Часть I
Этот экстравагантный Уистлер !
[214x350]
фото художника
Джеймс
Уистлер, англо-американский художник, родился 11 июля 1834 года в Лоуэлле, промышленном городе США. Пребывание в России во многом сказалось на формировании его таланта. В Петербург Уистлер приехал подростком осенью 1843 года, когда его отец, инженер-путеец, был приглашен царским правительством для строительства железной дороги, которая должна была соединить две столицы.
Годы детства и юности, проведенные будущим художником в России, самые безоблачные и светлые годы в его полной потрясениями жизни. Северная Пальмира предстала перед ним в великолепии ее дворцов, блеске военных парадов, огнях фейерверков, освещавших вечернее небо столицы мириадами падающих звезд. Дом, где жили Уистлеры, находился близ грандиозных архитектурных ансамблей города. Впечатлительный мальчик всему отдавался с увлечением. Снежной русской зимой – катанию на коньках по льду Невы. Летом – путешествиям на лодке, прогулкам с матерью в Царском Селе и Петергофе, где Джимми приходил в восторг от Большого Каскада и статуи Самсона. Уистлер рано пристрастился к рисованию. Уроки мальчику стал давать А.Корицкий,вольноприходящий ученик Академии художеств. В 1845 году Джимми Уистлер, благодаря полученной подготовке, был принят сразу во второй класс академии и приступил к рисункам с гипсов. Академию тех лет принято называть «брюлловской». Корицкий, у которого Уистлер продолжал заниматься, был одним из близких учеников Брюллова. Отправленный в Лондон на каникулы, Джеймс пишет отцу о том, что собирается смотреть картоны Рафаэля:«Я бы хотел, чтобы Вы могли пойти со мной! И Корицкий тоже, как бы мы наслаждались». В 14 лет он твердо избирает путь
художника.
Но в апреле 1849 года скоропостижно умирает отец. Мать с детьми и гробом мужа возвращается на родину, в Америку... Приходит
конец систематическим занятиям искусством. Отдав дань семейным традициям, Уистлер учится три года в Уэст-Пойнтской военной академии, затем работает чертежником в Геодезическом управлении, где овладевает техникой офорта, необходимой для изготовления карт.
Осенью 1855 года Джеймс Уистлер с согласия родных уезжает в Париж, чтобы стать профессиональным художником. Он навсегда покидает Америку, лишь много лет спустя его произведения совершат путешествие через океан, чтобы занять достойное место в музеях.
В Париже Уистлер посещает мастерскую Ш. Глейра, сторонника академизма. Он пользовался уважением учеников, среди которых в 60–х годах были видные импрессионисты О.Ренуар, К. Моне, А. Сислей. Соученик Уистлера Д. Дюморье описал в романе «Трильби» мастерскую Глейра и изобразил Джеймса ленивым учеником, «королем бродяг», которому все прощалось за его обаяние. Однако «ленивец» всегда находил время, чтобы в Лувре на произведениях Рембрандта, Веласкеса, Хальса учиться благородной сдержанности колорита, пристальному вниманию к живому человеку. Этот щеголь сумел оценить реалистический пафос полотен Гюстава Курбе, и воздействие их на молодого художника было чрезвычайно благотворным.
The Cobbler 1854-1855
Сапожник
[473x586]
Портрет мужчины с трубкой 1858
[340x500]
Head of a Peasant Woman 1855-1858
Голова крестьянки
Матушка Жерар 1859
Полотно
"За роялем" - первая зрелая работа Уистлера, которую он решился выставить в Салоне в 1859 году. В ней изображена домашняя сценка в доме шурина художника.
За роялем (1858-59), Музей Тафта, Цинциннати
Сестра шурина, Дебора, сидит за роялем, а за ее игрой внимательно наблюдает ее дочь, Энни. На полу можно заметить футляр для виолончели, на которой, возможно, играла Энни.Тему домашнего «музыкального концерта», часто встречающуюся в голландской живописи (прежде всего, Веермера), художник решает по-своему, совмещая ее с темой материнства. Картина написана в сдержанной цветовой гамме. Целостность достигается тонко прочувствованной градацией света и тени, гармонией чуть приглушенных контрастов, одновременно тональных и цветовых (черного и белого, темно-красного и светло-зеленого). Композиция строится почти по
классическим канонам: фигуры матери и дочери, склоненные к роялю, вписываются в треугольник, вершина которого выходит за край полотна. Повторы горизонтальных линий пола, корпуса рояля, рам на стене создают второй, более слабо намеченный ритм.
