• Авторизация
Дневник Ела2012 Лента друзей - Дневник - Полная версия


Коллекия Музея Русского Импрессионизма | Часть 2 24-02-2021 13:58 к комментариям - к полной версии - понравилось!

Это цитата сообщения Bo4kaMeda Оригинальное сообщение

Коллекия Музея Русского Импрессионизма | Часть 2

Bo4kaMeda

НАЧАЛО



01. ЗАРОСШИЙ ПРУД. 1910 ГОД
НИКОЛАЙ АЛЕКСАНДРОВИЧ КЛОДТ
ХОЛСТ, МАСЛО
70 X 101


«Костенька, скажи ты мне, Бога ради, за что нас импрессионистами бранят?!» – спрашивал Николай Клодт у Константина Коровина. «А ты не обижайся. Если о французах, то они ведь хорошо же пишут, черти!», – утешал тот.

Вместе с Коровиным Николая Клодта тоже ругали за «декадентство и импрессионизм». Сам Клодт не очень любил большие картины. Зато писал много этюдов. В них он стремился отразить самые непосредственные впечатления от натуры.

Художник любил русскую природу до упоения ею, до обожания. В картине «Заросший пруд» из собрания Музея русского импрессионизма Николай Клодт глубоко работает с зеленым цветом. Посмотрите, как переходит он от холодных оттенков к теплым. В такой колористической игре рождается летний пейзаж с уходящими вверх деревьями.

Присмотритесь, теперь к воде. Видите, как на мутной ее глади отдельными мазками набросаны кувшинки, листья, трава. В этом затягивающем зеленом водовороте скрываются настоящие сокровища – сиреневые, желтые, розовые цветы…




02. ЗИМНЕЕ СОЛНЦЕ. СЕРЕДИНА ХХ ВЕКА
АЛЕКСЕЙ ВЛАДИМИРОВИЧ ИСУПОВ
ОРГАЛИТ, МАСЛО
70.2 X 99.7


Национальная самобытность, фактурная живопись, звонкие цветовые контрасты – вот что отличает пейзажи Алексея Исупова. Художник не раз писал сцены сельской жизни, деревенские виды, лошадей. Картина «Зимнее солнце» – одна из таких. Присмотритесь к этому яркому солнцу, мягкому снегу со следами от полозьев саней, темному силуэту лошади. Все это залито воздухом и передает ощущение приближающейся весны. Художник любуется русской природой. Пейзаж написан легко, мастерски.

Среди учителей Исупова были Константин Коровин и Виктор Васнецов. А однокашник художника по Московскому училищу живописи, ваяния и зодчества Василий Мешков восхищался: «Вот я, можно сказать, на палитре родился, а всегда, глядя на работы Алексея Исупова, с какой-то хорошей завистью думал: нет, куда нам всем до него. Я, например, чувствовал, что не могу так».

«Беззаботный маэстро» – называла Исупова итальянская пресса. По состоянию здоровья художник выехал всей семьей в Рим. В Вечном городе он прожил 30 лет. По памяти писал русские пейзажи.

«Творчество Алессио Исупова – это искусство живописца, который знает всю радость и мощь цвета», – говорил о работах художника не менее талантливый мастер кисти итальянец Микеле Бианкале. Исупов оставил богатое художественное наследие, а своей жене завещал вернуть на родину произведения его итальянского периода. Воля была исполнена.



03. ПИКНИК В ЛЕСУ. СЕРЕДИНА ХХ ВЕКА
АЛЕКСЕЙ ВЛАДИМИРОВИЧ ИСУПОВ
ХОЛСТ НА КАРТОНЕ, МАСЛО
54 X 40


На первый взгляд, картина «Пикник в лесу» примыкает к ряду прославленных «Завтраков на траве» французских импрессионистов – Эдуарда Мане и Клода Моне: та же залитая солнцем зелёная лужайка, непринуждённые позы отдыхающих, композиция-парафраз картин галантных сцен XVIII века. Но несмотря на сходство, картина Алексея Исупова совершенно другая. Здесь всё кажется знакомым, родным, русским: на переднем плане, прислонившись к дереву, сидит мужчина в косоворотке и картузе, а рядом блестит боком самовар.

