Сказочные коты А. Маскаева
Картины талантливого художника Александра Маскаева – это волшебный сказочный мир сказочного рыжего кота.
Александр Маскаев разработал авторское направление – сказки в живописи для взрослых и детей. «Картины от печки», как сам автор их называет, украшают галереи России и многие частные коллекции Японии, Германии, Италии и других стран.
На картинах художника изображён уютный крестьянский быт, где персонажи времён языческой Руси – лешие, домовые, водяные, соседствуют со сказочным огненно-рыжим котом. Издревле считается, что рыжий кот приносит радость и богатство в дом. Сам же художник так описывает своего сказочного кота: «Это Кузьма или Кузя, он прост и незамысловат, добродушен и ласков, но хитер, остроумен и хороший охотник и рыбак, с ним можно поговорить обо всем, он поймет, а может и подскажет по какой тропинке Вам пойти…».
Как нам порой не хватает этого чуда и доброты в жизни!
Сказочные коты
Кот-баюн
Купание "красного" кота
...и жили они долго и счастливо...
Деньги любят счёт
По утру
Вечерок
|
В пору, когда еще тихо
Дремлет природа под снегом,
Вести приходят из сада,
Первые вести весны.
Там мэйхуа пробудилась:
По воскрешенным побегам –
Россыпи розовой яшмы
С солнечной стороны.
Полураскрыты, воздушны,
Нежно цветы засияли,
Нежно цветы засияли,
Тонкий, едва уловимый,
Льется вокруг аромат.
Словно красавица вышла
И без забот, без печали
Тут же, в саду, примеряет
Новый весенний наряд...
КАРТИНЫ СОВРЕМЕННЫХ КИТАЙСКИХ ХУДОЖНИКОВ В ЖАНРЕ «ЦВЕТЫ и ПТИЦЫ»
[426x168]
КАРТИНЫ ХУДОЖНИКА ЛЕОНИДА АФРЕМОВА.
| Художник Леонид Афремов родился 12 июля 1955 года в Витебске, Беларусь. Леонид Афремов Русско-Израильский современный импрессионистский художник, который создает прекрасные картины маслом на холсте, используя только мастихином. |
За эти годы он стал хорошо известен за его неповторимый стиль. Афремов также отметил, что продает свои работы исключительно через Интернет без участия выставок, дилеров и галерей. В интернете его собственные художественные работы были просмотрены более миллиона раз.
Талантливый художник Джек Веттриано
|
Джек Веттриано - британский художник, родился в 1951 году в шахтерской семье, его настоящая фамилия - Хогган. Рисовать начал в 21 год, после того, как подруга подарила ему на день рожденья акварельные краски. Сначала он копировал картины импрессионистов, рисование для него было просто увлечение, потом он занялся этим всерьез. В 1988 году он выставил свои картины на выставке Шотландской Королевской Академии, его картины купили в первый же день выставки, и были тепло приняты публикой. В 2004 году его картина "Поющий дворецкий" была продана за почти 800 000 фунтов стерлингов, этот факт принес ему огромную известность. Сам Веттриано говорит об этой картине так "Кoгда люди сидят вечеркoм на диване, им всегда приятнo представить, что это танцующая пара - они сами" Героини его картин - красивые женщины, с превосходным чувством стиля, чаще на его картинах присутсвует стиль ретро Вот эта картина "Поющий дворецкий": |
Летающие тибетские девушки на картинах Ван И-Гуана.
Имя художника Ван И-Гуана (Wang Yi Guang) хорошо знакомо ценителям современного китайского искусства. Страсть к живописи заставила его в самом юном возрасте пойти по стопам старшего брата, знаменитого художника Ван Идона. Закончив престижную Центральную академию изящных искусств в Пекине, Ван И-Гуан принимал участие в национальных и международных художественных выставках, а также арт-салонах в Пекине, Гуанчжоу, Токио и Гонконге. Жизненные пути привели Ван И-Гуана в Тибет, когда в Китайской железнодорожной корпорации освободилось место дизайнера...
