[401x302] Подобно многим живописцам конца XV - начала XVI века Герард Давид долгое время был совершенно забыт. Только в конце XIX столетия историки обратили внимание на его творчество.

Он родился в Голландии где-то около 1460 года. В1484 году о нем упоминается в реестре гильдии живописцев в Брюгге, где Давид работал, заняв позднее, после смерти Ганса Мемлинга, центральное место среди местных художников. В 1515 году он, по-видимому, переехал в Антверпен и вступил в гильдию Святого Луки. Но в 1521 году его имя вновь появляется в документах Брюгге, где художник и умер в 1523 году.

Несмотря на то что ряд работ Герарда Давида был создан в XVI столетии, его творчество по духу принадлежит предшествующему веку. Художник создавал свои картины, внимательно изучая творческое наследие знаменитых предшественников и основываясь на личных впечатлениях. Он был искусный эклектик, виртуозно владевший мастерством живописи, рисунка и композиции. Герард Давид достойно завершил великие традиции голландской живописи XV столетия. Наиболее значительные работы выполнены художником в период с1498 по1509 год. Видимо, к ним относится и работа из Лувра. Сюжетом для картины послужил эпизод из жизни Христа, описанный в Евангелии от Иоанна. Но для художника это только повод рассказать о прекрасном свадебном пире, на котором присутствуют Христос и Дева Мария. В тщательно выписанных предметах Герард Давид открыл простую будничную красоту. Множество действующих лиц имеют портретное сходство с современниками автора. Фигуры хорошо прорисованы, место действия детально охарактеризовано. Лица людей спокойны, они бесстрастно созерцают являющееся им чудо. Картина была приобретена для Лувра в 1683 году королем Людовиком XIV, который считал заботу о пополнении художественных коллекций своей прямой обязанностью и очень интересовался искусством Нидерландов.

[567x776]

«Портрет старика с внуком»

По утверждению Вазари, Доменико Гирландайо (ди Томмазо Бигорди), родившийся во Флоренции в 1449 году, учился у Аллесио Больдованетти. Но основное влияние на стиль его творчества оказал Андреа дель Верроккьо. С 1470 года по 1480 год Гирландайо странствует по Италии. На протяжении всей своей жизни он тяготел к фреске, и во время своего десятилетнего путешествия расписывает много зданий во всех уголках Италии.

В частности, в 1475-1476 годах художник трудится в Ватикане над росписями для греческой библиотеки. В 1481-1482 годах он опять едет в Рим, уже в составе умбро-флорентийской группы художников, для росписи Сикстинской капеллы. Доменико Гирландайо был очень популярен во Флоренции, пользовался поддержкой Лоренцо Медичи Великолепного. Он имел большую живописную мастерскую, в которой работало много известных художников, среди которых были молодой Граначчи и сам Микеланджело.

Кроме столь любимых фресок Гирландайо писал большие картины на дереве. В своем творчестве он предстает как добросовестный бытописатель, его картины вводят в жизнь итальянского города. Фигуры в них немного скованные, но изображение лиц, в которых художник приближался к голландцам, примечательны своей жесткой правдой. Примером тому может служить «Портрет старика с внуком», поступивший в Лувр в 1886 году. Картина «Встреча Марии и Елисаветы», приобретенная Лувром в 1812 году, достаточно большая по размеру, очень типична для творчества Гирландайо. Композиция ее симметрична. Центром являются фигуры Марии и Елисаветы. Их лица точны и правдивы в своих характеристиках. Сочному колориту первого плана как бы противопоставлен виднеющийся в арке над центральными фигурами почти графический городской пейзаж.

«Встреча Марии и Елисаветы»

[381x492]Самым значительным венецианским живописцем XV века был Джованни Беллини. Свидетельства о дате рождения художника противоречивы, большинство исследователей считают, что он родился где-то между 1435 и 1440 годами. Его отец Якопо и старший брат Джентиле были известными венецианскими живописцами.

