прочтением "Ангелы и демоны" Дена Брауна.
Герои произведения на протяжении всего повествования оказываются рядом с памятниками архитектуры и скульптурами Бернини.



Бернини Джовани Лоренцо (Bernini) (1598-1680) - знаменитый итальянский скульптор. художник и архитектор, род. в 1598 в Неаполе, очень рано проявил большой скульптурный талант - его первая работа, голова ребенка (мрамор), относится к 1608 г. - и восемнадцати лет создал замечательную группу "Аполлон и Дафна", отличающуюся необыкновенною нежностью очертаний. Апогея своей известности Б. достиг при папе Урбане VIII, который, для украшения храма св. Петра, поручил ему устройство часовни над гробом апостола. К лучшим работам Б. относятся памятники Урбану VIII, Александру VII и графине Матильде. В области архитектуры значительнейшей его работой является колоссальная колоннада у собора св. Петра. По приглашению Людовика XIV, Б. в 1665 г. отправился в Париж, где работал преимущественно над планами для постройки Луврского дворца; последний, однако, строился впоследствии по плану французского архитектора Клода Перро. Возвратившись в Рим, Б. умер в 1680 г. и погребен в церкви Санта-Мария Маджюре. Б. Был творцом нового светского стиля - барокко, ставшего в последующие века главнейшим фактором современного, культурного переворота в искусстве, но долгое время подвергавшегося преследованиям со стороны всяких приверженцев "академической" рутины, которым казалось, что внесенные Б. отступления от строгого классического стиля грозят водворением анархии в искусстве. Только в новейшее время критика воздала должное Б., как одному из величайших представителей искусства своего времени.
[200x265]

Кошка

[488x828]

http://pavpavfs.photosight.ru/

[699x454]

фото автора

Постимпрессионизм (Post-Impressionism), этот термин впервые употребил английский критик Роджер Фрай по отношению к различным направлениям в искусстве, возникшим во Франции в период с 1880 по 1905 г. как реакция на импрессионизм. Художники постимпрессионизма искали новые и, по их мнению, более созвучные эпохе выразительные средства: Сёра, например, изучал проблемы восприятия света и цвета; Сезанна интересовали устойчивые закономерности цветовых сочетаний и форм; Гоген создал так называемый "синтетизм"; а произведения Ван Гога построены на яркой цветовой гамме, выразительном рисунке и свободных композиционных решениях.
[476x650]

Это цитата сообщения OlegLad Оригинальное сообщение

для эконом класса. ;)

Жена притащила рецепт из школы, коий и был опробован в воскресенье...

Смешать бутылку водки (0,5), банку сгущенки и столовую ложку кофе (в пластиковой бутылке, а то в о,5 не влезет). Тщательно взболтать, выделжать некоторое время в холодильнике, пить малыми дозами. Да, чем то напоминает Бейлиз и дешевле раз в 10....

.
[292x231]

.
[699x477]

два новых раздела
НАЙДЕНО НА ФОТОСАЙТАХ
и
ФОТО ДРУЗЕЙ...

почему фото друзей....ПАТАМУЧТА!!! они дневники удаляют вместе с фотографиями, на которые раньше могла смотреть, когда захочу!

1
[699x489]

.
[683x699]

снимает Бегущий Человек в порывах вдохновения.
[700x525]

Импрессионизм (Impressionism, франц. impression - впечатление), направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. и во многом определившее развитие искусства 19 века. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей, и вклад каждого из них в его развитие уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить "впечатление" от того, что глаз видит в конкретный момент.

Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Название "Импрессионизм" возникло после выставки 1874 г. в Париже, на которой экспонировалась картина Моне "Впечатление. Восходящее солнце" (1872 г.; в 1985 г. украдена из музея Мармоттан в Париже и сегодня числится в списках Интерпола). Более семи выставок импрессионистов было проведено между 1876 и 1886 г.; по завершении последней только Моне продолжал строго следовать идеалам Импрессионизма. "Импрессионистами" называют также и художников за пределами Франции, писавших под влиянием французского Импрессионизма (например, англичанин Ф.У. Стир).
[699x517]

Скока добра!!!
И все моё!!!!!!!!!!!!!!!!!!!

