Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что Вам выражена симпатия от одного из пользователей LiveInternet.Ru.
Увидеть подробности и выразить ответное чувство можно на страничке Отношений.
СПАСИБО!) СТИМУЛ ПРОДОЛЖАТЬ)))
НЕ ИЗМЕНИМСЯ))))

Рисунки Ее Императорского Высочества великой княгини Ольги Александровны

Благотворительный фонд имени Ее Императорского Высочества великой княгини Ольги Александровны, сестры императора Николая II, представил сегодня в Санкт-Петербурге выставку ее рисунков.

Как рассказала журналистам гостья из Канады - председатель фонда Ольга Куликовская-Романова, выставка, развернутая в петербургской Академии художеств, составлена из живописных и акварельных работ Ольги Александровны, создававшихся в разное время в России и за границей, куда после революции эмигрировала представительница Дома Романовых. Она скончалась в Торонто в 1960 году.

Более 100 работ, а также предметы декоративно-прикладного искусства и открытки, созданные по эскизам великой княгини, характеризуют ее как незаурядную художницу. Дарование младшей дочери императора Александра III проявилось рано и было развито талантливым педагогом - академиком живописи Карлом Лемохом. Будучи за границей, великая княгиня создала также несколько икон для храма Христа Спасителя в Торонто.

Показ ее работ на родине организаторы выставки считают знаменательным явлением. Жители городов США, а также Москвы и Екатеринбурга уже сумели оценить искусство Ольги Александровны, но экспозиция в Санкт-Петербурге, который она покинула не по своей воле, станет актом восстановления исторической справедливости.

Источник: «ИТАР-ТАСС»

Биография Эдуарда Мане

"Наше творчество развертывается между прошлым и бесконечным будущим"
Эмиль Золя


Эдуард Мане (1832-1883)
Эдуард Мане родился в Париже, в богатой буржуазной семье. Его родители надеялись, что сын получит респектабельное юридическое образование. Но Мане попытался стать моряком (и даже совершил в качестве юнги путешествие в Рио-де-Жанейро). В конце концов победила его страсть к искусству. В течение шести лет (1850-1856) Мане посещал мастерскую известного в то время исторического живописца Тома Кутюра, с которым у молодого художника скоро сложились весьма напряженные отношения. Трудно было найти что-либо более противоположное, чем стремление Мане к живому и современному искусству и академический, мертворожденный "историзм" Кутюра. Тем не менее в мастерской Кутюра, требовавшего от своих учеников изучения старых мастеров, Мане приобщился к классическому наследию. Он усердно посещает Лувр, а после ухода от Кутюра совершает турне по музеям Голландии, Италии, Германии и Австрии. Объекты его поклонения - Тициан и Тинторетто, Рембрандт и Хальс, Пуссен, Делакруа и Энгр, но прежде-всего великие испанцы - Веласкес и Гойя. Хотя Мане впервые попал в Испанию только в 1865 году, все его раннее творчество проходит как бы под знаком испанской живописи. В начале 60-х годов художник порой близко "пересказывает" в своих произведениях работы испанских мастеров, а во время гастролей в Париже мадридской балетной труппы (1862) пишет серию картин с живых испанских моделей ("Лола из Валенсии", "Гитарист", "Испанский балет").

Однако, несмотря на свою репутацию "парижского испанца" и перекличку с другими старыми мастерами, Мане с самого начала выступает как художник с самобытным видением, неразрывно связанный с художественными исканиями своего времени. Так, одно из самых ранних его произведений - "Любитель абсента" (1859)-кажется прямой иллюстрацией к "Цветам зла" Бодлера. Первой подлинно масштабной работой Мане явился "Завтрак на траве" (1862). Композиция картины была навеяна рисунком Рафа-эля и образами "Концерта" Джорджоне. Мане говорил своему другу, журналисту А. Прусту: "Когда я был в ателье, я копировал Джорджоне, нагую женщину с музыкантами. Но у меня все будет по-другому - я перенесу сцену на воздух, окружу ее прозрачной атмосферой, а люди будут такими, какими мы их видим сегодня".

Открытая перекличка со старой живописью только подчеркивала новизну искусства Мане. На его картине мы видим живых парижан 60-х годов прошлого века, непринужденно расположившихся на месте классических персонажей. Публику и критиков шокировали вызывающий реализм художника, игнорирование им общепринятых академических канонов красоты, а также привычной сюжетной "законченности" изображения. Герои Мане внешне разобщены, не связаны поверхностными сюжетными отношениями, но объединены одной психологической и поэтической атмосферой, проникнуты общим ощущением тайны жизни. В устремленном прямо на зрителя взгляде обнаженной женщины (художник написал ее со своей любимой натурщицы Викторины Меран) есть и дерзкая непосредственность, и глубокая мечтательность. Эта стоящая над временем поэзия и глубина образов сближала Мане, при всем его новаторстве, с великими мастерами прошлого. Она же в следующем столетии вдохновит Пикассо на создание вариаций на тему "Завтрака на траве"... В стиле картины соединены две характерные для Мане тенденции - стремление к пленэру и к более материальной и пластичной живописной манере. Если пейзаж написан легкими, светящимися и как бы размытыми красками, то фигуры и замечательный натюрморт представляют собой изысканную гармонию более сгущенных и контрастных тонов. Начиная с "Завтрака на траве", отвергнутого официальным "Салоном" и выставленного в только что открывшемся "Салоне отверженных", начался непримиримый конфликт Мане с официальным искусством. Этот конфликт еще больше обострился после создания в 1863 году знаменитой "Олимпии"*.

