• Авторизация
Дневник Ела2012 Лента друзей - Дневник - Полная версия


Коллекия Музея Русского Импрессионизма | Часть 1 24-02-2021 14:01 к комментариям - к полной версии - понравилось!

Это цитата сообщения Bo4kaMeda Оригинальное сообщение

Коллекия Музея Русского Импрессионизма | Часть 1

Bo4kaMeda
Продолжение





Константин Коровин и Валентин Серов, Николай Богданов-Бельский и Станислав Жуковский, Игорь Грабарь и Николай Дубовской – в постоянной экспозиции музея собрана вся история русского импрессионизма.

Само понятие «русский импрессионизм» до сих пор вызывает жаркие споры. Импрессионизму в России не повезло. Зародившись в конце XIX столетия и почти приобретя собственное звучание, русский импрессионизм начал активно вытесняться авангардом. А после революции так и вообще оказался «вне системы». Но несмотря ни на что, многие художники и до, и после политического переворота в стране, продолжали творить в импрессионистической стилистике, продолжали экспериментировать на своих полотнах со светом, цветом, стремились передать настроение, эмоцию, уловить тончайшие воздушные вибрации. Импрессионизм вдохновляет художников и сегодня. Потому постоянная экспозиция музея охватывает значительный период времени: от картин мастеров, заложивших основы импрессионистической стилистике в нашей стране, до работ известных всему миру современных художников.




01. ДОРОЖКА В САДУ. 1907 ГОД
ВЛАДИМИР ДАВИДОВИЧ БАРАНОВ-РОССИНЕ
ХОЛСТ, МАСЛО
99 X 101


«Для меня живопись – жизнь…» – это были любимые слова Владимира Баранова-Россине. Посмотрите на мозаичную россыпь красок. На эту необычную композицию. Справа от нас – дом, утопающий в густой летней зелени. Он едва различим с дороги. Широкая, охристо-золотистая тропинка уводит нас куда-то глубоко в сад. А по небу плывут пушистые облака, больше напоминающие крылья ангелов. От голубоватых небесных отблесков веет прохладой. А вся картина словно залита теплым, нежным светом.

Работа «Дорожка в саду» Владимира Баранова-Россине относится к раннему периоду творчества мастера. В 1907 году ему всего 19 лет, он еще студент Одесского художественного училища. И еще даже не Владимир Баранов-Россине, а Шулим Вольф Лейб Баранов, мальчик из небогатой еврейской семьи. Юный художник увлечен импрессионизмом.

Уже в этой картине можно угадать в авторе пылкую и увлекающуюся натуру. Начав свой путь с импрессионизма, Баранов-Россине ушел от него к орфизму и даже к так называемой политехнической скульптуре, которая компонуется из органических и неорганических материалов. Конечно же, влияние на художника оказывает среда. После Одесского училища он поступает в петербургскую Академию художеств. А потом, в 1910 году, и вовсе уезжает в Париж. Он селится в знаменитом «Улье». А его соседями становятся Марк Шагал и Амадео Модильяни.

Баранов-Россине экспериментирует с разными техниками и всерьез увлекается музыкой. Может быть, мы и здесь, в этой «Дорожке в саду», услышим эту музыку?



02. ЛЕТО. 1911 ГОД
НИКОЛАЙ ПЕТРОВИЧ БОГДАНОВ-БЕЛЬСКИЙ
ХОЛСТ, МАСЛО
165.2 X 117.2


Утренняя свежесть, лучи ласкового летнего солнца. «Лето» Николая Богданова-Бельского передает мечту о гармонии человека и природы, безграничное восхищение миром. В каждом фрагменте, в каждом движении кисти и в каждом красочном мазке – феерия света и цвета.

В 1911 году Николай Богданов-Бельский – уже академик, известный художник. Он много путешествует по Европе, пишет портреты императорской семьи. Но репутация успешного салонного живописца тяготит Богданова-Бельского. Он вынужден принимать заказы – они приносят заработок, который позволяет безбедно проводить летние месяцы в деревне. Там художник с упоением работает за мольбертом.

Картина «Лето» удостоилась большой чести – она не только участвовала в 40-й выставке Товарищества передвижников, но даже была воспроизведена в каталоге. Это знак того, что работа была признана произведением выдающимся.

