Художник Гаррет Кейн (Garret Kane) объединил цифровые технологии и элементы природы, создав уникальные скульптуры в серии "Времена года". Гаррет разрабатывает персонажей с помощью компьютерных программ и печатает их в своей студии в Бруклине с помощью 3D-принтера. Затем он добавляет дерево, камни, кристаллы, листья, цветы и другие материалы, которые рождают жизнь в этих фигурах. Эти легкие органические вставки отлично подчеркивают красоту и хрупкость природы.

 

 

 

 

Не может быть!», — возникает первая мысль при взгляде на работы Тома Экерта (Tom Eckert). Американский скульптор создает реалистичные скульптуры, пользуясь только деревом и краской.

 

«С детства моё любопытство и удивление вызывали ошибочные впечатления от реальности, как часть визуального опыта. Одним из моих самых ранних воспоминаний была поездка на машине и моё восприятие мокрого, скользкого шоссе впереди, которое оказалось иллюзией, миражом. То что меня обманули, визуально и интеллектуально, стало откровением, и воспоминания об этом прочно засели в моей памяти. Позже именно визуальный обман стал основой моего творчества. «Ткань», вырезанная из дерева, имеет много структурных качеств, совсем как настоящая ткань. Когда эта идея применяется к моим композициям (плавающая книга, плавающие карты, плавающие камни), возникает ощущение невозможности – для меня, это магия» – пишет Том на своём сайте.

РЕКЛАМА

 

Иван (Иоганн-Александр) Августович Вельц (Ivan Augustus Weltz) — живописец-пейзажист, график, обладатель превосходного чутья цвета, создавал великолепные пейзажи, настолько реалистично, что смотрящему на полотно казалось что он находится внутри картины. Иван Августович Вельц продолжая традиции классической русской пейзажной школы, близкой к художнику М. К. Клодту, умело сочетая академические принципы построения картины, вносил свое новое видение, создавая картины более реалистичные и живые.

 

Иван Августович Вельц имеет звание Классного художника I степени в области пейзажной живописи, был удостоен несколькими серебряными, малыми золотыми медалями и одной большой золотой медалью за картину «Вид на имение Тентентникова».

И.А. Вельц — Вид на имение помещика Тентетникова. 1891

Иван Августович Вельц имеет звание Классного художника I степени в области пейзажной живописи, был удостоен несколькими серебряными, малыми золотыми медалями и одной большой золотой медалью за картину «Вид на имение Тентентникова».

Иван Августович Вельц — Зимний пейзаж, 1895

Иван (Иоганн-Александр) Августович Вельц родился 6 июня 1866 г. в селе Софьино Самарской губернии в семье австрийского купца. В 1885 г. Иван Августович Вельц поступил в Петербургскую Академию художеств, где учился в мастерской пейзажной живописи М. К. Клодта. В то время это учебное заведение было самым известным и престижным заведением, где учились В. М. Васнецов, И. И. Шишкин, А. И. Куинджи и многие другие талантливые художники.

Иван Августович Вельц — Весной в окрестностях Петербурга, 1896

 

Еще в годы обучения И.А. Вельц стал известен своими первыми самостоятельными работами, за которые был удостоен несколькими золотыми и серебряными медалями. Также в 1889 г. он принял русское подданство. В 1891 г. И.А. Вельц успешно окончил Академию художеств в звании классного художника I степени, получил большую золотую медаль, дающую право на заграничную поездку в Италию, Германию и Францию, для совершенствования своего мастерства.

Канадский художник Эндрю Кисс (Andrew Kiss ) пишет просто потрясающие пейзажи! Природа на его полотнах завораживает, притягивает, хочется их смотреть еще и еще…

В них как по волшебству оживают картины времен года, зримые, яркие, красочные, и одновременно, душевные и романтические.

 

Andrew Kiss родился в Венгрии в 1946 году, а в 1957 году он вместе с семьёй эмигрировал в канадский Ванкувер.