Так же как в предыдущем полотне, художник "осовременил" в "Олимпии" традиционные мотивы, но сделал это еще более эпатирующим образом. Вместо классической Венеры или романтической одалиски он, по словам одного критика того времени, "изобразил голую женщину на неприбранной постели и возле нее негритянку с букетом цветов и черную кошку с выгнутой спиной". Между этими персонажами еще меньше прямой связи, чем между фигурами "Завтрака", но от их сочетания рождается цельный и насыщенный ассоциациями образ, в чем-то созвучный образам поэзии Бодлера. Как и обнаженная в "Завтраке", "Олимпия" (моделью для нее послужила та же Викторина Меран) смотрит на нас взглядом, словно олицетворяющим загадочную и победную силу искусства Мане. В живописном отношении "Олимпия" - одна из вершин творчества художника. В ее утонченной и смелой цветовой гармонии проявилась высочайшая живописная культура Мане, впитавшая в себя опыт мастеров прошлого. Однако французский художник внес в этот опыт не только современную энергию и лаконизм, но и нечто принципиально новое. Он обобщает форму, пренебрегает Читать далее...

Караваджо Микеланджело Меризи

Караваджо (Caravaggio; собственно Меризи да Караваджо, Merisi da Caravaggio) Микеланджело (1573-1610), итальянский живописец. Учился в Милане (1584-1588); работал в Риме (до 1606), Неаполе (1607 и 1609-1610), на островах Мальта и Сицилия (1608-1609). Караваджо, не принадлежавший к определенной художественной школе , уже в ранних произведениях противопоставил индивидуальную выразительность модели, простые бытовые мотивы (“Маленький больной Вакх”, “Юноша с корзиной фруктов” - оба в Галерее Боргезе, Рим) идеализации образов и аллегорическому истолкованию сюжета, свойственным искусству маньеризма и академизма . Новую, интимно-психологическую интерпретацию получили у него традиционные религиозные темы (“Отдых на пути в Египет”, Галерея Дориа-Памфили, Рим). Отрицая господствующую иерархию жанров , художник внес большой вклад в становление натюрморта (“Корзина с фруктами”, около 1596, Пинакотека Амброзиана, Милан) и бытового жанра (“Гадалка”, Лувр, Париж) как самостоятельных видов станковой живописи. Зрелые произведения Караваджо - это монументальные полотна, обладающие исключительной драматической силой (“Призвание апостола Матфея” и “Мученичество апостола Матфея”, 1599-1600, церковь Сан-Луиджи деи Франчези в Риме; “Положение во гроб”, 1602-1604, Пинакотека, Ватикан; “Смерть Марии”, около 1605-1606, Лувр, Париж). Живописная манера Караваджо в этот период основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, энергичной лепке объемов, насыщенности колорита - приемах, создающих эмоциональное напряжение, острую аффектацию чувств. Подчеркнутая “простонародность” типажей, утверждение идеалов демократизма поставили Караваджо в оппозицию по отношению к современному искусству, обрекли его в последние годы жизни на скитания по югу Италии. В поздних произведениях Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ небольшого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом (“Погребение Св.Лючии”, 1608, церковь Санта-Лучия, Сиракузы). Свет в его картинах становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает характер свободной импровизационности. Творческая манера Караваджо оказала непосредственное влияние на сложение караваджизма - самостоятельного направления в европейском искусстве XVII века.
[показать]

Картина венецианского пейзажиста Каналетто продана за 18,6 миллионов фунтов

Выставленная на аукцион впервые за 250 лет, картина итальянского художника XVIII века Антонио Каналетто ушла с молотка за 18,6 фунтов стерлингов. Эта продажа на Sotheby's побила рекорд предыдущего дня, когда другое полотно того же художника было куплено на аукционе Christie's за 11,4 миллиона, отмечает BBC.
Обе картины Каналетто, проданные на этой неделе в Лондоне, приобрели анонимные коллекционеры, отдававшие распоряжения по телефону.

Картина "Вид на Большой канал от палаццо Бальби в направлении моста Риальто" когда-то принадлежала первому премьер-министру Великобритании Роберту Уолполу и размещалась в резиденции на Даунинг-стрит. С тех пор она меняла владельцев, но никогда ранее не выставлялась на продажу.