Картину высоко оценили многие выдающиеся художники того времени. Положительно отозвался о ней,
например, Гюстав Курбе, кумир юности Уистлера. Но приемная комиссия Салона не признала за ней живописных достоинств и отказалась принять ее к участию в выставке. Оскорбленный и потрясенный, Уистлер решил уехать в Лондон, картину он взял с собой и с большим успехом представил ее на выставке Королевской академии в 1860 году. Работа была тепло принята многими критиками и художниками - в том числе, членами кружка прерафаэлитов, которым особенно понравился ее колорит.
[433x600]
Гармония в зеленом и розовом . Масло 1860
Начиная с 1859 года, в течение нескольких лет Уистлер кочевал между Лондоном и Парижем. В Лондоне он останавливался у своей сестры, леди Хейден, на улице Слоан. Иногда он приводил туда своих друзей. Уистлера привлекала своеобразная прелесть Лондона. Никто не понял и не почувствовал ее лучше его, ни Тёрнер, ни Констебль… Он понемногу совсемобосновался в Лондоне и до самой смерти всегда возвращался туда…
[437x600]
The Thames in Ice 1860
[600x436]
Побережье в Бретани 1861
[600x466]
The Last of Old Westminster 1862
С 1859 года он стал изучать Темзу. Он видел реку так, как никто до него не видел: то черной от сажи, то блистающей на солнце со своим лесом мачт, бесконечным рядом шаланд, мрачными пакгаузами, огромными доками с маленькими харчевнями на берегу. Он рисовал ее такой, какой видел, какой она была тогда…
[600x405]
Grey and Silver: Old Battersea Reach 1863
[600x492]
Brown and Silver: Old Battersea Bridge 1859-1863
Уже в 1858 году Уистлер публикует свои первые «Двенадцать офортов с натуры», сделанные в Париже, Лондоне и на Рейне, в которых ясно
ощущаются уроки Рембрандта.
1859
Заводь 1859
Офорты сразу же завоевали популярность, а их автор предстал сложившимся мастером художественной гравюры, переживавшей в те годы период глубокого упадка.
Розерхайт 1860
Приемы Уистлера-офортиста были своеобразны и требовали повышенной остроты глаза и твердости руки. Обычно он рисовал непосредственно с натуры на небольших медных досках, работая в технике «сухой иглы», позволяющей достигать особой сочности и изящества красочных линий. В Лондоне в 1859–1860 годах Уистлер создает серию офортов «Темза», где стремится
отразить поэзию труда.
Особенно удачен офорт «Пристань Черного Льва».
Пристань Черного Льва
В картине «Уоппинг» он решает ту же тему в живописи.
[600x400]
«Уоппинг»
Деталь
Универсальность техники офорта позволяла Уистлеру работать в самой различной манере.Его гравюры с видами Темзы - такие, как "Пристань (Верфь) Черного Льва", 1859 , "Розерхайт", 1860 или "Заводь" , - выдержаны в натуралистической манере. А поздние офорты художника - например, его знаменитая "Усталость" отличаются загадочной, мечтательной атмосферой, и к ним просится определение "романтические".
Более поздние гравюры
Sheke hall 1870
Отдых 1896
Нищие
Из чего "выросли" эти офорты? Из увиденных в детстве в России гравюр Хогарта, поразивших детское воображение жизненностью и мягким юмором, из воспоминаний о графически стройном, сером призрачном Петербурге, из "многоплановости" рисунков японских мастеров, работы которых Уистлер обожал.
Титульный лист альбома офортов "Двенадцать офортов с натуры".
Титульный лист, ставший, по существу, тринадцатым офортом серии, Уистлер выполнил в жанре карикатуры. Заставив позировать Делануа, он изобразил себя во время работы над эстампами.
Но публика и особенно критики не всегда были благосклонны к творчеству Уистлера и в Лондоне.
В 1862 г. картина Уистлера «Симфония в белом №1. Девушка в белом» была отвергнута Королевской академией. Уистлер пытается выставить картину в Париже, однако Салон (1863 г.) также отвергает ее. Уистлер принимает решение выставить картину в Салоне Отверженных, организованном по распоряжению Наполеона III в противовес официальному Салону.
«Симфония в белом № 1. Девушка в белом»
Картина отличается внешней простотой композиции. Здесь запечатлена любимая натурщица и подруга Уистлера — рыжеволосая ирландка Джо. Уже в этом раннем холсте, написанном свободным пастозным мазком, художник предстает как мастер изысканной цветовой гармонии. Решая сложную художественную задачу, он пишет женскую фигуру в белом на фоне белого занавеса.
Живописная фактура картины переливается голубыми, розовыми, жемчужно-серыми рефлексами.
