iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Варламов очень хорошо ощущал своеобразие театрального искусства, и многие его песни к пьесам рассчитаны именно на сценическое воплощение образа. Автора особенно увлекала возможность передать музыкальными средствами яркие драматические ситуации, психологически острые, напряженные.
Среди драматических пьес особого внимания заслуживает "Гамлет" - постановка явилась крупнейшим событием культурной жизни и принесла композитору большой успех.
Достоинства перевода шекспировской трагедии, сделанного Н.А. Полевым, были неоспоримы и резко отличали "Гамлета" от других спектаклей. Этот перевод получил столь широкое распространение, что песня Офелии, например, стала народной. Гениальная игра Мочалова в роли принца датского также явилась оригинальным решением темы. Белинский, посетивший почти все первые спектакли (семь раз), восторженно принял пьесу и откликнулся на неё замечательной статьёй. В ней он подчеркнул, что видел на сцене Гамлета "не столько шекспировского, сколько мочаловского" и что актёр "придал Гамлету гораздо более силы и энергии".
Спектакль ставился в бенефис Мочалова и шёл с блестящим составом исполнителей: Гамлет - П.С. Мочалов, Полоний - М.С. Щепкин, Лаэрт - И.В. Самарин, Гертруда - М.Д. Львова-Синецкая, Офелия - П.И. Орлова.
Александр Егорович Варламов 27 ноября 1801, Орск — 27 октября 1848, Санкт-Петербург — русский композитор, капельмейстер, певец, музыкальный критик.
Романсы и песни А. Варламова — яркая страница русской вокальной музыки. Композитор замечательного мелодического дарования, он создал произведения большой художественной ценности, завоевавшие редкую популярность. Кому не известны мелодии песен «Красный сарафан», «Вдоль по улице метелица метет» или романсов «Белеет парус одинокий», «На заре ты ее не буди»? По справедливому замечанию современника, его песни «с чисто русскими мотивами сделались народными». Знаменитый «Красный сарафан» пелся «всеми сословиями — и в гостиной вельможи, и в курной избе мужика», и даже был запечатлен в русском лубке. Музыка Варламова нашла отражение и в художественной литературе: романсы композитора, как характерный элемент быта, введены в произведения многих писателей — Н. Гоголя, И. Тургенева, Н. Некрасова, Н. Лескова, И. Бунина и даже английского автора Дж. Голсуорси. Но судьба композитора сложилась менее счастливо, чем судьба его песен.
27 ноября родился композитор Александр Варламов
Варламов родился в небогатой семье. Его музыкальная одаренность проявилась рано: он самоучкой научился играть на скрипке — подбирал по слуху народные песни. Красивый, звонкий голос мальчика определил его дальнейшую судьбу: в 9 лет он был принят в петербургскую Придворную певческую капеллу малолетним певчим. В этом прославленном хоровом коллективе Варламов занимался под руководством директора капеллы выдающегося русского композитора Д. Бортнянского. Вскоре Варламов стал солистом хора, выучился игре на фортепиано, виолончели, гитаре.
Сергей Иванович Танеев родился 25 ноября в 1856 году во Владимире. Его отец был очень образованным человеком. Настоящей страстью скромного чиновника Ивана Танеева была музыка. В этом его поддерживал младший сын Сережа. Отец радовался музыкальности мальчика, но решение о консерваторском образовании сына далось ему непросто. Сам Николай Рубинштейн, выдающийся пианист, настаивал на том, чтобы девятилетний Сережа Танеев начал занятия в консерватории. Отец сдался.
Педагогами юного музыканта стали Николай Григорьевич Рубинштейн, у которого он занимался как пианист, и Петр Ильич Чайковский, обучавший его композиции. Еще в студенческие годы Танеев-пианист начинает выступать. А Танеев-композитор пробует свои силы в самом сложном жанре: он пишет симфонию.