С 1460 года Джованни работает в мастерской, расписывая алтари и триптихи для венецианских церквей. Многие из этих ранних работ художника оказали заметное влияние на дальнейшее развитие венецианской живописи. С1474 года Джованни замещает брата, посланного в Константинополь, при росписи Дворца дожей. С 1483 Джованни Беллини -официальный художник Венецианской Республики. «Благословляющий Христос» (картина поступила в Лувр в 1912 году) принадлежит к ранним работам художника. Беллини тяготел к тонкому и мягкому изображению. Ясное и спокойное чередование планов, ощущение воздушной среды приобретают у него особый поэтический смысл. Его Христос на фоне далекого пейзажа помимо поклонения порождает в зрителе состояние сосредоточенности и внутренней свободы. Важным событием для венецианских художников стал приезд из Фландрии в 1474 году Антонелло де Мессины, так как этот художник привез с собой секрет масляной живописи, позволившей добиваться особой текучей мягкости цветовых переходов. Беллини быстрее всех распрощался с весьма негибкой техникой писания темперой. Впечатление от привезенных Мессиной жизнеподобных фламандских портретов положило начало развитию нового жанра в венецианской живописи. Джованни портретов не любил и писал их мало. В композиционном решении портрета художник находился под большим влиянием Мантеньи, которого хорошо знал, так как тот приходился ему шурином. Мантенья одним из первых в итальянской живописи повернул изображение в три четверти, как это делали голландские мастера. Маленький «Мужской портрет», написанный в 1475 году, в коллекции Лувра с 1902 года. Эта работа вобрала в себя все живописные новшества, к которым приобщился художник. Мужчина обращен к нам в три четверти, но в нем нет скульптурной жесткости, характерной для портретов Мантеньи.

Четкая и объемная моделировка форм, благодаря использованию масляной техники живописи, выглядит более мягкой и плавной. Фоном для силуэта портрета служит небо с проплывающими облаками, что приносит ощущение некоторой интимности. В этом портрете мастер сделал большой шаг вперед в раскрытии произведениями живописи внутреннего мира человека

«Благословляющий Христос»

[522x390]Андреа Мантенья родился в 1431 году недалеко от Падуи. В возрасте около десяти лет Андреа поступил в мастерскую Скварчоне как его приемный сын. В1448 году он стал независимым художником, выполнив свою первую самостоятельную работу. Художник много путешествовал, работал при дворе д'Эсте, правителей Феррары, а в 1460 году поселился в Мантуе, став придворным живописцем герцогов Гонзага.

Андреа Мантенья был, бесспорно, самым крупным из североитальянских живописцев. Он не избежал флорентийского влияния, но ясность форм, четкость пространственных построений, предельная отчетливость образов придают его произведениям такой заостренный характер, какого не увидишь ни у одного из флорентийцев.

Его увлекала античность, причем не Греция, а наследие Древнего Рима, которое его окружало. В римских арках, зданиях, памятниках, надписях он видел то совершенство форм, которое стремился воплотить в своем творчестве. Это увлечение античностью несколько иссушило его искусство. Все текучее, изменчивое, живое было ему глубоко чуждо. В картинах Мантеньи фигуры персонажей имеют поистине скульптурную форму, будто они изваяны из камня. Вообще, искусство Мантеньи редко отходит от стоического идеала, но при всем этом оно исполнено открытого сострадания, искренних человеческих эмоций.