Взгляните на необычную, многослойную композицию картины. Сколько мини-сюжетов вы можете насчитать? В глубине сада, утопающего в зелени и цветах, на лавочке мы видим девочку за книжкой. Дети были излюбленными героями художника. Николай Богданов-Бельский говорил: «Меня всегда привлекала детвора, я ей посвятил и посвящаю всю свою жизнь. С одной стороны – воспоминания детства, переживания юношеских лет, а с другой – уж больно хорош детский мир!»

Детство Николая Богданова-Бельского, сына бедной крестьянки, не было безоблачным. И художник никогда не забывал перенесенных лишений. Отдавая дань своему происхождению, он часто писал сцены из жизни простого люда, особенно любил изображать крестьянских ребятишек.



03. ЗИМА НА УРАЛЕ. 1972 ГОД
КИМ НИКОЛАЕВИЧ БРИТОВ
КАРТОН, МАСЛО
35 X 50


«Есть художники, которые работают сразу во многих жанрах, не задумываясь над тем, что же для них является главным. Я – пейзажист, пейзажист по призванию, все мои лучшие работы — это картины о природе», – так говорил о себе Ким Бритов.

Художник много и часто работал на пленэре. Его любимыми временами года были весна и осень. Он ценил эти переломные моменты – зарождение и замирание жизни. В это время художник испытывал самый сильный творческий подъем. Потому исключительно летних и зимних пейзажей за 60 лет творчества из-под кисти Кима Бритова вышло не так много. Оттого эта картина, «Зима на Урале», по-своему уникальна. Она написана во время одной из творческих поездок художника по Советскому Союзу.

«Наше направление в пейзаже своими корнями уходит в живопись реалистической школы. Но мы вносим в него условность русского лубка, отчасти миниатюры, декоративность национального орнамента, свое видение окружающего мира», – говорил Ким Бритов. Художник отличался чутким и очень трепетным отношением к поверхности холста. Приглядитесь, эти плотные мазки и особая декоративность между зелеными и голубовато-белыми оттенками цвета усиливают выразительность образа живой природы. Бритов-импрессионист стремится уловить переменчивость состояний окружающего пейзажа, охватить всю гамму ощущений от увиденного, чтобы затем перенести это состояние на полотно.



04. ОСТРОВ БОНИН. ЯПОНИЯ. 1921 ГОД
ДАВИД ДАВИДОВИЧ БУРЛЮК
ХОЛСТ, МАСЛО
66 X 45.7


Давида Бурлюка называли всеядным, и ему, действительно, все было интересно и любопытно. Он не боялся повторять подсмотренное у других: у Ван Гога, Гогена, Матисса, Пикассо, своих коллег-художников в России. Отдельная история в его жизни – годы в Японии (1921–1922). Этот период творчества Давида Бурлюка почти не известен в России. Еще меньше известно о японских художниках-футуристах, с которыми Давид Бурлюк организовывал яркие выставки. До приезда Бурлюка японцы только начинали знакомиться с футуризмом по статьям и тексту Томмазо Маринетти. Вполне закономерно, что возник интерес к русскому художнику, именовавшему себя «отцом российского футуризма».

Японский период в творчестве Давида Бурлюка, согласно документам и свидетельствам современников, отличается разнообразной и многогранной деятельностью. В течение почти двухлетнего пребывания в Японии Бурлюк посетил Токио, Иокогаму, Нагою и другие города, побывал на южных островах Ошима и Огасавара, поднимался на Фудзияму.

Пейзаж «Остров Бонин» был написан художником во время зимней поездки на теплые японские острова Огасавара. Бурлюку порекомендовали перебраться туда его друзья-художники. По воспоминанию Давида Давидовича, после холодной Сибири ему хотелось «устроить себе интересный год без снега, без теплой одежды, без забот об отоплении и тому подобных атрибутах зимних севера». Помимо прочего, жизнь на островах была гораздо дешевле, чем в городе.

В это время меняется палитра художника, она становится такой же яркой и сочной, как и окружающая экзотическая растительность. Поездка на острова, затерянные в Тихом океане, стала для Бурлюка тем, чем в свое время стало путешествие на Таити для Гогена.



