Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Алексей Саврасов "Вид в окрестностях Ораниенбаума" -. 1854. Холст, масло. 78х118

Сурова, скромна и загадочна финская природа. Зрителю представлен обычный облачный день, древний дуб, два огромных валуна, живописный пень. Вдали едва угадывается женская фигура, а еще дальше, по морю бежит белоснежная яхта. У зрителя создается странное ощущение, словно за всем пейзажем наблюдают седые валуны под дубом. Фантазия превращает безжизненные камни в огромных фантастических зверей, укрытых ветвями векового дерева. Довершают сказочную атмосферу облака, практически полностью застилающие голубое небо.

Невольно задумываешься над тем, что произойдет, когда женщина добредет до валунов. На ум приходят многочисленные мифологические сюжеты о похищениях.

Цветовая гамма картины сдержанна и приглушенна. Серые валуны, светло-зеленая листва, желтая дорожка. Свет, которого еще предостаточно, заливает поляну, пытается осветить и валуны.

Коричневый глинистый берег, островки травы, два красных цветка... А может быть глаза лешего, хитро поглядывающие на зрителя. В этой работе каждый может увидеть нечто свое, особенное, невидимое другими.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Алексей Кондратьевич Саврасов - выдающийся русский живописец, пейзажист, основоположник лирического пейзажа. Замечательный педагог, преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Среди его учеников были К. А. Коровин и И. И. Левитан.
"Без воздуха пейзаж - не пейзаж! Сколько в пейзаж березок или елей ни сажай, что ни придумывай, если воздух не напишешь - значит пейзаж дрянь." (Саврасов А.К.)

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Исаак Левитан "Весна. Большая вода". 1897. Холст, масло. 64,2х57,5, Государственная Третьяковская галерея, Москва

Любимая художником весна на этой картине изображена в период своего самого сильного проявления. Перед нами паводок, захвативший часть прибрежного леса и несколько деревенских построек. Лодка, которая в это время служит единственным транспортным средством для связи с миром, не только обозначает незримое присутствие человека в пейзаже, но и придает композиции логическую завершенность, связывает природное пробуждение с возрастающей активностью крестьян.

Золотистые охристые тона, которые использует автор для передачи теплеющего весеннего солнца, смешиваются с голубыми оттенками воды и неба. Подобное сочетание красок любили еще древние русские иконописцы для придания своим работам особой парадности и для изображения горнего мира.

Настроение работы очень бодрое, даже веселое. Деревья вырастающие из воды словно устремляются навстречу солнцу, небу и теплу, уставшие от зимнего сна, они расправляют свои ветви, как проснувшийся человек, потягиваясь, прогоняет остатки сна и приводит свое тело в "рабочее" состояние.

Затопленные сараи и бани выглядят, как корабли, выходящие в море. Водная гладь практически неподвижна. Отраженные деревья зрительно удлиняют картину, придавая композиции вертикальную устремленность и особую динамику. Природа проснулась, и ее первые глубокие вздохи породили это чудесное явление, приносящее радость и надежду на хороший, урожайный год.

Пройдет совсем немного времени и набухшие на деревьях почки лопнут зеленым буйством красок. Все затихло в ожидании этого главного весеннего чуда. Вода и тепло возрождают жизнь. Едва уловимые розовые оттенки придают всей композиции нарядность и энергичность. Во всем пейзаже чувствуется внутренняя динамика, ожидание чуда, предвосхищение красоты.

Работа отражает отношение автора к происходящему. Увидеть в паводке торжество вечного закона "неубиваемости" жизни мог человек искренне и безоговорочно влюбленный в свой родной край. Стоит только взглянуть на тонкие силуэты деревьев, на легкие облака на небе, на прозрачную воду, чтобы понять - автор любуется каждой мелкой деталью, выписывает каждую каплю живительной влаги, каждую веточку.