В 1875 году Сергей Иванович с блеском оканчивает консерваторию и первым в ее истории получает большую золотую медаль. Самостоятельная творческая жизнь музыканта начинается с сольных выступлений и многочасовых занятий за роялем.
И в исполнительстве, и в сочинении музыки Танеев был очень требовательным к себе. Когда хвалили какое-то его произведение, он показывал солидную тетрадь черновиков. С эскизов начинались лучшие его сочинения.
Прозвучит сочинение Альфреда Шнитке "Moz-Art a la Haydn". Это не просто концертная пьеса, а пример инструментального театра, частично восходящий к традиции Прощальной симфонии Гайдна. В ее последней части оркестранты, следуя указанию автора, один за другим гасили свечи и покидали сцену, пока музыкальная ткань не истаивала до звучания одинокого голоса скрипки. Шнитке воспроизводит логику этого финала, а вместе с ним – использует цитаты из музыки Гайдна и Моцарта, которые оказываются помещены в диссонантную среду, актуальную для музыки 1970-х годов.
"Moz-Art a la Haydn"
для двух скрипок и одиннадцати струнных (1977)
В этом образе – столкновение двух эпох, и интерпретировать его однозначно вряд ли возможно. Например, музыковед Дэвид Фаннинг писал: «Шнитке относится к музыке Моцарта с бесстрастностью пришельца из космоса, столкнувшегося с артефактом мертвой цивилизации».
Или же фрагменты из музыки венских классиков становятся для композитора символом гармонии, по которой современному миру остается лишь ностальгировать? Единственно верного ответа не существует, у каждого слушателя – он свой.
https://www.philharmonia.spb.ru/afisha/232235/
«Проща́ние славя́нки» — марш, написанный в 1912 году штаб-трубачом 7-го запасного кавалерийского полка, стоявшего в Тамбове, Василием Агапкиным под впечатлением от событий Первой Балканской войны (1912—1913). По существу является национальным маршем, символизирующим проводы на войну, на военную службу или в дальнее путешествие. За границами России является одной из самых узнаваемых «музыкальных символов» Российской империи, Советского Союза и Российской Федерации.
Василий Иванович Агапкин родился 22 января (3 февраля) 1884 года в деревне Шанчерово Михайловского уезда Рязанской губернии (ныне — Михайловский район Рязанской области) в бедной крестьянской семье. Отец Василия, Иван Иустинович, вскоре перебрался в Астрахань, где работал грузчиком. Через год после рождения сына мать Василия умерла, и его отец женился второй раз — на Анне Матвеевне, прачке из астраханского порта. Однако когда Василию было 10 лет, умер и отец: надорвался на тяжёлой работе. Анна Матвеевна, получавшая за свой труд копейки, поняла, что денег ей хватит только на прокорм малолетнего сына Ивана, а поэтому вынуждена была отправить Василия и двух своих дочерей побираться.
Василий выживал благодаря подаяниям добрых людей. Услышав однажды на улице военный духовой оркестр, он прибился к музыкантам и вскоре был зачислен учеником в оркестр 308-го резервного Царёвского батальона: у мальчика оказался идеальный музыкальный слух. К 14 годам он стал лучшим солистом-корнетистом полка; в дальнейшем вся его жизнь была связана с военными оркестрами.
Тон развития симфонического жанра в ХIХ веке задавали сочинения, принадлежавшие перу крупнейших композиторов, сочинения концептуальные, новаторские. В этом смысле огромное значение имел переворот в осознании жанра симфонии, который произошел на рубеже ХVIII-ХIX веков в творчестве Бетховена. Именно тогда симфония стала восприниматься как некая художественная вершина собственного композиторского высказывания, как жанр «высшей категории», в котором сконцентрировались личностное исповедальное начало и непосредственно связанное с ним философское восприятие мироздания.
