Часть II
Как денди лондонский...
Он, наконец, увидел Свет!
К жанру портрета Уистлер возвратится в 70-х, возвратится с блеском. Мимо его портретов никто не сможет пройти равнодушно, это всегда "единство и борьба противоположностей". Тем и интересны. Европейское, чуть ли не мистическое упоение цветовой гаммой и американский ( в крови, не вытравишь!) рационализм и определенность в чисто портретной технике. Уистлер всегда выступал против заданности, сюжета в картинах, но в каждой его работе присутствует история, рассказанная рисунком и цветом.
В 70 - е годы мастер создает три самых знаменитых своих портрета: "Аранжировка в сером и черном № 2. Портрет Карлейля" (1872—1873, Глазго,Художественная галерея), "Аранжировка в сером и черном. Портрет матери"(1871, Париж, Лувр); "Гармония в сером и зеленом. Портрет мисс Сесили Александер" (1872—1873, Лондон, Национальная галерея). Они отмечены удивительным чувством стиля и высочайшим вкусом. В них после стольких лет, прошедших с того момента, когда юный Уистлер покинул родину, отчетливо проявились черты американской школы живописи: сдержанная эмоциональность, сочетающаяся с остротой видения модели, метафизическая замкнутость, иногда суровый аскетизм в трактовке пространства и образов,
живущих отрешенной от зрителя жизнью.
Аранжировка в сером и чёрном (Портрет матери)
Глубокое чувство водило рукой художника, когда он создавал портрет своей матери в 1871 году. Он решает колорит картины как «аранжировку в сером и черном». В композиции ясно использует четкие формы прямоугольников (стена, рамка картины, темная драпировка слева). Черное платье пожилой женщины вписывается в треугольник, одна из его сторон совпадает с диагональю картины, ритм восходящих светлых пятен ведет взгляд зрителя к центру картины – чистому профилю лица. Строгость композиции, отбора деталей и, главное, острота характеристики модели сообщают особую демократичность и достоверность правдивому образу немолодой американской женщины.
Для картины позировала мать художника Анна Макнейл Уистлер (Anna McNeill Whistler), жившая в Лондоне с сыном. Есть несколько версий создания картины, по одной из них Анна Уистлер послужила в качестве замены для другой модели, в последний момент. По другой версии предполагалось, что первоначально модель Уистлера должна была позировать стоя, но, для пожилой матери долгое позирование стоя было очень обременительно.
Впервые картина была представлена на 104-й выставке Королевской академии искусств в Лондоне (1872), но была отклонена Академией. Этот эпизод усугубил разрыв между Уистлером и британским миром искусства, это была последняя картина представленная художником на утверждение академии.
Портрет Т.Карлейля
Художник сознательно идет на повторение этого композиционного и колористического решения при портретировании английского историка и философа Томаса Карлейля. В людях, проживших большую трудную жизнь, он почувствовал и смог передать сохраненную юность души – «вечно женственной» на портрете матери и мятежной на портрете Карлейля.
[309x600]
Гармония в сером и зелёном: мисс Сисилия Александер. 1872-1874.
При написании этого полотна автор шёл от инфант Веласкеса. Нежной поэтичностью проникнут и портрет миссис Лейланд, выдержанный в светлых оттенках розоватых тонов.Над произведением художник работал в продолжение семидесяти сеансов. «Я очень устаю, раздражаюсь и по вечерам часто плачу», - вспоминала Сисли Александер (ей было тогда 12 лет). А ведь, оказаться изображённым на портрете, написанном Уистлером, было непростым делом. Он проявлял крайнюю взыскательность, заставляя модель терпеливо выстаивать часами. В результате чего получилась превосходная картина хрупкости и нежности юности.