Опытный автор избегает резких и ярких красок. Он старается передать русскую весну максимально точно, ничего не приукрашивая. Поэтому палитра картины необыкновенно скромна, но правдива и реалистична. Русская природа не нуждается в украшениях, поскольку сама украшает мир лучше, чем какая-либо другая.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Михаил Врубель "Портрет С. И. Мамонтова" - . 1897. Холст, масло. 187х142,5. Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Портрет "русского Медичи" остался незаконченным. Художник старательно формирует образ богатого промышленника и блестяще образованного человека. Из полутьмы кабинета на зрителя смотрит властный, уверенный в себе человек. Поза его выдает некоторую неловкость, которую герой всеми силами старается скрыть.

Детали, создающие интерьер, "работают" на образ благотворителя и покровителя искусств. Автору удается создать атмосферу артистического кабинета талантливого промышленника, отличный вкус и непростой характер. Все вместе - замечательный образец парадного портрета, который написан с необыкновенным уважением и пиететом. Автор искренне восхищен своей моделью, старается всеми силами подчеркнуть неординарность личности и творческий склад ума.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...

Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение

«Наполеон на Аркольском мосту» Антуан-Жан Гро (история одного шедевра)

 

Работу над картиной «Наполеон на Аркольском мосту» Антуан-Жан Гро начал буквально через день после событий, изображенных на полотне. Сам художник, который в том сражении был адъютантом Бонапарта, следовал за полководцем по пятам и тоже находился на мосту под пулями австрийцев, рискуя погибнуть и так никогда и не написать портрет. Картина, по замыслу Гро, должна была стать шедевром всей его жизни. Собственно, так и произошло.

ДАЛЕЕ

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Архип Куинджи "Снежные вершины". 1890-1895. Бумага, масло. 19 х 26,5 см, Чувашский художественный музей, Чебоксары.

Для этого великого мастера пейзажа природа была основным вдохновляющим фактором. Все его полотна поражают не просто удивительным мастерством изображения, но и виртуозным владением светом и цветом. У художника очень много работ, где использовались невероятные световые эффекты, которые столь характерны для некоторых природных явлений, а также времен дня. Мастер очень любил рассветы и закаты, лунный и солнечный свет, а также особые эффекты, которыми столь щедра природа гор.

Специфический свет и невероятное ощущение простора, столь свойственное горам, нашли свое отражение во многих полотнах мастера, посвященным Кавказским горам. Одна из них – небольшая картина, написанная в необычной технике – масляными красками на листе бумаги.

Несмотря на то, что размеры у полотна очень скромные, изображает оно величественную гору Эльбрус, легендарные снежные вершины которой привлекали множество различных людей. Для Куинджи изображение гор обладало особой привлекательной и притягательной силой. Они впечатляли его своим величественным видом и невероятно красивыми цветовыми и световыми вариациями.

В этой картине мастер использовал насыщенные, почти открытые цвета, которые удивительно точно передают холодное пространство и особый, звенящий от чистоты воздух. Голубые дали и насыщенные синие цвета отлично демонстрируют прохладные горные тени. В то же время, освещенные косыми, солнечными лучами участки выглядят свежими, зелеными и теплыми.

Красавец Эльбрус лежит вдалеке, занимая все пространство на горизонте. У его подножия раскинулась зеленая плодородная долина, по которой тонкой, синей змейкой вьется река. С общей холодной гаммой полотна резко контрастирует выступ скалы, залитый теплым солнечным светом на переднем плане. В отличие от остального изображения, выполненного крупными, размашистыми мазками широкой кистью, этот небольшой участок тщательно проработан. Он выполнен при помощи большого количества различных оттенков. Можно буквально физически ощутить скудную, но зеленую траву, отчаянно цепляющуюся за тощую почву в трещинах скал.

Именно с этого возвышенного участка художник и писал свою бессмертную картину. Только этот небольшой фрагмент кажется теплым и уютным, все остальное изображение, расположенное вдали, выглядит очень чистым, нежилым и очень возвышенным, как будто в горах на самом деле становишься намного ближе к небесам и богу.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Николай Рерих "Синие храмы" 1921. Холст, темпера 495 x 785 см, Собрание Джо Джагода, Даллас.

В 1920 году Николай Рерих уезжает в США, где организовывает большое выставочное турне по городам Америки. На американском континенте русской художник, философ, этнограф создал несколько серий картин с разным характером и содержанием. Работу, посвящённую Большому каньону в Аризоне, Рерих назвал «Синие храмы». Будучи пытливым исследователем, Рерих не мог не заинтересоваться удивительным местом – одним из самых глубоких каньонов на земле. Спустя полвека с момента создания картины, каньон будет внесён в список всемирного наследия ЮНЕСКО.