Однако рядом с подобными симфониями на протяжении, как минимум, полувека продолжали жить и другие - «домашние», камерные, развлекательные, создававшиеся при многочисленных дворах забытыми ныне музыкантами: Ф. Виттом, написавшим 18 симфоний, Б. Ромбергом (4 симфонии), С. Нойкоммом, прославившимся своей Symphonie heroique, Ф. Рисом, оставившим 7 опусов в симфоническом жанре, Й.К.Ф. Шнайдером, наследие которого насчитывает 29 симфоний, и многими другими.
немецкий композитор и виолончелист. Остался в истории главным образом как автор "Йенской симфонии", которая долго приписывалась молодому Бетховену.
Symphony in C-major "Jena"
I: Adagio - Allegro vivace 00:00
II: Adagio cantabile 08:17
III: Menuetto 16:05
IV: Finale: Allegro 19:37
 [показать] | В ноябре 2019 года Россия отмечает 160-летний юбилей выдающегося композитора, дирижера, музыкального педагога и управленца М.М. Ипполитова-Иванова,композитора, проявившего разносторонность своего дарования в симфонической, хоровой, оперной и камерной музыке. Это был человек, круг общения которого едва ли не с самого детства составляли знаменитые музыкальные и театральные деятели своего времени, интеллигент без капли снобизма, успешный творческий и административный работник, одаренный благосклонностью властей при всех политических режимах. |
Михаил Михайлович Иванов родился в Гатчине под Санкт-Петербургом 7 (19) ноября 1859 года (творческий псевдоним Ипполитов-Иванов появился в годы обучения в консерватории). В семье, где весьма приветствовалось увлечение музыкой, мальчик получает хорошее базовое домашнее музыкальное образование, потом в 1872-1875 гг. посещает классы для малолетних певчих при Исаакиевском соборе Петербурга, и затем поступает в Петербургскую консерваторию.
Заканчивает консерваторию в 1882 году,а в 1893 году по рекомендации Чайковского Ипполитова-Иванова приглашают в Москву на должность профессора музыкально-теоретических дисциплин и композиции Московской консерватории.
Добросовестный, воспитанный, не идущий на конфронтацию с коллегами и пытающийся в любом увидеть хорошее Ипполитов-Иванов в 1906 году был избран на должность ректора консерватории,где проработал более полутора десятка лет, проявив неординарные организаторские и административные способности.
Октябрь 1917 года позиций Ипполитова-Иванова у руля Московской консерватории не поколебал, он прослужил в руководящей должности до 1922 года.
В 1922 году Ипполитов-Иванов получает звание народного артиста Республики и возглавляет Всероссийское общество писателей и композиторов.
Умер Ипполитов-Иванов в Москве 28 января 1935 и был похоронен на Новодевичьем кладбище.
«ЧЕТЫРЕ СТИХОТВОРЕНИЯ РАБИНДРАНАТА ТАГОРА»
Для своего сочинения Ипполитов-Иванов обратился к сборнику Рабиндраната Тагора «Садовник», в
который вошли стихотворения, переведённые самим автором с языка бенгали на английский. В русском переводе он впервые вышел в 1913 году,после этого несколько раз переиздавался и стал очень популярен.
Переводы стихотворений Тагора в большинстве своём выполнялись свободным нерифмованным стихом, что более соответствовало своеобразию индийской поэзии.
Но в выбранном композитором переводе, автор которого не указан в рукописи, присутствует рифма и определённая ритмика стихов, что, по всей видимости, облегчало их музыкальную интерпретацию.
Четыре лирические миниатюры сюжетно складываются в историю молодой девушки,
переживающей разные этапы развития чувства любви: её зарождение, счастье быть любимой,предчувствие разлуки, расставание.
Михаи́л Миха́йлович Ипполи́тов-Ива́нов (настоящая фамилия — Ива́нов; 1859, Гатчина — 1935, Москва) — русский и советский композитор, дирижёр, педагог. Народный артист Республики (1922). Большая часть карьеры Ипполитова-Иванова связана с Московской консерваторией.