Уистлер сам придумал фасон платья и специально заказал коврик. Всё в данной работе тщательно продумано и связано в ансамбль. Девочка мила и похожа на ромашки за её спиной. Как и они, Сисли должна мириться с разрушительным действием времени. Цветы в течение года проходят цикл жизни, смерти и воскресения. Ромашки также символизируют красоту земли, земные желания. Над головой юной леди порхают бабочки. Да и саму героиню портрета сравнивали с «маленькой белой бабочкой, на минуту опустившейся с трепещущими крылышками». У бабочек, как и ромашек, короткая жизнь и преходящая красота. Поэтому кажется, что событие мимолётно и сцена случайна.
Стилизованная бабочка, ставится им вместо подписи с начала 70-х годов.
Знаменитый знак бабочки, заменяющий Уистлеру подпись, виден на стене. Хвост скорпиона – значит у художника было плохое настроение. А обычный хвост бабочки, как на Автопортрете 1871-1873, говорил о добром расположении духа. Картину" Гармония в сером и зелёном" можно охарактеризовать словом «бесконечность» - бесконечная красота, бесконечная грациозность и бесконечная беззащитность.
К этому времени технические приемы Уистлера уже сложились. Художник писал большими кистями на длинных рукоятях и наносил мазки сильными быстрыми ударами. Вместо палитры он пользовался маленьким столиком, в центре которого располагал белила, влево от них – лимонно-желтую, кадмий, охру светлую, сиену натуральную, умбру натуральную, кобальт, ультрамарин и разновидность берлинской лазури, вправо – киноварь, венецианскую красную, индийскую красную, краплак и черную жженую слоновую кость. Зеленые краски отсутствовали. Слоновую кость, дающую в разбеле красивый перламутровый тон, Уистлер по примеру Ш. Глейра использовал в качестве «всеобщего гармонизатора», вводя ее почти во все красочные смеси. Грунтовал холсты он смесью белил и слоновой кости.
Для художника первостепенное значение имела живописная фактура картины, изначальная красота цветовых импровизаций. Своеобразная «беспредметность» его холстов отразилась и в музыкально-отвлеченных названиях полотен, подчеркивающих завораживающе таинственное, символическое звучание его картин.
Он считал свои картины аналогами музыкальных пьес и называл их «симфониями» или «ноктюрнами».
Ноктюрны
Ноктюрны можно суверенностью отнести к наиболее оригинальным и сильным работам Уистлера. Большая часть их-в том числе "Ноктюрн в синем и серебряном: Причал в Баттерси" - была создана в 1870-е годы.
Ноктюрн в синем и золотом. Причал в Баттерси
Сложно и достаточно противоречиво складывались взаимоотношения художника с импрессионизмом. Он был одним из тех, кто предвосхитил в своем раннем творчестве отдельные черты импрессионизма, затем сам испытал его влияние, однако позже отверг основные принципы этого направления
живописи.
Ноктюрн в голубом. Лагуна в Венеции
Уистлер не стремился передать непосредственно схваченное мимолетное впечатление вечно изменчивой природы. Более того, он вовсе отказывался от работы на пленэре. Кредо мастера — «писать с натуры надо дома». Совершенно иными были и принципы работы Уистлера с цветом. Он подолгу смешивал краски на палитре, заранее определяя тональность будущего полотна. В его колористических гармониях важную роль играли цветные грунты и черный цвет, добавлявшийся ко всем краскам.
Сюжетами (а вернее, мотивами) для "Ноктюрнов" чаще становились виды Темзы, неподалеку от которой жил художник.
Nocturne: Blue and Silver - Chelsea 1871
Но ему было сложно делать наброски на пленэре, поэтому большая часть его картин создавалась по памяти, в мастерской. Друзья вспоминали, что во время таких прогулок Уистлер часто бормотал какие-то слова, словно проговаривая и запоминая детали будущей картины. Вернувшись в мастерскую, он, восстанавливая свои ощущения по тем словам, которые остались у него в памяти, работал очень быстро.
Городские сцены тоже присутствуют в серии "Ноктюрны", но они весьма немногочисленны. Одна из таких работ - "Ноктюрн в сером и золотом: Снег в Челси", 1876 .