Эндрю Кисс (Andrew Kiss) пишет потрясающие картины маслом. Основное направление его творчества – садово-парковое искусство, однако на этих картинах изображена красота дикой природы леса, степей и саванн.

Прелестный вечер! В сладком обаяньи
Душа притихла, словно в чудном сне.
И небеса в безоблачном сияньи,
И вся земля почила в тишине.

П.А. Вяземский

 

 

Итальянский художник и скульптор Питер Демец (Peter Demetz) обладает даром вдыхать жизнь в такой, казалось бы, безжизненный и жёсткий материал, как дерево. Во всяком случае, его скульптуры, изготовленные вручную, выглядят безупречно и кажутся живыми.

[100x]

 

 

Демец мастерски воплощает в дереве анатомически точные детали человеческих тел, и прекрасно развитые у него чувства композиции и перспективы позволяют ему увековечить эти шедевры в своих произведениях искусства.

[100x]

 

А натуральные тёплые древесные тона ещё более усиливают впечатление, какое нельзя было бы произвести при применении краски.

[100x]

 

[100x]

 

[100x]

 

Александр Игнатьев (Alexander Ignatiev) — художник-пейзажист, специализируется на создании картин природы. В основном это пейзажные картины леса, иногда - деревенской местности.

 

Александр Игнатьев родился в 1965г в г. Минск, Беларусь. Учился в Минском Художественном училище и в Липецком педагогическом училище (художественно-графический факультет). В настоящее время картины художника хранятся в частных коллекциях.

 

 

Лилла Табассо - талантливый дизайнер из Милана, которая изготавливает декоративные скульптуры цветов из муранского стекла. Образование биолога позволяет ей создавать гиперреалистичные произведения, удивительно повторяющие строение и детали живых цветов.

 

С первого взгляда может показаться, что работы Лиллы имеют декоративное преимущество вечного неувядания, но на самом деле художница создает полный жизненный цикл цветов: вместе со свежими и только распустившимися бутонами можно увидеть и увядшие, высохшие цветы. Творения художницы выглядят столь реалистично, что их сложно отличить от настоящих.

 

 

Храм Спаса-на-крови Санкт-Петербург

Мартейн Схрейвер (Martijn Schrijver) — цифровой художник который в своих работах объединяет природные пейзажи, животных и людей, создавая сюрреалистические изображения больше похожие на сон, сказки или фэнтези.

 

Мартейн Схрейвер живет в Нидерландах, и о своем творчестве говорит: «Меня вдохновляет природа, и мне нравится создавать сюрреалистические манипуляции с фотографиями с помощью Photoshop, например, включать животных в пейзажи.

Фотографии могут помочь придумать идеи. Это вопрос использования вашего воображения. Естественные формы и текстуры можно повторно использовать в Photoshop путем клонирования, преобразования и смешивания. Мне нравится придумывать что-то «дополнительное», чтобы сделать это более сюрреалистичным».

РЕКЛАМА

 

На картинах художника природа просто невероятная. Нет затаенной сложной грусти, осенней тоски или холодного зимнего безмолвия. Радость бытия, зеленый шум и гам, ароматный летний ветер и даже осень без осенней грусти.

 

С 1985 года является членом Союза художников РСФСР. Работает мастер как мастихином, так и в смешанной технике, что придает его картинам особенную художественную выразительность.

 

 

Автопортрет, 1850

Моро Гюстав (Moreau Gustave) (1826-1898), французский живописец и график. Родился в Париже 6 апреля 1826 года, в семье архитектора. Учился в Школе изящных искусств в Париже у Теодора Шассерио и Франсуа-Эдуара Пико, посетил Италию (1857-1859) и Нидерланды (1885). С 1849 года Гюстав Моро начинает выставлять свои работы в Салоне – выставке живописи, скульптуры и гравюры, ежегодно проводившейся с середины XVII века в Большом салоне Лувра. С 1857 по 1859 год художник проживает в Италии, где изучает и копирует полотна и фрески знаменитых мастеров.