В луврском «Распятии», вывезенном из монастыря Сан-Дзено Маджоре в Вероне, Иерусалим и Масличная гора, Голгофа и даже сам акт искупления представлены почти одинаково «каменными». Перспективные линии мраморных плит первого плана властно ведут глаз в глубь картины, где сливаются с контурами гор. Среди этой жесткой системы диагоналей фигуры страдающих людей выглядят сиротливо одинокими. Особенно выразительны три отвесных креста с распятыми на них Христом и разбойниками. Вся картина наполнена ощущением трагичной жестокости. Картина поступила в Лувр в 1798 году. Влюбленность Андреа Мантеньи в искусство античности идеально подходила для вкусов и учености Изабеллы д'Эсте. Когда она выходила замуж, дед ее жениха - Лодовико Гонзага, при дворе которого работал в то время художник, сделал заказ на оформление одной из комнат мантуанского дворца, служившей местом хранения сокровищ. Теперь эта комната предназначалась для кабинета Изабеллы.

[показать]

«Марс и Венера», или «Парнас»

Единственным ее пожеланием был выбор античного сюжета с символическим значением. Живопись на мифологические сюжеты в ту пору очень редко становилась предметом картинного воплощения. Тем интереснее для художника был этот заказ, позволивший ему обратиться к столь любимым античным персонажам. Тема Марса и Венеры, выбранная художником, очень понравилась Изабелле. Встреча героев происходит возле поднятого на каменный пьедестал ложа на фоне открытого пейзажа; изображения Меркурия и Пегаса намекают на день свадьбы Изабеллы в феврале 1490 года, когда одноименные небесные светила, Марс и Венера, скорее всего, должны были символизировать жениха и невесту. Марс, как известно, - бог войны римского пантеона, а жених был воином. Ну, а невеста, конечно, должна была воплощать любовь и красоту, чьей богиней являлась Венера. К этому можно добавить, что Изабелла была признанной красавицей своего времени, ее портреты писали многие художники. В число участников действия входят также Аполлон, играющий на лире, весело танцующий под его музыку хоровод муз, Амур и отвергнутый Плутон в своем подземном царстве. Вся картина проникнута ощущением беззаботной радости бытия и несколько фривольного отношения к жизни. Она поступила в Лувр в 1801 году.

Фрагмент «Распятие

[672x1005]

Талант Леонардо да Винчи, гения итальянского Возрождения, был многогранен, а жажда познания -неиссякаема. Леонардо был математиком, инженером, мелиоратором,анатомом, архитектором... Называть сферы деятельности его мысли можно очень долго, но в историю он вошел прежде всего как художник. Леонардо да Винчи родился 15 апреля 1452 года в маленьком местечке Винчи в тридцати километрах от Флоренции. После смерти его деда в 1468 году семья переезжает во Флоренцию. Годом позже юный Леонардо поступает в самую престижную художественную мастерскую города - к Вероккьо. В 1472 году он вступает в гильдию Святого Луки во Флоренции, но остается в мастерской Вероккьо. Видимо, в эти годы он активно помогает мастеру в выполнении его заказов, пишет небольшие работы. Он получает свои самостоятельные заказы и трудится для Лоренцо Медичи, обретая его покровительство. В 1481 году он получает свой первый крупный заказ на «Поклонение волхвов», который он так и не завершил, оставив в стадии наброска. В 1482 году он едет в Милан к Лодовико Моро, герцогу Сфорца, с рекомендательным письмом от Лоренцо Медичи. Милан того времени - это вторая по значению политическая и культурная столица Италии. Леонардо провел в Милане на службе у Лодовико Моро около семнадцати лет. Здесь он был и живописцем, и скульптором, и военным инженером, и устроителем великолепных празднеств. В миланский период он написал свою «Мадонну в скалах», также находящуюся в Лувре, и «Даму с горностаем» - портрет любовницы Лодовико Моро Чичелии Галлерани. Но самым значительным живописным произведением этого периода была «Тайная вечеря» -роспись трапезной монастыря Санта-Мария делле Грацие в Милане. Она была завершена в 1497 году. В 1499 году французский король Людовик XII завоевывает Милан. Об этом моменте своей жизни он написал так: «Герцог потерял государство, мантию и свободу, и ни один его заказ не был завершен». Художник возвращается во Флоренцию.