Картина дышит безмятежным спокойствием жаркого дня. Свет, который в других произведениях Исупова является главным героем, не исчезает, но отступает на второй план, скрывается за верхушками деревьев. От этого картина приобретает особое очарование и глубину – взгляд, медленно обегающий все фигуры, уходит вдаль, рассеиваясь на солнечной поляне.



04. ПЛАТАНОВАЯ АЛЛЕЯ. 1969 ГОД
ИВАН АНАТОЛЬЕВИЧ КОВАЛЕНКО
ХОЛСТ, МАСЛО
65 X 87


«Платановая алея» – это легкость мазка и смелые сочетания цветов. Лето, курортный город, широкая аллея парка, прогуливающиеся по ней люди, спокойный ряд мощных деревьев. Чувствуете ли вы это удивительное настроение душевного равновесия и радости, ощущение простоты, камерности незамысловатого мотива и одновременно его величия, масштабности?

Художник Иван Коваленко смело использует в своей картине чистые яркие краски. Звенящие зеленый, синий, красный дополняются нежными оттенками фиолетового и розового, голубого и сиреневого. День восхитительно прекрасен. А фигурки людей в глубине аллеи, только лишь намеченные яркими цветными мазками, удивительно гармоничны на этом живописном фоне.

Позже Иван Коваленко оставит вдохновенные пейзажи и обратится к серьезному историческому жанру. Вместе с сыном, талантливым книжным иллюстратором, Коваленко создаст целую серию эпических полотен. Работы будут далеки от ранних пейзажей, подобных этому. Но импрессионистические эксперименты с цветом и световоздушной средой определенно обогатят и их.



05. В ПАРКЕ. 1880 ГОД
КОНСТАНТИН АЛЕКСЕЕВИЧ КОРОВИН
ХОЛСТ, МАСЛО
35 X 27.5


«Поставьте ему три, он так талантлив!» – часто просили однокашники преподавателей по общим предметам за Константина Коровина.

Всеобщий любимец и баловень, во время учебы в Московском училище живописи, ваяния и зодчества он пренебрегал всеми занятиями, кроме живописи.

Картина «В парке» как раз относится к тому, раннему и беззаботному периоду в жизни Коровина-студента. Осенний парк, утопающий в желтых листьях, юная, задумчивая девушка бредет по дорожке. Скорее всего, написан этюд в одном из излюбленных мест художника – в Сокольниках или в Останкино. Туда бегали на этюды юный Константин, его брат Сергей Коровин и друг Исаак Левитан. «Шли каждый день, с пятачком в кармане, и то не у всех, а у богатых. И едва, для экономии, выдавленными красками писали и писали».

Осень в мемуарах Константина Коровина – время, навевающее на художника грусть. Настроением светлой печали наполнена и эта, ранняя его работа. Но не случайно же в своих «Заметках об искусстве» художник именно один из осенних пейзажей называл своей эталонной работой:

«То, что называется пейзажем, есть моя написанная «Осень». В ней была какая-то особенная любовь к природе, что было в моем раннем детстве. Сама красота зависит (и сила впечатления) от правды в живописи. Нужно работать тоньше, мотив и самую правду брать верней и доконченней, цель и задачу. Нужно отходить от себя и быть, глядя на вещь, посторонним».



06. ПОРТРЕТ МАРУСИ. 1891 ГОД
НИКОЛАЙ ДМИТРИЕВИЧ КУЗНЕЦОВ
ХОЛСТ НА КАРТОНЕ, МАСЛО
25.3 X 19.7


Сын богатого помещика, Николай Кузнецов с раннего детства увлекался живописью и не встречал ни малейшего сопротивления со стороны своих родных и близких. Напротив, они часто и охотно позировали ему для небольших жанровых картин.