Одна из центральных философско-культурных идей Рериха провозглашала единство культур и народов, а Гранд-Каньон объединял в себе следы целых 4-х геологических эр. Вот и на картине горы и скалы каньон выглядят как слоеный пирог. Но ступенчатые вершины скал, Рерих представил в виде монументальных сооружений, храмов. Эта фантазия живописца органично вписалась как в концепцию его философских идей, так и в географическую картину местности. Словно некие сакральные сооружения, вершины скал глубочайшего каньона служат неким символом единства. Красота она ведь понятна всем, а красота, созданная природой в сложном и долгом процессе эволюции, принадлежит не одной стране или религии, народу или историческому времени – она принадлежит всему миру, человечеству.

Доминантным цветом в этой работе Рерих назначил синий. Здесь можно увидеть, кажется, все его оттенки: от тёмного ультрамаринового до нежного лазурного. Рерих очень любил работать с синим колоритом – мастер гениально писал небо, и благодаря его таланту, небеса буквально жили своей жизнью, радуя диковинными фигурами и очертаниями. В этой же работе небо Рерих оставляет фактически нейтральным, делая акцент на природную архитектуру каньона, монументальную, могучую.

Рерих нарочно использует темперу, зная, что и спустя годы насыщенный, синий цвет не утратит своей яркости и насыщенности, как краска на масляной основе. Художник смело оперирует цветовыми массами, облекая их в форму с помощью простых, понятных линий.

За своё сравнительно недолгое пребывание в Америке Рерих успел сделать многое – основать несколько культурных центров, художественных объединений в крупных городах, открыть Центр Искусства в Нью-Йорке. Его бурная художественная и общественная деятельность, многочисленные культурологические лекции вылились в заслуженное восхищение и признание на Западе, и в 1923 году в Америке появляется первый музей в мире, посвящённый только одному художнику, а именно музей Николая Рериха. Талантливого художника, выдающуюся личность, тонкого мыслителя здесь разглядели гораздо раньше, чем у себя на родине.
источник:Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин
Читать далее...

Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение

«Нападение ягуара на лошадь» Анри Руссо (история одного шедевра)

«Нападение ягуара на лошадь» Анри Руссо (история одного шедевра)

Анри Руссо, написавший невероятные по эмоциональной силе картины, никогда не выезжал за пределы парижских предместий. Для создания фантастических миров, наполненных необычными животными и дивными растениями, разукрашенных бесчисленным количеством оттенков и, кажется, пропитанных экзотическим духом, художнику было достаточно прогуляться по Ботаническому саду или Зоологическому музею, послушать рассказы путешественников или полистать открытки из дальних стран. Воображение Руссо дорисовывало недостающие детали и представляло новый, сказочный мир, в котором хотелось затеряться.

ДАЛЕЕ

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Иван Шишкин "Березовая роща". 1896. Холст, масло. 95,5x70. Ярославский художественный музей

Известная во всем мире картина "Березовая роща" была написана Шишкиным маслом в 1896 году. На данный момент картина находится в Ярославском художественном музее.

В картине преобладают оттенки зеленого, коричневого и белого. Казалось бы – сочетание цветов более чем простое, но удивительно удачное: глядя на картину, полностью ощущаешь себя среди этих деревьев, чувствуешь тепло солнечных лучей.

Залитая солнцем березовая роща словно бы сама излучает какой-то особенный свет, ощущаемый каждым, кто видит картину. Кстати, Шишкин, будучи патриотом своей страны, не зря выбрал героиней этой картины именно березу, ведь именно она считается национальным символом России с древних времен.

Удивляет невероятная четкость, с которой прорисованы все детали: трава кажется поразительно шелковистой, березовая кора как настоящая и каждый березовый листочек заставляет вспомнить аромат березовой рощи.

Этот пейзаж написан настолько естественно, что трудно даже назвать его картиной. Скорее подойдет название отражение действительности.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Иван Айвазовский "Вход в Севастопольскую бухту" - . 1852. Холст, масло. 28,2х39,3. Картинная галерея Айвазовского. Феодосия.