Ноктюрн в сером и золотом. Снег в Челси. 1876
Само название "Ноктюрны" было подсказано Уистлеру его постоянным заказчиком Фредериком Лиландом. Уистлеру очень нравилось вводить в названия своих картин музыкальные термины. Он считал, что это позволяет отвлечь внимание зрителя от конкретного временного и топографического контекста. "Используя термин "ноктюрн ", я подчеркиваю универсальность картины, оторванной от конкретного места или события, - писал Уистлер. -Слово "ноктюрн" определяет главенство линии, цвета и формы над событийным содержанием работы".
Ноктюрн в синем и золотом: Старый мост в Баттерси (1572-77), Галерея Тейт, Лондон
Сначала Уистлер назвал эту картину "Ноктюрн в синем и серебряном №5". Это первоначальное название многозначительно. Во-первых, оно подчеркивает ту роль, которую художник отводил цветовой гамме.
Во-вторых, цифра говорила о намерении Уистлера писать целую серию "Ноктюрнов". Главным элементом композиции выступает старый деревянный мост в Баттерси, разрушенный в 1881 году. Этот мост считался
довольно опасным местом,поскольку много раз был поврежден судами, с трудом протискивавшимися между его тесно поставленными сваями. Желая придать мосту более изящный вид, Уистлер изменил его очертания,
увеличив высоту сооружения и расширив его пролеты.
Деталь
Скорее всего, эта картина была создана под влиянием гравюр японского художника Хиросиге («Склады бамбука у моста Кёбаси») с изображением фейерверков. В свою очередь, «фейерверки» русского художника К. Сомова будут перекликаться с работами Уистлера. Любопытно отметить, что "Ноктюрн в синем и золотом" написан так, словно автор сидел в лодке (хотя большинство "Ноктюрнов" он писал с берега Темзы). "Задумчивую" атмосферу Уистлер передал с помощью свободных, широких мазков, благодаря которым дальний берег реки кажется окутанным туманной дымкой.
Nocturne: Blue and Gold - St Mark's, Venice 1879-1880
Первоначально он пытался делать наброски мелом на коричневой бумаге, но впоследствии полагался только на зрительную память. Для работы Уистлер использовал небольшие холсты или дощечки с красным, темно-красным, темно-синим и черным грунтом. Он писал маслом, но очень жидко, как бы в технике акварели, добиваясь нужных эффектов освещения.
Самым смелым его произведением явился написанный около 1874 года «Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета» .
Ноктюрн в черном и золотом. Падающая ракета. 1874
Не будь у картины разъясняющего подзаголовка, понять ее смысл было бы весьма затруднительно. В то время еще ни один французский художник не решался создать картину, столь «лишенную содержания», столь сильно напоминающую тернеровский «подкрашенный пар».Именно это полотно,в большей степени, чем какое-либо другое, побудило Джона Рескина обвинить Уистлера в том, что тот «швырнул в лицо зрителю горшок с красками». Во время судебного процесса Уистлера против Рескина, выигранного художником, Уистлер, провозглашая свои цели, подкреплял объяснения доводами, как нельзя лучше применимыми к «Падающей ракете»: «Пожалуй,больше всего я хотел продемонстрировать в своей картине то, что составляет интерес для художника и потому лишил ее каких-либо других возможностей привлечь внимание... Это прежде всего сочетание линий, форм и цвета, и я использую в ней каждую деталь, чтобы добиться впечатления симметрии». Последняя фраза имеет особенно важное значение, так как Уистлер признает, что используя случайные эффекты, он не стремился придать изображаемому сходство с чем-либо реальным, а искал лишь чисто формальную гармонию. Несмотря на то, что он редко так же последовательно осуществлял на практике свои принципы, как это было в «Падающей ракете», его объяснение звучит пророчески и предсказывает появление американской абстрактной живописи.