В собрании Музея русского импрессионизма – два небольших этюдных портрета. На них художник запечатлел собственных детей. На «Портрете Маруси» – будущая примадонна петербургского Мариинского театра. Маруся – домашнее имя девочки. Красавица-дочь была героиней многих полотен мастера. Художник Леонид Пастернак вспоминал, как впервые увидел ее на руках у Николая Кузнецова:

«Он поднял на подоконник и там ее поставил. По тому, как он оправил на ней платьице, видно было, что она ему дорога. «Ну что, нравится она вам?» Я догадался <...> Маруся была вся в отца: тот же взгляд черных, как смоль, «жгучих», глаз, скрытый пока темперамент. Будущая красавица! Я ответил таким «ооочень!», что оно заключало в себе все ответы на ближайшие вопросы того же порядка. Пока ее показывали еще не всем – она обреталась еще «на кухне». Но пройдет немного лет – и Мария покажет всему Парижу и свету «где раки зимуют».

Дочь Николая Кузнецова не только станет всемирно известной оперной певицей, но и удачно выйдет замуж, и к фамилии отца прибавит вторую – Бенуа. После революции она эмигрирует в Париж, где создаст Русскую частную оперу. Кстати, Николай Кузнецов тоже покинет родину, но «большой Европе», он предпочтет Королевство сербов, хорватов и словенцев. Будет писать заказные портреты и выставляться до конца жизни.

Здесь свою любимицу Кузнецов изобразил в совсем нежном возрасте. С короткой стрижкой и широко распахнутыми глазами. Возможно, ей не терпелось ускользнуть из-под отцовского наблюдения и поскорее убежать к своим важным детским делам.



07. ПОРТРЕТ МИШИ. 1891 ГОД
НИКОЛАЙ ДМИТРИЕВИЧ КУЗНЕЦОВ
ХОЛСТ НА КАРТОНЕ, МАСЛО
31.6 X 22.4


Нежная, светлая картина «Портрет Миши» Николая Кузнецова написана быстро, тонким лессированным слоем. Посмотрите, как ловко художник фиксирует контрастное освещение летней солнечной погоды. Сыну художника, Мише, здесь всего 10 лет.

У Николая Кузнецова было трое детей. Женился он против воли богатых родителей. Его избранницей стала не обеспеченная соседская дочка, а простая работница по имени Ганна. Мать Николая Кузнецова пыталась разлучить влюбленных и даже уволила всех рабочих вместе с девушкой. Но Николай рабочих вернул, а на возлюбленной – женился. Правда официально брак был оформлен уже после рождения двух детей – Маруси и Миши.

Художник Леонид Пастернак вспоминал о кроткой жене Кузнецова и их доме: «Став барыней, Кузнецова с природным тактом сумела держать себя в обществе и осталась навсегда милой и доброй Галей — так звали гостеприимную хозяйку и мастерицу чудесных наливок. Жилось у Кузнецовых хорошо, легко и вольно и, как вспоминалось потом, очень интересно».

Между прочим, Николай Кузнецов и сам несколько раз исполнял роль модели, позировал своим друзьям Виктору Васнецову и Илье Репину. Он обладал настолько внушительной и устрашающей наружностью, что на известном репинском полотне «Запорожцы пишут письмо турецкому султану» изображен казаком с перевязанной головой.



08. РЫБАЦКАЯ ДЕРЕВНЯ. КАПРИ. 1920-Е ГОДЫ
ГЕОРГИЙ ЛАПШИН
ХОЛСТ, МАСЛО
45.5 X 81.5


Знаменитая «морская» группа произведений Лапшина занимает отдельную главу в творчестве художника и отличается яркостью и насыщенностью красок, постоянством в выборе сюжета. Написаны эти пейзажи преимущественно во время путешествий Лапшина по средиземноморским побережьям Франции и Италии. Как правило, центр композиции всегда занимают одна или несколько больших рыбацких лодок с парусом или без, которые четко выделяются на фоне морской глади и линии горизонта, отделяющей море от неба. Периодически фоном для лодок служат небольшие домики, стоящие в непосредственной близости от воды.

В написании этих работ художник возвращается к опыту импрессионизма, постимпрессионизма и фовизма не только в плане техники и живописи, но и в плане сюжета: художники всех этих направлений с удовольствием писали парусные лодки у причалов и пирсов. Достаточно вспомнить хотя бы «Регату в Аржантёе» (1872) и «Мост в Аржантёе» (1874) Клода Моне или «Море в Сен-Маре» (1888) Винсента Ван Гога.