05. ЯПОНСКАЯ ДЕРЕВНЯ. 1921-1922 ГОДЫ
ДАВИД ДАВИДОВИЧ БУРЛЮК
ХОЛСТ, МАСЛО
40.6 X 52.7


В 1918 году Давид Бурлюк принял решение уехать из России в Америку. Но так как между странами были прерваны дипломатические отношения, визу получить было невозможно, и Бурлюк вместе с семьей направился в сторону Владивостока, чтобы через Японию добраться до Соединенных Штатов. Только в октябре 1920 года Давид Бурлюк оказывается в Японии. В стране восходящего солнца он сумел себя представить, и вскоре его уже называли «прославленный живописец». К 1920-му году художники Японии уже были знакомы с современной французской живописью. Здесь знали о творчестве Ван Гога, многие молодые мастера слышали о кубизме и футуризме. Почва была подготовлена. Бурлюк оказался в центре художественной жизни. Японские авангардисты с энтузиазмом встретили у себя «отца русского футуризма». Сохранилось воспоминание японского художника Таи Канбара о том, какое впечатление на него произвели работы Бурлюка: «Это было потрясающе, настоящее чудо для всех японцев. Работы тех направлений, которые мы сегодня именуем фантастическими, повествовательными, реалистическими, дадаистскими, футуристическими, кубистскими, были выставлены вне всякого порядка. Я посещал выставку едва ли не каждый день».

Успех выставок и внимание прессы способствовали невероятному творческому подъему Бурлюка. В японский период художник создал около трехсот пейзажей, многие из которых писал, используя разные живописные приемы. Широкой японской публике он стремился показать и рассказать о многообразии стилей и направлений в современном европейском искусстве.



06. ДОРОЖКА В ПАРКЕ. 1892 ГОД
СЕРГЕЙ АРСЕНЬЕВИЧ ВИНОГРАДОВ
ХОЛСТ НА КАРТОНЕ, МАСЛО
25 X 30.5


Пейзаж – излюбленный жанр художника. Укромные уголки усадебного сада, просторные дачные веранды, залитые светом комнаты с распахнутыми в лето окнами – с какой нежностью, с каким обожанием писал их Сергей Виноградов. Вот и наша «Дорожка в парке» принадлежит этому же «усадебному» циклу.

На небольшой картине ярко освещенная солнцем тропинка убегает вглубь чащи. Присмотритесь к красоте этих цветных теней и к богатству тональных переходов. К насыщенному зеленому цвету кустов, травы, деревьев. Обязательно отыщите цветы в густой траве.

«Хотелось бы иметь две пары рук и два сердца, чтобы успеть запечатлеть все, что волнует», – вот, к чему стремился в своей живописи тонкий пленэрист Сергей Виноградов. Душа его была одержима живописью. Считается, что на манеру письма Виноградова особенно повлиял Василий Поленов. Впрочем, в пейзаже художнику удалось найти собственную, отличную от учителя тему.

В Москве у Сергея Виноградова была репутация главного знатока искусства импрессионистов. Он лично общался со многими французскими мастерами. Коллекционеры часто обращались к Виноградову за советом. По его рекомендациям, например, покупались картины для известных собраний братьев Морозовых.



07. РАННЯЯ ОСЕНЬ. ПРОГУЛКА В ПАРКЕ. 1970 ГОД
БОРИС НИКОЛАЕВИЧ ГЛАДЧЕНКО
КАРТОН, МАСЛО
59 X 50.5


Улочки, набережные, парки и скверы любимой Пензы – вот главные герои картин Бориса Гладченко. Его не зря называют прирожденным мастером пленэрной живописи. Полотна художника пронизаны добротой и искренностью. Пейзаж «Ранняя осень. Прогулка в парке» из коллекции Музея русского импрессионизма выполнен в 70-е годы XX века.

Cплав насыщенных красных, зеленых, оранжевых, голубых и желтых красок – все вместе они придают работе особое праздничное звучание. Цвета – чистые, светящиеся. Художник не жалеет белил. Оттого можно уловить впечатление прозрачности, свежести воздуха. Фигуры людей растворены в красочном многоцветии нарядного осеннего парка. Вот этим мажорным, радостным звучанием Борис Гладченко и заслужил любовь современников.

Работы Гладченко не раз участвовали во Всесоюзной художественной лотерее. Она проходила под лозунгом: «Художники – народу!». Так было написано на лотерейном билете. Рядовой житель Страны Советов всего за 50 копеек мог выиграть картину. А для художника это было что-то вроде официального признания.