С этого момента в его жизни наступает период странствий. Леонардо постоянно меняет место жительства, нигде подолгу не задерживаясь. В 1500 году посещает Венецию, в 1502 году он на службе у Чезаре Борджиа в качестве военного инженера, в 1503 году вновь возвращается во Флоренцию. Этот период отмечен в его творчестве двумя значительными событиями. Он получает заказ на украшение большой залы собрания, построенной позади Палаццо Веккьо, выбрав для этого историческую тему «Битва при Ангиари», и начинает работу над портретом Монны Лизы, жены преуспевающего неаполитанского купца Джокондо. Свою работу над росписью Леонардо бросает незаконченной и опять пускается в странствия: Милан, Флоренция, опять Милан и, наконец, Рим, куда художник приезжает в 1513 году, когда на папский престол под именем Льва X взошел Джованни

[644x825]

«Святой Иоанн Креститель»

Медичи. Здесь он проводит три года, занимаясь математикой и другими науками. В 1517 году Леонардо покидает пределы Италии, перейдя на службу к французскому королю Франциску I в качестве «первого художника, архитектора и механика королевского двора». Здесь, недалеко от Амбуаза, художник проведет последние годы своей жизни. Он взял с собой во Францию свои незаконченные, с его точки зрения, и особенно дорогие ему произведения, которые после его смерти остались у короля Франциска I. Так в Лувре появилась непревзойденная по своему значению коллекция поздних работ Леонардо.

Портрет Монны Лизы - самая знаменитая работа Леонардо, как свидетельствует Вазари, был начат во второй приезд Леонардо во Флоренцию, где-то между 1503 и 1506 годами. По мнению художника, портрет так и не был завершен, мастер возвращался к нему и во французский период своего творчества.

Леонардо видит в портрете нечто большее, чем просто изображение жены неаполитанского купца. Об этом говорит сходство этого портрета с лицами в других работах художника: ангелами, святой Анной. Больше всего поражает в портрете едва уловимая, как бы скользящая улыбка Монны Лизы. Улыбка, вероятно, была для художника знаком внутренней жизни человека. В Монне Лизе она сочетается с сосредоточенным, проницательным взглядом. Улыбка влечет к себе, холодный взгляд отстраняет, это противопоставление сообщает портрету его небывалую сложность.

Полуфантастический пейзаж с голубовато-зелеными горами, извилистыми тропами окружает Джоконду мягкой воздушной средой. Он уводит куда-то вдаль и овеян дымкой недосказанности. Живописная техника портрета превосходна. Тончайшей лепкой лица художник достигает в портрете изумительной мягкости переходов, дает почувствовать вибрацию окружающей атмосферы. Произведение Леонардо облечено в классически ясную композицию. Полуфигура гармонично вписывается своими линиями и пропорциями в окружение. Своей композицией портрет Монны Лизы оказал влияние на многих мастеров портретной живописи. В коллекцию французского короля портрет попал около 1519 года. Картина «Святой Иоанн Креститель» задумана художником в начале 1500-х годов, о чем говорит набросок ангела с поднятой рукой в позе Иоанна, приколотый к листу, датируемому примерно 1504 годом (в Лувр поступила в 1661 году). Леонардо начал над ней работать во время своего второго пребывания в Милане и продолжил работу в Риме. Видимо, по мнению самого мастера, полотно так и не было закончено, работа над ним продолжалась даже в Амбуазе. С темного пространства картины светлым силуэтом на нас смотрит фигура юноши с поднятой рукой и прижатым к телу крестом. Мягко мерцающие в темноте струящиеся локоны обрамляют это прекрасное лицо с загадочно зовущей улыбкой и неподвижным взглядом обведенных темными тенями глаз. В чертах лица явно читается схожесть с Монной Лизой, придающая ему несколько двусмысленный характер. Фигура носит цветущие, чувственно трепещущие формы, и только крест, как бы растворенный в пространстве картины, говорит нам, что перед нами Иоанн Креститель.

