имеются здесь в виду состояния молитвенно-созерцательного восторга, заставляющего забыть о времени).
[показать]Иосиф Вёльфль
Гравюра И. Г. Шеффнера
В истории музыки XVIII века сохранились предания о нескольких легендарных творческих поединках: Иоганн Себастьян Бах – Луи Маршан, Вольфганг Амадей Моцарт – Муцио Клементи, Людвиг ван Бетховен – … О, у молодого Бетховена в Вене хватало именитых соперников. Некоторых он сразу разбивал в пух и прах (как Даниэля Штайбельта), но состязания с другими не сулили легких побед. Одним из таких серьезных его оппонентов был композитор и пианист Йозеф Вёльфль (1773 - 1812), которому выпал жребий навеки остаться в истории в качестве «соперника Бетховена». Справедливо ли это?
Они принадлежали к одному поколению, но Вёльфль, вероятно, считал себя прежде всего продолжателем традиций Моцарта и Гайдна. Во-первых, он родился в Зальцбурге, когда Моцарт еще жил там и его имя было у всех на устах. Во-вторых, учителями юного Йозефа стали Леопольд Моцарт и Михаэль Гайдн – отец одного гения и брат другого. В-третьих, в 1790 году Вёльфль отправился в Вену, чтобы совершенствоваться у самого Вольфганга Амадея. Неизвестно, дошло ли дело до регулярных занятий, однако Моцарт дал молодому земляку выгодную рекомендацию, позволившую тому поступить на службу к графу Огиньскому, одному из представителей знаменитой семьи польских меценатов и музыкантов. В Варшаве в 1792 году состоялось первое публичное выступление Вёльфля как пианиста.
В 1795 году он вернулся в Вену, где конкуренция в артистическом мире была чрезвычайно остра, и даже Бетховену не без труда далось завоевание репутации «короля пианистов». Какими же достоинствами обладал Вёльфль, если некоторые искушенные слушатели и критики предпочитали именно его? Внешне соперники выглядели до смешного различными. Маленький, смуглый, жилистый, резкий и грубоватый, но поражавший властной мощью Бетховен – и длинный, худой как жердь, несколько флегматичный и неизменно любезный и вежливый Вёльфль. У него были огромные руки: Вёльфль свободно брал дуодециму и понятия не имел о том, что такое «пианистические трудности».
Скромна, изящна, невесома,
Но лишь услышишь первый звук,
Наполненный любви истомой,
И всё меняется вокруг.
Как будто с голубиной стаей
Паришь свободно в небесах,
Летишь, несбыточно мечтая,
С улыбкой лёгкой на устах.
Вот голос флейты тише, глуше...
И слышно лишь биенье крыл...
Её чарующую душу
Недаром Моцарт полюбил.
Автор: Евгения Таранова
Этот удивительно виртуозный инструмент, с легким, воздушным, как бы «порхающим» звуком, напоминающим пение птиц, относится к группе деревянных духовых. Согласно древнегреческим мифам его изобретение заслуга сына Гефеста – Ардала. Пожалуй, ни один другой инструмент не подвергался таким преобразованиям и совершенствованиям. Звучание флейты напоминает о волшебстве. Изумительно красивые звуки рождаются в среднем регистре – необычайно ясные, чистые и прозрачные. Недаром в фольклоре и сказках многих народов флейта занимает особое место, ее часто наделяют мистическими свойствами. Мелодичное звучание флейты в руках опытного музыканта способно не только подарить эстетическое удовольствие, но и просто заворожить своей выразительной и пронизывающей музыкой, которая, кажется, попадает нам прямо в сердце. Мягкое и мелодичное звучание флейты может усладить наш слух, смягчить сердце, вызвать самые добрые, светлые чувства, разбудить душу.
Хоффмайстер. Концерт для флейты с оркестром.
[700x466] Два года назад,осенью 2015 года,театр "Кремлевский балет" Государственного Кремлевского дворца отметил свой первый "официальный" юбилей - 25 лет.
[700x230]В честь этого события на сцене Кремлевского дворца состоялось потрясающее театрализованное представление.
Зрелищный спектакль собран словно по кусочкам из разных жанров. За два часа - краткий экскурс в историю театра.
