iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Культура при Петре 1 приравнивалась к важным деловым, служебным и государственным аспектам. Петр 1 считал, что не только дела должны вестись разумно, но и развлечения должны устраиваться так же. Даже отдых государь направлял на переустройство России. Он считал, что государственные интересы гораздо важнее личных. Царь хотел поставить культуру России на одну ступень с европейскими государствами. Большое влияние оказало нахождение Петра 1 среди иностранцев, частые путешествия по Европе. Стремясь сделать Россию похожей на современное европейское государство, император вводил новые реформы, касающиеся службы и досуга. А его реформы, как известно, были обязательными для всех без исключения. Указ об ассамблеях, изданный Петром 1, стал переломным в жизни городского населения, особенно это коснулось сферы развлечений. В ноябре 1718 года женщины впервые обрели право участвовать в общественных собраниях. Вход на ассамблею должен был быть открытым для всех людей, которые имели возможность прилично одеться, не допускались только слуги и крестьяне. Именно в Париже царь мог утвердиться в мысли постоянного устройства ассамблей, поскольку парижский «осмотр» придал необходимый импульс давно осознанным устремлениям. Дело культурного воспитания русского общества стало для Петра I назревшей необходимостью. Он вернулся из-за границы в октябре 1717 года, но только осенью следующего года смог воплотить задуманное в жизнь.

[700x525]

Что такое ассамблея? "Ассамблея" – французское слово, которое обозначает целый ряд действий и событий. Во-первых, это развлечения и забавы, во-вторых, решение и обсуждение различных деловых вопросов, в том числе и государственной важности. За короткое время ассамблеи при Петре 1 стали традицией и вошли в историю. После его смерти они несколько изменились, но все равно пользовались популярностью в обществе. Вышедший указ Петра 1 об ассамблеях включал в себя перечень требований: извещать о предстоящей ассамблее необходимо в письменном виде; уточнять половую принадлежность гостей (могут присутствовать либо одни мужчины, либо предстатели обоих полов); начинаться мероприятие должно не ранее четырех-пяти часов; заканчивать ассамблею нужно не позже полуночи; хозяин не должен встречать, провожать или потчевать своих гостей, в его обязанности входит только предоставление свободного пространства для танцев, еда и питье на столах, а также игры, в которые он предлагает играть своим гостям. Следуя этим правилам, каждый мог приобщиться ко всеобщему веселью. Отношение церкви Культура эпохи Петра 1 требовала одобрения духовных служителей. Император был уверен, что без разрешения церкви его указ об ассамблеях не пройдет. Он знал, что люди испытывают священный страх по отношению к царю, как к богу на земле, но понимал, что страх перед адом и падением бессмертной души – сильнее. А потому, для того чтобы изменить традиционное неприятие по отношению к танцам, он привлекает к светским мероприятиям черное духовенство. Согласно его указу в Синоде с 1723 года ассамблеи учредили в московских монастырях. И уже 29 декабря того же года состоялась первая ассамблея архимандрита Донского монастыря. Традиции проведения Ассамблеи при Петре 1 давали все придворные по очереди. День и время ассамблеи разглашались придворными глашатаями, о ней извещали барабанными дробями и объявлениями, которые развешивались на каждом перекрестке. В своем указе Петр 1 кратко описал основные моменты проведения торжеств. Женатые мужчины в обязательном порядке брали с собой жен и взрослых дочерей. По сложившейся традиции хозяин дома мог выбрать из молодых девушек царицу бала. После выбора он вручал ей живую розу. По окончании мероприятия царица передавала эту розу какому-нибудь кавалеру. Это означало то, что следующая ассамблея должна проводиться в его доме.

Читать далее...

В рамках XII Международного фестиваля
«Лики современного пианизма»
в концертном зале Мариинского театра прошел концерт
"Редкие фортепианные концерты".