08. ЛЕТНИЙ ДЕНЬ. 1915 ГОД
КОНСТАНТИН ИВАНОВИЧ ГОРБАТОВ
ФАНЕРА, МАСЛО
21 X 28.7



«С детства он привык к стоящим на приколе стареньким рыбацким лодкам с залатанными парусами, к тяжело груженным баржам, к запаху илистой воды и свежей рыбы, к расплавленному солнцу, беспощадно льющему свои лучи на зеленые, красные крыши прибрежных домов <...> неделями пропадал на берегах рек, прислушивался, присматривался, писал этюды, писал много, с наслаждением», – такие воспоминания о Константине Горбатове оставил художник Игорь Грабарь.

Вот и наш пейзаж «Летний день» относится к одному из самых ярких периодов в творчестве Константина Горбатова – русскому. Небольшая, написанная легкой кистью, картина вся пронизана солнечным светом. Прозрачное небо созвучно спокойному зеркалу водной глади.

1915 год, художник едва вернулся из путешествия по Европе, где определенно скучал по родным краям. Хмурые виды провинциального севера: Новгород, Вологда, Углич – Горбатов писал с не меньшим увлечением, чем солнечную Италию или виды острова Капри, где художник подружился с Максимом Горьким. Писатель признавался: полотна начинающего автора нравятся ему «страшно»!

Русские пейзажи Константин Горбатов будет писать и в эмиграции, уже по памяти. И почти все – «исключительно с церквами, пропастью церквей – прямо пачками за раз», – как говорил о нем Игорь Грабарь. Горбатов и в самые сложные минуты жизни останется верен своему художественному кредо: «Искусство как праздник».



09. НАТЮРМОРТ С ВИНОГРАДОМ И ЧАЙНИКОМ. 1970 ГОД
НИКОЛАЙ НИКОЛАЕВИЧ ГОРЛОВ
КАРТОН, МАСЛО
84 X 108


Казалось бы, такое простое название – «Натюрморт с виноградом и чайником». А какое изобилие яркой, сочной натуры. Эта бьющая через край мощь цвета, любовь к жизни и восхищение ею. Груши, сливы, виноград написаны Николаем Горловым декоративно и броско. Взгляните на центр композиции: два граната словно вылеплены автором разнонаправленными мазками. В них сразу несколько сложных, меняющихся на свету оттенков красного.

Многоцветие фруктов только усиливают отблески на полированном столе. А сочетание насыщенных оранжевых и синих тонов делает этот стол похожим на восточный ковер. К Востоку, кстати, отсылает и грациозная форма чайника. Вместе с ультрамариновой вазой и стеклянным стаканом они довершают это великолепие, которое не может не радовать глаз.

Удивительно, сколько жизнелюбия в восприятии мира у Николая Горлова. И как не вяжется это отношение к жизни с судьбой художника. Оставшись сиротой, он вырос в детском доме. А живописью начал заниматься только когда попал в трудовую колонию. Работы двадцатилетнего юноши случайно увидел Игорь Грабарь. Он помог Николаю Горлову без экзаменов поступить в Московский институт изобразительных искусств. Пейзажи, натюрморты, портреты Николая Горлова – яркие по цветовой насыщенности. Практически все они пронизаны солнечным светом. Художник писал только с натуры. Он мог часами работать на пленэре. Внимательно изучал тончайшие колористические нюансы. Но при этом никогда не терял экспрессивности и свободы мазка, собственного стиля.



10. ЗИМНИЙ ПЕЙЗАЖ. 1940–1950 ГОДЫ
ИГОРЬ ГРАБАРЬ
КАРТОН, МАСЛО
46 X 50


Белый снег, бесконечность лазурного неба, клубящиеся облака, белоствольные березы и солнце, согревающее воздух – до весны остаются считанные дни. В этом, таком типичном для Игоря Грабаря пейзаже, собрано все, что так любит художник в русской природе. Он не мог работать без солнца – здесь его сходство с импрессионистами. При пасмурном небе художник сокрушался: «К сожалению, опять мешает работать дождливая погода, а задания у меня, как на грех, все солнечные…»

Этот «Зимний пейзаж» – полотно уникальное по своей сути. 40-е – 50-е годы XX века – Игорь Грабарь уже «переболел» импрессионизмом, он признавался: «По старой памяти меня все еще именовали импрессионистом, но на самом деле я уже давно не был им». Но здесь мы с вами видим своего рода воспоминание об импрессионизме. Всплывают в памяти художника впечатления, оставшиеся у него от посещения Парижа: «1897 год. Люксембургский музей. Зал импрессионистов. «Впечатление раздавливающее, уничтожающее, безоговорочно покоряющее», – находим мы в записях Грабаря.