«Мне посчастливилось несколько раз бывать на Тибетском нагорье, ― пишет Ван И-Гуан. ― Я был потрясен захватывающими дух пейзажами Тибета, легкостью и жизнерадостностью его обитателей. То глубочайшее почтение, которое тибетцы испытывают к окружающей их природе и животным, навсегда врезалось мне в память. Их несокрушимый оптимизм, мирный образ жизни, в которой каждому находится место, резко контрастировали с знакомыми мне психологическими состояниями жителей больших городов.
Река в Рай (River to Paradis). 2004
В моих работах, посвященных жителям Тибетского нагорья, я стремился запечатлеть движение ― передать красоту мимолетных мгновений жизни в условиях чрезвычайно жесткой природной среды. В Тибете я провел немало дней, лежа на траве, напрочь разбитый чудовищной горной болезнью. И пока я судорожно глотал воздух, передо мной разворачивались восхитительные картины: молодые, проворные тибетские девушки неслись наперегонки, подгоняя своих могучих яков.
Дорога удачи (Lucky Railway). 2004
Эти тибетские девушки напомнили мне летающих богинь, чьи образы украшают древние пещеры Дуньхуана. Сказочные отношения человека и яка, которого тут называют «кораблем нагорья», предстали передо мной в мельчайших деталях. В своих работах того периода я хотел рассказать об удивительном путешествии, в которое отправилась тогда моя душа; чувства выплеснулись на холсты лишь после долгих периодов наблюдений и размышлений…»
После дождя (After the Rain)
На восходе солнца (Sun in a Distant Place)
Снежный лотос (Snow Lotus)
Аргентинский художник Фабиан Перез
Фабиан Перез (Fabian Perez) – аргентинский художник, писатель, родился 2 ноября 1967 года в Буэнос-Айресе. Фабиан покинул Аргентину в 22 года и уехал жить в Италию, где провел семь лет. Именно там его живописное и литературное творчество приняло восточную направленность. В Италии он написал книгу «Отражения мечты»,. На год Фабиан уехал в Японию. Там он создал работы «Японский флаг» и «Медитирующий человек», выставленные в резиденции губернатора. Затем Фабиан уехал из Японии в Лос-Анджелес, где и живет в настоящее время.
Фабиан Перез любит писать акрилом, потому что он быстро сохнет, и это позволяет художнику следовать своим импульсам. В его творчестве преобладают энергичные и символические образы, наполненные наряженной страстью. Художник, прежде всего, вкладывает в живопись эмоции, и каждое полотно отражает его драйв, чувства и энергию. Работы Фабиана Переза получили широкую известность во всём мире.
Ты — женщина, ты — книга между книг,
Ты — свёрнутый, запечатлённый свиток;
В его строках и дум и слов избыток,
В его листах безумен каждый миг.
Ты — женщина, ты — ведьмовский напиток!
Он жжёт огнём, едва в уста проник;
Но пьющий пламя подавляет крик
И славословит бешено средь пыток.
Ты — женщина, и этим ты права.
От века убрана короной звездной,
Ты — в наших безднах образ божества!
Мы для тебя влечём ярём железный,
Тебе мы служим, тверди гор дробя,
И молимся — от века — на тебя!
(Валерий Брюсов, 11 августа 1899 г.
ЕЕ ВЕЛИЧЕСТВО - ЖЕНЩИНА....
Рафаэль Санти “Дама под
Женский образ в картинах Ричарда С. Джонсона .
Альфонс МУХА ~ Alphonse Mucha
Альфонс Муха - чешский художник, которым чехи по истине могут гордиться. Он был страстным приверженцем стиля югендштиль. Этот стиль также называют модерн, а во Франции он получил название ар нуво («новое искусство»), в Австрии — «стиль Сецессиона» (Sezessionstil). Художника Альфонса Муху можно по праву считать одним из родоначальников и основателей стиля модерн.