На живописном полотне "Вход в Севастопольскую бухту" Айвазовского изображён тот исторический момент, когда фрегат Николая I входил в бухту с целью высочайшей инспекции Севастополя и всего Черноморского флота.

Искусно выстроена композиция: море будто соперничает с абсолютно ясным небом, которое заволакивают клубы дыма – это салютуют пушки, приветствуя двухмачтовый корабль с императорским штандартом, оставляющий за собой подчёркнуто ровный, при параде стоящий, след на тихой и спокойной морской глади.

На картине слева видна Константиновская батарея, а справа – Александровская. Утреннее солнце еле-еле пробивается сквозь дымовую завесу, поднятую парадными залпами береговых и корабельных орудий.

Кажется, будто сама картина подсвечена с обратной стороны – от белого солнечного пятна расходятся ярко жёлтые, почти лимонного цвета круги, а дым приобретает расцветку экзотических растений, казалось бы, специально распустившихся в этот день в честь знаменательного события.
источник:Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Гениальный моренист, известный во всем мире художник, писавший свои картины в России, Италии и на полуострове Крым - Иван Константинович Айвазовский. То как он изображал море, будь то разрушающий шторм или умиротворяющий штиль, по сегодняшний день заставляет профессионалов часами рассматривать его картины.
Его полотна продавались за миллионы фунтов стерлингов на аукционе Сотбис.
Он настолько обожал творить, что свой собственный дом в Феодосии спроектировал картинной галереей, дабы наиболее правильно передать задуманную в картинах атмосферу и необходимый свет.

Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение

«Бородатая женщина» Хосе де Риберы (история одного шедевра)

Искусству свойственно показывать женщин как прекрасных созданий, богинь, святых. Красивыми, манящими, возвышенными. К портрету Магдалены Вентура по-честному неприменим ни один из этих эпитетов. Хосе де Рибера этим полотном нарушил каноны не только своего времени, но и последующих веков. И сегодня, глядя на портрет, зритель недоумевает, кто это – мужчина с признаками женщины или наоборот. Нам свойственно искать в этом непривычном сочетании метафоры, аллегории и параллельные смыслы. Что же зашифровано в портрете бородатой женщины?

ДАЛЕЕ

Это цитата сообщения Stefaniia-Stefa Оригинальное сообщение

Старые мастера, которым поклонялось братство, не знали того, что в XIX веке было само-собой разумеющимся в живописи: перспектива, свето-теневая лепка лица, пропорции тела. И прерафаэлитам, желавшим смотреть на мир, как это делали художники до Возрождения, надо было все это забыть. Однако, конечно, эта была абсолютная утопия.

Прерафаэлиты выбирали в качестве моделей друзей или родственников. На их картинах нет вымышленных или случайных лиц. Настаивали они и на необходимости писать только с натуры. Пейзажи требовали от живописцев выносливости. Шутка ли, сидеть или стоять часами под палящим солнцем, дождем или ветром?! Вероятно, поэтому пейзаж довольно быстро был оставлен.

[показать]

«Мариана» (1851) Джона Эверетта Милле

Критика писала, что декларируя следование правде и приверженность простоте природы, прерафаэлиты на самом деле «рабски имитируют художественную неумелость». Несмотря на это, братству удалось сформировать новый стиль жизни и новый тип женской красоты.

 

Просуществовали прерафаэлиты недолго. Вскоре после признания публикой братство распалось, и ни одна попытка воссоединения не увенчалась успехом.

Читать далее

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Франсиско Гойя "Жмурки" - 1789. Холст, масло. 269х215; 350 см. Музей Прадо

В 1774 году Гойя начинает работать на королевской мануфактуре гобеленов – живописец расписывает картон, который выступает как эскиз для будущего гобелена. Картина «Жмурки» относится именно к этой серии работ, написанных на картоне.

Молодому художнику вначале поручали лишь эскизы сцен охоты или рыбалки, но с одобрения короля Гойя начал создавать сюжеты из повседневной жизни испанцев. Сегодня кого-то может удивить, что однажды художник выбрал для нового эскиза сюжет игры, но современники мастера очень любили эту забаву, находя ее веселой и занимательной.