Начинается всё музыкальной картиной "Море" оркестра радио "Орфей". Далее сцены из знаковых для театра постановок: "Золушка", "Наполеон Бонапарт", "Корсар"… Дуэт из мюзикла "Призрак оперы". Номера летят… Смотришь их, динамичные и эффектные, залпом, не успевая соскучиться. Особого внимания заслуживает знаменитый «Танец часов» – премьера с затейливыми фокусами – в хореографии Мариуса Петипа из оперы "Джоконда". Во время танца "Духи сцены забавляются" артисты-гоблины выезжают на моноколесах, в руках держат картонных балерин и начинают кружиться с ними, как будто с живыми - юмористическая феерия никого не оставила равнодушными. А когда доходят до "Лебединого озера" и "Фигаро" зал захлебывается от аплодисментов.
Выступали и артисты Большого театра и "Геликон-Оперы". Щедрый подарок для зрителей - возможность увидеть "Полет шмеля" и услышать "Застольную" из оперы "Травиата". Под занавес - танец "Саботьер" из балета "Тщетная предосторожность» с малышами-учениками Московской академии хореографии.
[800x430] УТРО ПРАЗДНИЧНОГО ДНЯ НАЧИНАЕМ С ЧАШЕЧКИ КОФЕ!
И.С. Бах
"Кофейная кантата"
Радость, которую может доставить чашечка кофе, для молодой девушки сопоставима разве что со счастьем замужества - такова несложная идея этого шутливого произведения, написанного более 250 лет назад кантором церкви Св. Фомы Иоганном-Себастьяном Бахом.
Ария Лизхен
"Кофе слаще тысячи поцелуев и мягче, чем мускатное вино"
Она принимает единственно верное решение выйти замуж только за того мужчину, который позволит ей беспрепятственно варить кофе.
*****
ДНЕМ - САМЫЙ СЛАДКИЙ БАЛЕТ!
П. И. Чайковский
«Щелкунчик»
Дворец сластей Конфитюренбург
| |
Лирический тенор Сергея Яковлевича, поражающий редким богатством красок и благородством тембра, стал одним из символов русского вокального искусства.
[показать]Сергей Яковлевич Лемешев
10 Июля 1902 - 26 Июня 1977
Судьба великого певца Сергея Яковлевича Лемешева удивительна: она напоминает луч света, расходящийся от маленькой точки до ослепительного сияния.
Небольшая деревушка Старое Князево в Тверской губернии ничем не отличалась от сотен тысяч других русских деревень и посёлков. Но именно ей суждено было стать родиной выдающегося артиста. Лемешев так вспоминал свои детские годы: «Ещё до революции деревня отличалась от города тем, что она пела. Народные песни звучали всюду: и в избах, и на улице, в поле, и пели их мои земляки выразительно, проникновенно, задушевно, а случалось – и очень весело».
На протяжении уже 30 лет в деревне Князево Калининского района проходят музыкальные праздники «Вижу чудное приволье», посвященные Сергею Лемешеву.
[показать]Родина (Вижу чудное приволье)
Музыка Абрам Полячек (1889 - 1976), слова Феодосий Савинов (1865 - 1915).
Ансамбль домристов ВРК п/у Н.Некрасова.
Картины художника Дмитрия Лёвина.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Послушай: музыка вокруг. Она во всем – в самой природе,
И для бесчисленных мелодий она сама рождает звук.
Ей служат ветер, плеск волны, раскаты грома, звон капели,
Птиц несмолкаемые трели среди зеленой тишины.
И дятла дробь, и поездов гудки, чуть слышные в дремоте,
И ливень песенкой без слов все на одной веселой ноте.
А снега хруст, а треск костра!
А металлическое пение и звон пилы и топора!
А проводов степных гуденье!
…Вот, потому-то иногда почудится в концертном зале,
Что нам о солнце рассказали, о том, как плещется вода,
Как ветер шелестит листвою, как, заскрипев, качнулись ели…
М. Ивенсен
Какой океан звуков окружает нас! Пение птиц и шелест деревьев, шум ветра и шорох дождя, раскаты грома, рокот волн…
Все эти звуковые явления природы музыка может изобразить, а мы, слушатели, представлять.