Если в работах Лапшина встречаются изображения людей, то они носят лишь вспомогательный характер, как в этой работе из собрания Музея русского импрессионизма. Яркие цветовые пятна разбросаны здесь по всей композиции: ярко-красный парус, охристо-желтые стены домов, теплые рефлексы на воде.



09. СОЛНЕЧНЫЙ ДЕНЬ В СРЕДИЗЕМНОМОРСКОМ ГОРОДЕ. 1928 ГОД
ГЕОРГИЙ ЛАПШИН
ХОЛСТ, МАСЛО
54 X 65


Один из характерных южных пейзажей Лапшина представлен в экспозиции Музея русского импрессионизма. Владимир Зеелер так отзывался о Лапшине-пейзажисте: «Из Италии он вывез много солнечного, жгучего с Капри; на юге Франции тот же знойный воздух, пронизанный светом».

Южный пейзаж Лапшина проникнут мажорным настроением погожего летнего дня. Архитектура характерна для юга Франции и Италии, куда Жорж Лапшин неоднократно возвращался работать. «Лапшин, овладев бесподобно рисунком, чувством формы, остался, однако, прежде всего, колористом. Прежде всего – любование пышными, сочными, иногда прямо органическими красками», – писал Николай Брешко-Брешковский.



10. ЗИМА. МЕЖЕВ. 1928–1933 ГОДЫ
АРНОЛЬД БОРИСОВИЧ ЛАХОВСКИЙ
ХОЛСТ, МАСЛО
50.1 X 61


«У вас там, вероятно, уже снег и зима торжествует, а здесь просто осень, да еще очень сухая. Как-то неделю назад, проснувшись, я увидел на крышах снег. Так обрадовался, что и представить себе не можешь, а через пару часов он улетучился как дым. Вот тебе и зима. Через месяц я, вероятно, поеду на снежные этюды в горы», – писал Арнольд Лаховский из Парижа своему другу Исааку Бродскому.

Сияющая белизной русская зима – вот по чему скучал в эмиграции художник. Во время работы в Шамони у него родилась интересная идея: на устроенной во Франции выставке он объединил и творчески сопоставил пленэрные работы из Альп и снега Пскова, написанные по этюдам из России. Перед вами – одна из таких картин, «Зима. Межев».

Лаховский виртуозно владеет кистью, использует сложную палитру и при этом передает изменчивое состояние погоды в конце зимы. Еще несколько минут назад – ветрено и пасмурно, а сейчас – выходит солнце. Присмотритесь, сколько разнообразных оттенков у рыхлого снега: голубые, сиреневые, зеленоватые… И только нет чистого, мертвого для живописи, белого цвета. Пейзаж написан густыми мазками масляной краски, которые передают материальность тяжелого, подтаявшего снега.



11. ИЮНЬСКАЯ НОЧЬ. 1911 ГОД
НИКОЛАЙ МЕЩЕРИН
БУМАГА, ПАСТЕЛЬ
29 X 30


«Володя, запрягай лошадь, едем на этюд!» – и вот так каждое утро, даже если этюд пишется у самой калитки дома. Личный извозчик Николая Мещерина Володя запрягает лошадь, ставит мольберт, открывает ящик с кистями и красками. «Этюды» все чаще случаются ранним утром, художник стремится запечатлеть первые солнечные лучи. Или, как на этой картине, поймать уходящую прозрачную, наполненную ароматами поля и стрекотанием сверчков, июньскую ночь.

Николай Мещерин писал преимущественно пейзажи. Его главной музой была среднерусская природа. Эта картина, как многие другие его полотна была написана в именье «Дугино» – «творческой мастерской» Мещерина. Усадьба, купленная его отцом-промышленником, находилась неподалеку от Москвы, на реке Пахре. Здесь художник писал свои пейзажи, сюда, от всего сердца, настойчиво, зазывал знакомых художников. Каждому выделялась отдельная комната. Работать можно было в специально отведенной мастерской. В распоряжении гостя был весь дом и даже кучер, чтобы ездить «на этюды» в соседние деревеньки. К слову, местные жители в этих краях быстро привыкли к бродящим с мольбертами художникам. И практически не обращали на живописцев внимания.

