Серов, ученик Ильи Репина, часто бывал в доме Мамонтовых, чья семья поддерживала художников и музыкантов. Как-то раз он заметил, как в дом после уличных игр вбежала 11-летняя Вера. Серов тут же предложил ей позировать — так началась многочасовая и многонедельная работа над картиной.

Летом 1887 года в столовой абрамцевского дома ее семьи Валентин Серов написал знаменитый портрет. Позже художник вспоминал: «Я сам ценю и, пожалуй, даже люблю его… Все, чего я добивался, — это свежести, которую всегда чувствуешь в натуре и не видишь в картинах. Писал я… больше месяца и замучил ее, бедную, до смерти».

В картине «Девочка с персиками» Серов стремился к балансу: чтобы живопись сохраняла легкость и в то же время была тщательно проработана.

Исследователи считают картину «Девочка с персиками» одним из первых шедевров русского импрессионизма. Художник тщательно прорисовал лицо модели, тогда как одежду, скатерть и фон выполнил широкими мазками. Особенно выразителен пейзаж за окном. Художник использовал чистые цвета, накладывал их плотно друг к другу, чтобы добиться нужных оттенков.

Интересная деталь: в левом нижнем углу картины можно заметить маленького нарисованного жучка — это авторская подпись Серова. Согласно правилам конкурса, работы нельзя было подписывать, но нужно было оставить какой-то опознавательный знак. Такой же символ художник отправлял жюри в закрытом конверте — его вскрывали только после оглашения результатов.

Картина принесла Серову заслуженную награду. В 1888 году за этот портрет Серов получил первую премию на конкурсе Московского общества любителей художеств.

На портрете — Мария Яковлевна Симонович, двоюродная сестра Валентина Серова. По ее воспоминаниям, работа над картиной шла летом, в течение трех месяцев, в липовой аллее усадьбы Домотканово. Утром Серов сосредотачивался на лице, всегда при одном и том же освещении. После обеда, когда свет менялся, переходил к аксессуарам: одежде, рукам, пейзажу.

«Мы работали как одержимые: он — вдохновляясь удачей, я — чувствуя важность своей роли. Но на четвертом месяце я вдруг ощутила нетерпение. Я понимала, что он уже решил художественную задачу и не может сказать ничего сверх этого. Поэтому с легким сердцем уехала… в Петербург», — вспоминала Мария.

Портрет Марии Симонович — одна из самых светлых и узнаваемых импрессионистских работ Серова, которую он особенно ценил. Картину почти сразу приобрел Павел Третьяков, и вскоре она уже висела в галерее с табличкой «Собственность Третьякова».

По воспоминаниям Игоря Грабаря, автора монографии о художнике, Серов считал этот портрет вершиной своего творчества. «Когда мы вошли в зал и подошли к картине “Девушка, освещенная солнцем”, он долго молчал, всматриваясь. Потом махнул рукой и бросил скорее в воздух, чем мне: “Написал вот эту вещь, а потом — хоть тресни — ничего уже не получилось. Тут весь и выдохся…”»

«Баба с лошадью», известная как «В деревне. Баба с лошадью», написана в 1898 году. Спустя год художник создал по этой работе гравюру на металле, которую искусствоведы рассматривают как самостоятельное произведение.

Валентин Серов проявлял искренний интерес к русской деревне и посвятил ей серию пейзажей и жанровых сцен. Он изображал крестьянскую жизнь без прикрас, с точки зрения реалиста. Чаще всего работы выполнялись в техниках цветной графики: пастели, акварели, сангине.

«Баба с лошадью» — одно из самых известных произведений в «крестьянской» серии. На картине Серова изображена молодая женщина с ярко-красными щеками от мороза. Она держит под уздцы рыжеватую лошадь, одета в теплый тулуп, на голове — желто-красный платок. Одна рука заложена за спину, в другой — поводья. Образ героини — живой, задорный, искренний. На фоне зимнего пейзажа фигуры женщины и лошади воспринимаются особенно тепло и светло — как воплощение настоящего крестьянского духа. Серов начал писать картину прямо на улице в мороз. Масляные краски на холоде замерзли, и он взялся за пастель. Местные крестьяне наблюдали за процессом, мгновенно угадывая, что именно изображается: «Нос, глаз, губы, платок!» — говорили они. Один даже воскликнул, что сам смог бы нарисовать — настолько все казалось простым и понятным. Это одобрение художник считал важнее, чем отзывы профессиональных критиков.

Работы в деревне, в отличие от «портретов по заказу», были для Серова личными. Они никогда не носили иронического или карикатурного оттенка. Напротив, в них чувствуется особая симпатия к тем, кого он изображал.