До начала торгов эксперты Sotheby's полагали, что стоимость картины не превысит 8 миллионов фунтов стерлингов. Представительница дома Sotheby's рассказала, что по окончании аукциона зал разразился аплодисментами.

"Вид на Большой канал от палаццо Бальби" Каналетто, иллюстрация с сайта abcgallery.com
[показать]

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что Вам выражена симпатия от одного из пользователей LiveInternet.Ru.
Увидеть подробности и выразить ответное чувство можно на страничке Отношений.
ЭТО БАСТИНДА!))) СПАСИБО!))) СТАРАЕМСЯ!)

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь Bastinda добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТ!)));)

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь Nexis добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТ!))) А КАК ЖЕ ТУТ БЕЗ ГРАФИКИ???)

ДАМЫ И ГОСПОДА! ЕСЛИ У КОГО ЕСТЬ
ПОДХОДЯЩИЕ КАНДИДАТУРЫ НА
ПОПОЛНЕНИЕ СПИСКА-ПРЕДЛАГАЙТЕ!
УСЛОВИЯ ПРОСТЫЕ: ИНТЕРЕС И ВМЕНЯЕМОСТЬ)))

Портрет "Звезды"? Это очень просто. Надо только уговорить «звезду».

Ани Лейбовиц можно назвать воплощением американского духа в фотографии. Она работает без рефлексий и интеллектуальных туманностей. Образы знаменитостей, которые она создает, психологически точны, тонко сконструированы и понятны самому последнему уличному попрошайке. Как-то журналист Том Вульф заметил, что для американской молодежи начала 70-х фотографирование заменило многие увлечения: занятия любовью и даже застольное пение в компаниях. Тогда повсюду можно было видеть юных невзрачных типов, одетых в свитера, куртки и джинсы. Они имели только две ценные вещи: фотоаппараты и замечательные глаза. И вот с этим набором молодые люди собирались получить славу, деньги и сумасбродных поклонников. Фотожурналистка Ани Лейбовиц была одной из этих странных уличных бродяг. Внешне она была похожа на Барбру Страйзенд, имела художественное образование, а ее сердце разъедали честолюбивые желания. Несколько лет она провела в израильском кибуце и вернувшись в США серьезно занялась карьерой. Она прямо с улицы зашла в редакцию знаменитого журнала "Роллинг стоунз" и покорила главного редактора Жака Вернера своим портфолио. Правда, журнал тогда был больше похож на газету и не имел еще того влияния и глянца, что имеет сейчас. Через месяц журнал вышел с ее фото на обложке. А дальше все пошло как по маслу. Заказы сыпались на голову словно горох. Ани снимала, забыв об отдыхе, о том, что на свете есть другие вещи. В творчестве Лейбовиц причудливо соединились журналистика и официоз светского парадного портрета. Ее манера напоминала стилистику двух великих фотографов того времени Дианы Арбус и Боба Адельмана, но без идиотской болезненности и слащавой напыщенности. Лейбовиц вносила в свои работы больше юмора, иронии, сильной и простой четкости. Перед Ани стояла сложная задача снимать знаменитостей, которые уже сотни раз были сфотографированы и растиражированы. Лейбовиц справилась. Примером может служить ее снимок Долли Партон. Этой актрисе очень хотелось играть роль "американской обнаженной пышки", раздутой до состояния суфле. Ани Лейбовиц решает снять ее на фоне мужского "суфле" - накачанного тела Арнольда Шварцнеггера. В результате получилась веселая и оригинальная журнальная карточка. Ани Лейбовиц считает, что нам пришлось жить в эпоху тощих и невыразительных личностей. Такова особенность второй половины XX века. И она старалась влиять на эти личности, чтобы все же сделать их особенными. Лейбовиц подчиняла себе самых строптивых, капризных и истеричных звезд. Мировые знаменитости затихали и как дети во всем слушались эту серьезную женщину шести футов роста. Для многих так и осталось загадкой, как Ани удалось заставить позировать Лорен Хьюттон обнаженной в грязи. Лорен сама залезла в лужу возле своего дома. Не согласилась только снять трусики. Фотограф не стала спорить, и так получилось красиво. Критики называли Ани Лейбовиц фотографом "золотых детей грязи". Так окрестили новое поколение голливудских и эстрадных звезд, вырвавшихся из городских трущоб, рабочих предместий и привнесших в культуру смак простой уличной речи и дворовых манер. Забавно, что для американцев семидесятых "вываляться в грязи" было то же самое, что снять рубашку перед фотографом, снимающим для прессы. Некоторые американские философы констатировали, что поколение 60-70-х испытывало великую ностальгическую страсть "за грязью". Фотографии Ани Лейбовиц - ирония по этому поводу. Изображение полуобнаженного Сталоне с сыном вместо штанги на вытянутых руках в американском пуританском обществе расценивалась как пощечина общественному вкусу. Намного спокойнее публика отнеслась к портрету Боба Дилана. И причина кроется в качестве работы. Она более тонкая, закрученная. Это шарж, скрывающий злую насмешку фотохудожницы-журналистки. Она сняла 36-летнего Боба Дилана была в 1977 году в период его затворничества. На первом плане - огромные нестриженные ногти. Они неприятно раздражают зрачок зрителя. Певец смотрит через свернутые пальцы вместо привычных темных очков. У него полуоткрыт розовый рот, будто Боб, увидел свое отражение в объективе и удивился: "Ну и чудовище же я!". Отношение к мужчинам у Лейбовиц насмешливо - ироничное. Она по-дружески, но с чувством превосходства смотрит на эти смешные и слабые в своей самовлюбленности существа. Музыканты из "Роллинг стоунз", Вуди Аллен, художник Христо, Кейт Ричарде, Дуглас... все оказались в адекватной своим внутренним состояниям среде. Мухамед Али будто скатился с лестницы и купается в кровавой реке. Тревожная фотография, снимок - предчувствие. "Я не пытаюсь аристократизировать свое восприятие людей. Мои слова могут казаться банальными, а фотографии доставляют людям удовольствие. Например, мысль раскрасить "Братьев Блюз" голубым была совершенно глупая. Но есть что-то, чему я привыкла доверять - чем глупее идея, тем лучше это выглядит. "Братья блюз" очень серьезно восприняли себя как музыкантов и совсем забыли, что они лишь актеры и комедианты", - говорит Ани Читать далее...