[показать]

16 декабря на фестивале прозвучали три сочинения для фортепиано с оркестром, редко попадающие в репертуар концертирующих пианистов. Имена двух композиторов – Антона Рубинштейна и Николая Римского-Корсакова – тесно связаны с Петербургом и Мариинским театром, на сцене которого проходили премьеры почти всех их опер. Но их фортепианные концерты остались в тени сочинений Чайковского и Рахманинова. Тем не менее, они представляют собой интересные образцы этого жанра в русской музыке.
Чешский композитор Леош Яначек в конце 1890-х тоже сблизился с русской и петербургской музыкальной культурой; сегодня его творчество в Мариинском театре представлено оперой «Енуфа». Как и концерты Рубинштейна и Римского-Корсакова, Каприччио Яначека для фортепиано и духовых прозвучало в Концертном зале в первый раз.

Читать далее...

«Большая музыка должна быть доступна большой аудитории» – под таким девизом творит великий композитор современности Родион Щедрин. Эволюция его творческого пути, начавшись в середине ХХ века, не заканчивается и по сей день.

[273x400]
16 декабря композитору исполнилось 85 лет

Стиль музыки Щедрина своеобразен и не похож на стили других композиторов его поколения. Владея острым современным музыкальным языком, он смог создать произведения, доступные широким кругам слушателей. Шире, чем кто-либо из композиторов его поколения, Щедрин развил в своём творчестве русскую тематику: оперы и балеты композитор почти исключительно писал на сюжеты крупнейших русских писателей – Гоголя, Лескова, Толстого, Чехова, Набокова.

«Я русский человек, все мои корни здесь. Даже окажись я где-нибудь на Огненной земле – остался бы таковым», – говорит о себе Щедрин.

Даю ссылки на концерты из зала им.Чайковского Московской филармонии, посвященные юбилею композитора.Посмотрите,послушайте!

Видеозапись концерта «Многая лета» для смешанного хора, фортепиано и ударных «Бельканто на русский лад» для виолончели и фортепиано «В подражание Альбенису» (переложение для виолончели и фортепиано М.Хомицера) Концерт № 6 (Concerto lontano) для фортепиано и струнного оркестра «Москва – Петушки» – драматический фрагмент для оркестра «Романтические дуэты» (№№ 3, 4) для фортепиано в четыре руки «Таня – Катя» – романс в народном стиле для женского голоса и фортепиано «Старинная музыка российских провинциальных цирков» – концерт № 3 для оркестра

[показать]

Читать далее...

Снег идет, снег идет.

К белым звездочкам в буране

Тянутся цветы герани

За оконный переплет.

Снег идет, и всё в смятеньи,

Всё пускается в полет...

[700x436]

Маленькая кантата на стихи Бориса Пастернака

«Снег идет» — это обращение Свиридова к поэзии Пастернака после многих десятилетий раздумий. Любопытно, что «поэт этот, близкий в своей жизни к музыке и музыкальный в своих стихах, тем не менее, по-видимому, еще ни разу не привлекал раньше внимания композиторов, — пишет исследователь творчества Свиридова А. Сохор. — Свиридов, таким образом,... выступил первооткрывателем, причем не в фигуральном, а в буквальном смысле слова».

Для своей маленькой кантаты Свиридов отобрал три стихотворения из последнего периода творчества поэта, объединенные темой «художник и время». Это «Снег идет...» (1957), «Душа» и «Ночь» (1956). Маленькая кантата была закончена в 1965 году. Премьера состоялась 21 декабря 1966 года в Москве, в Большом зале консерватории.
слушаем

ТЕРПЕТЬ НЕ МОГ СЛУШАТЬ СИМФОНИЧЕСКУЮ МУЗЫКУ - ХОТЬ И САМ ПИШУ СИМФОНИИ - ИЗ-ЗА ДИРИЖЕРОВ... НО ВОТ НАКОНЕЦ ПОПАЛСЯ ДИРИЖЕР - БЕЛАЯ ВОРОНА - НАСТОЯЩИЙ МЫСЛИТЕЛЬ В МУЗЫКЕ ДА И В ЖИЗНИ

ТЕОДОР КУРЕНДЗИС

мне вспоминается как Шаляпин спорил со знаменитыми звездными дирижерами и говорил "здесь нужна пауза!" - "но она не написана в нотах" - отвечали ему тупицы... Рихтер спорил со звездными дирижерами как надо играть... (а "Ростропович по малодушию меня не поддержал" - признавался)... - мне казалось всегда что они не понимают музыку которую исполняли ... и я думал что это мое отвращение будет навсегда... но о чудо! наконец попался дирижер - белая ворона! который мыслит и горит в страстном познании и музыки и мира где мы живем... радость неописуемая!!!