В раннем детстве Альфонс Муха стал петь в хоре мальчиков капеллы собора Св. Петра и Павла в Брно, т.к. уже в том возрасте стал проявлять интерес к пению. Благодаря своему увлечению молодой Альфонс поступил в гимназию. Примерно в эти же годы он пробует себя и в живописи: первой работой стала картина в технике акварели "Жанна д'Арк".
После того как молодой художник закончил гимназию, перед ним стал выбор – куда пойти учиться дальше. После провала при поступлении в Пражскую академию художеств он вынужден зарабатывать "на хлеб", работая писарем в местном городском суде. Туда его устроил отец. Но, тем не менее, все свое свободное время Альфонс Муха посвящал творчеству, занимаясь в небольшом театре своего родного городка. Пробовал себя в роли актера, а в последствии стал заниматься оформлением декораций, афиш и билетов. Этот период жизни молодого Мухи сильно повлиял на дальнейшее его творчество. В 1879 году Альфонс Муха переезжает в Вену по приглашению фирмы художественных мастерских "Каутский-Бриоши-Бургхдат". Там Альфонс работает в качестве художника-декоратора театра.
В 1887 году Альфонс Муха поступает в самые популярные и уважаемые школы художеств во Франции. Сначала это была Академия Жюлиана, а впоследствии – Академия Коларосси. Во Франции художника называли "Мюша". Но, до того как добиться головокружительного успеха и позволить себе превратить мастерскую в музей антикварных вещей и раритетов, ему пришлось испытать все трудности и невзгоды жизни неизвестных, непризнанных художников, которых в столице Франции всегда было очень много. В 1889 году граф Куэн-Беласси прекращает финансирование обучения Альфонса Мухи, в результате чего художнику
Собор Святой Софии ~ Hagia Sophia
Христианская мечеть – кажется, что такое невозможно. Но собор Святой Софии в Стамбуле прекрасно справлялся с ролью и православной, и мусульманской святыни.
Сейчас собор, или как его еще называют Айя София, - главное архитектурное чудо Стамбула и прекрасный музей. На его месте византийские императоры несколько раз отстраивали небольшие сооружения, например, при Константине II здесь стояла базилика. Впоследствии она дважды горела – в 404 и 414 году. По приказу императора Теодосия II ее восстановили в 415-м, но спустя век – в 532 году здание опять пострадало – теперь его разрушили повстанцы.
[показать]
Император Юстиниан Великий (482-565) был человеком амбициозным. Он решил, что восстанавливать старые постройки - занятие его недостойное. Поэтому он пригласил лучших архитекторов того времени - Исидора Милетского и Анфимия из Тралл. За пять лет под их руководством появилось грандиозное сооружение. До постройки собора Святого Петра в Риме Айя София был самым большим храмом христианского мира. Его еще называли Великой церковью, и он служил кафедральным собором Вселенской патриархии.
Высота купола достигает 55 метров, а его диаметр равняется 31 метру. Изначально стены собора были украшены мозаиками, росписями и позолотой, пол выложен мраморными плитами, по обеим сторонам строительной площади высились по четыре колонны из зеленого гранита, вывезенные из Эфесского портового гимнасия, а красные порфирные колонны были привезены из Святилища Аполлона в Баалбеке.
За всю историю своего существования Айя София семь раз страдала от землетрясений – в 553, 557, 869,
Иероним БОСХ ~ Hieronymus Bosch
Нидерландский художник, один из крупнейших мастеров Северного Возрождения. Работал главным образом в Хертогенбосе в Северной Фландрии. В своих многофигурных композициях, картинах на темы народных поговорок, пословиц и притч сочетал изощренную средневековую фантастику, порожденные безграничным воображением с фольклорно-сатирическими и нравоучительными тенденциями, с необычными для искусства его эпохи реалистическими новшествами.