ПОКА ОБРАЗОВАЛАСЬ ПАУЗА-РЕДАКЦИЯ ДУМАЕТ
НАД ПРОДОЛЖЕНИЕМ! ЕСТЬ КАКИЕ-НИБУДЬ ИДЕИ
ИЛИ ПРЕДЛОЖЕНИЯ??? СПАСИБО!)

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что Вам выражена симпатия от одного из пользователей LiveInternet.Ru.
Увидеть подробности и выразить ответное чувство можно на страничке Отношений.
СПАСИБО!))) ЛЕНА)))

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь Элен__не_премудрая добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТ! ))) РАДЫ!)))

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь octoberinsnow добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ПРИВЕТ!))) ПРИСОЕДИНЯЙТЕСЬ К НАШЕЙ, НЕМНОГОЧИСЛЕННОЙ
КОМПАНИИ!)

ГАУДИ, АНТОНИ (Gaudi, Antoni) (наст. фамилия Гауди-и-Корнет) (1852–1926), испанский архитектор, чье творчество ознаменовало высший расцвет испанского (каталонского) модерна.
Родился в Реусе (на побережье Каталонии) 25 июня 1852; принадлежал к роду потомственных каменщиков. С 1868 жил в Барселоне, где в 1873–1878 занимался в Высшей технической школе архитектуры. Попутно работал чертежником и изучал различные ремесла (столярное дело, ковку металлов и др.) в мастерской Э.Пунти. Испытал большое влияние теории Э.Виолле-ле-Дюка, развивающей принципы готической архитектуры, но в еще большей степени – воздействие реальной местной готики с ее живописным сочетанием (в постройках стиля «мудехар») автохтонно-европейских и восточных, мавританских мотивов.

В 1870–1882 выполнял прикладные заказы (эскизы оград, фонарей и т.д.) в мастерской архитекторов Э.Салы и Ф Вильяра. Уже первая его достаточно крупная самостоятельная работа (фонтан на площади Каталонии, 1877) выявила яркую причудливость декоративной фантазии автора. В 1878–1880 было построено и первое здание по его проекту – Каса Висенс, где Гауди использовал полихромные эффекты керамической облицовки, столь характерные для его зрелых вещей. В 1887–1900 осуществил ряд проектов и за пределами Барселоны (епископский дворец в Асторге, 1887–1893; Каса Ботинес в Леоне, 1891–1894; и др.), придавая своим неоготическим стилизациям все более свободный характер. Выступал и как реставратор (в 1904–1914 реконструировал собор в Пальме-де-Мальорка).

Обрел надежного патрона в лице предпринимателя Э.Гуэля (с 1883). Выстроил для него усадьбу (или т.н. павильоны) в Педральбесе (ныне в черте Барселоны; 1885–1888) и городской особняк (Палау Гуэль; 1886–1888), сочетая пышность пластического убранства в духе «мудехара» с конструктивным новаторством: в последней постройке были впервые применены бетонные параболические арки. В 1903–1910 осуществил разбивку и архитектурно-декоративное оснащение парка Гуэль, по сути лишь фрагмента задуманного «города-сада» на окраине Барселоны, – в парковой планировке и сооружениях (в том числе «бесконечной скамье») ярко проявилась любовь мастера к формам, композиционно и колористически соревнующимся с самой природой. Тот же пульсирующий биоморфизм свойствен и знаменитым доходным домам Каса Батло (1904–1906) и Каса Мила (т.н. Каменоломня; 1905–1910), общий экстравагантный облик которых и отдельные детали – типа «сюрреалистических» дымоходов Каса Мила – полны чувства природной первостихийности. Окончательно войдя в этот период в русло модерна, произведения Гауди составили в нем особую главу, выделяясь фееричностью своих цветовых и пластических эффектов.