1917 год Ипполитов-Иванов встретил зрелым, сформировавшимся человеком и музыкантом. К этому времени он — создатель пяти опер, ряда симфонических произведений, среди которых широкую известность приобрели «Кавказские эскизы», а также — автор интересных хоров и романсов, нашедших прекрасных исполнителей в лице Ф. Шаляпина, А. Неждановой, Н. Калининой, В. Петровой-Званцевой и др. Творческий путь Ипполитова-Иванова начался в 1882 г. в Тифлисе, куда он приехал после окончания Петербургской консерватории для организации Тифлисского отделения РМО. В эти годы молодой композитор много сил отдает работе, преподает в музыкальном училище, создает свои первые произведения. В первых композиторских опытах Ипполитова-Иванова (оперы «Руфь», «Азра»; «Кавказские эскизы») уже проявились черты, характерные для его стиля в целом: мелодическая напевность, лиризм, тяготение к малым формам. Удивительная красота Грузии, народные обряды восхищают русского музыканта. Он увлекается грузинским фольклором, записывает в Кахетии в 1883 г. народные мелодии, изучает их.
Кто из нас не любит Венгерских танцев Брамса или Венгерских рапсодий Листа?
А давайте послушаем и другие пьесы в венгерском духе - среди них есть такие славные!
В этой подборке не будет музыки венгерских композиторов.
А кто угодно, только не Лист и его соотечественники!
Посмотрим, как с этой задачей справлялись иностранцы.
Кстати, первую настоящую венгерскую рапсодию написал Бетховен.
Это увертюра "Король Стефан" из музыки к драме Коцебу. Вы убедитесь сами, какие тут зажигательные ритмы.
немецкий композитор
Увертюра из музыки к пьесе Коцебу "Король Стефан"
Есть у Бетховена и обработка подлинной венгерской песни "Edes kinos emlekezet" (из сборника "Песни разных народов").
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
В эпоху барокко появился жанр концерта в обеих своих формах: для одного инструмента с оркестром и как кончерто гроссо, в котором небольшая группа солирующих инструментов контрастирует с полным ансамблем. Концерт — музыкальное сочинение, написанное для одного или нескольких инструментов, с аккомпанементом оркестра, с целью дать возможность солистам выказать виртуозность исполнения.
Концерт-острая игра контрастов, соперничество солиста и оркестра (сольный концерт), либо разных групп оркестра между собой (жанр concerto grosso)– хорошо перекликались с эстетикой барокко. Здесь правили маэстро А. Вивальди, И. С. Бах, Г. Ф. Гендель и др.
С эпохи барокко гобой стал довольно популярным сольным инструментом у композиторов, которые ценили его за выразительный звук, достаточно сильно похожий на человеческий голос. А. Вивальди, А. Марчелло, Г. Гендель, И.С. Бах и др. посвятили множество произведений инструменту. Но особый вклад в репертуар внес Г.Ф. Телеман в 18-м веке, сочинив 9 концертов для гобоя с оркестром и 4 для гобоя д'амур. Среди сочинений для гобоя этого периода — концерты для одного или двух гобоев Томазо Альбинони, Алессандро Марчелло, концерты Антонио Вивальди, произведения Генделя и Телемана.
Алекса́ндр Порфи́рьевич Бороди́н (31 октября (12 ноября) 1833, Санкт-Петербург — 15 (27) февраля 1887, там же) — русский композитор, химик-органик, общественный деятель, доктор медицины. Участник «Могучей кучки».
В апреле 1869 года В. В. Стасов предложил Бородину в качестве оперного сюжета замечательный памятник древнерусской литературы «Слово о полку Игореве». По словам композитора, сюжет пришелся ему «ужасно по душе». Чтобы глубже проникнуться духом старины, Бородин побывал в окрестностях Путивля, под Курском, изучал исторические источники: летописи, старинные повести («Задонщина», «Мамаево побоище»), исследования о половцах, музыку их потомков, былины и эпические песни. Большую помощь композитору оказывал В. В. Стасов, крупнейший знаток русской истории и древней литературы.