Но судебный процесс, хотя и выигранный Уистлером, привел к его полному разорению. В мае 1879 года для оплаты судебных издержек и других долгов на аукционе за бесценок были проданы его работы, дом и восточные коллекции. В эти месяцы Уистлер живет в Венеции, работая над офортами и пастелями. Хотя выставка венецианских работ, которым была присуща особая воздушность и мягкость, прошла в Лондоне с
большим успехом, враждебность со стороны критики все возрастала. Художник не только получал, но и наносил удары. Он делал это талантливо, его парадоксы об искусстве с успехом использует потом молодой писатель Оскар Уайльд. Но в самом художнике произошел душевный надлом. По-прежнему все созданные им работы окутаны поэзией, им присуща особая свежесть и безупречный, изысканный колорит.
Пастели
Уистлер работал в самых разных техниках. Помимо картин маслом и гравюр, он создал большое количество литографий, акварелей и пастелей. Именно пастель оказалась той техникой, в которой художник наиболее полно смог выразить свое понимание цвета.
Blue and Silver: The Blue Wave, Biarritz 1862
Harmony in Blue and Silver: Trouville 1865
Сюжеты пастелей Уистлера отличаются разнообразием. Одной из лучших его пастелей считается "Шторм - закат", 1880, созданный во время пребывания художника в Венеции (1879-80).
Шторм-закат 1880
На зернистой коричневой бумаге он набрасывал черным мелом контуры будущей картины, после чего переходил к цветной пастели. Импрессионистический пейзаж "Фигуры на берегу залива" написан буквально несколькими штрихами пастельного карандаша, в то время как фигурный этюд "Фиолетовая нота", 1885-86 отличается скрупулезной деталировкой. В 1881 году Уистлер показал свои венецианские пастели на выставке Общества изящных искусств. Эту выставку сопровождал такой оглушительный успех, что в следующем году было основано Общество американских художников-пастелистов.
Уистлер считал, что настоящий художник способен превратить в произведение искусства любую, самую обычную бытовую сценку. Об этом он говорил и в своей "Десятичасовой лекции", призывая молодых художников "не отворачиваться от повседневности". Самого Уистлера часто вдохновляли уличные сценки и витрины лавок. Иногда художник изображал их в реалистической манере, но чаще привносил в картину
атмосферу тайны, как это происходит, например, в его жанровой сценке "Витрина" , которую
можно считать городским эквивалентом его "Ноктюрнов".
[600x335]
An Orange NOte: Sweet Shop 1884
Лучшие работы Уистлера, исполненные в этом жанре, относятся к 1880-м годам, когда художник создал серию картин, изображающих витрины. Большинство этих работ отличаются небольшим форматом, и на них изображена только часть фасада здания. Как и в "Ноктюрнах", эти сценки не привязаны к какому-то определенному географическому контексту, и их можно рассматривать просто как этюдные опыты изучения тональной гармонии. Позже эту особенность художник стал подчеркивать, вводя музыкальные термины в названия подобных работ - например, "Оранжевая нота: Кондитерская лавка"или "Синее и оранжевое: Магазин сладостей".
[354x600]
Магазины в Челси 1880
Творчество декоратора Д. Уистлер ценил не меньше своих картин. Он одним из первых понял значение света и пространства в современном интерьере и отказался от темных обоев, пышных драпировок,перегруженности мебелью. При оформлении выставок Уистлер вводит принцип разреженного развешивания картин. Единственным сохранившимся интерьером стала знаменитая «Павлинья комната» – столовая в доме Лейландов (Лиландов)
Там должна была висеть картина Уистлера «Принцесса страны фарфора», и он, работая почти без эскизов, с двумя помощниками исполнил роспись, желая создать нечто «совершенно новое, очень пышное, хотя и изысканное». Роспись «Павлиньей комнаты» предвещает панно стиля модерн конца XIX – начала XX века. В мотиве золотых птиц, раскинувших пышные хвосты с сотнями «глазков», в насыщенном синем цвете фона можно увидеть переосмысленные в сказочном ключе темы фейерверков в ночном небе над Темзой, которые Уистлер так любил воспроизводить в своих пейзажах-ноктюрнах».