Среди прочих «певцов Апокалипсиса» Майк Кокрилл (Mike Cockrill) занимает особое место. Подобно детишкам Калеба Уэйнтрауба, юные персонажи Майка играют во взрослые игры, демонстрируя полную дезориентацию в человеческих ценностях, путаясь в сетях эроса и насилия. Но если Уэйнтрауб демонстрировал зрителю брутальный мир конфет и извращений, где обитают свирепые дети-убийцы, то Кокрилл подошел к вопросу тоньше.

В качестве врага выступают не родители, а один из ужаснейших архетипов из американского детства – клоун. Сексуальные мотивы, которые могут просматриваться на полотнах Майка, выглядят не столько эпатажной игрой или запрещенными фантазиями автора, сколько неосознанными эпизодами взросления молодых людей в контексте современности.

Картины Кокрилла невероятно реалистичны. Они показывают детство, не занимаясь традиционной пропагандой «сладкой беззаботной поры», но оголяя его нервы, страхи, боль, одиночество, ужасы и жестокость. Несмотря на розовый и голубой цвета, которыми принято окрашивать детство, Кокрилл представляет зрителю пору в преддверии греха, пору, где грех ещё юн, но уже присутствует, пропитывает существо, рожденное в современной цивилизации.
[354x432]

Неоклассицизм (Neoclassicism), эстетическое направление, господствовавшее в европейском искусстве в конце 18 века - нач. 19 века, которому было присуще обращение к античности, и отличавшееся от классицизма 17 века - нач. 18 века. Во Франции в рамках Неоклассицизма возникли стиль Людовика XVI, регентства, Директории и ампир; в Англии - стиль Адама, Хепплуайта и Шератона в мебельном деле.

Главным представителем в Германии был Дж.Дж. Уинкельман, а во Франции - Антуан Катрмер де Кэнси, чья книга "Очерки о природе и средствах подражания в изобразительном искусстве" была издана на английском языке в 1837 г. Наиболее ярко Неоклассицизм проявился, видимо, в архитектуре, что подтверждается работами братьев Адама Джона Нэшей, Александра Томпсона в Англии; Лангханса в Германии, Жан-Франсуа Шальгрена, Александра-Теодора Броньяра, Леду во Франции и Андреяна Захарова в России. Среди пионеров Неоклассицизма следует назвать Жака Анжа Габриеля, спланировавшего площадь Согласия в 1754 г., а его Малый Трианон в Версале считался самым совершенным примером "аттики" во французской архитектуре. Конечно, нельзя не упомянуть Суфло, который внёс элементы новой эстетики в планы реконструкции Парижа.

В живописи это был А.Р. Менгс, оказавший влияние на Бенджамина Уэста (США), Гэвина Гамильтона (Шотландия) и косвенно (через Жозефа-Мари Вьена) на Давида (Франция). Среди скульпторов, творчество которых имело широкий резонанс, можно назвать Канову, Торвальдсена, Жан Батиста Пигаля, Жан Антуана Гудона и Флаксмена. Неоклассицизм нашёл сторонников в США, в лице скульпторов Хирама Пауэрса и Горацио Гриноу, а также художника Джона Вандерлина. В декоративном искусстве с утверждением Неоклассицизма было покончено с орнаменталистикой рококо; возобладали строгая осевая симметрия и преимущественно классические мотивы, характерные для памятников античности. Композиция рисунка текстильных изделий, посуда и внутренний мебельный декор также испытали влияние неоклассических тенденций. Пик моды на произведения из керамики и серебра, выполненные в духе Неоклассицизма, пришёлся на период приблизительно с 1770 по 1820 гг. В это время Уэджвуд создавал из фаянса простые и элегантные "базальтовые" изделия, прекрасно гармонировавшие с неоклассическим интерьером. Романтический интерес к средневековым формам и изобретательности, в какой-то степени навеянным литературой, вылился в готическое возрождение (неоготический стиль), пришедшее на смену Неоклассицизма.