Йероен ван Акен, прозванный Босхом, родился в Хертогенбосе около 1450 года в семье художников. Его отец и дед, Антониус и Ян ван Акены, также были живописцами. В городском архиве до сих пор хранится большое число заключенных с ними договоров на изготовление росписей и картин для различных храмов и монастырей.
После женитьбы Босх поселился в небольшой пригородной деревне Оерошорт, где получил в приданое за своей женой дом и обширный участок земли. Известно, что он никогда не покидал ближайших окрестностей своего города, хотя был человеком общительным и любознательным. В настоящее время с уверенностью Босху приписывают всего сорок произведений, при том что содержание их часто остается загадкой для историков искусства, поскольку не существует прямых источников, способных его прояснить.
Обычно Босх работал в технике «алла прима», то есть писал картину сразу, без предварительных прорисовок и эскизов. Художник был не только живописцем, но и неплохим кузнецом. Известно, что для главного собора города он сделал большую картину на стекле, для которой собственноручно изготовил металлическую раму.
Как и все образованные люди своего времени, Босх увлекался алхимией и был знаком со средневековой демонологией. Одним из его друзей был известный голландский богослов Дионисий ван Рейкель, который основал неподалеку от Хертогенбоса монастырь. Позже он
Что зашифровано в шедеврах живописи II ~ What is hidden in a painting masterpieces
Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» (1495–1497)
Дэн Браун своим толкованием картины взрывает христианскую традицию. Во фреске сочинитель бестселлера углядел некий тайный смысл, намеренно вложенный в нее художником. Браун утверждает, что справа от Иисуса да Винчи изобразил не апостола Иоанна, как считалось до сих пор, а Марию Магдалину, причем не просто как спутницу Христа, а как его жену. В пространстве между Иисусом и Магдалиной ему видится зашифрованная латинская V — символ женского начала. А вместе их фигуры будто бы составляют М — знак Марии Магдалины. Интрига романа заключается в том, что якобы у Марии от Иисуса был ребенок, увезенный в Марсель и ставший родоначальником французской династии Меровингов, потерявшей престол в VIII веке. С того времени существует закрытый союз, хранящий эту тайну, члены которого стремятся вернуть власть династии Иисуса. Чуть левее изображена рука с ножом , которая, по мнению писателя, не принадлежит ни одному из апостолов и символизирует враждебные Меровингам силы. Справа его заинтересовал поднятый палец Фомы — жест, которым каноническая иконография якобы наделяла только Иоанна Крестителя (если это так, то получается, что с картины исчез еще один апостол, а Иоанн Предтеча оказался воскресшим, принимая участие во всей истории). Однако за измышлениями Брауна стоят лишь незнание канонов и богатая фантазия.
Так, иконографический тип апостола Иоанна всегда отличала известная женственность, и существует масса картин, где он изображен таким, как у Леонардо. Буквы V и М вполне можно расставить по всей картине, как, впрочем, и найти другие «шифры», например букву W — в христианской иконографии символ гермафродита. Нет сомнений и в том, что рука с ножом принадлежит Петру: этот нож присутствует в евангельских сюжетах. А поднятый палец — универсальный жест призвания во свидетели небесных сил.
Пока Леонардо писал, его работу каждодневно контролировал приор монастыря, и он, разумеется, обратил бы внимание на любую вольность в толковании Нового Завета. Во всяком случае, у нас нет никаких оснований утверждать, что он тоже был в тайном союзе сторонников Меровингов. Фреска да Винчи интересна совсем не ложномистической тайнописью. На самом деле это первое изображение пасхальной трапезы, где апостолы не представлены застывшими статистами. Автор создавал картину-драму, картину, передающую живую реакцию учеников на слова Учителя: «Один из вас предаст меня» (именно этот момент запечатлен на фреске). Но как можно было передать эту реакцию на фреске? Тут не обойтись без жеста. Язык жестов был хорошо разработан в канонической традиции, но да Винчи существенно расширил его «словарь». «Тайная вечеря» насыщена канонической символикой, однако многие жесты героев — находки Леонардо, которые впоследствии копировались другими художниками как готовые знаковые формы.