Портреты
В портретной живописи Уистлер часто использовал прием помещения силуэта фигуры на почти пустом фоне.
Проникнутые глубоким уважением к человеку, его нравственной и интеллектуальной жизни, произведения Уистлера отличаются продуманной простотой, ясностью художественной формы, чудесными колористическими гармониями.
Одним из постоянных его заказчиков был ливерпульский судовладелец Фредерик Лиланд
(1831-1892).
Arrangement in Black: Portrait of F. R. Leland 1870
Уистлер написал ряд портретов семьи Лиландов, создавал росписи для многочисленных особняков, принадлежавших этому семейству. Правда, его отношения с Лиландом постоянно омрачались ссорами (художник "прославился" своим тяжелым характером). История с оформлением так называемой "Комнаты павлинов" (см. о ней выше), столовой в лондонском доме Лиландов, положила конец этому знакомству. Летом
1876 года, пользуясь отсутствием хозяина, Уистлер, которому было поручено реставрировать столовую, полностью переделал ее. Лиланду новый (весьма экстравагантный) облик столовой пришелся не по вкусу. Он уплатил художнику лишь часть полагавшегося ему вознаграждения и навсегда запретил ему переступать
порог своего дома. Последней каплей в чаше терпения судовладельца стало то, что Уистлер показал свою работу друзьям (то есть - позвал в дом толпу незнакомых людей, не дождавшись разрешения хозяина).
Уистлер был певцом гармонии, таящейся в каждой женщине, подлинным мастером женского портрета, который создавал, тончайше и глубочайше анализируя свою модель, её характер, душевное состояние, отношение к людям и людей к ней. И тут же моделировал её костюм, не только учитывающий особенности лица и фигуры, но и совпадающий по силуэту, фактуре ткани, контурам, нюансировке цвета с этим самым духовным и душевным складом женщины, придавая платью своего рода одушевлённость.
Symphony in Flesh Colour and Pink: Portrait of Mrs Frances Leyland 1871-1873
Симфония в сияющем и розовом. Миссис Френсис Лейланд
Фрэнсис Лийленд. Жена владельца крупной пароходной компании, ставшего покровителем, т.е. спонсором Уистлера. Была она, по слухам, тайной пассией художника, уже после того, как он написал прославивший её и открывший перед нею двери аристократических домов портрет. Портрет действительно необычный. Гармония внутреннего мира женщины, её туалета, фона, на котором она видится, и даже рамы, изготовленной по рисунку художника, что было его обыкновением. Эстетика портретной живописи Уистлера, её непревзойдённая элегантность и своеобразная колористика, выделяющая два, казалось бы,взаимоисключающих цвета, привычка одевать свои модели в платья собственного дизайна, сразу же становившиеся супермодными, по сути рождавшими новую моду, сделали его одним из знаменитейших и востребованных портретистов. И модельеров тоже.
Однако, несмотря на это, после громкой ссоры с Лийлендами Уистлер оказался на грани банкротства.
Девушка с цветущей вишней
Аннабель Ли
Милли Финч 1874
Следуя заветам Глейра и передавая их затем своим ученикам, Уистлер
сначала тщательно подбирал основные тона для лица, волос, одежды,
фона – в свету, полутени и тени. Полученные смеси он хранил в баночках,
заливая
сверху водой.
Maud Franklin 1875
Добиваясь единства и свежести исполнения, мастер работал
одновременно над всей поверхностью холста, а не заканчивал произведение
по частям. При нарушении правильного соотношения тонов в своих
«симфониях» и «аранжировках» он не довольствовался частичными
исправлениями, а уничтожал все написанное, иногда не один раз.