Высшим плодом фантазии мастера явился огромный храм Святого Семейства (Саграда Фамилиа), заложенный в 1882. Придавая особое значение этой постройке как монументальному символу национального и социального возрождения Каталонии, Гауди с 1910 целиком на ней сосредоточился, разместив здесь свою мастерскую. Порталы и башни храма оснащены изобильной скульптурой, воспроизводящей как бы весь живой мир, головокружительная сложность профилей и деталировки превосходит все, что было когда-либо известно готике. Это своего рода готический модерн, в основу которого, однако, положен план сугубо средневекового собора. При жизни мастера храм остался незавершенным.

Гауди погиб в Барселоне 10 июня 1926, сбитый трамваем неподалеку от собора. На рубеже 20–21 вв. развернулись работы по достройке начатого храма. В Павильонах Гуэль открыт персональный музей зодчего.
[показать]

ЕСТЬ У КОГО-НИБУДЬ ПРЕДЛОЖЕНИЯ,
ЧТО УМЕСТНО ДЕЛАТЬ "ЗАСТАВКАМИ"
МЕДЖУ ТЕКСТОМ? ОЧЕНЬ ПЛОТНО...

Музей Прадо, или, как его уважительно величают испанцы, «Museo del Prado» - крупнейшее художественное собрание Испании. Львиную долю его составляют королевские и церковные художественные коллекции. Это не случайно: несколько столетий искусство Испании занимало особое положение среди художественных школ Европы, развиваясь под непосредственным патронажем короны и церкви. Величайшие художники Испании Веласкес и Гойя были официальными придворными живописцами. Два испанских венценосца, Карлос I и Филипп II, были неизменными покровителями гениального итальянского художника Тициана, благодаря чему, кстати, Прадо ныне располагает прекрасным тициановским собранием.

Именно покровители великого итальянца и сыграли решающую роль в истории нынешнего музея Прадо. Карлос I, известный также под именем Карла V - императора Священной Римской империи, положил начало планомерному коллекционированию картин. Его наследник, король Филипп II, оставшийся в истории как жестокий и мрачный правитель, фанатичный католик, жестоко подавивший протестантскую оппозицию в подвластных ему голландских землях, оказался, как это часто бывает, еще большим ценителем искусства. Ему музей обязан бесценными приобретениями картин кисти фламандских мастеров. Именно живопись Фландрии, так сильно пострадавшей от «правой руки» Филиппа, «кровавого герцога» Альбы, более всего притягивала к себе короля: ее суровая эстетика, видимо, оказалась созвучной тяжелому характеру правителя.

Три художественные школы составляют славу музея Прадо: итальянская, фламандская и испанская.

Среди мастеров итальянской школы, представленных в музее, ведущая роль принадлежит протеже испанских королей - Тициану, а также Рафаэлю, которого испанский двор издавна считал величайшим мастером Италии. Так что заполучить в свое собрание полотно великого урбинца было для истинного коллекционера делом чести, и коллекция испанской короны не могла отставать от собраний грандов.


Жемчужины фламандского собрания — крупнейшая в мире коллекция картин гениального фламандского живописца Иеронима Босха, чья причудливая сумрачная фантазия заворожила Филиппа II. Он и приобрел эти шедевры для Эскориала - наследственного замка испанских королей. Лишь в XIX веке картины были перенесены в музей. Прадо располагает знаменитыми триптихами нидерландского мастера. Среди них прославленные «Сад наслаждений» и «Воз сена».


Визитной карточкой музея стало грандиозное полотно Питера Брейгеля Старшего «Триумф смерти». Еще два произведения фламандской школы принадлежит к ее лучшим образцам - «Снятие с креста» Рогира ван дер Вейдена и «Поклонение волхвов» Ганса Мемлинга.

И наконец, Прадо - крупнейший художественный музей Испании - располагает грандиозным собранием произведений испанской живописи. Три величайших мастера Испании - Эль Греко, Веласкес и Гойя - представлены в музее с максимальной полнотой.

Среди картин Веласкеса наибольшей популярностью пользуется «Семья Филиппа IV». Это не парадный, а скорее камерный портрет королевского семейства, где мастерски использована игра с зеркальным отражением модели. Включившись в эту игру, художник на заднем плане изобразил самого себя за мольбертом, и король, восхищенный искусством Веласкеса, позднее собственноручно пририсовал ему на грудь крест ордена Сант-Яго.

Через 250 лет Франсиско Гойя напишет семью другого короля - Карлоса IV, и этот портрет, где испанские Бурбоны торжественно выстроились перед зрителем, также станет гордостью музея Прадо. Коллекция Гойи в Прадо насчитывает почти три десятка полотен и охватывает все периоды творчества живописца. С двумя из них - знаменитой парой полотен «Одетая маха» и «Обнаженная маха» - предание связывает герцогиню Альба, правнучку «кровавого герцога», ставшую, согласно легенде, возлюбленной художника.