Не удивительно, что в Дугине «перебывали все московские художники», подолгу гостили Левитан и Васнецов. А Грабарь вспоминал: «Пробыв неделю в Дугине, я уже не слишком торопился с отъездом <...> когда я заводил об этом речь с Переплетчиковым, тот только махал руками и говорил, смеясь: «Бросьте! Из Дугина так скоро не выбираются!» И я действительно застрял…».

Работа «Июньская ночь» очаровывает тихим сумеречным свечением, тонкой цветовой гаммой, построенной на соединении теплых и холодных красок. Пейзаж рождает ощущение свежести. Чувствуете ли вы этот незабываемый запах летней ночи? Где-то на горизонте начинает чуть-чуть алеть – вот-вот наступит утро. И мы с вами замираем вместе с художником в этом приятном ожидании. Обратите внимание, что даже дробный пастельный штрих Николая Мещерина сохраняет свойства письма маслом.



12. ОСЕННИМ УТРОМ У КОСТРА. ОТДЫХ. 1959 ГОД
ДМИТРИЙ АРКАДЬЕВИЧ НАЛБАНДЯН
КАРТОН, МАСЛО
47 X 68


«Я пишу пейзаж тремя мазками. Первый мазок – это небо, второй – земля, третий – моя подпись», – конечно, Дмитрий Налбандян произносил эти слова немного рисуясь. В картине «Осенним утром у костра. Отдых» не три, а целый рой бегущих пульсирующих мазков. Каждый из них обладает силой, энергией, динамикой. Из столкновения красок рождаются и формы, и эмоции: осенний костер, потрескивающие дрова, запах дыма, тепло огня, свежесть и прохлада осеннего утра.

Посмотрите, в каком упоении и мечтательности изображен пастух, отдыхающий у костра. В какой непринужденной позе «поймал» его художник. С пейзажем сливаются животные. На картине мы можем увидеть и зелень ушедшего лета, и вкрапления оранжевого и бордового цветов, охры и золота – так передано богатство осенней палитры. А эффект влажного воздуха, ароматной осенней сырости передает разница в плотности двух планов – переднего и дальнего. Взгляните на эти жидкие, прозрачные краски впереди, и на плотные, рельефные мазки дальнего плана.

«Прозрачный воздух Италии, осыпанный искрами солнца, я никогда не спутаю с голубоватой дымкой, окутывающей Арарат, или с мягким золотом московского заката…», – кто бы мог подумать, что эти поэтичные слова принадлежат художнику, который внес, пожалуй, самый весомый вклад в создание Ленинианы и Сталинианы в советском искусстве.



13. ПОРТРЕТ ДИМИТРИУСА ЛОНГО. 1959 ГОД
ДМИТРИЙ АРКАДЬЕВИЧ НАЛБАНДЯН
КАРТОН, МАСЛО
70 X 48


К концу жизни художник и сам запамятовал, при каких обстоятельствах выполнил этот яркий этюд. На обороте стояло «итальянское» имя «Лонго». Оно-то и сыграло с мастером злую шутку. В 1990-х годах, рассказывая об этом портрете, Дмитрий Налбандян выдал старика за одного из рыбаков, писанных для программного полотна «Ленин и Горький среди рыбаков на острове Капри».

Получилось, что Налбандян невольно сочинил полотну новую судьбу и имя – «Портрет Димитриуса Лонго» долгое время носил длинное название «Итальянский рыбак Лонго, который видел Ленина». И только недавно историческая справедливость была восстановлена. В действительности же наряд Лонго далек от рыбацкого: это пестрый восточный халат. Именно в таком халате не раз был сфотографирован загадочный дервиш и «последний русский факир» Димитриус Лонго. Еще мальчиком он ушел странствовать с бродячим итальянским фокусником и овладел эффектными трюками. Лонго умел ходить по углям, глотать расплавленное олово, но главным номером в программе факира было «погребение». На глазах зрителей артиста закапывали в землю на 30–40 минут. Димитриус Лонго выступал в Европе, Монголии, на Ближнем Востоке. Сам он утверждал в 1970-х годах, что прожил более ста лет.