[показать]Иисус. Здесь чистый канон: большой палец его правой руки касается скатерти,
Что зашифровано в шедеврах живописи ~ What is hidden in a painting masterpieces
Рембрандт ван Рейн «Ночной дозор»
Полотно голландского мастера таит в себе множество «сюрпризов». Начнем с того, что привычное нам название картины не соответствует действительности: патруль, изображенный на ней, на самом деле вовсе не ночной, а самый что ни на есть дневной. Просто работу Рембрандта несколько раз покрывали лаком, из-за чего она сильно потемнела. Кроме того, почти 100 лет (с начала XVIII до начала XIX века) полотно украшало один из залов амстердамской ратуши, где висело прямо напротив камина, год за годом покрываясь копотью. Неудивительно, что уже к началу XIX века за картиной прочно утвердилось название «Ночной дозор»: к этому времени история ее создания была основательно забыта, и все были уверены, что мастер изобразил именно темное время суток.
Настоящее название полотна — «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Вильхема ван Рейтенбурга». Это групповой портрет мушкетеров-ополченцев одного из районов Амстердама. С 1618 по 1648 год в Европе шла Тридцатилетняя война, и жители голландских городов брались за оружие, дабы защищать свои дома. Творение Рембрандта вместе с портретами других стрелковых рот должно было украсить главный зал в Кловенирсдолене — штабе городских стрелков. Но заказчики были разочарованы: у Рембрандта получился не монументальный парадный портрет, а жанровая картина, на которой они с трудом отыскивали собственные лица, зачастую наполовину закрытые другими персонажами. Еще бы! Ведь художник кроме 18 заказчиков (каждый из которых выложил за свой портрет около 100 золотых гульденов — весьма внушительную по тем временам сумму) втиснул на холст еще 16 человек! Кто они — неизвестно.
Вообще, замысел художника разгадать непросто. Отряд стрелков вроде бы поднят по тревоге. Мушкетеры выходят из темной арки и пересекают мост через канал. Во главе отряда вышагивают капитан Кок (слева), который, кстати, не узнал себя на портрете и даже хотел просить другого художника переписать свою фигуру, и лейтенант Рейтенбург (справа). Вроде бы в такой ситуации подобает быть собранным и внимать голосу командира. Но на картине совсем не то. Капитан не отдает соратникам четких команд, а произносит в пустоту какую-то философическую речь, лейтенант смотрит мимо него и, видимо, занят своими мыслями. Остальные персонажи разбрелись кто куда, между ног у них путаются дети и собаки, что еще больше усиливает впечатление общей неразберихи. Да и центр композиции «уехал» куда-то влево вглубь, по световой диагонали: лейтенант — «сияющая» девочка. Так парадные портреты не пишут.
Разгадать истинный замысел живописца пытались многие. Версии предлагались самые различные: от больных фантазий художника, вызванных поражением его мозга сифилисом (Джордан Плеш), до тайного послания, обличающего убийц прежнего капитана стрелков Пирса Хассельберга, место которого занял коварный Кок (Гринуэй). Но самую интересную и обоснованную, на наш взгляд, гипотезу предложила Маргарет Кэрролл — профессор истории искусств из Колледжа Уэллсли (Массачусетс). Кэрролл предположила, что при написании «Ночного дозора» Рембрандт использовал прием карнавализации происходящего, иными словами, пародии. Художник просто решил подшутить над бравыми ополченцами, которые разучились даже обращаться с оружием, не то что воевать. К 1642 году Амстердам уже более десятилетия не подвергался военной опасности, и среди стрелков было много таких, кто никогда не нюхал пороху. Тем не менее
Сюрреализм в средневековье. АРЧИМБОЛЬДО
Джузеппе Арчимбольдо (итал. Giuseppe Arcimboldo), (1527, Милан — 11 июля 1593, Милан) — итальянский живописец, декоратор, представитель маньеризма. В его творчестве усматривают предвосхищение сюрреализма.