Небольшая, но очень качественная немецкая коллекция Прадо также не может не привлечь внимания знатока. «Хиты» собрания - четыре полотна Альбрехта Дюрера, в том числе один из трех широко известных автопортретов (два других находятся в парижском Лувре и в Старой Пинакотеке в Мюнхене).
[показать]

Лувр - древний замок французских королей - сегодня выглядит так, как он выглядел еще в эпоху Генриха IV и Людовика XIII, когда была предпринята кардинальная перестройка средневекового здания. Ныне это один из крупнейших в мире музеев. И хотя в его гигантской экспозиции наряду с шедеврами встречается и множество второстепенных произведений, Лувр по праву занимает ведущее место среди мировых художественных собраний.

В Лувр можно попасть двумя способами, и оба они поражают воображение. Первый, самый распространенный - с улицы Риволи или из сада Карусель - через знаменитую стеклянную пирамиду, которая вызвала столько споров среди любителей искусства. Второй - непосредственно из станции метро "Пале-Рояль-Лувр": посетитель попадает в гигантский подземный торговый центр и, путешествуя по его переходам, незаметно для самого себя оказывается в "зале Наполеона" - на территории одного из самых грандиозных в мире музеев.

Несмотря на обилие разноязычных и раздаваемых бесплатно путеводителей, разобраться в луврской топографии с первого взгляда трудно. Лувр имеет семь "департаментов" и три "крыла", а также четыре уровня (не считая подземного, где расположены гардероб, кассы и информация). Первый и второй уровни называются соответственно "ре-де-шоссе" и "антресоль", а третий и четвертый - первым и вторым этажами.

На деле же все оказывается просто. "Департаменты" здесь означают разделы экспозиции. Таких департаментов Лувр насчитывает семь: живопись, графика, скульптура, прикладное искусство, а также древности - восточные, греко-римские и древнеегипетские. Эти департаменты располагаются по трем крыльям здания (имеющим собственные имена - Ришелье, Денон и Сюлли). Каждый департамент имеет свои подразделения. Изобразительные искусства делятся в соответствии с той или иной художественной школой, древности - по эпохам.

Трудно охватить единым взглядом грандиозную экспозицию Лувра. Среди наиболее ценных коллекций - собрание "египетского департамента", одно из самых богатых в мире, начало которому положил в 1826 году сам Франсуа Шампольон, знаменитый египтолог, расшифровавший древнеегипетские иероглифы. Недавно вновь открывшийся после длительной реконструкции древнеегипетский отдел - один из самых посещаемых департаментов Лувра.

Можно ли побывать в Лувре и не увидеть знаменитую на весь мир Венеру Милосскую, древнегреческую статую богини Ники, несравненную Джоконду Леонардо да Винчи? Нет, конечно. Администрация музея тоже так считает. Поэтому среди многочисленных указателей резко выделяются те, которые настойчиво влекут посетителя к этим "хитам" луврской экспозиции, минуя сокровища не столь прославленные, но нередко не менее драгоценные. Например, "Джоконда", известная также под именем Моны Лизы, вовсе не единственная картина Леонардо в Лувре, не говоря уже о двух прекрасных портретах Рафаэля, произведениях Боттичелли, Джотто, Пьеро делла Франческа и других жемчужинах итальянской школы, заслуживающих никак не меньшего внимания, но теряющихся среди множества картин второстепенных художников.

Основная масса туристов, устремляясь в роскошные и широко рекламируемые залы итальянской и французской живописи, нередко пропускает небольшую, но прекрасную коллекцию живописцев северноевропейских школ, включающую полотна Яна ван Эйка, Рогира ван дер Вейдена, Босха, Брейгеля, Массейса, Вермеера и Рембрандта, а также знаменитых немцев Гольбейна и Дюрера.

Французская коллекция Лувра заслуживает тщательного осмотра, так как это самое значительное собрание картин французской школы, начиная с эпохи Средневековья и кончая серединой XIX века. Произведения средней руки, вроде огромных помпезных полотен XIX века, здесь соседствуют с подлинными шедеврами, как, например, знаменитый "Жюль" (он же "Пьеро") Антуана Ватто или "Завтрак" Франсуа Буше. Прекрасный хуложник Камиль Коро (1796-1875) служит водоразделом между эпохами романтического искусства и импрессионизма, и соответственно - собраниями Лувра и музея д'Орсе, где выставлена французская живопись начиная со второй половины XIX века.
[показать]