из интервью приятно узнаю что я не один восхищаюсь! и во вторых что он каждого человека как и я считает гением...

 

 

Читать далее...

К 85-ЛЕТИЮ
РОДИОНА КОНСТАНТИНОВИЧА ЩЕДРИНА

Андрей Вознесенский

«Щедрин – большое «Щ» русской музыки. Такой буквы нет ни в одном алфавите: ни в английском, ни в немецком. Беспощадна новая его музыка – мощная, щемящая, прищуренная от боли или от смеха. Великие Шостакович, Шёнберг, Шнитке, Штокхаузен работали в реалиях ХХ века. Щедрин же прыгнул с нами физически в ХХI век. Какой надо иметь талантиЩЕ, чтобы из нашего дерьма и ужаса создать сокровиЩЕ!

Ещё, Щедрин, ещё!»

[700x442]

В пяти концертах для оркестра наиболее ярко выдержан национальный русский стиль композитора, истоки которого и народная музыка, и традиция Стравинского,и опыт самого Щедрина. Новаторские черты проступают и в общем колорите оркестра, включающем "народную стереофонию", и в способах игры на инструментах. Классический симфонический оркестр обновлен опорой на редкие разновидности духовых: блокфлейта, кларнет-пикколо, труба-пикколо (им поручаются важные соло), а среди ударных — и русские деревянные ложки, и набор бубенцов русской тройки, и подбор инструментов, могущих создать эффект звонов. По существу, своими концертами Щедрин создал специфический жанр: его концерты одночастны и программны.

Такой коллекции, как "Частушки", "Звоны", "Цирки", "Хороводы", "Русские песни" больше нет ни у кого.
Читать далее...

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Ко Дню рождения  Композитора.

Гео́ргий Васи́льевич Свири́дов (16 декабря 1915, Фатеж, Курская губерния — 6 января 1998, Москва) — советский и российский композитор, пианист. Народный артист СССР. Герой Социалистического Труда. Лауреат Ленинской премии, Сталинской премии первой степени, двух Государственных премий СССР и Государственной премии РФ.
Среди сочинений Свиридова — всемирно известные музыкальные иллюстрации к повести А. С. Пушкина «Метель» и сюита «Время, вперёд!».

..В бурные времена возникают особо гармоничные художественные натуры, воплощающие в себе высшее устремление человека, устремление к внутренней гармонии человеческой личности в противовес хаосу мира... Эта гармония внутреннего мира соединена с пониманием и ощущением трагичности жизни, но в то же время является преодолением этого трагизма. Стремление к внутренней гармонии, сознание высокого предназначения человека — вот что сейчас особенно звучит для меня в Пушкине.

Георгий Свиридов.

Читать далее...

Если кому-то пришло бы в голову подсчитать, какие композиторы чаще всего появляются на афишах концертирующих пианистов, то бесспорно: в лидерах такой статистики оказались бы Шопен и Рахманинов. Ну правда - самые фортепианные композиторы!



И у обоих есть чудесные виолончельные сонаты. Скрипичных нет - ни сонат, ни концертов, а вот для виолончели они написали. Причём интересно, не "для виолончели и фортепиано", а наоборот - "для фортепиано и виолончели" .

[340x484]

И в обеих этих сонатах (у Шопена и у Рахманинова), конечно, красивейшие медленные части. И есть транскрипции этих медленных частей для фортепиано соло.

Послушаем сейчас и оригиналы (дуэт с виолончелью) и фортепианные переложения- очень интересно сравнивать!

Ларго Шопена - это транскрипция Альфреда Корто, вполне приближенная к оригиналу; а Анданте Рахманинова очень фантазийно переработал Аркадий Володось.


слушаем

[показать]10 декабря исполнилось 195 лет со дня рождения Сезара Франка(1822-1890), одного из крупнейших композиторов XIX века, занимающего во французской музыкальной культуре совершенно особое место.