И хотя этап увлечения импрессионизмом в его творчестве был не продолжительным, «новаторское существо» импрессионистического искусства художник не переставал ценить до конца жизни.



11. В ПАРКЕ. 1936 ГОД
НИКОЛАЙ МИХАЙЛОВИЧ ГРИГОРЬЕВ
ХОЛСТ, МАСЛО
61.8 X 38.3


Завораживающий свет гирлянд, вечерняя аллея. Николай Григорьев сумел окутать пространство холста густыми летними сумерками. И это при том, что художник не использовал ни одного мазка черной краски.

Глядя на картину «В парке», мы ощущаем и теплоту летнего воздуха, и умиротворение, и чувствуем неспешное приближение ночи. Импрессионистической манерой, как многие российские авангардисты, Николай Григорьев увлекался в раннем творчестве. Впрочем, это не удивительно – учителями Григорьева в Московском училище живописи, ваяния и зодчества были Абрам Архипов и Константин Коровин. Позже художник попробует себя в самых разных техниках и стилях. Он будет создавать офорты, акватинты, литографии, увлечется карандашной графикой.

Николай Григорьев относится к числу тех художников, которых не пощадила сложная отечественная история первой половины XX века. Из работ художника уцелели немногие. Однако, даже по ним можно оценить талант мастера.



12. ПОРЫВ ВЕТРА. ВТОРАЯ ТРЕТЬ ХХ ВЕКА
АЛЕКСЕЙ (ОЛЕКСА) ВАСИЛЬЕВИЧ ГРИЩЕНКО
ДВП, МАСЛО
38.8 X 55.7


«Порыв ветра». Морская свежесть. Видите широкий динамичный мазок? То густой, то настолько тонкий и разреженный, что видна грунтованная основа. Эта очень важная деталь – свидетельство того, что пейзаж был написан на пленэре. Художник так увлеченно старался поймать волну, что ему не хватало времени дорисовывать и дописывать, краска ложилась на холст очень быстро. Мастером владело азартное желание почувствовать кистью ветер. Отсюда – правдивость зрительского впечатления морской свежести, пены волн.

Алексей Грищенко твердо решил стать художником в 17 лет, когда впервые попал в Эрмитаж. Впечатления от императорской коллекции живописи были столь сильны, что юноша, уже изучавший биологию и филологию в университетах, начал посещать еще и частную студию живописи С.И. Светославского, а потом художественную школу Константина Юона.

Алексей Грищенко экспериментировал с цветом, изучал природу его восприятия человеком. Итогом наблюдений и опытов стал собственный живописный метод художника, который он назвал «цветодинамос». В работе над картинами Грищенко пренебрегал традиционными приемами и строил форму только по законам цвета, которые сам же отчасти и вывел. Именно смелость Алексея Грищенко покорила французскую публику. После революции, в эмиграции, к нему пришли известность и признание. Художник стал постоянным участником Осеннего салона в Париже. Его выставки проходили в Европе и США.



13. У МОРЯ. 1912 ГОД
ТИТ ЯКОВЛЕВИЧ ДВОРНИКОВ
ХОЛСТ, МАСЛО
61 X 50


Этюды и пейзажи – это были две страсти Тита Дворникова. Он обожал наблюдать за природой, ловить ее состояния. Именно благодаря этой тяге к отражению сиюминутности Тит Дворников мог поспорить в художественной плодовитости с любым одесским художником – так много он писал.