Прометей, 1868, Музей Гюстава Моро

В течение всей жизни Гюстав Моро писал фантастически пышные, мастерски исполненные в духе символизма композиции на мифологические, религиозные и аллегорические сюжеты, лучшие из которых – “Эдип и сфинкс”, 1864, Метрополитен-музей, Нью-Йорк; “Орфей”, 1865, Музей Лувр, Париж; “Саломея”, 1876, Музей Орсе, Париж; “Галатея”, 1880, Музей Гюстава Моро, Париж.

В основе картины “Галатея” – сюжет из греческой мифологии, повествующий о неразделенной любви циклопа Полифема к нереиде Галатее. Чувственная обнаженная нимфа томно расположилась в экзотическом гроте, богато и причудливо украшенном яркими анемонами, кораллами и другими окаменевшими растениями. На нее пристально взирает жутковатое трехглазое чудовище. Мириады подводных растений с их интенсивной окраской и плавная живописная манера создают в картине колдовскую атмосферу, похожую на сон.

Галатея, 1880, Музей Гюстава Моро, Париж

Самые значительные картины художника: "Бегство Дария после битвы при Арбелах" и колоссальное полотно "Сцена на тему Песни Песней Соломона" были представлены в парижском салоне 1853 года. Еще больший успех у публики завоевала картина "Минотавр в Критском лабиринте", выставленная в 1855 году, и картина "Эдип и Сфинкс" 1864 года — пожалуй, самое лучшее из всех произведений художника Гюстава Моро.

Эдип и Сфинкс, 1864, Метрополитен-музей, Нью-Йорк

Юпитер и Семела, 1895, Музей Моро

Гюстав Моро был тесно связан с движением символизма; входившие в него художники отказались от объективности и натурализма представителей импрессионизма. В поисках вдохновения символисты обращались к литературе или античной и северной мифологии, часто произвольно соединяя их друг с другом. В 1888 году художника избирают членом Академии изящных искусств и спустя четыре года профессор Моро становится руководителем мастерской в Школе изящных искусств.

Гесиод и муза, 1891, Музей Орсэ, Париж

Клеопатра, 1887, Лувр, Париж

Нью-йоркский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) родился в Израиле. В его стиле живописи так много гиперреализма, что картины с высочайшим уровнем детализации ошеломляют. Нужно внимательно присмотреться к полотнам, чтобы поверить, что мастер кропотливо выводил их кистью, а не снимал на цифровую фотокамеру. Игаль Озери больше всего известен кинематографическими портретами молодых женщин. Его картины выставляют на выставках по всему миру.

 

На протяжении более 25 лет талантливый израильский художник Игаль Озери (Yigal Ozeri) раздвигает границы фотореалистичной живописи, создавая крупномасштабные масляные картины красивых женщин, запечатлённых на просторах солнечных ландшафтов. В отличие от современных мастеров гиперреализма, которые отнюдь не всегда копируют повседневную реальность, Игаля Озери причисляют к мастерам фотореализма, так как художник работает исключительно с фотографиями и не рисует с натуры.

Художник работает с большой группой помощников, которые производят фотосъёмку моделей на природе. По достижению желаемого результата, отражаемого на фотографии в виде наилучшей позы модели, правильного света и других аспектов, начинается работа самого Игаль Озери. Практически невидимые мазки художника превращаются в потрясающие реалистичные портреты, гармонично переплетающиеся со спокойными пейзажами.

В настоящее время Игаль Озери живёт и работает в Нью-Йорке; за многолетнюю карьеру его работы приняли участие в многочисленных выставках как на родине, так и за рубежом. Кроме того, его работы находятся во многих престижных постоянных коллекциях по всему миру, включая музеи современного искусства в Израиле, Сан-Диего, Музей американского искусства Уитни и в других не менее значимых учреждениях.