"Нет имени чище, чем имя этой великой, чистосердечной души. Почти все, кто приближались к Франку, испытывали на себе его неотразимое обаяние, и это личное обаяние играет, быть может, большую роль в том воздействии, которое продолжают и ныне оказывать его произведения на французскую музыку", — писал о нем Ромен Роллан.

Большую часть наследия Франка составляют сочинения для органа — инструмента, которым композитор прекрасно владел. Многие называют его величайшим из композиторов для этого инструмента после Баха.

Музыке Франка чужды те черты, которые по традиции считаются типичными для французского искусства: блеск, живость, изящество. Ей свойственны патетика, возвышенность, строгий характер.

Именно такие свойства у этой музыки-

Три пьесы для большого органа (1878)

Фантазия Ля мажор (Andantino) FWV 35

слушаем дальше

iskusstvo-zvuka.livejournal.com
[показать]

"Ольга Смирнитская - адресат ста любовных писем Иоганна Штрауса" - так называется книга австрийского музыковеда Томаса Айгнера, выпущенная издательством «Время». В ней два героя: венский композитор Иоганн Штраус и его русская возлюбленная - Ольга Смирнитская. История их романтической любви и составляет сюжет книги. Письма Штрауса, впервые переведенные на русский язык, складываются в сюжет, богатый бурными страстями и исповедальными подробностями, близкий духу сентиментального романа...
Историю русской любви Штрауса нельзя назвать открытием. О ней российские зрители узнали лет тридцать назад, когда на экранах Советского Союза появился фильм Яна Фрида «Прощание с Петербургом». Эта печальная мелодрама о красивой любви, гибнущей из-за сословных предрассудков, воспринималась тогда как плод фантазии замечательного сценариста Анатолия Гребнева.
Легенда о нежной переписке существовала всегда, но оставалась легендой, ибо письма считались безвозвратно потерянными. В самом начале 90-х годов, специалисты Международного института творчества Иоганна Штрауса приступили к подготовке полного каталога жизни и творчества композитора. Период «российских гастролей» был доверен директору Венского музыкального собрания Томасу Айгнеру, который в архивных фондах городской библиотеки Вены обнаружил точные копии писем Иоганна Штрауса к Ольге Смирнитской. Когда-то Ольга передала письма на хранение Паулине Сверчковой, своей верной подруге и свидетельнице этого романа. Тому была причина - мать неоднократно и настойчиво требовала от дочери отдать компрометирующие послания, чтобы их уничтожить. Уехав за границу, Паулина захватила с собой и письма. Айгнер предполагает, что в 1899 году, вскоре после смерти композитора, она предложила их вдове Штрауса Аделе в надежде на вознаграждение. «Какова при этом была позиция Ольги? Знала ли она о рискованном поступке Паулины? Если да, то была ли согласна с публикацией? Может быть, не Паулина, а она сама была в этой ситуации движущей силой, стремясь воздвигнуть себе памятник рядом с «королем вальса»?» (Томас Айгнер). Ответы Смирнитской на письма к Штраусу не найдены. Возможно, композитор выполнил обещание - унес их с собой в могилу или предал огню. Но остается и надежда на то, что письма Ольги найдутся в будущем.
Обнаруженные письма композитора Айгнер провел через несколько экспертиз, в том числе и стилистическую. После подтверждения подлинности этих копий, точно переписанных Паулиной, он издал книгу писем в Австрии, где она произвела настоящий фурор.

Читать далее...

[показать]

[показать] «Любимое анданте» или «Анданте фавори» (Andante Favori). Сочинение должно было стать медленной частью сонаты №21 «Аврора»(или «Вальдштейн»)(о ней рассказано здесь), однако оказалось слишком масштабным и содержательным, не вписываясь в сонатный цикл. Бетховен написал другую медленную часть, гораздо короче, а Анданте фавори (или просто Анданте фа мажор) исполняется как самостоятельное произведение.