В истории культуры природа часто была предметом восхищения, размышления, описания, изображения, мощным источником вдохновения, того или иного настроения. Очень часто человек стремился выразить в искусстве свое ощущение природы, свое отношение к ней.
«Нечистая сила как двигатель прогресса в российской музыке» - так отозвался об одном из своих концертов замечательный дирижер Владимир Юровский.
Послушаем импровизированный концерт в день Ивана Купалы.
Считается, что с этого дня из рек выходила вся нечисть.
Музыка изображает нечистую силу скорее в гротесковых,юмористических красках и в грозно-мистических.
Итак,слушаем...
М.И.Глинка
Из оперы "Руслан и Людмила"
Марш Черномора
[показать] [показать]Вступление ко 2 акту оперы
(темы Головы,Наины и Финна)
*****
[600x400]Рассказывает Владимир Юровский
Владимир Юровский — человек-загадка. Один из самых востребованных и необычных дирижеров нашего времени, он всегда ищет новые пути в музыке. Часто выбирает нестандартные произведения, постоянно расширяя оркестровый репертуар.
Всегда оказывается оригинален и стилистически объективен в интерпретациях. Когда музыкант такого уровня рассказывает о музыке, кажется, что ее тайна, ее иллюзия становится на секунду реальностью, и соприкасаться с ней — настоящее счастье.
В программе:
10:00 - Дмитрий Шостакович
«Гамлет»
музыка к спектаклю Московского театра имени Евг. Вахтангова
(режиссер Николай Акимов)
В 1932 году Шостакович написал музыку к спектаклю Московского театра имени Евгения Вахтангова «Гамлет». Постановка Николая Акимова поистине революционна: режиссер превратил шекспировскую трагедию в комедию, но комедию жесткую, умную, острую, сатирическую, эксцентричную. Николай Акимов вспоминал: «В «Гамлете» я увидел прежде всего пьесу интриги, пьесу напряженного действия, пьесу, в которой борьба действующих лиц переходит непрерывно из картины в картину, пьесу, которая сродни всем прочим произведениям Шекспира, обычно аттестуемым как жизнерадостные и полнокровные. Это была пьеса, вполне отвечавшая требованиям, предъявляемым нами к классикам, и притом абсолютно непохожая на спектакли ее, которые я видел до тех пор в театрах».
1:46:15 - Сергей Прокофьев
«Египетские ночи»
музыка к спектаклю Московского камерного театра
(режиссёр Александр Таиров)
Музыка Прокофьева написана в 1935 году. Композитор в своей автобиографии признавался, что это была курьезная затея «соединить “Цезаря и Клеопатру” Бернарда Шоу, где описывалась юность Клеопатры, с “Антонием и Клеопатрой” Шекспира, где шла речь о конце ее жизни, поместив в середине монолог из “Египетских ночей” Пушкина»…
В тандеме с маэстро Юровским и его коллективом выступили блистательные артисты – Чулпан Хаматова и Максим Суханов. Чулпан Хаматова неоднократно принимала участие в исполнении «Египетских ночей» и рассказывала о роли актера в этой симфонической партитуре, а также о своем уникальном опыте: «Голос работает как дополнительный инструмент в оркестре, он вливается в эту музыку… Этот текст нельзя разыгрывать, как бы я играла в современном театре, потому что главное в этом произведении – гениальная музыка Прокофьева. А голос просто в неё вписывается».
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Премьера целого спектакля "Лебединое озеро" состоялась 15 (27) января 1895 года в Мариинском театре. Балетмейстером Петипа совместно с М. И. Чайковским были заново пересмотрены либретто и, совместно с композитором Рикардо Дриго — партитура. Петипа принадлежали хореография I акта, III акт (за исключением венецианского и венгерского танцев) и апофеоз; Льву Иванову — II акт, венецианский и венгерский танцы III акта и IV акт.
[700x374]
Версия Петипа-Иванова стала классической. Она лежит в основе большинства последующих постановок «Лебединого озера», за исключением модернистских. Чаще всего используется каноническая хореография второго, «лебединого», акта Иванова и «чёрного» pas d’action (нередко преобразованный в pas de deux принца Зигфрида и Одиллии) Петипа. По сути, в ней были заложены основные традиции, определяющие подход новых балетмейстеров к авторскому тексту П. И. Чайковского.