Текст и музыка «Игоря» сочинялись одновременно. Опера писалась в течение 18 лет, но не была завершена. После смерти Бородина А. К. Глазунов по памяти восстановил увертюру и на основе авторских эскизов дописал недостающие эпизоды оперы, а Н. А. Римский-Корсаков инструментовал большую ее часть. Премьера прошла с большим успехом 23 октября (4 ноября) 1890 года в Петербурге, на сцене Мариинского театра.
«Слово о полку Игореве» повествует о походе князя Новгород-Северского Игоря Святославича на половцев. Из тщеславия он захотел добиться победы без помощи других князей и потерпел поражение. Осуждая междоусобные распри, неизвестный создатель поэмы страстно призывал русских князей к единению. Композитор подчеркнул в опере не столько политическую направленность «Слова», сколько его народно-эпические черты. Игорь в опере близок по духу к образам былинных богатырей.
Чтобы оттенить облик Игоря, Бородин по совету Стасова противопоставил ему фигуру князя Галицкого, олицетворяющего собой стихию княжеских раздоров.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Эх, балалайка! Для души моей русской сыграйка!
Балалайка — русский народный трёхструнный щипковый музыкальный инструмент с корпусом треугольной формы. Характерными приёмами звукоизвлечения являются бряцание и тремоло — удары указательным пальцем по всем струнам одновременно.
Поиграй-ка, пострадай-ка, символ русской старины,
Балалайка, балалайка – немудреных три струны!
Разудала, бесшабашна, не даёт она скучать.
С балалаечкой не страшно горе-горькое встречать.
Широка и непонятна, словно русская душа.
С балалаечкой приятно радоваться, грусть круша.
С балалаечкой не стыдно и в концертах выступать.
И порой ей так обидно «Иностранцам» уступать!
… вот опять смеётся, плачет,
Перебором душу рвет, в удали кручину прячет,
А как за сердце берет! … светит месяц круторогий,
Тройка мчится, даль бледна … три струны –
как три дороги И судьба – на всех одна.
Кукушкина Г.
Малый зал Петербургской филармонии
В программе концерта представлены шедевры хоровой и вокальной музыки начиная от классического периода и заканчивая эпохой романтизма.«Республиканский» классицизм, начавший входить в моду после французской революции, проник во все сферы искусства: музыку, литературу, живопись, архитектуру, моду,
оформление интерьеров. К середине XIX века под влиянием немецкой художественной и философской литературы,а также увлечения европейскими народными эпосами,
классицизм постепенно стал уступать место романтизму,породившему расцвет оперного искусства, инструментальной музыки и литературы. Русская музыкальная культура,
которая к середине XIX века была уже полностью интегрирована в общеевропейские культурные процессы, отдала дань романтизму не только в виде опер и сочинений для
камерного состава, но и церковной музыки. Написанные в романтическом стиле духовные сочинения Чеснокова,Гречанинова, Рахманинова и многих других композиторов составили золотой фонд русской хоровой музыки, оставаясь
непревзойденными шедеврами.
iskusstvo-zvuka.livejournal.com
Если к симфоническому жанру Франк обратился только в последний период своего творчества, то с камерной музыки начался его творческий путь. Первые самостоятельные сочинения Франка — четыре фортепианных трио; причем в одном из них (fis-moll) уже отчетливо выявлен «циклический принцип»: все три части произведения основаны на проведении двух основных тем (первая остается неизменной, вторая трансформируется).
Ромен Роллан писал о нем от имени героя романа Жана Кристофа: «...этому неземному Франку, этому святому от музыки удалось пронести через жизнь, полную лишений и всеми презираемого труда, немеркнущую ясность терпеливой души, и отсюда — та смиренная улыбка, что осеняла светом добра его творчество». Серьезный и глубокий музыкант, Франк не добивался славы, вел образ жизни простой и замкнутый. Тем не менее современные музыканты разных творческих направлений и художественных вкусов относились к нему с большим уважением. И если Танеева в годы расцвета его деятельности называли «музыкальной совестью Москвы», то Франк с не меньшим основанием может быть назван «музыкальной совестью Парижа» 70—80-х годов. Однако этому предшествовали долгие годы почти полной безвестности.