"Автопортрет" 1744 г. Менгс Антон Рафаэль
[550x718]

Вот и получила наследство...
оглядываюсь вокруг
че-та грустно
потом приберусь...

1
[450x437]

Традиционно считается, что главным сюрреалистом всея Земли был усатый Сальвадор Дали. Как знатный экстравагантный дядька он, безусловно, заслуживает уважения, и все же Дали создавал конфетки для пролетариата. Все эти плавленые часы, попы Галы и витающие в воздухе конусы - сюрреализм пошловатый и обывательский. Куда более утонченным, идейным, эстетским и, в конце концов, талантливым сюрреалистом был Магритт. Его работы лишены пафоса и изображают вещи привычные человеческому глазу, вещи до боли бытовые, если хотите. Но изюминка такой обыденности заключается в абсолютно неожиданных комбинациях всем знакомых объектов и предметов. Испанский фотограф Чема Медоз (Chema Medoz) - это Магритт фотографии. Его работы не нуждаются в комментариях. На них достаточно просто взглянуть, чтобы понять «Медоз - это круто, свежо и талантливо». Искусство, вызывающие в сознании щелчок, запуск индивидуальной машины фантазирования - это сегодня редкость, а посему смею назвать Медоза фото-сокровищем последнего времени.

Уиткин родился в 1939 году в Бруклине, в семье итальянки-католички и иудея, русского по происхождению. Джоэла воспитывали в строгих религиозных рамках, что сильно повлияло на его мировоззрение. Впервые Уткин стал свидетелем смерти, увидев аварию, в которой погибла девочка. Эта страшная история передается из уст в уста: отрезанная голова девочки упала к ногам 5-летнего Джоэла. Став художником Уиткин постоянно обращается к фундаментальным темам, размышляя о Боге и сущности бытия.
По легенде, придуманной самим Уиткиным, на ярмарке в Кони-Айленд он встретил трехногого человека, гермафродита и женщину-курицу, которые и стали его первыми моделями. С этого началось его творчество.

Далее был период работы помощником у профессиональных фотографов и служба в армии, где Уиткин не оставлял своё увлечение фотографией. Здесь он вновь обращается к теме смерти - фотографирует жертвы аварий, самоубийств.

Его работы обладают невероятной внутренней энергией. В них - постоянный диалог с классиками мировой живописи - Гойей, Веласкесом, Босхом, Миро, Ботичелли и Пикассо. Постоянным источником вдохновения для художника всегда была и остается Библия.

Перед тем, как начать свою работу в студии, Уиткин делает традиционный для художника эскиз на бумаге, подробно разрабатывая сцены и детали. После окончания фотосессии, он надолго пропадает в темной комнате, где проявляет, а затем исцарапывает негативы, добиваясь своего фирменного эффекта. Так рождается произведение искусства - фотография. Уиткин позволяет нам увидеть созданный им мир, одновременно пугающий и впечатляющий, разрушая наши сложившиеся представления о сексуальности и физической красоте, о терпимости и разнообразии человеческих проявлений.

Как говорит сам Уиткин: «Я не стремлюсь делать что-то шокирующее, сенсационное или моральное. Напротив, мои работы говорят о красоте жизни и ее бренности, о морали и даже о бессмертии». И этим словам можно доверять потому, что в жизни сам Уиткин - это воплощение жизнелюбия, оптимизма и иронии к себе и окружающим. Провокативность его творчества - не самоцель. В ней нет ничего общего с желанием добиться внимания и популярности любыми средствами. Для Уиткина - это естественный способ выражения своих идей, фантазий, образов.