 

«Моя идея состоит в том, чтобы создавать не зеркальные отражения действительности, чего и добиваются фотореалисты, а чтобы отражать пространство между миром высокой чёткости (реальности) и фантазией. Мои образы должны быть прочитаны, как если бы они были стихами или сонетами. Добиваясь этой цели, я уделяю особое внимание работе над интенсивностью света, а также предпочитаю, чтобы композиции изобиловали деталями. По сути, мои работы находятся под влиянием прерафаэлиты — художников Данте Габриэля Россетти и Джона Эверетта Милле».

Валентин Серов. Автопортрет. 1880-е. Частное собрание, Германия

Серов Валентин Александрович (Serov Valentin Aleksandrovich), русский живописец. Родился 7 января 1865 года в Петербурге. Учился в юности у И. Е. Репина (в Париже и в Москве) и в петербургской Академии художеств в 1880-1885 годах у П. П. Чистякова. Творчество Серова раннего периода формировалось под влиянием реалистического искусства Репина и строгой пластической системы Чистякова. Большое воздействие на Серова оказала живопись старых мастеров, виденная им в музеях России и Западной Европы, дружба с М. А. Врубелем, а позже с К. А. Коровиным.

Девочка с персиками (Портрет Веры Мамонтовой), 1887, ГТГ

Девушка, освещенная солнцем. Портрет Марии Симонович. 1888. Государственная Третьяковская галерея 

Мария Львова, 1895, Музей д'Орсэ, Париж

Высшими достижениями раннего периода являются портреты-картины "Девочка с персиками" (1887), "Девушка, освещенная солнцем" (1888; обе в Третьяковской галерее). В этих произведениях Серов, воспевая юность и красоту, видел главную свою задачу в непосредственности восприятия модели и природы и их убедительном пластическом истолковании. В разработке света и цвета, в передаче сложной гармонии рефлексов, в насыщении среды воздухом, в свежести живописного восприятия мира проявились черты раннего русского импрессионизма.



С начала 1890-х годов портрет стал основным жанром в творчестве Серова, приобретая новые черты: психологически заостренную характеристику человека и активно выявленное в нем артистическое начало. Излюбленными моделями Серова становятся артисты, художники, писатели (портреты А. Мазини, 1890, Ф. Таманьо, 1893, К. А. Коровина, 1891, И. И. Левитана, 1893, Н. С. Лескова, 1894, Н. А. Римского-Корсакова, 1898, – все в Третьяковской галерее).

Боткина Софья Михайловна, 1899, Русский музей 

Отказавшись от многокрасочной, сочной по цвету живописи второй половины 1880-х годов, Валентин Серов теперь предпочитал одну доминирующую гамму черно-серых или коричневых тонов, стал пользоваться более широким мазком, способствующим остроте передачи натуры. Импрессионистические черты в живописи Серова сказываются подчас лишь в композиционном построении портрета, характере движения модели

Советском Союзе символом Восьмого марта была великолепная мимоза.

Веточка, усыпанная нежными ярко-желтыми мелкими цветами, была неотъемлемым атрибутом весеннего праздника.

Ее можно было купить не только в цветочных киосках, но и прямо на улице, на рынках.

Мимоза украшала все поздравительные открытки и праздничные плакаты, посвященные Международному женскому дню.

Сегодня в современной России советские традиции празднования первого весеннего праздника снова возвращаются.

Желтая нежная мимоза начинает активно теснить занявшие ее место тюльпаны.

Почему именно мимоза — символ 8 Марта?

Сегодня мало кто знает, почему этот цветок стал символом Международного женского дня.

Акварель не зря называют самой капризной и непослушной краской. Её трудно хранить, с ней трудно работать,она непредсказуема и требует от художника максимального контроля. Зато те, кто овладел техникой рисования акварелью, знают секрет создания по-настоящему шедевральных работ, глядя на которые, невольно задаешься единственным вопросом: «Кому они продали душу, чтобы так рисовать?».