автор
Арчимбольдо происходил из древнего южногерманского рода. Дедушка Арчимбольдо был архиепископом, отец — художником. Джузеппе начал карьеру в мастерских Миланского собора, создавая цветные витражи и фрески со сценами из жизни святых. Сложно сказать, где и у кого он учился. Во всяком случае, прослеживается влияние Леонардо да Винчи; известно, что Арчимбольдо исполнял картоны для шпалер в Ферраре. В Праге он был декоратором и постановщиком праздничных представлений. Весна. 1573. Париж, Лувр Состоял на службе у Габсбургов в Австрии и Богемии (1562—1587); сначала — при имперском дворе Фердинанда I в Вене — как портретист-копировщик, затем, когда императором Священной Римской империи становится Максимилиан II (1564), Арчимбольдо — художник при дворе. Он воспринимался друзьями как человек с универсальной эрудицией и очень развитым творческим гением.
Большинство его современников, также известных людей, смотрели на него с восхищением из-за его талантов и его изобретательности не только в живописи, но также и в организации игр, свадеб, коронаций, процессий. Фактически, он становится артистическим директором императора Максимилиана II. Он отвечал при дворе за архитектуру и театрально-художественное оформление всех мероприятий. В то же самое время он — инженер, создатель фонтанов, принимает участие в основании музея искусств. Арчимбольдо становится главным организатором турниров, ярмарок и роскошных празднеств для аристократии, учёных и художников. Всё это — чтобы прославить императора, чтобы укрепить его политическую власть и развлечь людей, представить монарха героем. При поддержке Максимилиана он исполнил первый вариант серии «Времена года», который был представлен императору в день Нового года (1569).
Микеланджело да КАРАВАДЖО
Караваджо Микеланджело да (Меризи) (28 сентября 1573, Караваджо — 18 июля 1610, Порто д'Эрколе, Тоскана) - итальянский живописец, основоположник реалистического направления в европейской живописи XVII в., внес в нее демократизм, эмоциональное напряжение, выраженное через контрасты света и тени (караваджизм); автор исключительных по драматической силе религиозных композиций.
Есть люди, ускоряющие обычный ход вещей и даже историю цивилизации. Им она обязана великими открытиями в области техники и культуры, которые напоминают нам о том, что не всегда движение истории бывает постепенным и последовательным. В искусстве Западной Европы, если ограничиться живописью, такую роль сыграли Джотто и Мазаччо; вслед за ними можно назвать лишь имя Караваджо. Новаторство Караваджо было столь радикальным, что смогло глубочайшим образом повлиять на все развитие европейской живописи.
Караваджо начал работать самостоятельно в начале последнего десятилетия XVI века, когда наиболее распространенным художественным стилем в Италии, да и во всей Европе, был поздний маньеризм. Этим термином обычно определяется направление в искусстве XVI века, которое развивало стиль великих мастеров первой четверти столетия, прежде всего, Рафаэля, умершего в 1520 году, и Микеланджело, исполнившего росписи плафона Сикстинской капеллы между 1508 и 1512 годами.
Самые необычные автопортреты в живописи
Дюрер. Автопортрет в образе Христа
Иератическая фронтальность и композиционная близость образам Христа граничит с богохульством, поражая современного зрителя. В самом же деле, ренессансная переоценка ценностей, согласно которой художник становится не ремесленником, но яркой творческой индивидуальностью прямым образом отразилась в данном автопортрете. Дюрер, в творчестве которого автопортрет занимал не последнее место, всегда был склонен к самолюбованию, в этом же портрете он прямым текстом сравнивает себя творца, с Богом творцом.
Микеланджело. Фрагмент фрески «Страшный суд»
На этом фрагменте показан св.Св. Бартоломью, в своей правой руке он держит нож, при помощи которого согласно легенде с него была заживо снята кожа, в левой - он держит саму кожу, включающую искривленное муками лицо.