Как мы видим на картине не стеснялись этого времяпрепровождения и аристократы – все участники танцующего круга одеты в дорогие одежды, что указывает на их высокое происхождение.

Гобелен по эскизу Гойи был предназначен для украшения спальни инфантов во дворце Эль-Прадо, и его художественное решение указывает на популярный в то время стиль рококо.

Мануфактуре Гойя посвятил 18 своей жизни и за это время создал более 60 картин для гобеленов. Часть из этих замечательных гобеленов сохранилась и находится нынче в замке Эскориал недалеко от Мадрида, расписанные картоны же обрели своё заслуженное место в музее Прадо.
источник: Арт Энциклопедия > Геннадий Занегин
Читать далее...

Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение

«Игроки в карты» Поль Сезанн (история одного шедевра)

Картина, занимающая второе место в списке самых дорогих полотен, когда-либо выставлявшихся на аукционе, - одна из пяти в серии «Игроки в карты», написанной Полем Сезанном на юге Франции. Художник был философом в живописи, и через изображение прованских крестьян он постарался передать силу и тишину вечности. Вся серия - это результат долгих одиноких размышлений Сезанна о природе вещей и роли искусства в ее передаче.   

ДАЛЕЕ

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Архип Куинджи "Север" 1879. Холст, масло. 132 х 103 Государственная Третьяковская галерея, Москва.

Картина «Север» входит сразу в две трилогии. Одна из них экспозиционная, которую Куинджи представил в 1879 году, прежде чем окончательно исчезнуть из светской жизни общества. Наряду с представленной работой экспонировались «Берёзовая роща» и «После грозы». Вторая трилогия уже сюжетная - идея полотна пришла к живописцу ещё в 1872 году, когда он задумал цикл, посвящённый северу. Сначала было произведение «Ладожское озеро», затем «На острове Валааме», и завершающей акцентированной точкой стал «Север» со строгой сосной на переднем плане и необъятным горизонтом на дальнем.

Величественный северный панорамный пейзаж включает в себя немного элементов, зато сколько в картине простора! Художник противопоставил ближний и дальний планы, воспользовавшись излюбленным приёмом многих русских пейзажистов – зритель будто сам стоит на голой скале, любуясь открывающимся видом, где ровную зелёную степь прорезает извилистая лента узкой, но полноводной и холодной северной реки.

Большая часть полотна отдана небу, которое к горизонту укрывает степь, предоставляя возможность ей лишь чуть-чуть показаться сквозь густую мглу. В изображении неба чувствуется влияние импрессионистов – этот особенный характер передачи свето-воздушной среды ни с чем нельзя перепутать. Техника Архипа Куинджи здесь динамична и прерывиста при тончайшем сочетании бледно-розового, голубого и белого цветов, сливающихся в эффектные перламутровые переливы.

Ничто не мешает рассматривать даль, а сосны на скалах только подчёркивают «голый» ландшафт сурового северного края.

Казалось бы, здесь нет густой зелени, яркого солнца, бликов от солнечных лучей — лишь достаточно скупой пейзаж, но насколько он поэтичен и одухотворён. Куинджи не только смог прозорливо заметить эту неброскую красоту, но и достоверно её передать, а также вдохнуть в пейзаж какое-то неведомое настроение, притягивающее зрителя к полотну.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Это цитата сообщения гельб Оригинальное сообщение

Картина, занимающая второе место в списке самых дорогих полотен, когда-либо выставлявшихся на аукционе, - одна из пяти в серии «Игроки в карты», написанной Полем Сезанном на юге Франции. Художник был философом в живописи, и через изображение прованских крестьян он постарался передать силу и тишину вечности. Вся серия - это результат долгих одиноких размышлений Сезанна о природе вещей и роли искусства в ее передаче.
[645x]

ДАЛЕЕ

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Исаак Левитан. "Над вечным покоем" - 1894. Холст, масло. 150х206. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Беспомощность, хрупкость и беззащитность - вот главные чувства, которые испытывает всякий зритель перед этой работой великого художника. Пожалуй, благодаря именно этой картине, имя мастера пейзажа так широко известно не только среди любителей живописи...