Нежный пейзаж «У моря» из коллекции Музея русского импрессионизма написан густо намешанными мазками голубого и бледно-желтого оттенков. В центре композиции, за столиком, расположились беседующие дамы. Они увлечены разговором и прекрасным морским видом и даже не обращают внимания на художника. Фигуры своих героинь Тит Дворников не прорисовывает, а только намечает при помощи цветных пятен. А наше с вами воображение достраивает все остальное. Пятно желтого цвета – блузка, пятно коричневого цвета – шляпа, пятно синего цвета – юбка, пятно – стул, пятно – стол. Завораживающая живописная мозаика. Еще один яркий, густой красно-оранжевый мазок – и готов пояс одной из сидящих дам. Этот цветовой нюанс добавляет всей картине нотку радости и праздничности. Мы уже никуда не спешим, только прислушиваемся к плеску морских волн и любуемся...



14. ОБНАЖЕННАЯ СО СПИНЫ. 1944 ГОД
ВАЛЕНТИНА МИХАЙЛОВНА ДИФФИНЭ-КРИСТИ
ХОЛСТ, МАСЛО
70 X 50


Валентине Диффинэ-Кристи везло с учителями: она занималась в мастерских Леонарда Туржанского и Константина Юона, затем почти без экзаменов была принята в институт Сурикова на курс Сергея Герасимова. И все же самое большое влияние на художницу оказал ее муж – талантливый живописец Евгений Диффинэ, француз по отцу. Ему пророчили будущее известного художника, но он ушел из жизни в 28 лет.

Именно под влиянием мужа в искусство Валентины Диффинэ-Кристи вошла сложная фактурная игра, свободная лепка цветом, интересные пространственные эффекты. Под густым красочным слоем ее картины чувствуется несколько еще академичный, конструктивный рисунок, выстраивающий пространство и форму по законам глубины трехмерности. Но манера ее письма уже широкая, свободная.

«Обнаженная со спины» – интимная, камерная картина. Мы не видим лица отвернувшейся от нас модели, но, кажется, можем без труда уловить эмоцию.

Во время Великой отечественной войны супруги студенты-Диффинэ оказались вместе с институтом в эвакуации в Самарканде. Вдали от столичного начальства, самые талантливые художники тех лет: Сергей Герасимов, Владимир Фаворский, Игорь Грабарь, Роберт Фальк – создали молодежи и самим себе условия для увлекательных формальных поисков. Влияние этой среды чувствуется и в полотнах Валентины Диффинэ-Кристи.



15. ДЕРЕВНЯ. 1947 ГОД
ВАЛЕНТИНА МИХАЙЛОВНА ДИФФИНЭ-КРИСТИ
ХОЛСТ, МАСЛО
47 X 68


Валентина Диффинэ-Кристи несколько лет прожила в эвакуации в Самарканде, а уже будучи членом Московского отделения Союза художников СССР, много ездила по стране: Кавказ, Крым, старые русские города, деревни. Эта этюдная работа хороша тем, что она помогает нам заглянуть в мастерскую автора. Понять, откуда в ее натурной живописи столько фактуры, насыщенности цвета и света. Художница уверяла, что она не фантазирует, она действительно видит окружающий ее мир таким.

Виктор Иванов, который застал Валентину Диффинэ еще студенткой Суриковского института, так говорил о ее творчестве: «Это был определенный этап в нашем искусстве, импрессионизм, дошедший почти до крайности, так что форма почти сходит на нет, и предмет уходит».



16. ЦЕРКОВКА В АБРАМЦЕВЕ. 1953 ГОД
ВАЛЕНТИНА МИХАЙЛОВНА ДИФФИНЭ-КРИСТИ
ДВП, МАСЛО
37.4 X 42


Тихие, живописные уголки Кускова, Абрамцева. Больше всего Валентина Диффинэ-Кристи любила писать родное Подмосковье. И наша «Церковка в Абрамцеве» – картина из этого, подмосковного, цикла. Абрамцево – определенно особое место для людей искусства. Когда усадьба принадлежала писателю Аксакову, здесь гостили Гоголь и Тургенев. А при хозяине Савве Мамонтове в именье съезжались Василий Поленов и Врубель, Илья Репин и Валентин Серов, Михаил Нестеров и Константин Коровин.

«Абрамцевский чудодейственный воздух так благотворно влиял на меня, что именно в этом уголке земли написались, живописно осуществились лучшие мои работы», – вспоминал об Абрамцеве Виктор Васнецов. Это здесь он создал и знаменитых «Трех богатырей». А по соседству с усадьбой – «Аленушку у омута».