Мика Морозов — сын коллекционера и мецената Михаила Абрамовича Морозова. Портрет мальчика Валентин Серов написал в 1901 году, когда Мике было всего четыре года. Он был подвижным, пытливым, с ярко выраженной жаждой познания — именно это Серов и передал на холсте. Мальчик изображен в напряженной позе: кажется, он вот-вот сорвется с места, чтобы устремиться навстречу очередному открытию. Художнику приходилось писать портрет короткими сеансами, внимательно наблюдая за живой мимикой и пластикой ребенка.

Маргарита Морозова позже писала, что Серову удалось не просто запечатлеть сына в этом возрасте, но передать саму суть его характера — ту самую живость и восприимчивость, которая осталась с Михаилом на всю жизнь. Позже Мика стал известным литературоведом и шекспироведом, преподавал в МГУ и ГИТИСе, читал лекции на английском языке, был редактором англоязычного журнала News и активно работал в Академии наук.

Благодаря тонкому наблюдению и особому подходу Серову удалось создать не просто детский портрет, а живой психологический образ. Сегодня эта работа хранится в Третьяковской галерее и считается одной из самых точных и пронзительных в детском портретном цикле художника.

В 1907 году издатель Иосиф Кнебель начал работу над серией наглядных пособий для школьников под названием «Картины русской истории». Для проекта он пригласил ведущих художников того времени: Валентина Серова, Бориса Кустодиева, Виктора Васнецова и других. Серову выпала задача создать образ Петра I — и она пришлась ему особенно по душе: фигура императора давно занимала художника.

Серов хотел отойти от привычных канонических изображений царя — статного, идеализированного. Он стремился передать реальный характер и энергию Петра, тщательно изучал исторические источники, в том числе на иностранных языках, которыми свободно владел. Он считал важным воссоздать образ императора таким, каким тот был на самом деле — с подчеркнутыми физическими особенностями и внутренней мощью.

На картине Петр I — не красавец в парике, а угловатый, долговязый, с небольшой головой и тонкими ногами. Но при этом — несомненно лидер. Он движется вперед, целеустремленно и решительно, словно воплощает собой масштаб замысла — строительство флота, который виднеется вдали. На его фоне — согбенные от ветра придворные, безуспешно пытающиеся идти в ногу с государем.

В этой работе Серов передал напряжение момента, динамику эпохи и выразил собственное представление о власти как об энергии, преодолевающей обстоятельства. Картина стала знаковой и знакома многим по школьным учебникам.

К концу XIX века Валентин Серов стал одним из самых востребованных портретистов Петербурга — заказчики выстраивались в очередь. Среди клиентов были представители высшей аристократии и члены императорской семьи: великие князья Михаил и Павел Александровичи, императоры Александр III и Николай II.

В 1900 году Серов завершил портрет Николая II. Это был подарок императрице Александре Федоровне. Работа шла всего два сеанса, но началась неудачно: Серов никак не мог найти подходящий ракурс. Все изменилось, когда утомленный Николай присел за стол — в этом непринужденном жесте художник и увидел нужную позу. Позже он сделал копию портрета: оригинал не понравился императрице, которая присутствовала при работе и давала советы. В какой-то момент Серов не выдержал и предложил ей закончить картину самостоятельно — после чего она вышла, а он продолжил писать.

Портрет разительно отличался от парадных изображений той эпохи. Николай изображен не в пышных регалиях, а в обычной тужурке лейб-гвардии Преображенского полка. Картина выглядит скорее как эскиз: широкие мазки, нарочито грубые цветовые переходы, условный серый фон, подчеркнутая линия контура. Все это подчеркивало главную идею Серова — показать не идеализированного монарха, а живого человека, уставшего, обычного, почти ускользающего от зрителя.

В Третьяковской галерее находится именно вторая версия портрета Николая II. Первый вариант, поврежденный солдатами во время штурма Зимнего дворца в 1917 году, до наших дней не дошел. Представление о нем можно составить лишь по копии, которую сам Серов написал вскоре после завершения оригинала.

Иван Абрамович Морозов — промышленник, меценат и страстный коллекционер. В деловой сфере он занимал пост директора-распорядителя Товарищества Тверской мануфактуры бумажных изделий, входил в число учредителей разных фабрик и банков. Иван активно поддерживал инициативы в области медицины, образования и культуры, активно приобретал произведения современной живописи.

Валентин Серов написал портрет Морозова на фоне полотна Анри Матисса «Фрукты и бронза», которое коллекционер приобрел для своей галереи. Серов не только писал портрет, но и давал Морозову советы по формированию коллекции. Многие из рекомендованных им произведений сегодня находятся в крупнейших музеях страны.