Прочитал пост о пиратских переименованиях музыки и вспомнил, что у меня некоторое время назад накопилось достаточно большое количество инструментальной музыки с подобными левыми именами, либо вообще безродные. Стал искать, чем можно исправить это положение. Было очень много сервисов, предлагавших записать через микрофон такой музыкальный файл и установить программу для определения имени, что меня совсем не устраивало. Зачем делать лишнюю работу, когда файл уже существует в компьютере. Поискал и нашёл он-лайн сервис, который без установки отдельной программы позволяет произвести быстрое опознание неизвестного. Всего лишь следует сделать клик ЛКМ по файлу в компьютере , т.е.одним простейшим действием указать сервису на нужный файл. За несколько лет немного изменились правила сайта, теперь он просит подтвердить, что вы не робот и после поверки и получения результата предлагает дополнительный сервис - найти аналог файла на ю тубе или похожие файлы. Долго описывать действия не буду. Сервис имет отличную справку FAQ по использованию. Желающие сумеют разобраться. Лучшего варианта я больше не нашёл. Вот ссылка на сервис определения неизвестных музыкальных файлов.
Ссылка: https://ru.audiotag.info/
«32 вариации» (1806–1807) на собственную тему принадлежат к числу самых выдающихся фортепианных произведений Бетховена. Содержательность этого цикла во многом предопределена его замечательной темой, бетховенской по своему мощному и суровому трагизму и вместе с тем имеющей глубокие исторические корни. Она впитала в себя некоторые характернейшие выразительные средства, которые еще начиная с XVII столетия сложились для изображения трагических образов.
Для лучшего понимания темы предлагаю прочитать пояснение по форматам записи аудио файлов.
ТОП 10 аудио форматов – рейтинг и преимущества.
Как показали реальные полевые исследования – хорошая задумка составить рейтинг первой десятки лучших из лучших аудио форматов оказалась задачей в принципе невыполнимой.
Слишком разные условия соревнования для неравных участников. Кроме того, в благое дело помочь людям в выборе самого лучшего звукового продукта вмешиваются некие коррупционные схемы или лобби транснациональных корпораций в сфере аудио записи.
Самый популярный в мире формат MP3 попал в лидеры народной любви исключительно из-за многомиллиардных вливаний в промоушн. А если брать по качеству звучания то так себе. И даже в отношении сжатия и экономии дискового пространства тоже не самый высоко-компрессионный.
Поэтому было принято компромиссное решение – разделить подопытных на три группы и уже по группам вести сравнение и выявление лидеров.
Три типа аудио форматов:
Без сжатия.
Сжатие без потерь.
Сжатие с потерями.
Форматы записи звука без сжатия демонстрируют все свое лучшее только на высококачественном, профессиональном звуковоспроизводящем оборудовании.
Если у вас в руках бюджетный планшет или смартфон – то в вашем гаджете будет звучать прекрасная музыка, но ее не услышите просто потому, что программно-аппаратный ресурс и динамики либо наушники не способны воспроизводить такого высокого качества звучания.
С другой стороны, если вы запустите звукозапись MP3 через профессиональные стереосистемы и усилители – вы услышите в динамиках такой шум и скрежет, что опять-таки такого рода использование окажется совершенно бессмысленным.
Народ Норвегии уже в давние времена сложил легенды, зовущие нас в фантастический мир, населенный гномами, троллями, эльфами, великанами, бабочками…
Нередко в этих поэтичных сказках говорится о тех красивых напевах, прихотливых танцах, чудесных наигрышах, звуки которых раздаются в горах Норвегии.
И голос его свободный
Звучит с колыбели в наших сердцах
И в чуткой душе народной.
Тот ласковый голос, глубокий, родной,
Как говор листвы, как ручей лесной,
Живое эхо свободы
Он будит в душе народа….