Сам автор считал, что это самое удачное его произведение, раскрывающее его мировоззрение, его мироощущение. Свинцовые облака тяжело нависли над крутым берегом. На маленьком утесе церквушка, рядом забытой кладбище, погост, последнее пристанище... Хрупкие деревья сгибаются под сильным ветром, тонкая, прерывистая тропинка, ведущая в церковь - символ забвения, заброшенности, истертости.

Мощью дышит окружающая утес стихия. Кажется, что еще одно мгновение и исчезнет погост, развеется по свету церквушка... Разрушения кажутся неизбежными.

Известно, что эту работу художник писал, слушая музыку. Торжественные и печальные звуки траурного марша Бетховена вдохновляли автора и заставляли его создавать мрачную и почти трагическую атмосферу этой работы. Зритель слышит завывание ветра, чувствует пронизывающий холод, сырость, слышит раскаты далекого грома.

Вдали виднеется пустынный остров, который стремительно "уплывает" от утеса. Создается впечатление, что остров уносит с собой души умерших, чтобы вечность поглотила остаток человеческого духа, сами воспоминания об ушедших людях.

Жизнь человеческая ничтожна, быстротечна и бессмысленна... Огромное пространство, охваченное взглядом художника давит на зрителя. Острое чувство одиночества и беззащитности испытывает зритель перед этим вечным покоем, о котором страшатся даже думать люди. Вечный вопрос - что там, за порогом вечности, мучает автора, но ответа он не находит, предоставляя этот поиск зрителю.

Автор создал несколько этюдов, прежде чем приступить к основной работе. Эти наброски представляют несомненную ценность, как отдельные произведения. С другой стороны, они позволяют понять тот путь, который прошел автор от задуманной работы до воплощения своей идеи. Мастер несколько смягчил в результате этого пути трагизм пейзажа, добавив при этом мощи природной стихии.

Свет в работе распределен равномерно, тени практически отсутствуют. Использовав приглушенные тона, мастеру удалось виртуозно передать самую суть ненастья. Его внимание к мелким деталям делает работу необыкновенно реалистичной и глубокой по содержанию.

Удивительным образом всей мощи стихии противостоит маленький купол церквушки. Он направлен строго вверх, а его цвет, сливающийся с металлическими тонами неба, создает ощущение неколебимости и прочности. Мастер даже в этой своей работе не обошелся без оптимистических намеков. Лишь твердая Вера может помочь человеку обрести покой и уверенность в своих целях и смысле своей жизни. Однако это оптимистичное утверждение "зашифровано" в картине. Лишь самые пытливые зрители способны разглядеть в этой мелкой детали самую суть этой знаковой работы художника.

Картина увидела свет в момент наибольшего расцвета таланта художника. Именно поэтому его идея, философская глубина, отточенное мастерство, с которым написано это полотно, так поразили современников и поражают потомков. Содержание этой картины будет актуальным для всех поколений.

Работа по своим размерам вполне относима к монументальным произведениям автора. А по своей сути она является его духовным завещанием, его творческой программой и наиболее законченным философским отношением художника к миру и людям. Работой восхищались русские поэты и музыканты. Она послужила толчком для создания множества музыкальных и поэтических произведений. А литераторы, как начала 20 века, так и современные, часто включают описание именно этой работы для раскрытия характеров своих героев, а также для придания сюжету своих произведений глубины и содержательности.

источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин

Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение

«Меншиков в Березове» Василий Суриков (история одного шедевра)

ДАЛЕЕ

Это цитата сообщения ЮРИЙ_КОСАГОВСКИЙ Оригинальное сообщение

из дневника Вьюгитта

История одного шедевра: Франсиско Гойя "Жмурки"