На картине Диффинэ-Кристи мы видим маленький уголок Абрамцева середины XX века. Художники по-прежнему приезжают сюда за вдохновением. Присмотритесь к смелой живописи. Уже в ранних работах Валентины Диффинэ-Кристи чувствуется влияние Сезанна и Фалька. И все же ее манера письма самобытна, бесстрашна и далеко не безопасна в условиях советских реалий начала 1950-х годов. Художница прожила долгую жизнь. В начале 1990-х она почти отказалась от цвета, писала только белилами, лишь иногда немного добавляя к ним другие краски. Этот период в ее творчестве еще называют «белое на белом». А в последние годы и вовсе осознано отошла от работы, практически отреклась от своей живописи и даже хотела избавиться от всех картин – и так подвести черту, закончить свой путь в искусстве.



17. ГОРНАЯ ДЕРЕВНЯ. 1911 ГОД
НИКОЛАЙ НИКАНОРОВИЧ ДУБОВСКОЙ
ХОЛСТ НА КАРТОНЕ, МАСЛО
26 X 35


Природная скромность была отличительной чертой Николая Дубовского. Как-то выставляя один из своих ранних холстов на передвижной выставке, художник робко назначил ему стоимость: 75 рублей. Товарищи Дубовского с трудом уговорили недальновидного молодого мастера поднять цену до 500. Художник был убежден: над ним шутят!

В успех своей картины он не верил до тех пор, пока сам Павел Третьяков не отсчитал пять сотенных за полотно и не увез его в свою коллекцию.

Картина «Горная деревня» – это уже позднее полотно созревшего мастера. Она была написана в 1911 году. Николай Дубовской в это время становится профессором-руководителем пейзажной мастерской при петербургской Академии художеств. Исследователи полагают, что здесь изображена армянская деревня близ Сочи.

Теряющиеся в зелени листвы белые домики, яркое солнце, цветы, выполненные густыми мазками. Величественный Кавказ рождает гармоничное ощущение уюта и вместе с тем воодушевления.

Искусству Николай Дубовской посвятил всю жизнь. Живопись была его страстью. А в день своей свадьбы он даже опоздал на венчание, потому что начал писать этюд из окна комнаты и не смог остановиться, пока не закончил работу. На счастье Николая Дубовского, его невеста Фаина Терская разделяла увлечение мужа. После женитьбы она стала его ученицей, позже, вслед за супругом, вошла в Товарищество передвижных художественных выставок.



18. НА ЛАГО МАДЖОРЕ. 1895 ГОД
НИКОЛАЙ НИКАНОРОВИЧ ДУБОВСКОЙ
ХОЛСТ, МАСЛО
26.8 X 34.8


«Поэт в живописи с оригинальными, сильными приемами воспроизведения природы» ,– говорили о Николае Дубовском.

Взгляните на эти величественные горы, окутанные облаками, на маленький городок, притаившийся у подножия, на неспокойные воды озера Маджоре. Понимаете теперь, почему художника называли мастером «чистого пейзажного видения»? Всесторонне образованный, интеллигентный Николай Дубовской любил путешествовать. Он неоднократно бывал в Греции, Турции, Франции, Германии. Известно, что в 1895 году Дубовской посещал Италию и Швейцарию.

Картина «На Лаго Маджоре» – дословно это название переводится с итальянского как просто «Большое озеро» – была написана, вероятно, как раз во время этой поездки. Художник много работал на пленэре. Отдавался живописи всецело и круглосуточно.

Со второй половины 80-х годов XIX века Дубовской выставлялся вместе с корифеями: Виктором Васнецовым, Валентином Серовым, Константином Коровиным и Исааком Левитаном. Последнего, кстати современники считали «одним из самых сильных конкурентов Дубовского». За творчеством мастера пристально следил сам Павел Третьяков. После себя художник оставил около 400 картин и 1000 этюдов.



19. СОБОР ПАРИЖСКОЙ БОГОМАТЕРИ. 1960 ГОД
ХАЧАТУР АКОПОВИЧ ЕСАЯН
КАРТОН, МАСЛО
34 X 48


«Париж со своими чарующими архитектурными ансамблями площадей, бульваров и улиц… Они всегда пленяют своим сиреневым нежным колоритом… Этюды, написанные с этих мест, – небольшие, и я старался их довести до определенной завершенности, сколько позволяло время. Мне хотелось дать какое-то представление об этой прекрасной стране», – так писал в предисловии к своей выставке в Доме художника в Армении Хачатур Есаян. Тогда, в 1978 году, мастер представил целую серию парижских работ, вдохновленных европейскими поездками. Которые для советского человека, конечно, были большой редкостью.