Замысел картины «Мадонна с Младенцем и со св. Анной» возник у художника где-то в последних годах пятнадцатого столетия. Именно в этот период создается первый, ныне утерянный картон к картине. Сохранилось описание религиозной символики, сформулированное самим Леонардо. Дева Мария, сидящая на коленях у своей матери, склонилась к Сыну, стараясь отвлечь его от ягненка (символ Страстей Господних), которого малыш весело обнимает. Однако святая Анна пытается отговорить ее. Возможно, эта фигура должна была символизировать собой Церковь, не желающую препятствовать Страстям Господним. Само живописное полотно начато в 1510 году и тоже не было закончено, об этом говорит практически только слегка прописанный пейзаж заднего плана. Но сами фигуры обладают предельной точностью выполнения. Голова святой Анны возвышается над всей группой, что придает композиции картины четко пирамидальный характер. Ее колорит выражен в мягких переходах красно-коричневых и зеленовато-серых цветов. В чертах лица святой Анны мы опять прослеживаем их схожесть с Джокондой. Все фигуры как бы растворены в пространстве картины. Она дышит покоем и сосредоточенной созерцательностью. В Лувр картина поступила в 1636 году.

«Мария с Младенцем и со святой Анной»

[показать]

«Автопортрет с остролистом»

Альбрехт Дюрер выразил лучшие достижения немецкого Возрождения с особой глубиной. Он родился в 1471 году в Нюрнберге, в семье золотых дел мастера. Художественная и гуманистическая среда окружали Альбрехта с самого детства, он рано осознал себя художником.

Дюрер много путешествовал как по самой Германии, так и за ее пределами. Многократные путешествия в Италию позволили художнику познакомиться со всеми ее художественными достижениями, чтобы, переосмыслив, применить их в собственных произведениях. К жанру автопортрета Дюрер обращается на протяжении всего своего творчества. Его первым автопортретом можно назвать рисунок, выполненный в тринадцать лет и изображавший рано повзрослевшего ребенка с широко открытыми глазами. В двадцать два года художник пишет свой первый живописный автопортрет. Юность, занятая самоанализом, - таким он выглядит на портрете, в котором уже полностью обрел уверенность в себе и своих силах. Этот портрет исполнен в Страсбурге, по-видимому, тогда, когда родители призвали художника вернуться в Нюрнберг для женитьбы. Об этом говорит надпись, выполненная на портрете: «Мои дела пойдут так, как предсказано свыше». Ветка остролиста, которую юноша держит в руках, символизирует желание; именно в этом значении она использовалась в последующих работах художника. Мазок в этой работе Дюрера свободнее, цвет более нюансирован, чем в более поздних произведениях. Холодные полутона, столь осязаемо моделирующие форму, словно поддерживают чувственную полноту самосознания автора. Можно сказать, что это самая французская из всех работ художника. Лувру повезло, когда в 1922 году предсвадебный автопортрет Дюрера был куплен для его коллекции.

[показать]

«Мадонна с Младенцем и святым Иоанном Крестителем»

Великий итальянский художник Рафаэль родился в Умбрии. Здесь, в мастерской своего отца, живописца Джованни Санти он получил первоначальное художественное образование.В мастерской же Перуджино, у которого Рафаэль учился позднее, сложилось его тонкое лирическое дарование.

Еще молодым человеком он покидает Умбрию и переезжает во Флоренцию. Рафаэль знакомится с шедеврами флорентийского искусства, пристально изучает Гиберти, Донателло, Мазаччо, учится у них строить многофигурные композиции, но при этом всегда остается самим собой. В его ранних флорентийских Мадоннах мы находим спокойное соотношение фигур Мадонны, Младенца Христа, Иоанна Крестителя с прекрасными пейзажами дальнего плана. Композиция диагоналей, встречающаяся у более ранних авторов, у Рафаэля чаще заменяется на пирамидальную, характерную для Леонардо. В своих ранних произведениях художник обращает большое внимание на линию, которая у него вносит музыкальное, ритмическое начало в весь строй картины.