На портрете кисти Налбандяна седая борода иллюзиониста сложена из десятка красочных рефлексов, радужные дуги перекинулись по одежде. Интенсивные темные полосы фона эффектно оттеняют лицо и глаза.



14. КРАСНАЯ ПРЕСНЯ. 1954 ГОД
ЕВГЕНИЙ БОРИСОВИЧ ОКС
ХОЛСТ НА КАРТОНЕ, МАСЛО
24 X 34


Евгений Окс погружен в укромный, приютный мир камерных этюдов. На манер французов-барбизонцев, он писал свои картины вместе с друзьями-художниками в подмосковных деревнях и в заповедных уголках столицы. На холсты попадали извилистые переулки и тихие улицы, небольшие тенистые дворики с высокими раскидистыми деревьями и бегущие вдаль трамвайные рельсы. Или, как на картине «Красная Пресня», деревянный дом с мезонином. Все это ностальгические приметы ушедшей от нас старой Москвы. Верите ли вы, что Пресня когда-то выглядела вот так? Тишина, аромат яблонь, идиллия.

Импрессионизм очаровал Евгения Окса еще в юном возрасте. Началось все с подарка обожаемой кузины Ванды. Девушка преподнесла брату издание Камиля Моклера, где были собраны очерки, посвященные Эдуару Мане, Пьеру Огюсту Ренуару, Камилю Писсарро и другим французским мастерам. По собственному признанию Окса, эта книга и определила его дальнейшую судьбу – он посвятил себя поискам цвета и созданию трепетной световой среды.

К сожалению, успех пришел к художнику уже после смерти. Евгений Окс – один из тех, кому в реалиях страны Советов оказалось не под силу вести двойную жизнь и подстраивать свое искусство под требования эпохи. Его работы снимались с выставок как не соответствующие идейным установкам власти. Не желая растрачивать талант на построение социализма и коммунизма, Окс на долгие годы уходит в тень.



15. У ОКНА. 1930-Е ГОДЫ
ЕВГЕНИЙ БОРИСОВИЧ ОКС
КАРТОН, МАСЛО
47.5 X 36.5


«Мой отец идет на этюды по тропинке в лес. За плечами складной мольберт, с которым не расстается с юношеской поры, – очень удобный, но… внешне чем-то напоминающий ружье. Галки стремительно, с криком срываются с мест. “Глупые, не бойтесь”, – смеется он. Но птичья паника продолжается… Мне хочется, чтобы вы представили его вот таким – высоким, худым, в заношенном костюме и любимом берете, с мольбертом и этюдником за плечами, удаляющегося вглубь леса в поисках Прекрасного!» – эти воспоминания оставила об отце театральная художница Людмила Окс.

Ученик Добужинского и верный последователь Сезанна, Евгений Окс владел всеми приемами классической живописи. Вместе с тем он выработал, особый живописный язык. Послевоенная деревня – с огородами, покосившимися сараями и старыми деревянными постройками – вот предмет вдохновения художника. Он сознательно держался в стороне от сюжетов про борьбу за урожай. Евгений Окс был талантлив не только как художник, но и как литератор. В молодости он даже участвовал в создании одесского поэтического клуба «Зеленое кольцо». Среди участников кружка были Эдуард Багрицкий, Юрий Олеша и близкий друг Окса, будущий Илья Ильф. Собираясь под лампой с зеленым абажуром, они читали свои и чужие стихи.



16. МОСКВА. 1960-1970-Е
АЛЕКСАНДР НИКОЛАЕВИЧ ПЕРВУХИН
ХОЛСТ, МАСЛО
120.5 X 96


Крупный формат – его не боялся художник Александр Первухин. Еще бы, он оформлял Всесоюзные выставки и столичные улицы к праздникам. Его любовь к пространству понятна. Видите эту простоту и лаконичность композиции? Художник условно трактует формы, использует яркие, сочные, колоритные краски. А обратите внимание на излюбленный прием Первухина, как он обводит формы по контуру цветной отрывистой линией. Что стоит за этим? Видимо, тяга к монументальности и импрессионистическим выразительным средствам живописи.