Симфония в розовом, красном и фиолетовом
Гармония в красном, черном и фиолетовом
pink-note-the-novelette 1884
В 1881 году Уистлер написал три портрета Леди Мьюкс. Портреты были первыми полномасштабными заказами, которые Уистлер получил после его печально известного судебного процесса против критика Джона Раскина, оставившего Уистлера финансовым банкротом в 1879 году и ссоры с Ф.Лиландом. «Гармония в розовом и сером: Портрет Леди Мьюкс» в настоящее время принадлежит Коллекции Фрика в Нью-Йорке, «Компоновка в черном: Леди Мьюкс» принадлежит Академии художеств Гонолулу, а третий портрет, «Портрет Леди Мьюкс в мехах», как полагают, был уничтожен Уистлером после того, как его возмутило замечание, сделанное ему Леди Мьюкс во время позирования. Он остался лишь на фотографиии и выглядит так:
Первая и уничтоженная картина принадлежит к серии "черных портретов"- полотен Уистлера, выполненных на различных этапах его карьеры в палитре с преобладающим черным.
Валери - бывшая актриса, за которой тянулся хвост дурной славы, что не помешало ей очаровать богатого английского аристократа и стать леди Мю. И даже не столько скандальный брак, сколько в куда большей степени по-настоящему потрясшая «весь Лондон» картина Уистлера «Гармония в розовом и сером», портрет леди Мю в платье, открывшем новую эру в моде, принесла Валери известность, позволившую ей быть хоть и ненавидимой, но принятой в дворцах чопорной знати.
«Гармония в розовом и сером: Портрет Леди Мьюкс»
Вот она перед нами, как заря ранним утром, безупречно стройна, пышная,без силикона, разумеется, грудь, чуть выпуклый живот (плоские были не в чести) - ощущение элегантности в абсолюте. Уистлер показывает модель на сцене, стоящей перед розовато-серым занавесом, явный намек на ее сценическую карьеру. Она одета в светло-серое платье отделанное розовым атласом. На правой стороне картины, снизу - эмблема бабочки, которую Уистлер использовал в качестве подписи.
Неразгаданная тайна. Может быть, она в призывной сексуальности и хорошо замаскированном коварстве? Или всё-таки в той нерастраченной чистоте и былой наивности, какие художник подчеркнул и веткой цветущей яблони, и гармоничным сплетением розового и жемчужно-серого.
Поэзия и нежность.
Гармония в черном с коричневым. Портрет Розы Кордер. 1876
Совсем другая, на первый взгляд неприемлемая, «Аранжировка коричневого с чёрным» на чёрном же фоне в портрете художницы Розы Кордер. Этот портрет можно назвать свидетельством того, что, живя в Париже, разделял Уистлер пристрастие французских художников к испанской живописи Золотого века, к Веласкесу в особенности. Оттого в его картинах можно встретить и любимые великим испанцем коричневый и чёрный, и его мелодику, ритмы, темперамент.
Робер де Монтескью Гармония в черном и золотом 1891-92
французский писатель, денди, коллекционер, библиофил и покровитель искусств, характерная фигура конца века, остался в истории образцом эстетизма как стиля жизни.
В этой же тональности написал Уистлер и графа Монтескью, плохонького поэта-символиста и дэнди, который был прототипом барона Карлуса в одном из романов Пруста. Художник разоблачил ложную значительность Монтескью.
Кстати, был в жизни художника период, когда он и его друг Оскар Уайльд считались настоящими дэнди.
Видимо, в этот период он и сблизился с Монтескью.
Портрет Теодора Дюре
Портрет Теодора Дюре, художественного критика, друга художника. "Он умел писать современных людей" (Дюре об Уистлере)
Arrangement in Black: The Lady in the Yellow Buskin (aka Lady Archibald Campbell) 1883
Гармония в красном в свете лампы 1886 Жена художника-- Беатрис Гудвин.