 

Стив Хэнкс - один из известнейших американских художников, работающих в технике акварель. Родился в семье военных в Сан-Диего в 1949. Всё свое детство провел на побережье Калифорнии. После того, как его семья переехала в Нью-Мексико, вдали от океана и друзей, он нашел себя в живописи. Позже окончил Калифорнийский колледж искусств и ремесел в Окленде. Стив завоевал многочисленные награды и премии. Например, в США в период с 1994 по 1996 год он считался лучшим художником. Более 170 картин включены в его книгу, которая получила признание даже среди критиков. В настоящее время художник проживает в Альбукерке, штат Нью-Мексико, вместе с женой и тремя детьми.

Все его работы невероятно реалистичны. Настолько реалистичны, что многие могут подумать, тут без фотошопа не обошлось. И все-таки, все работы мастер создает кистью и красками. Сам Стив Хэнкс - работающий в технике акварели, называл свой стиль "эмоциональным реализмом"... "Искусство исходит из глубокого внутреннего чувства направления. Оно начинается с переосмысления своей собственной жизни, с поиска источника ее импульсов и попытки разгадать ее тайны. Я считаю себя эмоциональным реалистом. Эмоции - это то, что я хочу изобразить. Реализм - просто мой способ это делать". Его любимые темы - женщины. Он говорит, “ Женщины занимают отдельную нишу в моей чувствительности. Они выражают большее количество чувств. Имеется много волшебства в них. ” Их портреты отражают насыщенность и невинность. Пристально глядят ли они из окна, или опираясь на диван".

 

ВесеннеЛетнеПейзажное - здесь


Щуров Олег Геннадьевич (Магнитогорск, Россия, 1966)

ЗимнеПейзажное (часть-1)


Ночью шел снег

А зима гололедит, проказница!
Ей совсем не сидится без дела.
И в дождливо – сырой несуразице,
Навести красоту захотела.

Удивительно, словно кудесница,
Спящий город ладонью укрыла.
Стали горками санными лестницы,
И блестят в халцедонах перила.

Тротуары в дорожки для кёрлинга
Превратила, на диво прохожим.
И деревья украсила скоренько
Ожерельями белых горошин.



Что за чудо, арена ледовая.
Всюду блеск, без конца и без края.
Вот надеть бы коньки в пору , новые.
И помчаться, пургу рассекая!

И пускай говорят, переменчива!
Что ни день, то каприз за капризом.
Но зима – это все таки женщина!
И не может она без сюрпризов!)
© Copyright: Дайм Смайлз, 2016

Крис Кукси (Kris Kuksi), пожалуй, становится одним из самых популярных современных скульпторов, и мы решили ознакомить вас с его творчеством. Грандиозные работы Кукси представляют собой ансамбль, созданный из огромного количества мелких элементов, пластично изгибающихся линий, плоскостей и разнообразных кривых. Каждый компонент гармонично согласован с остальными объектами, соединяясь в причудливую скульптуру в стиле барокко.

De-Evolution

Эти сложные и замысловатые скульптуры являются результатом уникальной техники, которой придерживается автор, и требуют тщательной обработки каждой детали. Такой процесс отнимает много времени и усилий, чтобы собрать, обработать, вырезать и сложить в единую форму тысячи отдельных частей, объединяя их в слаженный оркестр. На скульптурах изображены взлеты и падения исторических цивилизаций, а также предположительное будущее человечества.

De-Evolution, фрагмент

Работы художника широко представлены в различных галереях Нью-Йорка, а также в других городах.

Reticent Affiar

Reticent Affiar, фрагмент

 

Геркулес и Диана

Господство

Орига́ми — вид декоративно-прикладного искусства; японское искусство складывания фигурок из бумаги. Искусство оригами своими корнями уходит в Древний Китай, где и была изобретена бумага. Первоначально оригами использовалось в религиозных обрядах. Википедия

Испанский художник Гонсало Гарсия Кальво создает не только одни из самых сложных дизайнов оригами, но и мастерски представляет свою работу, сохраняя хрупкую красоту изделий и любовно подчеркивая ее с помощью декораций и освещения.

 

На его странице Flickr можно увидеть более 160 потрясающих работ. Мы выбрали самые красивые из них.