Франсиско Гойя "Жмурки" - 1789. Холст, масло. 269х215; 350 см. Музей Прадо

В 1774 году Гойя начинает работать на королевской мануфактуре гобеленов – живописец расписывает картон, который выступает как эскиз для будущего гобелена. Картина «Жмурки» относится именно к этой серии работ, написанных на картоне. Молодому художнику вначале поручали лишь эскизы сцен охоты или рыбалки, но с одобрения короля Гойя начал создавать сюжеты из повседневной жизни испанцев. Сегодня кого-то может удивить, что однажды художник выбрал для нового эскиза сюжет игры, но современники мастера очень любили эту забаву, находя ее веселой и занимательной. Как мы видим на картине не стеснялись этого времяпрепровождения и аристократы – все участники танцующего круга одеты в дорогие одежды, что указывает на их высокое происхождение. Гобелен по эскизу Гойи был предназначен для украшения спальни инфантов во дворце Эль-Прадо, и его художественное решение указывает на популярный в то время стиль рококо. Мануфактуре Гойя посвятил 18 своей жизни и за это время создал более 60 картин для гобеленов.

Читать далее...

Это цитата сообщения Ира_Ивановна Оригинальное сообщение


Константин Коровин "Пристань в Гурзуфе" - . 1914. Холст, масло. 89 x 121 см. Государственный Русский музей, С-Петербург.

Эта картина относится к лучшим полотнам Коровина, созданных им в во время Первой Мировой Войны. Ему всегда нравился Крым, здесь он был не один раз, и каждый вызывал в нем восторг. Хотя повод для визита в 1914 году был печальным и был связан с его сыном Алексеем, художник нашел в себе силы писать потрясающие по глубине и легкости восприятия полотна.

Эта картина изображает пирс в небольшом курортном городке Гурзуфе, очень популярном у тогдашней отдыхающей публики. Полотно написано в исключительно жизнерадостных и ярких красках, превосходно отражающих жаркое крымское лето. Пейзаж залит солнцем, поэтому повсюду четкие тени и невероятные солнечные блики на воде. Все изображение создано многочисленными, энергичными и размашистыми мазками, придающими картине динамику и выразительность. Мазки разной величины, плотности и цвета, благодаря чему краски на полотне буквально переливаются и светятся.

Перед зрителем разворачивается обычный день из жизни курортников: под навесом в тени сидит женщина в белом летнем платье и большой шляпе, украшенной красными и розовыми цветами. Перед ней на столе несколько бутылок с цветными напитками и наполненный стакан. У стола еще два стула, отодвинутые так, что становится понятно: буквально минуту назад здесь сидели еще два человека.

За спиной женщины разворачивается красочный пейзаж. По морю плывет большой парусник с развернутыми парусами, на пирсе толпятся люди, похоже, что они ожидают прибытия корабля. Скорее всего, эти люди отправляются в плавание или ждут тех, кто прибудет на шхуне. Вокруг плещут и переливаются волны Черного моря. Фоном этому лирическому и радостному изображению служит город, ступеньками поднимающийся по обрывистому побережью. Невозможно различить конкретное изображение отдельных компонентов, да это и не требуется. Город - это скопление белых и цветных домиков, сочными пятнами разбросанное по полотну. От картины буквально исходит жаркая летняя нега.

Небо написано в столь же выразительной и энергичной манере. По нему движутся облака, поднимающиеся от крымских гор, но они почти сливаются с голубизной неба, добавляя ему сиреневых, сероватых и сизых красок. Разнонаправленные мазки добавляют воздушности и подвижности, делают облака более реальными, «ощутимыми».

Картина радует светом и цветом, в ней нет напряжения и страха, словно нет никакой войны и несчастий. Это полотно – мечта о счастье, полном, бескрайнем, спокойном.
источник: Арт Энциклопедия>Геннадий Занегин
Читать далее...

Это цитата сообщения Oleska2112 Оригинальное сообщение

«Жанна д'Арк» Жан Огюст Доминик Энгр (история одного шедевра)

 

Жан Огюст Доминик Энгр был человеком крайне амбициозным, убежденным, что кроме него на живописном Олимпе не может быть никого. Подтверждением тому, как считал художник, были его исторические полотна. Правда, от написания последних его регулярно отвлекали заказчики портретов. По иронии, именно как портретист Энгр остался в истории мирового искусства.

«Жанна д’Арк на коронации Карла VII» – одно из полотен, в котором художник смог соединить свои амбиции исторического живописца и набитую руку портретиста.

ДАЛЕЕ