Ида Львовна Рубинштейн — актриса и танцовщица, участвовала в «Русских сезонах» Сергея Дягилева. Она исполняла главные партии в балетах «Клеопатра» и «Шахерезада», а позже основала собственную театральную труппу и балетную антрепризу.

Серов задумал портрет Рубинштейн в 1909 году, а написал летом 1910-го. Он увидел Иду на сцене в роли Клеопатры в Париже, где она танцевала почти обнаженной. Художник был поражен — в ней он увидел не банальный театральный Восток, а живое воплощение древнего Египта и Ассирии. Вдохновленный, Серов решил написать ее портрет, и Ида согласилась позировать без одежды.

Портрет Рубинштейн вызвал настоящий фурор. Художник намеренно отошел от традиционного портретного канона: изобразил героиню плоской, с подчеркнутыми чертами, в символистской манере. Обнаженная фигура и необычная композиция стали провокацией, но идеально соответствовали образу Иды, склонной к эпатажу и смелым нарядам на сцене. Картина Валентина Серова вызвала резкую реакцию: на выставке в музее Александра III зрители потребовали убрать портрет. Репин, наставник Серова, назвал картину «гальванизированным трупом», другие сравнивали героиню с зеленой лягушкой или скелетом. Но спустя всего год, после смерти художника, произведение было признано выдающимся и вошло в историю как одна из ключевых работ Серова.

Ольга Константиновна Орлова — супруга генерал-майора князя Владимира Николаевича Орлова, главы Военно-походной канцелярии императора Николая II.

Валентин Серов писал портрет в розовой передней фамильного особняка на набережной Мойки, 90. Салон Орловых отличался изысканностью, а сама хозяйка — благодаря яркой внешности и нетривиальному вкусу в одежде — казалась воплощением элегантности. Несмотря на принадлежность к аристократии, Орлова была не столько красавицей, сколько обладательницей редкой «породистости» — черты, которая оттачивается поколениями.

В Петербурге ее считали иконой стиля: говорили, что никто не умеет так носить шляпу. Ольга привлекала внимание художников, но только Серов, как считалось, был достоин написать ее парадный портрет. Художник стремился соединить современность духа с традицией парадного изображения. Он создавал композицию тщательно, с большими перерывами в 1910–1911 годах.

Художнику удалось собрать целостный образ светской дамы начала XX века: строгую и утонченную фигуру, точную и выразительную позу, сдержанную цветовую гамму и изысканное письмо, напоминающее эмаль. Жест руки, силуэт, взгляд — все это передает сложный характер модели: высокомерие, которое сочетается с мечтательной отстраненностью.

Интересно, что эту работу художник писал почти одновременно с портретом Иды Рубинштейн, и оба полотна Серов представил на Всемирной выставке в Риме в 1911 году, где их ждал большой успех.

В 1907 году Валентин Серов отправился в путешествие по Греции вместе со Львом Бакстом. Во время поездки они посетили Крит, где осматривали фрески Кносского дворца — находки археолога Артура Эванса только начинали менять представление о древнем мире. Именно тогда у Серова появилась идея создать картину на античный сюжет. Выбор пал на миф о похищении Европы: согласно легенде, Зевс принял облик быка, увез дочь финикийского царя на остров Крит и сделал своей женой.

Первые эскизы Серов начал делать прямо в Греции — зарисовывал быков, сцены с повозками. Но натуру для будущей картины он искал еще долго: мощного быка нашел в итальянском Орвиетто, морской пейзаж зарисовывал на атлантическом побережье Биаррица, а натурщицу — в парижской мастерской Николая Досекина. Итоговую версию картины Серов закончил в 1910 году, и за это время художник переписал полотно несколько раз: добивался нужной композиции и цветового звучания.

Картина «Похищение Европы» выполнена в духе символизма и модерна. Это полотно не столько иллюстрация мифа, сколько образ-впечатление, который навеян созерцанием минойской культуры. Европа изображена спокойной и уравновешенной, а силуэт быка — лаконичный и почти геометричный.

Его рога напоминают лиру — неслучайная деталь: инструмент, как символ гармонии и знаний, подчеркивает одухотворенность происходящего. Композиция построена на сильных контрастах: глубокие синие, охристо-коричневые и черные тона отсылают к классической палитре древнегреческих фресок, но поданы в новаторском ключе.

Всего Серов создал шесть версий этой композиции. Работа над «Похищением Европы» стала для него не просто художественным упражнением, а своего рода высказыванием о границах академизма и поисках нового языка в искусстве.