Александр Первухин – истинный поэт города, в котором родился. Он намеренно обобщает до силуэтов фигуры на первом плане. Автор призывает нас с вами полюбоваться глубокой перспективой архитектуры улицы большого города, проследить игру светотени на стенах высотных зданий, ощутить романтику 1950-х годов. Лирическая трактовка городского пейзажа роднит работу Александра Первухина с творчеством его современника Юрия Пименова. При всей разности их стилистик.



17. ВИД НА ЦЕРКОВЬ СВЯТОГО ИОАННА КРЕСТИТЕЛЯ С РОЖДЕСТВЕНСКОЙ УЛИЦЫ В НИЖНЕМ НОВГОРОДЕ. 1919 ГОД
ПЕТР ИВАНОВИЧ ПЕТРОВИЧЕВ
КАРТОН, ТЕМПЕРА
51 X 73


«Меня всё время увлекала русская старина – древние памятники зодчества, знакомые с далёкого детства. Я многократно бывал в великих русских городах – Нижнем Новгороде, Костроме, Ярославле, Суздале, Новгороде Великом, Владимире, писал там свои этюды. Позже они стали материалом для картин, посвященных русской старине. Над этими темами я работал всю свою творческую жизнь», – писал Петр Петровичев.

Произведения Петровичева наполнены поэтической красотой допетровской архитектуры. Широкая манера письма плотными густыми мазками и несколько приглушённая, сумеречная цветовая гамма придают его старинным архитектурным пейзажам некоторую торжественную суровость. Технику Петровичева отличает особая материальность, плотность красочного слоя. Часто он клал краски с помощью мастихина.

Замечено, что творчество русских живописцев, воспитанных на иконописи, оптимистично по настроению. Вот и от лучших работ Петровичева, художника, так трепетно изображавшего старину, исходит внутренний свет.



18. ЦВЕТУЩИЙ САД. 1927 ГОД
ПЕТР ИВАНОВИЧ ПЕТРОВИЧЕВ
КАРТОН, МАСЛО
25.2 X 37.5


«Цветущий сад» – один из сюжетов, который Петр Петровичев взял взаймы у своего учителя – выдающегося пейзажиста Исаака Левитана. И хотя прошло уже почти 25 лет с момента окончания Петровичевым Училища живописи, ваяния и зодчества, все же цветущий сад до сих пор не отпускает художника. О своих первых уроках у Левитана он оставил трогательные воспоминания: «Когда я попал к Левитану, он начал меня учить по-настоящему, как надо писать природу. Он говорил: "Природу мы должны писать как она есть, а вы украшаете. Вы на Западе были?"– "Нет, не был. А почему вы спрашиваете?" – "Потому что у вас есть влияние Запада". Я ему сказал, что имел несчастье видеть французскую выставку. Он на это мне ответил: "Вы знаете, мы с вами русские художники, давайте писать по-русски". И он начал меня учить по-настоящему писать. Сначала у меня все были фиолетовые краски и лиловые, а прошло месяца три, и Левитан начал показывать мои работы как пример другим ученикам: "Вот смотрите, как надо писать, как это просто, непосредственно, – это сама природа. Вот что нужно в живописи"».



19. ПАРК В УСАДЬБЕ Л. Н. ТОЛСТОГО В ХАМОВНИКАХ. 1915 ГОД
ПЕТР ИВАНОВИЧ ПЕТРОВИЧЕВ
КАРТОН, МАСЛО
24 X 36.5


Первые годы учёбы в Москве давались провинциалу Петру Петровичеву очень нелегко. Он отставал по всем предметам, и был на грани отчисления за неуспеваемость. На выставках его картины не пользовались успехом, потому студент Училища живописи, ваяния и зодчества жил в большой нужде и стеснении.