Andante favori in F Major, WoO 57

исп.Святослав Рихтер


Анданте (итал. andante) — музыкальный термин, происходящий от итальянского глагола «andare», означающего в переводе «идти». В музыке им обозначают скорость, с которой должно воспроизводиться музыкальное произведение, и соответствует темпу в диапазоне от 76 до 108 ударов в минуту

[показать]

[700x480]

Сегодня мы будем слушать запись – Пятый фортепианный концерт Сергея Прокофьева в исполнении Владимира Ашкенази. Будем слушать и делать то, чего нельзя делать: читать чужие письма.
Но сначала – краткая предыстория.
Пятый концерт был написан Прокофьевым в 1932 году. Концерт вышел свежим по музыке, по музыкальным конструкциям, мелодиям и ритму. Недаром Прокофьева называли «великаном ритма». Прокофьев был необычайно популярным и модным в те годы композитором в Европе.Но вот исполнять музыку его соглашались далеко не все.

Четвёртый фортепианный концерт для левой руки он сочинил специально для австрийского пианиста Пауля Витгенштейна, ставшего инвалидом в Первой мировой войне. И что вы думаете? Получив партитуру концерта, Витгенштейн написал Прокофьеву: "Я не понимаю ни одной ноты и играть не буду".

Поэтому Пятый фортепианный концерт Прокофьев уже «примерял» только на себя, на свои собственные возможности

Концерт № 5 соль мажор для фортепиано с оркестром ор.55 (1931)
I. Allegro con brio

слушаем дальше

Гектор Берлиоз принадлежит к числу величайших композиторов и величайших новаторов XIX в. Он вошел в историю как создатель программного симфонизма, оказавшего глубокое и плодотворное влияние на все последующее развитие романтического искусства. Для Франции с именем Берлиоза связано рождение национальной симфонической культуры. Берлиоз — музыкант широкого профиля: композитор, дирижер, музыкальный критик, отстаивавший передовые, демократические идеалы в искусстве, порожденные духовной атмосферой Июльской революции 1830 г.

[500x518]

Детство будущего композитора протекало в благоприятной атмосфере. Отец — врач по профессии — прививал сыну вкус к литературе, искусству, философии. Под влиянием атеистических убеждений отца, его прогрессивных, демократических взглядов складывалось мировоззрение Берлиоза. Но для музыкального развития мальчика условия провинциального городка были очень скромны. Он учился игре на флейте и гитаре, а единственным музыкальным впечатлением было церковное пение — воскресные торжественные мессы, которые он очень любил. Тяга Берлиоза к музыке проявилась в попытке сочинять. Это были небольшие пьесы и романсы. Мелодия одного из романсов впоследствии вошла в качестве лейттемы в «Фантастическую» симфонию.
В 1821 г. Берлиоз едет в Париж по настоянию отца поступать в Медицинскую школу. Но медицина не привлекает юношу. Увлеченный музыкой, он мечтает о профессиональном музыкальном образовании. В конце концов Берлиоз принимает самостоятельное решение бросить науку ради искусства, и этим навлекает на себя гнев родителей, не считавших музыку достойной профессией. Они лишают сына всякой материальной поддержки, и отныне будущий композитор может рассчитывать только на самого себя. Однако, веря в свое предназначение, он все силы, энергию и увлеченность обращает на самостоятельное овладение профессией. Живет он подобно бальзаковским героям впроголодь, в мансардах, однако в опере не пропускает ни одного спектакля и все свободное время проводит в библиотеке, штудируя партитуры.

Читать далее...

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Музыка - неисчерпаемый в своих загадках художественный мир, наполненный знаками, неуловимо-уникальными смыслами и символами. Одна из таких загадок - музыкальная монограмма - последовательность музыкальных нот, которая может служить для обозначения скрытого сообщения, как правило, с помощью установленного соответствия между нотами и буквами.

Наиболее распространёнными и известными примерами являются произведения композиторов, в которых они использовали свои собственные зашифрованные имена или имена своих друзей в качестве тем или мотивов.

Составление музыкальных монограмм было популярным уже в XVI веке.  Считается, что этот метод был впервые использован Жоскеном Депре в его мессе «Hercules Dux Ferrariae». Теоретик музыки Джозеффо Царлино назвал этот метод Soggetto cavato. При этом способе шифрования гласным буквам в тексте ставятся в соответствие слоговые названия ступеней звукоряда (ut, re, mi, fa, sol, la) Гвидо д’Ареццо (нота до называлась ut). Таким образом, имя адресата «Hercules Dux Ferrarie»  («Геркулес, герцог Феррарский», посвящена патрону Жоскена Эрколе д’Эсте) превращается в re-ut-re-ut-re-fa-mi-re, что в современной музыкальной нотации записывается как D-C-D-C-D-F-E-D.