БРЕЙГЕЛЬ, ПИТЕР (Brueghel, Pieter) (ок. 1525–1569), также Питер Брейгель Старший, последний великий художник эпохи Возрождения в Нидерландах. Биография Питера Брейгеля, написанная в 1604 голландским художником и историком-биографом Карелом ван Мандером, является главным источником сведений о мастере. Согласно Ван Мандеру, Питер Брейгель (иногда его имя пишется Breughel или Bruegel) стал членом гильдии св. Луки в Антверпене в1551; это дает возможность предположить, что он родился приблизительно между 1525 и 1530. Место рождения и обстоятельства его жизни в юности по большей части неизвестны. Считается, что Брейгель был учеником Питера Кука ван Альста, а позже сотрудничал с издателем Иеронимусом Коком, который гравировал многие рисунки Брейгеля. В течение 1552 и 1553 Брейгель путешествовал по Италии и добрался даже до Сицилии. Возвращаясь оттуда в 1554, он изучал Альпы. Затем некоторое время прожил в Антверпене и в конце концов поселился в 1563 в Брюсселе. Здесь он женился и достиг процветания, пользуясь признанием современников и получая более чем достаточное количество заказов от влиятельных покровителей. Брейгель умер в Брюсселе 5 сентября 1569. Два его сына, Питер Брейгель Младший (1564–1638) и Ян Брейгель (1568–1625), стали известными художниками.
Самые ранние произведения Брейгеля – пейзажные рисунки, в некоторых из которых зафиксированы тонкие наблюдения над природой, в других отрабатываются и изучаются приемы пейзажной живописи венецианцев и других северных мастеров более старшего поколения, таких, как Иоахим Патинир (ок. 1485–1524) и Херри Мет де Блес (ок. 1480–1550). Именно это сочетание прямого, непосредственного наблюдения с условными формулами и создает эффект неизъяснимой притягательности картин Брейгеля. Художник рассматривал пейзаж не просто как декорацию, но как арену, на которой разворачивается человеческая драма. Одно из самых ранних его полотен – Падение Икара (ок. 1558, Брюссель, Королевский музей изящных искусств). В этой картине на холме, возвышающемся над усеянной кораблями бухтой, пахарь, пастух и рыбак занимаются своей повседневной работой. Никто из них не замечает бьющих по воде ног Икара, тонущего далеко от берега. Брейгель трактует зрелище его смерти как незначительную деталь в ничем не нарушаемом ритме вселенной.

Одной из главных тем в творчестве Брейгеля является изображение человеческой слабости и глупости – наследие позднесредневекового мышления. На его рисунке Большая рыба поедает малую (1556, Вена, Альбертина) изображена мелкая рыбешка, вылезающая из лежащей на берегу огромной рыбины. Вновь в качестве названия взята поговорка, явно намекающая на излишества и обжорство. В картинах Битва поста и масленицы (ок. 1559), Детские игры (ок. 1560, обе – Вена, Художественно-исторический музей), Нидерландские пословицы (ок. 1560) изображена толпа на деревенской площади. Хотя названия картин Брейгеля точны в своей описательности, каждая из них, по-видимому, является также ироническим комментарием к бесцельности человеческой деятельности.

Брейгель обогатил образы глупости, воскресив чудовищные и фантастические создания Иеронимуса Босха (ок. 1450–1516). Эти создания появляются в сериях гравюр Кока по рисункам Брейгеля Семь смертных грехов и Семь добродетелей (1558). Босховский дух вновь появляется в таких поздних картинах Брейгеля, как Падение ангелов (1562, Брюссель Королевский музей изящных искусств) и Безумная Грета (1562, Антверпен, музей Майер ван ден Берг).

Во многих картинах мастера персонажи, изображенные со всеми подробностями и красочно одетые, имеют лишенные индивидуальности лица, напоминающие маски. Брейгеля никогда не интересовала человеческая индивидуальность. Его занимал обычный, средний человек из средневековых пьес-мистерий, и именно такое анонимное человечество населяет космическую среду выдающихся религиозных картин художника. В Триумфе смерти (ок. 1562, Прадо) звучание популярной в то время темы плясок смерти усиливается благодаря пейзажу, внушающему одновременно благоговение и мрачный ужас, в котором армия скелетов уничтожает все живое. В Несении Креста (1564, Вена, Художественно-исторический музей) также показаны бескрайние просторы, наполненные безликими грубыми ордами. В середине процессии находится ничем не выделяющаяся фигура Христа, упавшего под тяжестью креста и почти потерявшегося в безразличной толпе.

Брейгель хотел, чтобы его зритель увидел Евангельскую историю в свете современной жизни Фландрии. В двух картинах – Избиение младенцев (ок. 1566, Вена, Художественно-исторический музей) и Перепись в Вифлееме (1566, Брюссель, Королевский музей изящных искусств) – в качестве антуража используется типичный пейзаж покрытой снегом фламандской деревни времен Брейгеля. Во второй из них Иосиф и Мария едва различимы среди городского люда. В картине Вавилонская башня (1563, Вена, Художественно-исторический музей), наполненной босховскими персонажами, сама башня размещена на фоне сельского пейзажа, очень похожего на Фландрию 16 в.

Возможно, самые Читать далее...