Но всё переменилось с открытием пейзажного класса. Его руководитель Исаак Левитан смог разглядеть у Петровичева талант. Вскоре вчерашний двоечник стал любимым учеником. На пленэрах Левитан хвалил его умение выбирать мотив для этюда и ставил в пример остальным студентам: «Посмотрите мои вещи, посмотрите Петровичева – пришёл, увидел, поразился».

«Парк в усадьбе Льва Толстого в Хамовниках» – это сюжет, подхваченный художником у учителя. Сходство композиции с известным левитановским полотном «Цветущие яблони» очевидно. Кстати, пройдет время, и Петр Петровичев будет предлагать этот сюжет и своим ученикам.



20. ГРОТ В КУСКОВО. 1910–1920 ГОДЫ
ПЕТР ИВАНОВИЧ ПЕТРОВИЧЕВ
КАРТОН, МАСЛО
23.5 X 39.4


Мастер не только так называемого «интимного пейзажа», но и пейзажа архитектурного, Петр Петровичев с 1910-х годов посвящает себя памятникам древнего зодчества. Он пишет прославленные церковь Спас-Нередицы в Новгороде Великом и церковь Успения в селе Волотово. При этом воспроизводит не только внешний вид, но и внутреннее убранство.

Ранее уже написав фреску в церкви Спаса-на-Сенях, мастер возвращается к городу своей юности – Ростову Великому. Пишет Ростовский кремль, соборы и городские площади. Далее – Владимир, Кострома, Московский кремль и Троице-Сергиева лавра. И вот, наконец, дворцы-усадьбы XVIII века.

Особое место в творчестве мастера занимает усадьба Шереметевых – Кусково. Нужно сказать, что еще в студенчестве, под руководством Исаака Левитана, он написал в Кускове несколько этюдов и пейзажей. Но теперь, когда усадьба превращена в музей и доступна всем желающим, Петр Петровичев много работает здесь.

Он создает общие виды ансамбля с дворцом, церковью, хозяйственными постройками, с прудом, пишет фрагменты усадебных зданий и уютные уголки парка. Несколько картин посвящены исключительно интерьерам дворца.

В нашем собрании – «Грот в Кусково». Согласитесь, так и хочется здесь прогуляться, немного посидеть у пруда, полюбоваться на отражение старинного здания и пышной зелени на воде, насладится свежим летним днем…



21. В СОЛНЕЧНЫЙ ДЕНЬ. КОСТРОМА. 1913 ГОД
ПЕТР ИВАНОВИЧ ПЕТРОВИЧЕВ
ХОЛСТ, МАСЛО
71 X 29.5


«Где мы родились, где мы воспитывались, только там нам все и близко», – часто повторял Петр Петровичев.

По окончании училища он даже отказался от положенной ему поездки за рубеж – так пленяла художника красота древних русских городов. Нарядные храмы Ярославля, образцовый классицизм Костромы и узорчатая изукрашенность Суздаля вдохновляли мастера более, чем прекрасные виды Испании и Италии.

Картина «В солнечный день. Кострома» наполнена живым и сияющим цветом. Многослойное небо из бирюзовых, фиолетовых и голубых оттенков кажется живым, пульсирующим. Оно смыкается с крышами торговых рядов. Для них художник выбирает салатовые, лимонные, изумрудные цвета. Даже серый цвет здания переливается сиреневыми и серебристыми тонами.

Солнечный свет заливает Сусанинскую площадь, по которой неторопливо прохаживаются люди. Их силуэты художник пишет отдельными яркими мазками. В таком колористическом изобилии чувствуется влияние импрессионистов, живописью которых «заразился» художник на одной из выставок.

Нестандартный формат и композиция картины объясняются ее сложной историей. При неизвестных обстоятельствах работа утратила свою правую часть с изображением пожарной колокольни и хранилась в семье наследников без подрамника, только лишь в виде фрагмента холста.


rusimp

.
вверх^ к полной версии понравилось! в evernote


Вы сейчас не можете прокомментировать это сообщение.

Дневник Коллекия Музея Русского Импрессионизма | Часть 2 | Ела2012 - Край мой родной... | Лента друзей Ела2012 / Полная версия Добавить в друзья Страницы: раньше»