Есть у Жоскена Депре и месса под названием «La sol fa re mi», где в основу композиции положена одна настойчиво повторяющаяся фраза. По словам Генриха Глареана, швейцарского ученого и теоретика музыки, этой фразой Жоскен зашифровал свой ответ неизвестному высокому покровителю — «laisse faire moy» (не мешай мне!).

Читать далее...

Яков Израилевич Зак написал небольшую статью-посвящение своему коллеге Льву Николаевичу Оборину.
Написал с большой теплотой и искренней симпатией.
Вот оттуда буквально один абзац - о том, как Оборин играет Моцарта. Кажется, что эти простые слова настолько метки, что и к портрету Моцарта, и к портрету Оборина они добавляют новые штрихи.

"...Кстати, об интерпретации Моцарта. После известной работы Родена «Портрет Моцарта»(1910) отношение к Моцарту, как к «солнечному» «юношескому» гению, творения которого рождаются как бы сами собою, подобно Афродите, выходящей из пены морской, — это традиционное отношение обогатилось новыми мотивами. Моцарт Родена — неутомимый труженик, истинный подвижник, каждая черта которого говорит о работе, о колоссальных творческих усилиях.
[400x600]
Огюст Роден.«Портрет Моцарта (Мужчина восемнадцатого века)»
Впрочем, может быть и так, что в творении Родена уже нашла выражение тенденция к изменению трактовки Моцарта, которая начала проглядываться в истолковании отдельных музыкантов в течение последних 50 и даже 100 лет.
Так или иначе, Оборин занял в этом вопросе независимую и определенную творческую позицию. Он не сводил Моцарта ни к какому-либо одному состоянию, ни к какому-то одному возрасту. В отличие от традиционного, «солнечного» Моцарта, равно как и от Моцарта роденовского толка, с особой силой выраженного в творчестве Юдиной, Оборин играл своего Моцарта. Очень ярко образ оборинского Моцарта запечатлен в моей памяти концертами G-dur и d-moll.
В первом концерте — это гений, безусловно юный, сверкающий всеми красками молодости, нежно-задумчивый (вторая часть), шаловливо-лукавый (третья часть).
Концерт для фортепиано с оркестром № 17 соль мажор KV 453

Allegro
Andante (13:07)
Allegretto -- Presto (24:30)
Большой симфонический оркестр Всесоюзного радио.
Дирижер Александр Гаук.
Запись 1950 г.
Читать далее...

iskusstvo-zvuka.livejournal.com

Рондо - одна из самых распространённых музыкальных форм, прошедшая длительный путь исторического развития. В её основе лежит принцип чередования главной, неизменяемой темы - рефрена и постоянно обновляемых эпизодов. Термин "рефрен" равнозначен термину припев. Песня типа запев-припев, в тексте которой постоянно обновляемый запев сопоставляется со стабильным припевом. Эта общая схема в каждую эпоху реализуется по-разному.

[показать]

В старинных, относящихся к доклассической эпохе образцах Рондо эпизоды, как правило, не представляли собой новых тем, а основывались на музыкальном материале рефрена. Поэтому Рондо было тогда однотемным. В различных стилях и национальных культурах существовали свои нормы сопоставления и взаимосвязи отдельных частей Рондо. Французские клавесинисты (Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо и др.) писали в форме Рондо небольшие пьесы с программными заголовками ("Кукушка" Дакена, "Жнецы" Куперена).

Ф.Куперен. Forlane - Rondeau

Читать далее...

Музыкальные путешествия — одни из самых невероятных и интересных путешествий на свете. Главная их прелесть состоит в том, что они позволяют нашему сознанию охватить разные времена, эпохи, города и страны, узнать о культуре и традициях стран на далеких и не всегда достижимых континентах) Именно таким и было "Музыкальное путешествие" в Московском Государственном Историко-Этнографическом театре.

*******************************

[показать]Многие композиторы любили оставлять в своем творчестве некие таинственные шифры и загадочные музыкальные послания. Загадку оставил потомкам и знаменитый французский композитор Гектор Берлиоз(1803-1869). Как известно, он испытывал к России самые добрые чувства, общался с русскими композиторами и дважды с гастролями приезжал в Москву и Петербург.