Выставки Джоэла-Питера Уиткина официально запрещены властями некоторых американских штатов. Несмотря на это, некоторые его работы включены в коллекции таких авторитетных музеев как Museum of Modern Art (Нью-Йорк), Museum of Fine Arts (Бостон), Metropolitan Museum of Art (Нью-Йорк), San Francisco Museum of Art (Сан-Франциско), J.Paul Getty Museum (Лос Анджелес), The National Gallery of Art (Вашингтон), Victoria and Albert Museum (Лондон), Centre Georges Pompidou (Париж), Biblioteque Nationale (Париж), Stedelijk Museum (Амстердам), Centro de Arte Reina Sofia (Мадрид), High Museum of Art (Атланта, США), Walker Art Center (Миннеаполис, США), Kansas City Art Institute (Канзас-сити, США), Princeton Art Museum (Принстон, США), George Eastman House (Нью-Йорк), Akron Art Museum (Акрон, США), University of Arizona (США), Tokyo Metropolitan Museum of Art (Токио) и др. Работы Уиткина задействованы в выставочных проектах галерей; представлены в самых известных частных собраниях.

КЕНТ, РОКУЭЛЛ (Kent, Rockwell) (1882–1971), американский живописец, скульптор, архитектор, рисовальщик, гравер и писатель. Родился в Тарритаун-Хейтс (Нью-Йорк) 21 июня 1882. Посещал Колумбийский университет и позже учился у Роберта Хенрая, Уильяма Чейза, Кеннета Хейза Миллера и Эббота Х.Тейера. Кент дебютировал вместе с молодыми художниками-новаторами на выставке независимых художников 1910. Работая с равным успехом в различных техниках – масляной живописи, акварели, перовом рисунке, литографии и гравюре на дереве, – он сочетал классическую форму с романтическим настроением. В круг его тем и мотивов входили пейзажи, морские виды и драматические сцены. Он написал и сам проиллюстрировал несколько книг: В диком краю (1930), Курс N by E (1930), Рокуэллкентиана (1933), Это мое собственное (1940), Рокуэлл Кент (1946), Это я, Господи! (1955), О людях и горах (1959). Он создал также иллюстрации к многим другим книгам, среди которых Кандид Вольтера (1928), Мост Сан-Луис Рей Уайльда (1929), Кентерберийские рассказы Чосера (1930), Моби Дик (1930) Г.Мелвилла и Беовульф (1931). Кроме того, Рокуэлл Кент исследовал жизнь эскимосов и вел широкую лекционную деятельность. Его картины находятся в Колумбусе (Огайо), в Галерее изящных искусств и Музее американского искусства Уитни в Нью-Йорке. Умер Рокуэлл Кент в Платсберге (Нью-Йорк) 13 марта 1971.
[222x420]

Герой книги Мопассана «Милый друг», банкир Вальтер, говорил: «Теперь самое время покупать картины. Художники умирают с голоду. Они сидят без гроша...без единого гроша». Если бы Вальтер не был плодом воображения писателя, то его можно было бы поздравить: его коллекция картин наверняка обеспечила будущее его детей.

Цены на живопись постоянно растут. Но предсказать возможный успех той или иной картины невозможно. Чаще всего рекордная цена говорит не о сверхъестественном мастерстве художника, а всего лишь об удачно сложившейся коньюктуре. В общем, как говорил Маяковский, «один сезон ваш бог - Ван Гог, другой сезон - Сезанн», Доказательством этого и служит рейтинг самых дорогих картин мира.

На сегодняшний день его возглавляет работа Пабло Пикассо «Мальчик с трубкой». В 2004 году она была продана на аукционе Sotheby´s за 104 миллиона 168 тысяч долларов. Пикассо написал «Мальчика...» в 1905 году. В это время они жил в Париже, и как раз перешел от своего меланхоличного "голубого" периода к "розовому". Пикассо много выставлялся.