В 1888 г. Уистлер женился на некоей Беатрис Гудвин, вдове своего друга. В 1892 г. Уистлер с Беатрис переехали в Париж. Через четыре года Беатрис скончалась. Более никаких сведений о ней не сохранилось.
на фото Уистлер третий справа,его жена - третья слева
The Cold Scab 1879
Противный человек за пианино
Кого имел мастер в виду, остается загадкой...
Портрет Джорджа Вандербильда 1897 -1903, написанный Уистлером незадолго до своей кончины.
Автопортреты
Автопортрет 1857-58
«…Уистлер не переносил одиночества — до самой смерти… Его дом всегда был открыт для всех… Говорят,
один чудак, бедняк-музыкант, которого Уистлер называл "первым эстетом", зашел однажды поужинать, попросился переночевать и кончил тем, что остался на три года… Дом Уистлера был открыт и для поэтов и писателей молодого поколения. А потом и светское общество стало в нем появляться… Хотя его картины еще не были приняты, сам Уистлер вошел в моду — его словечки, жесты были предметом разговоров на обедах и приемах. Начиная с этого времени публика была всегда в курсе малейших деталей частной
жизни Уистлера…
Художник в мастерской 1865-66
Гармония в сером 1873-74
Уистлер прекрасно знал цену этой популярности. Среди людей, толпившихся вокруг него, пока он был в моде, он не мог найти друзей, которых он хотел бы иметь. Позднее он посвятил "Изящное искусство создавать себе
врагов" "тем редким людям, которые уже смолоду отказались от дружбы многих"… Некоторые считали, что он не мог жить без ссор, что это составляло для него всю прелесть жизни. Но он сражался, только будучи
вынужден к этому. А сначала жизнь его текла спокойно и без всяких тайн. Он верил на слово своим друзьям, пока они не доказывали на деле, что были его врагами…» (Пеннель).
Коричневое с золотым 1884
В 1884 и 1886 гг. проходят выставки работ Уистлера, которые имеют большой успех. В 1884 г. художника приглашают стать членом «Общества английских художников», а через два года избирают его президентом. Популярность художника растет. В 1891 г. «Портрет матери» приобрел Лувр; в том же году за «Портрет Томаса Карлайла» Корпорация города Глазго заплатила тысячу гиней. Работы Уистлера с успехом выставляются во Франции, Германии, Бельгии и США. Художника приглашают преподавать в Парижской академии Кармен.
" Я художник и "родился" в Петербурге", - писал про себя Уистлер. На закате жизни Россия послала ему ещё одну весточку. Одной из последних учениц Уистлера в парижской студии была А.П. Остроумова- Лебедева.
«...Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине или совсем не постигают», - сказал ей мастер.
И все же этот нелюдимый чудак со всей сердечностью принял молодую русскую художницу, напомнившую ему о его собственной юности в Петербурге. Он помог ей найти тот чеканно-строгий и полный ясной простоты язык, который с такой поэтической силой сказался в ее гравюрах 900-х гг.
В 1896 г. Уистлер вновь переехал в Лондон, где жил до самой смерти.
17 июля 1903 г. Уистлер скончался.
Дж.Болдини портрет Уистлера 1897
Смотришь на этот портрет Уистлера работы Болдини и почему-то слышишь его голос, его слова:
«Искусство должно жить само по себе, независимо от всякой чепухи, не смешиваясь с
совершенно чуждыми ему чувствами вроде благочестия, жалости, любви, патриотизма и всего такого. Оно должно восприниматься непосредственно, зрением и слухом. "
http://www.culturecenter.ru/pw34.html
http://www.bibliotekar.ru/100hudozh/64.htm
http://smallbay.ru/article/uistler_creativity.html
http://www.tonnel.ru/?l=gzl&uid=932
http://www.artsunlight.com/artist-NW/N-W0007-James...-Whistler-ap3.html#N-W0007-070 - галерея
http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=646