В тот день, 30 декабря 1867 года, Берлиоз посетил Московскую консерваторию в старом здании на Воздвиженке. И в одном из классов, на грифельной доске он оставил свой автограф: всего лишь несколько нот, число и подпись – Гектор Берлиоз. Скорее всего, консерваторию французский музыкант посетил днем, поскольку известно, что вечером того дня он дирижировал оркестром на 4-м собрании Русского музыкального общества в Большом зале Благородного собрания.
[показать]Чтобы сохранить для потомков память об этом визите, доску покрыли лаком, и в последующие годы она находилась в кабинете Николая Рубинштейна. Потом автограф стал одним из экспонатов Музея имени Рубинштейна, открытого в 1912 году, а затем Государственного центрального музея музыкальной культуры имени М.И. Глинки. Необычный нотный автограф Берлиоза и сейчас интригует любителей интеллектуальных загадок.
Читать далее...

30 ноября...девятый день без Дмитрия Хворостовского...
[250x173]
*****
«Дон Жуан: месть Лепорелло» («Don Giovanni. Leporello’s Revenge») с Дмитрием Хворостовским, исполнителем в этой киноопере партий-ролей главных действующих лиц — Дон Жуана и Лепорелло.
Из того, что Хворостовский совмещает в фильме сразу две партии — Дон Жуана и его слуги Лепорелло, уже сразу можно догадаться, что перед нами некий модернистский проект. «Дон Жуан: месть Лепорелло» снят в хитром жанре «фильм в фильме». И главным героем картины является Лепорелло, который демонстрируемый почтенной публике фильм — что-то вроде кинохроники про своего господина Дон Жуана. Причём почтенная публика также является и актёрами в ей же показываемом кинофильме.

ДОН ЖУАН.
МЕСТЬ ЛЕПОРЕЛЛО
Фильм-опера

Читать далее...

Опера в пяти действиях с прологом Клаудио Монтеверди на либретто (по-итальянски) Алессандро Стриджо.
Действующие лица:

ОРФЕЙ, певец (тенор)
ЭВРИДИКА, его жена (сопрано)
АПОЛЛОН, бог музыки (тенор)
ПЛУТОН, бог подземного мира (бас)
ПРОЗЕРПИНА, его жена (меццо-сопрано)
ХАРОН, перевозчик на реке Стикс (бас)
СИЛЬВИЯ, вестница (меццо-сопрано)
МУЗЫКА (меццо-сопрано)
НАДЕЖДА (меццо-сопрано)
ПЕРВЫЙ ПАСТУХ (контртенор)
ВТОРОЙ ПАСТУХ (тенор)
НИМФА (сопрано)
ПЕРВЫЙ дух, в подземном царстве (высокий тенор)
ВТОРОЙ дух, в подземном царстве (тенор)
ЭХО (сопрано)

Время действия: мифическое.
Место действия: Фракия и подземное царство.
Первое исполнение: Мантуя, февраль 1607 года.

В монументальном труде д-ра Альфреда Ловенберга «Анналы оперы» (Loewenberg Alfred. Annals of Opera. (1597 — 1940). Compiled from the original sources by A. Loewenberg. London, Calder, 1978) вы можете найти необходимые сведения (в хронологическом порядке) о каждой опере, независимо от ее художественного значения (а порой и вовсе незначительной), поставленной на сцене в период между 1597 и 1940 годами. «Сказание об Орфее» является шестой в этом реестре, а во многих «Историях оперы» вы можете прочитать, что она заслуживает того, чтобы быть первой. Приводимый в пользу этого довод тот, что ранние оперы (две из которых, кстати, также повествуют об Орфее) отнюдь не были операми в современном понимании. Они имитировали античные пьесы, идеей которых было представить на сцене драмы, подобные греческим трагедиям, в том виде, как они, согласно представлениям итальянских литераторов того времени, ставились в древних Афинах. То есть стихи должны были декламироваться на музыкальный манер и сопровождаться скромным ненавязчивым аккомпанементом. Главным в этом были стихи, а не музыка.

Читать далее...