На сегодняшний день из всех существующих редакций балета едва ли найдутся хотя бы две, имеющие полностью одинаковые театральные партитуры. Наиболее радикальными в этом отношении версиями считаются венская постановка Рудольфа Нуреева и версия Владимира Бурмейстера.
Фильм "Абсолютный слух" о балете "Лебединое озеро"
[800x280] 
Международный фестиваль «Музыкальная коллекция» (21 мая – 30 июня) в двенадцатый раз прошел в Петербурге и стал эффектным финальным аккордом, завершающим концертный сезон в Санкт-Петербургской академической филармонии им. Д.Д. Шостаковича
О фестивале подробно - http://www.philharmonia.spb.ru/festivals/muscollection/about/
Вот один из концертов фестиваля-
Исполняют:
Заслуженный коллектив под управлением Юрия Темирканова
Петербургский камерный хор
Концертный хор Санкт-Петербурга
Хор студентов Санкт-Петербургской консерватории
В программе
15:00 - П.И.Чайковский.Увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта»
40:00 - С.Рахманинов.Три русские песни
56:00 - антракт
1:04:40 - рассказ о произведениях и концерте от музыковеда Ольги Скорбященской
1:22:00 - А.Дворжак. 9-я симфония «Из Нового Света»
[показать] Закрытие XII Международного фестиваля «Музыкальная коллекция» и сезона в филармонии Санкт-Петербурга смотрим здесь-
"...На мельнице хозяином мельник Егор
Матушка! -Еще никто не видел его
Раз в сто лет он выходит во двор
Чтобы выкурить свой беломор
Ой да..." - слова из песни Веня Д'ркина, исполняет гоголевская Панночка, место действия Театр на Таганке, все вместе рок-н-драма "Вий"
В ДЕНЬ ЮБИЛЕЯ ♪♫♪♪♫♪♪
Р.Глиэр
Сюита из балета "Красный мак", соч. 70
I. Танец кули
II. Сцена и танец
III. Китайский танец
IV. Феникс
V. Вальс Бостон
VI. Матросский танец "Яблочко"
Танец с веерами
♪♫♪♪♫♪♪
Сергей Прокофьев
Симфоническая сюита из оперы
"Любовь к трем апельсинам" Op.33
1. Чудаки
2. Сцена в аду
3. Марш
4. Скерцо
5. Принц и принцесса
6. Побег
♪♫♪♪♫♪♪
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
История возникновения текста «Stabat Mater» своими корнями уходит в эпоху раннего средневековья. Первые песнопения в честь Девы Марии начали складываться после Эфесского собора 431 года, который провозгласил её Богоматерью. В скором времени эти молитвы были включены в каноническую литургию. В католической церкви культ Девы Марии особенно широко распространяется в XII – XIII века, когда прославляющие песни повсеместно входят в быт людей, и становятся популярными. Именно в это время францисканский монах Якопоне да Тоди (1230-1306), опираясь на существующие ранее молитвы, создал вдохновенную, просветленную поэму «Stabat Mater dolorosa» - «Стояла Мать скорбящая». Она получила широкое распространение как бытовая молитва Деве Марии. На XIX-м Тридентском Вселенском соборе XVI века, в период борьбы с секуляризацией церковной музыки, в отличие от остальных «бытовых» секвенций, которые были изгнаны из богослужения, «Stabat Mater» внесли в официальную римскую мессу для исполнения в Пятницу Страстной седмицы.