«Мадонна с Младенцем и святым Иоанном Крестителем на фоне пейзажа», или, как ее еще называют «Прекрасная садовница», относится к последним флорентийским Мадоннам Рафаэля. Художник написал ее накануне отъезда в Рим, уже крупным, вполне сложившимся мастером. От прелестной молодой женщины,  [455x547]наклонившейся к спящему младенцу, веет спокойствием и счастьем раннего материнства. Их фигуры как бы растворены в прекрасном пейзаже, который подчеркивает состояние всеобщей гармонии. Детали выписаны с большой любовью и насыщены массой мелких подробностей, привлекающих и удерживающих внимание зрителя. Краски свежи и гармоничны, красное платье Марии, ее зеленый плащ, золотисто-охристый пейзаж плавно переходит в прозрачную синеву неба с бегущими облаками. Фигуры детей смотрятся светлыми силуэтами на фоне более темного первого плана. Картина написана легко и светло. Интерес к изображению Мадонны не ослабевает у Рафаэля и в Риме, где незадолго до своей ранней смерти он пишет самую известную из своих Мадонн, вошедшую в историю искусств под именем «Сикстинской».

«Мадонна с Младенцем и святым Иоанном Крестителем», возможно, является одной из первых итальянских работ во Франции. Сюда она приехала в коллекции картин Франциска I, позднее поступила в коллекцию Людовика XIV и оттуда - в Лувр.

В 1508 году Рафаэль приезжает в Рим, и вся его дальнейшая судьба связана именно с этим городом. Здесь мягкое, нежное искусство Рафаэля становится более мужественным. В Риме он приобретет славу одного из крупнейших в мире мастеров монументальной живописи, очень быстро овладев этой новой для себя деятельностью. Расписывая залы Ватикана, художник создает настоящие шедевры монументализма. Живое отношение к действительности позволило Рафаэлю стать и одним из лучших портретистов. Его многочисленные портреты римского периода говорят не только об огромном живописном мастерстве и большой наблюдательности, но и об умении передать приподнятое представление о личности человека. Перед зрителем проходит целая галерея портретов современников художника. Это и погруженный в свои думы властный папа Юлий II, и полный презрения к людям горбоносый кардинал Алидорио в алой сутане, и обрюзгший холеный папа-гуманист Лев X. «Портрет графа Бальдассаре Кастильоне», безусловно, принадлежит к лучшим творениям живописца в этом жанре. То не был заказной портрет. Граф, аристократ и писатель, один из известных гуманистов своего времени, был другом Рафаэля. Художник запечатлел его, повернув к зрителю в три четверти. Построение композиции во многом напоминает приемы, найденные и использованные Леонардо в «Джоконде». В этом портрете кисть Рафаэля достигла, кажется, полной свободы. Поражает острота наблюдения и психологизма, присущая портрету, а теплый колорит картины примечателен сдержанной и благородной гаммой красок. Людовик XIV, считавший пополнение коллекций Лувра своим монаршим долгом, в 1661 году приобрел эту картину у наследников кардинала Мазарини.

«Портрет Бальдассаре Кастильоне»