Сейчас нам трудно поверить, что холст, выставленный вместе с «Завтраком на траве» Э. Мане в «Салоне отверженных», вызывал смех у зрителей, приученных к поверхностной литературности в живописи.
Первым среди европейских художников Д. Уистлер испытал увлечение искусством Японии и Китая. В цветных японских гравюрах на дереве его привлекала неожиданность и острота композиционного решения, выразительность ракурсов, радостные краски.
[473x600]
Вариации телесного и зеленого цвета. Балкон. 1865
[342x600]
Принцесса страны фарфора 1864
[600x432]
Каприз в пурпурном и золотом 1864
[324x500]
Пурпур и розовое. Ланге Лизен 1864
Увлечение экзотическим Востоком он стремится передать в своих произведениях «Принцесса страны фарфора», «Каприз в пурпурном и золотом. Золотая ширма», «Пурпур и розовое. Ланге Лизен ». Завершает эти картины «Симфония в белом № 2. Девочка в белом», созданная в 1864 году.
Симфония в белом №2: Девушка в белом (1864), Галерея Тейт, Лондон
Это вторая картина из тех трех, на которых изображены девушки в белых платьях, и одна из лучших работ Уистлера его "восточного" периода. Моделью для нее стала все та же Джоанна Хиффернан. Медноволосая, одетая в белое платье, она стоит, положив руку на каминную полку. Лицо ее задумчиво и печально. Она одновременно и смотрит, и не смотрит на свое отражение в зеркале. Нежная рука девушки небрежно держит веер - так, будто вот-вот уронит его. Картину отличает поэтическая атмосфера легкой грусти, меланхолии. Кроме того, в ней ясно прослеживается влияние японской графики. Расписной ажурный веер и бело-синяя ваза с головой выдают интерес художника ко всему восточному. Картина оказывает на зрителя завораживающее, почти магическое действие. Глядя на нее, можно
физически ощутить пустоту и прохладу комнаты (непременно - одной из многих комнат в большом и покинутом всеми доме), потерянность девушки в этом гулком пространстве с длинными коридорами, где звук шагов многократно повторяется долгим эхом. Розовые цветы азалии, касающиеся платья Джоанны, - прекрасны, но прекрасны какой-то безнадежной красотой. Увянут цветы, увянет и прелестное лицо девушки. Все стремится к увяданию, к смерти. Совсем не случайно Уистлер написал именно азалию - в Европе во все времена ее цветы считались символом "печали, вызванной одиночеством". Здесь все переплетено. И гибельная чувственность, скользящая в чертах лица героини, в ее бессильно опущенной руке, и ее почти "неотмирная" смиренность, и болезненное (но и сладостное) оцепенение, в котором она пребывает, и модные вещицы, окружающие ее.
Словом, в "Симфонии №2" есть все, что было столь мило сердцу эстета второй половины XIX столетия.
[600x391]
Симфония в белом №3 (1565-67), Институт изобразительных искусств Барбера, Бирмингемский университет
Художник приступил к работе над этим полотном в 1865 году, но закончил его лишь два года спустя, уже после своего возвращения из Южной Америки. За эти два года в творческой манере Уистлера произошли значительные перемены. Перед нами последний из написанных Уистлером портретов Джоанны Хиффернан (она изображена на картине слева); после возвращения художника из
Вальпараисо они расстались. Эта картина, кроме того, стала для Уистлера прощанием с "японизмом" - после 1867 года восточные мотивы почти полностью исчезают из его творчества. Работа свидетельствует и о том, что к этому времени ослабевает влияние на художника живописи прерафаэлитов. Если первые две "Симфонии" насыщены символическим подтекстом, то в этом произведении повествовательный элемент, по большому счету, отсутствует, что сближает картину с творчеством художников-эстетов.
Результатом поездки Уистлера в Южную Америку стали также несколько марин («Симфония в сером и зеленом. Океан»).
Symphony in Grey and Green The Ocean 1866. Oil on canvas. The Frick Collection, New York, USA.
Гармония в голубом и серебряном. Трувиль 1865
Гармония в синем и серебряном. 1865-66
Crepuscule in Flesh Colour and Green: Valparaiso 1866
Продолжение следует...
http://www.culturecenter.ru/pw34.html
http://www.bibliotekar.ru/100hudozh/64.htm
http://smallbay.ru/article/uistler_creativity.html
http://www.tonnel.ru/?l=gzl&uid=932
http://www.artsunlight.com/artist-NW/N-W0007-James...-Whistler-ap3.html#N-W0007-070
- галерея
http://www.art-catalog.ru/article.php?id_article=646