Он - песни знакомой мотив родной.
Он - повесть и он же - сказанье,
Он горе смягчает в груди больной,
Он счастью дает сиянье,
Он - память о прошлом, он - сила любви,
Он - честь и геройство в нашей крови,
Он в самом далеком скитанье
Звезды путеводной сиянье!
Эти стихи Генрика Ибсена точно и всеобъемлюще отражают образный мир, запечатленный в произведениях Эдварда Грига. Не только содержание, но и музыкальные формы народной музыки нашли отражение в музыке великого норвежского композитора.
Фортепианный цикл «Поэтические картинки» создан композитором в 1863 году. На момент создания ему было всего 20 лет. Григ называл себя «романтиком шумановской школы».
(два варианта исполнения)
1. Allegro ma non troppo
2. Allegro cantabile
3. Con moto
4. Andante con sentimento
5. Allegro moderato
6. Allegro scherzando
исп.Мария Гринберг
Пётр Ильич Чайковский - 25 апреля (7 мая) 1840, пос. Воткинск, Вятская губерния — 25 октября (6 ноября) 1893, Санкт-Петербург — русский композитор, педагог, дирижёр и музыкальный критик.
Замысел постановки оперы с сюжетом «Пиковой дамы» А. С. Пушкина, вероятно, принадлежал директору Императорских театров Ивану Александровичу Всеволожскому. В октябре 1887 года состоялся первый разговор Всеволожского с Чайковским, которому было предложено написать музыку на этот сюжет, однако композитор решительно отказался, в частности, мотивируя свой отказ отсутствием в сюжете «должной сценичности». С начала 1888 года за составление либретто на этот сюжет взялся Модест Ильич Чайковский, который писал об этом своему брату Петру Ильичу в письме от 7 февраля 1888 года.
В письме к Ю. П. Шпажинской от 26 января 1890 года Чайковский отмечал:
« ...я мало-помалу начал чувствовать неотложную потребность заняться в виде отдыха своим настоящим делом, т. е. сочинением. А тут, как нарочно, И. А. Всеволожский усиленно стал просить меня заняться сочинением оперы на сюжет Пиковой дамы. Либретто было уже прежде того сделано ни кем иным, как моим братом Модестом. Я его прочел, оно мне понравилось, и вот в один прекрасный день я решил бросить все, т. е. и Петербург и Москву, и многие города в Германии, Бельгии и Франции, куда имел приглашение на концерты, и уехать куда-нибудь за границу, дабы без помехи работать. »
19 января 1890 года во Флоренции Чайковский начал сочинять оперу.
Мировая премьера оперы состоялась в Мариинском театре в Санкт-Петербурге 19 декабря 1890 года. Дирижировал Эдуард Направник.
Кантелуб де Маларе (Canteloube de Malaret) Мари Жозеф (21 октября 1879, Анноне, близ г. Турнон - 5 ноября 1957, Париж) - французский композитор, собиратель и исследователь музыкального фольклора. Обучался игре на фортепиано у А. Дётцер (ученицы Ф. Шопена). С 1901 занимался композицией в "Схола канторум" (певческая школа) у В. д'Энди. Одновременно начал собирать и систематизировать французские народные песни. Знаток французского музыкального фольклора, Кантелуб опубликовал огромное количество обработанных и гармонизованных им народных песен: "Песни Оверни" ("Chants d'Auvergne", 5 серий, 1923-55), "Песни Франции" ("Chants de France", 2 серии, 1939-40), "Песни Ангумуа, Лангедока, Туренн, страны басков" ("Chants de l'Angoumois, du Languedoc, de la Touraine, des pays basques", 1947). Составитель "Антологии французских народных песен" ("Anthologie des chants populaires franзais", 4 т., 1939-44, нов. изд. 1951). Увлечение фольклором оказало влияние и на творчество Кантелуба. Его произведения отличаются ярко выраженным национальным колоритом, мелодической выразительностью, свободой вокально-хорового письма.