На одном из вернисажей «Мальчика с трубкой» увидел Пауль Мендельсон-Бартольди, немецкий промышленник, сын знаменитого композитора Мендельсона. В 1910 году он купил эту картину. А в 1950 году портрет перешел в руки тогдашнего посла США в Англии Джона Уитни. Как любят говорить журналисты – «всего за 30 тысяч долларов», забывая о том, что в 1950 году это были вполне приличные деньги. А их вложение в «Мальчика с трубкой» было более чем надежным – ведь сам Пикассо к 1950 году уже давно был общепризнанным мэтром, живым классиком и каждая его картина непременно находила покупателя.



Поэтому-то и не удивительно, что в списке десяти самых дорогих картин мира имеются еще три его картины: «Женщина со скрещенными руками» (7-е место, 55 млн. долларов), «Женщина, сидящая в саду» (9-е место, 49 млн 500 тыс долларов) и «Свадьба Пьеретты» (10-е место, 49 млн. 200 тыс).



Пожалуй, самая интересная судьба из перечисленных картин – у «Женщины со скрещенными руками». История полотна такова: Пикассо написал его в 1902 году в Барселоне. Первой владелицей картины стала писательница Гертруда Штайн, после нее полотно побывало в руках нескольких европейских коллекционеров, а в 1936 году осело в США. После продажи в 2000 году с аукциона «Кристи» за 55 миллионов, эта картина стала считаться самым дорогим произведением Пикассо. Но устроителей аукциона радовала не столько рекордная сумма, вырученная за картину, сколько устойчивый спрос на нее – всего лишь по немногим более низкой цене картину желали купить как минимум шесть коллекционеров.

До шумного успеха «Мальчика с трубкой» долгое время самой дорогой картиной в мире считался «Портрет доктора Гаше» Винеснта Ван Гога. Этот титул портрет получил после того, как в 1990 году был продан с аукциона «Кристи» за 82 с половиной миллиона долларов. Вскоре стало известно имя покупателя – им был японский бизнесмен Риоей Саито, владелец крупной компании по производству бумаги. Всего через три года дела Саито пошли плохо, и картина исчезла. По слухам, он вернул главный экспонат своей коллеции живописи аукционному дому - всего за треть цены. По другой версии, Саито, умерший в 1996 году, завещал похоронить картину вместе с собой.



Впрочем, эта история стала лишь одной из множества деталей истории картины. Ван Гог написал ее незадолго до смерти. Как известно, при жизни художнику не удалось продать ни одного своего творения и большую часть произведений Ван Гога унаследовал его брат. В 1896 году картину продали, и некоторое время она бродила по разным коллекциям. В конце 1930-х годов портрет попал в музей Франкфурта. В 1938 году «Портрет доктора Гаше» выставлялся в Мюнхене на выставке «Вырождающееся искусство». После нее картину приобрели нацисты. Но вскоре Геринг вновь продал ее. Картина оказалась в Голландии, а потом – в США. Там она и находилась до тех пор, пока ее не купил Саито.



«Портрет доктора Гаше», разумеется, не единственная работа Ван Гога в рейтинге. На пятой строчке находится «Портрет художника без бороды» стоимостью в 71 с половиной миллион долларов. Это была последняя завершенная художником работа. Ван Гог подарил портрет своей матери на день рождения. На восьмой позиции рейтинга – знаменитые «Ирисы» (53 млн 900 тыс долларов).

Третья по цене картина в мире – «Бал в Мулен де ла Галетт» Пьера Огюста Ренуара. При жизни художника его картины продавались по цене от 47 до 285 франков. Спустя сто с лишним лет султан Брунея выложил за небольшое полотно Ренуара 78 миллионов 100 тысяч долларов.



Всего на несколько сотен тысяч отстает от Ренуара Рубенс со своей картиной «Избиение младенцев». Как ни странно, Рубенс – единственный, кто представляет в списке самых дорогих картин мира старых мастеров. Высокая цена объясняется тем, что раньше эта картина никому не была известна.



Последняя владелица полотна была уверена, что картина принадлежит кисти Яна ван дер Хуке, одного из художников так называемой «школы Читать далее...