Иероним Босх
(около 1460-1516)

Дух этого тревожного и трагического века прочувствовал и частично предугадал нидерландский художник Иерон ван Акен, более известный под псевдонимом Иероним Босх. Он родился и провел почти всю жизнь в городе Хертогенбес в Северном Брабанте. Первые уроки ремесла Босх получил от деда и отца, профессиональных живописцев. Затем он совершенствовался в искусстве, обучаясь в нидерландских городах Гаарлеме и Делфте. В 1480 г. он вернулся в Хертогенбос уже мастером-живописцем. В следующем году женился на одной из самых богатых невест в городе. С этого времени художник получил возможность работать для себя самого, но ему доводилось выполнять и традиционные заказы. Постепенно слава об искусстве Босха распространилась далеко за пределы его родного города: к художнику обращались с заказами отовсюду, в том числе короли Франции и Испании.
Большинство картин Босха не имеет датировки; сейчас можно лишь приблизительно наметить основные вехи его творчества.
Картина "Семь смертных грехов" принадлежит к числу его ранних работ. В центре композиции - фигура Христа, здесь же сделана надпись: "Берегись, берегись, Бог видит". Вокруг располагаются изображения семи смертных (способных окончательно погубить душу) грехов - гнева, тщеславия, сладострастия, лени, обжорства. корыстолюбия и зависти. Босх находит для каждого из грехов пример из жизни, хорошо понятный зрителю: гнев иллюстрируется сценой пьяной драки: зависть предстает в виде лавочника, злобно поглядывающего в сторону соседа; корыстолюбие воплощает в себе судья, берущий взятку. Художник показывает, как идут к своей погибели самые обыкновенные люди, погруженные в каждодневную суету; сцены привычных, будничных злодейств движутся по нескончаемому кругу, как пестрая, нелепая, жалкая карусель: За грехами неотступно следует воздаяние: по углам картины располагаются еще четыре изображения - смерти, Страшного суда, ада и рая, т. е. "четырех последних вещей", по выражению проповедников того времени.
Уже зрелым мастером Босх создал "Воз сена" (1500-1502 гг.) - трехстворчатый алтарь, предназначенный скорее для раздумий, чем для молитвы. Очень вероятно, что выбор сюжета Босху подсказала старая нидерландская пословица: "Мир - стог сена, и каждый старается ухватить с него сколько может".
Внешние поверхности боковых алтарных створок представляют скромную, почти будничную сцену: устало бредет по дороге истощенный оборванный странник. (Для современников Босха дорога была символом земной жизни.) На каждом шагу он видит зримые приметы торжествующего зла: шелудивая собачонка злобно рычит на него; воронье кружит над падалью; в глубине изображения - разбойники обшаривают прохожего; на холме вдали совершается казнь. И тут же, не обращая на все это ни малейшего внимания, пара беззаботных поселян лихо отплясывает под аккомпанемент волынки:
Раскрытый алтарь являет зрителю тот же образ грешного мира, но уже в развернутом и углубленном виде. Тема дороги- жизни и здесь сохраняет свое значение, но теперь Босх рисует весь путь земной истории - от зарождения мирового зла (когда сатана поднял бунт против Бога) до конца земного мира.
Повествование открывается сценой битвы на небесах и низвержения восставших ангелов (в верхней части левой створки.) Ниже зритель видит райский сад, а также сцены сотворения Евы, грехопадения, изгнания Адама и Евы из рая.
Центральная часть триптиха изображает земной мир. Середину композиции занимает огромный воз, нагруженный сеном. На языке пословицы, которую обыгрывает Босх, сено означает недолговечные соблазны мира: власть, богатство, почести, наслаждения. В гибельную погоню за сеном вовлекаются представители всех сословий: в толпе среди одежд простолюдинов мелькают шлемы воинов, мантии ученых, щегольские наряды знати, короны, папская тиатра; развеваются стяги германского императора и французского короля; монахини под бдительным надзором дородной аббатисы деловито набивают сеном огромный мешок, видимо рассчитывая употребить это добро на пользу Святой Церкви. Воз с сеном движется словно триумфальная колесница мирской суеты. Его колеса безжалостно давят застигнутых врасплох неудачников, а на возу расположилась компания беспечных баловней судьбы: достигшие пределов своих желаний, они не замечают, что в их воз, на котором они так уютно устроились, впряжены мерзкие страшилища с рыбьими, жабьими, крысиными мордами. Эта нечисть увлекает воз, а с ним и всю толпу в ад, изображенный на правой створке триптиха.
Замысел "Воза сена" и глубже, и шире обыденного замысла пословицы: сквозь ярмарочную суету здесь проступает гармоничный лик мира. Фоном для сцены дележа сена служит прекрасная долина: величавый покой природы противопоставлен шумной и бесплодной суете людей. Зритель, первоначально сбитый с толку пестрым зрелищем первого плана. с трудом различает в пустых небесах одинокую фигуру Христа. Воз, переполненный сеном, бесцеремонно оспаривает у Христа центральную роль в композиции. Кажется, перевес на стороне воза: его Читать далее...