Поль Гоген~Paul Gauguin
Поль Гоген родился в 1848 году в Париже. Судьба готовила его к испытаниям с первых минут жизни. Его отец вынужден был мигрировать с семьей в Перу, где жили их дальние родственники. В пути отец умер. Детство Гоген провел в Перу, но очередной переворот и гражданская война в Перу послужили поводом к возвращению во Францию. Образование он получал в пансионе. Преподаватели говорили о нем: "Из этого ребенка выйдет либо кретин, либо гений".
В 17 лет Гоген поступил юнгой на корабль и совершал рейсы в Южную Америку, где его лишила девственности тридцатилетняя певичка, мадам Эме, с которой он провел "восхитительный" месяц, делившая любовь пылкого юноши с сыном российского императора, проходившим службу на учебном корабле. Воспитание не прошло даром. На обратном пути он соблазнил одну пассажирку, а чтобы не попасть в историю, дал ей по прибытии вместо своего адрес куртизанки. В Париже ему удалось устроиться в биржевую контору М. Бретена, успешная работа в которой приносила изрядный доход.
В 1872 году Гоген познакомился с датчанкой Метте. Рослая пышногрудая девушка вскоре вышла за него замуж и родила ему пятерых детей. Зарабатывая большие деньги, она начал рисовать. Увлечение искусством постепенно захватывало Гогена. Печальный опыт его друзей, среди которых были такие известные теперь и влачившие полуголодное существование тогда - Пикассо и Ван Гог, его не остановил, и в 1883 году в результате финансового кризиса еще недавно преуспевающий биржевой агент покинул банк и попытался обрести новую профессию: стать скульптором и живописцем. Вся его дальнейшая жизнь - это история упорного труда, поисков идеала, стремление найти свой живописный стиль, проходящие в обстановке постоянной нужды.
ЖЕНЩИНЫ В ЖИВОПИСИ. От древности до нашего времени.
РЕАЛИЗМ
Суть в в как можно более точной и объективной фиксации действительности. В сфере художественной деятельности значение реализма очень сложно и противоречиво.Противоположен романтизму и академизму. Рождение реализма в живописи чаще всего связывают с творчеством французского художника Гюстава Курбе (1819—1877), открывшего в 1855 г. в Париже свою персональную выставку «Павильон реализма». В 1870-е гг. реализм разделился на два основных направления — натурализм и импрессионизм.
Крамской-Портрет женщины.1883
Саргент-Испанская танцовщица
Женщина-мечта в картинах Константина Разумова.
Вечная женственность у нас неизменно ассоциируется со стихами Блока. А от картин Константина Разумова в памяти стразу же возникают строчки из Блока. Объединяет их женщина-мечта, которую каждый воспевает по-своему. Константин Разумов на своих картинах словно возвращается к одному и тому же образу, чтобы сохранить милые сердцу неповторимые черты. Однако мечта переносит художника в другое время, поэтому вы не увидите ни одного портрета современной женщины.
Константин Разумов родился в 1974 году в городе Заринск. Живописи он учился сначала в Новоалтайском художественном училище, затем в Российской академии живописи, ваяния и зодчества. В настоящее время художник живет и работает в Москве.
Формирование Константина Разумова как художника происходило под влиянием многих стилей, но в конце концов он отдал преимущество сочетанию реализма и импрессионизма. Это можно заметить на любой из его картин: портрет он пишет реалистично, а вот фон обычно лишает конкретики и выполняет в технике, характерной для импрессионизма.
С особым пристрастием художник относится к женским портретам – их у него великое множество. Однако он не изображает современных женщин, как, например, это делают Паскаль Пратт или Ана Тереза Фернандес. Женщина на картинах Константина Разумова – это женщина-мечта, которая не дает спокойствия художнику. Она пришла из другого времени – из прошлого века. Впрочем, определить точное время или пространство невозможно: импрессионистические черты лишают образы привязки к конкретному месту и времени. Иногда в картинах угадывается Париж, но это скорее собирательный образ города, нежели реальный.