[409x533]О долгой жизни великого венецианского художника Высокого Возрождения Тицианаизвестно почти все: поразительная карьера, его привязанности и приглашения к знатнейшим дворам Европы и Италии, ревнивое отношение к собственному благополучию и многое другое. Уже современники складывали о нем мифы, хотя документов, рассказывающих обо всех сторонах жизни художника, сохранилось великое множество. Исключением является тайна даты его рождения. Достоверно не известно, когда родился великий венецианский мастер и сколько лет он прожил, но можно точно сказать, что прожил он немало, и что содеянного им хватило бы, по крайней мере, на три жизни. Родился он в Пьеве ди Кадоре, маленьком селении в горах провинции Беллуно, и был вторым сыном в семье, происходившей из благополучного рода нотариусов по фамилии Вечеллио. В неполные десять лет Тициан покинул родину и со старшим братом отправился в Венецию. Чтобы попасть в мастерскую Беллини, «отца венецианской живописи», он сначала проходит ученичество у Джованни Дзуккато - последователя Мазаччо, потом у Джентели. В мастерской Беллини раскрылось необычайное дарование Тициана, сумевшего соединить степенность и величие Беллини с натурализмом художников северного Возрождения. Рядом с Тицианом в это время работал другой великий венецианский живописец -Джорджоне ди Кастельфранко, вошедший в историю живописи просто как Джорджоне. Когда в 1510 году, еще совсем молодым, Джорджоне скончался от чумы, Тициан по праву занял место первого живописца Венецианской Республики. С этого момента в обязанности Тициана входит рисование портретов венецианских дожей. Художника заваливают заказами на мирские и религиозные темы. Его слава быстро растет за пределами Венеции, он завязывает связи с герцогским двором Феррары и с домом Гонзага, правителей Мантуи. Пишет великое множество картин на светские и церковные  темы. Исполняет многочисленные монументальные росписи.

В 1530 году Тициан встречается с императором Карлом V и с тех пор становится любимым художником этого монарха. Он часто гостит при дворе императора в Аугсбурге. Пристрастие к живописи Тициана унаследует и сын Карла V, испанский король Филипп П.

Вернувшись в Венецию, в 1550-х годах Тициан старается вести более замкнутый образ жизни и, не отказываясь от официальных заказов, старается перепоручить их своим более молодым коллегам. В это время он работает в основном для Габсбургов. Позднее творчество Тициана - это новое понимание техники живописи и взлет мастерства, на века опередившего свое время.

В 1575 году в Венеции разражается новая эпидемия чумы. У художника не хватит времени закончить начатые холсты. 27 августа 1576 года, в самый разгар эпидемии, он умирает один в своем доме. Только вмешательство властей уберегло его от погребения в общей могиле - обычного метода захоронения при таких обстоятельствах. Останки Тициана торжественно упокоились на следующий день после смерти в церкви Св. Фрари, для которой он создавал грандиозную неоконченную «Пьету».

[730x602]

«Сельский концерт»

Картина Тициана «Сельский концерт» датируется примерно 1510 годом, (поступила в Лувр в 1671 году). Долгое время ее приписывали умершему в том же году от чумы Джорджоне. Сюжет картины наполнен аллегориями. О всеобщей гармонии, отраженной в музыке, говорит фигура элегантного городского музыканта, которому подыгрывает на флейте настоящая нимфа, но гармония в мире недолговечна, и приход грубого пастуха прерывает концерт. Обнаженная муза на первом плане словно смешивает звуки, как смешивается течение жизни, как смешиваются струи воды в источнике. Композиция картины строится на контрасте прекрасных обнаженных тел, выделяющихся светлым силуэтом, и более темным пространством картины с ее вторым планом с играющими музыкантами, и третьим, представляющим роскошный сельский пейзаж, выписанный с любовью и всеми подробностями.

Цветовая палитра богата и выразительна: светлые фигурки обнаженных женщин противопоставляются красному цвету одежд музыканта и всем оттенкам зеленого в окружающей природе. Это полотно, наполненное поэтической чувственностью, отличает некоторая интимная бессюжетность, столь же далекая от слов, как сама музыка. Работа Тициана «Женщина за туалетом» вполне могла бы иметь и другое название, так как в картине запечатлены весьма известные люди. Этот двойной портрет Альфонсо Феррарского и его возлюбленной Лауры Джанти - своеобразная метафора новой формы портретного искусства, прошедшего долгий путь от профильных портретов XV века к подобной почти жанровой композиции. Прекрасная молодая женщина расчесывает волосы; чтобы она могла увидеть себя со спины, ее возлюбленный держит два зеркала. Зритель наблюдает всю эту сцену как бы со стороны.