Франция с ее природой, Париж, набережная Сены, бегущие облака, цветные рефлексы и солнечные блики – все, что так притягательно для тонкого пейзажиста, – так и просится на холст. Есаян был одновременно и поэтом нежных красок, и создателем театральных декораций, ценителем цвета.

Хачатур Есаян пишет Собор Парижской Богоматери декоративно и изысканно, подбирая цвета, соответствующие величию средневековой архитектуры, подходящие его ажурной каменной резьбе, ярким красочным витражам. В лучших традициях французского импрессионизма, доминирующие в картине фиолетовые пятна то переходят в серо-коричневые сочетания в изображении стен, дверей, башен, то стремятся к золотисто-розовым соцветиям облачного неба и убегающих вдаль зданий, то сквозят через зеленую листву деревьев и прозрачную гладь воды.



20. ИНТЕРЬЕР КОМНАТЫ. 1910–1920 ГОДЫ
СТАНИСЛАВ ЮЛИАНОВИЧ ЖУКОВСКИЙ
ХОЛСТ, МАСЛО
82.5 X 104


Воспоминания далекого детства, видимо, вдохновили Станислава Жуковского на создание этой картины. Сын аристократа, потерявшего родовое имение, на своих полотнах он так часто обращался к теме родовых дворянских усадеб – с их просторными комнатами, изысканным убранством, с их парками.

«Я большой любитель старины, в особенности пушкинского времени...», – говорил о себе Жуковский.

Вот и этот интерьер – возвращение в прошлое. Комната наполнена жизнью, светом и воздухом. А за каждой вещью, будь то ваза, стул или портрет – своя эмоция. А какой идиллический пейзаж за окном! Впрочем, за свое увлечение стариной Станислав Жуковский заплатит горькую цену. Популярный художник и желанный участник лучших выставок, после революции он в одночасье превратится во «врага пролетариата». Пресса назовет певца ушедшей дворянской эпохи «живым мертвецом». А его искусство сравнит с «уличной феей или перезрелой красавицей с румянцем на щеках и яркостью губ». Не удивительно, что художник решает эмигрировать в Польшу, на свою историческую родину.



21. ОСЕННИЙ ЛЕС. 1911 ГОД
СТАНИСЛАВ ЮЛИАНОВИЧ ЖУКОВСКИЙ
ХОЛСТ, МАСЛО
63 X 90


«Пора перестать ездить за модами в Париж, пора стряхнуть с себя вековую рабскую зависимость, пора иметь свое лицо… Пора бросить раскрашивать русскую поэтическую, скромную природу в синьку и медянку, а русского человека в мулата с острова Таити… Нам это не идет, как не идет цилиндр Маяковскому и золотой лорнет Бурлюку!» – вот так оригинально, со свойственной ему горячностью, Станислав Жуковский призывал своих друзей-художников к поиску собственной, индивидуальной манеры.

Хотя сам он импрессионистические приемы использовал. Правда, только ради того, чтобы насытить полотна живостью, сделать их более лиричными. В его картинах всегда сохранялись простота и реалистичность. «Моне, Сезанн и другие – прекрасные и очень искренние художники. Но я не выношу, когда пишут русскую природу, подгоняя её под полотна Сезанна. Когда я вижу такие произведения, я делаюсь буквально больным!» – повторял Жуковский.

Свой «Осенний лес» он написал, скорее всего, в Тверской губернии. Туда каждый год Жуковский выезжал на пленэры. Компания у мастера была более чем приятная: друзья-художники Николай Богданов-Бельский, Исаак Бродский. Осень Жуковский изображает пышной, роскошной, несмотря на грядущее увядание. Потому картина наполнена чувством какой-то очень «светлой печали», даже отрады.















rusimp

.
вверх^ к полной версии понравилось! в evernote


Вы сейчас не можете прокомментировать это сообщение.

Дневник Коллекия Музея Русского Импрессионизма | Часть 1 | Ела2012 - Край мой родной... | Лента друзей Ела2012 / Полная версия Добавить в друзья Страницы: раньше»