"Стабат матер" вошла в литургические книги, где за ней закрепились определенные мелодии. С 15 в. создавались и многоголосные полифонические "Стабат матер", обычно с использованием традиционной мелодии; образцы — у Жоскена Депре и Палестрины. Позднее в "Стабат матер" стали вводить вокальное соло и инструментальное сопровождение. Это приблизило их к кантате. Такие "Стабат матер" в 18 в. создали Перголези, И. Гайдн, в 19 в. — Ф. Шуберт, Ф. Лист, Дж. Россини, Дж. Верди, А. Дворжак и др. Одним из выдающихся произведений жанра стала кантата «Stabat Mater» Джованни Батиста Перголези – итальянского композитора, крупнейшего представителя неаполитанской оперной школы. Кантата посвящена возлюбленной: родители девушки не хотели видеть в роли её избранника бедного музыканта, она ушла в монастырь, и там вскоре скончалась. Stabat Mater - последнее творение композитора. Через год после начала работы над ним Перголези скончался. Кантата написана для сопрано, альта соло и струнного квартета с органом. Это произведение выдержано в жанре камерной кантаты, так как ее музыкальные образы далеки от монументальной помпезности и привычной масштабности церковных кантат того времени. И, несмотря на то, что опера уже оказывает свое влияние на многие жанры вокальной музыки, кантата Перголези напоминает скорее сюиту: построение частей, а именно чередование темпов и тональностей характерно для сюитной композиции; единая тема – это содержание стихотворного текста. Музыка композитора отличается светлой душевностью и трогательностью, быть может, навеянной его шестнадцатилетней возлюбленной. Вспоминая и боготворя ее образ, он и создавал это произведение. Образ девушки возникает на протяжении всей кантаты как образ трогательного воспоминания. Кантата состоит из 12 номеров. Вступление передает постепенное приближение того, что будто «сейчас» должно произойти. Ровно звучащие восьмые, как шаги в темноте, настораживают. «Щемящие» секундовые созвучия передают нестерпимую боль, которую невозможно выразить словами.
[показать]Творческое наследие Рихарда Штрауса (1864–1949) поразительно по объему и разнообразию. За три четверти века он отдал дань всем существующим музыкальным жанрам — опере и балету, симфонии и симфонической поэме, концертам и сонатам для различных инструментов, оркестровой сюите и квартету, кантате и хорам, песням и фортепианным пьесам. Однако особая любовь композитора была отдана симфонической поэме и опере, которые принесли ему славу одного из крупнейших мастеров XX века.Большая и самая известная часть его симфонического наследия имеет программный характер. Штраус продолжает традиции Листа, создателя симфонической поэмы, и Берлиоза, первым воплотившего романтическую программу в жанре симфонии. Сюжеты Штрауса всегда увлекательны, а оркестровое воплощение отличается красочностью и пышностью.
Как только творческая индивидуальность Рихарда Штрауса сформировалась, тут же определилось и его тяготение к программным симфоническим жанрам. Их список открывает симфоническая фантазия «Из Италии», за которой на протяжении десятилетия 1888—1898 годов последовали семь симфонических поэм. Их сюжеты свидетельствуют о широте интересов композитора: Шекспир и Ленау, Ницше и Сервантес, немецкая народная книга и картины собственной жизни…
[показать]«ИЗ ИТАЛИИ» (AUS ITALIEN),
СИМФОНИЧЕСКАЯ ПОЭМА OP. 16
I. Auf der Campagna - 0:00
II. In Roms Ruinen - 9:24
III. Am Strande von Sorrent - 22:00
IV. Neapolitanisches Volksleben - 34:12
Из Италии, op. 16 (нем. Aus Italien) — первая симфоническая поэма немецкого композитора Рихарда Штрауса, написанная в 1886 году под впечатлением от путешествия молодого композитора по Италии.
|
[показать] |
|
Опера «Фиделио» отразила отдельные этапы титанического труда Бетховена, поскольку она имела три редакции, каждая из которых была закреплена соответствующей театральной постановкой. Нагляднее творческий процесс выявляется в созданных композитором четырех увертюрах к этой опере — ведь все они входят в современный концертный репертуар.
В отношении хронологии создания первых трех увертюр долгое время велись споры, порядок, установленный в общепринятых названиях «Леонора № 1», «Леонора № 2», «Леонора № 3», подвергался сомнению — вплоть до того, что «Леонору № 1», якобы исполненную впервые публично в 1807 году, считали созданной после «Леоноры № 3», поскольку последняя исполнялась в постановке 1806 года (в некоторых партитурных изданиях до сих пор фигурирует дата 1807 как дата создания «Леоноры № 1»).
| |