Главным в портрете, безусловно, является изображение женщины: ее лицо, руки, плечи и роскошные волосы светлым пятном выделяются из темного фона картины. Художник без стеснения восторгается ею. Все остальное на полотне как бы аккомпанирует этой блистательной красоте. Мужчина, держащий зеркало, любуется ею так же откровенно. Колорит картины построен на любимом у Тициана контрасте светлого тела и золота волос с глубоким темным тоном платья и красным камзолом возлюбленного. Картина приобретена для Лувра Людовиком XIV в 1662 году. Картина «Коронование терновым венцом» была написана художником в зрелые годы между 1542 и 1544 годами для церкви Санта-Мария делле Грацие в Милане, в коллекцию Лувра поступила в 1797 году. Это, может быть, самое сильное по драматизму произведение во всем его творчестве. Классически выдержанная композиция вдребезги разбивается о диагональные планы. Мощные фигуры, вызывающие ассоциации с античной скульптурой, размещены в искусственных, искаженных мукой позах. Картина практически лишена глубины. На темном фоне, где едва заметны очертания стены, светлыми силуэтами выделяются Христос и его мучители. Весь свет в картине сосредоточен на их фигурах, придавая им мраморный отблеск. Тоновое единство ранних работ Тициана сменяется здесь подчеркнутой контрастностью, а внешне выраженное волнение -внутренним напряжением, вызванным жестокостью происходящего.

«Коронование терновым венцом»

[472x667]Ганс Гольбейн Младший входит в число самых знаменитых художников немецкого Возрождения. По-видимому, он родился в Аугсбурге в конце 1497 года; там же и учился у своего отца Ганса Гольбейна Старшего.

Еще молодым человеком он покинул Аугсбург, некоторое время жил в Базеле. Предпринял путешествие в Италию, а затем большую часть жизни провел в Англии как придворный художник короля Генриха VIII. Именно там, при английском дворе, с особой силой раскрылось его дарование портретиста. Ему суждено было создать замечательную портретную галерею современников. Ему позировали многие - придворные, философы, дипломаты. Гольбейн смотрит на них, сохраняя спокойствие наблюдателя, никогда не теряющего ясности ума, трезвости суждений, чувства меры. В своих        портретах он сосредотачивает особое внимание на красоте самого художественного исполнения работы.    

В Лувре хранятся пять портретов, представляющих собой вершину творчества художника.

Портрет Эразма Роттердамского из коллекции Людовика XIV предназначен для долгого и внимательного рассмотрения.          

Ни один из портретов этого великого гуманиста не несет столь тонкой психологической характеристики.

Ученый сосредоточен на работе, углублен в свои мысли и не подозревает о стороннем присутствии. Исследователи полагают, что портрет предназначался для передачи другому великому гуманисту того времени - сэру Томасу Мору. Эразм Роттердамский неоднократно выражал восхищение талантом Гольбейна.

 Всматриваясь в портреты Гольбейна,  мы восхищаемся разнообразием и индивидуальностью созданных им образов. В их числе Уильям Уорхэм,  (этот портрет был приобретен Лувром Эразма в 1671 году), и талантливый математик как Николас Кратцер, и недалекая, но обаятельная Анна Клевская

[670x844]

Николас Кратцер

[669x954]

Портрет Эразма Роттердамского

Существует легенда, что собравшийся в очередной раз жениться король Генрих VIII послал Гольбейна написать портрет претендентки на трон. Привезенный портрет так понравился королю, что решение о браке было принято незамедлительно. А вот сама принцесса Генриху VIII совсем не понравилась: художник смог разглядеть в ней то, чего король не увидел. Брак все же был заключен, но вскоре расторгнут. Портрет Анны Клевской поступил в коллекцию Лувра в 1662 году.

«Портрет Уильяма Уорхема»