Это цитата сообщения Марриэтта Оригинальное сообщение
Юбочка и сумочка крючком для маленькой девочки. Автор Olesya
Это цитата сообщения Kandy_sweet Оригинальное сообщение
Графство Северный Йоркшир, Йорк. Англия
Графство Северный Йоркшир называют самым «деревенским» районом Англии, это классический уголок старой доброй Англии, жемчужиной которой является город Йорк. Йоркский кафедральный собор – один из самых величественных памятников готической архитектуры в Европе и один из самых больших соборов в Северной Европе. Собор пережил три пожара и небольшое землетрясение, неоднократно перестраивался, т.к. из-за допущенных при его строительстве архитектурных просчетов ему грозило разрушение.
Феликс Мендельсон.
Красивая внешность, богатство, блестящее образование и талант.
Он владел этими "сокровищами", о которых многие лишь мечтали.
Феликс с успехом мог бы стать математиком, юристом, филологом, художником, музыкантом.
Но только музыка станет его жизнью.
Чувствуя себя в салонах и при дворе как дома, Мендельсон при этом был одним из самых серьёзных композиторов своего времени.
Создав за свою короткую жизнь множество шедевров, он стал известен как «Моцарт XIX века».
Несмотря на растущую известность, Мендельсон оставался необычайно скромным и простым человеком. Когда признанный музыкант не смог получить должности директора Берлинской Певческой Академии после смерти Карла Цельтера в своем родном Берлине, то он принял руководство музыкальной жизнью провинциального городка Дюссельдорфа, где развернул широкую концертную деятельность. Заслужив славу одного из самых блестящих виртуозов своего времени, Мендельсон давал множество фортепианных и органных концертов, выступая, прежде всего, как пропагандист серьезной музыки.
И все же никакие события не могли отвлечь композитора от сочинения музыки. Несмотря на развернутую концертную деятельность, он пишет «Реформационную симфонию», Первый концерт...
Основу фортепианного творчества Мендельсона составили "Песни без слов" - замечательные образцы лирической миниатюры, нового жанра романтической фортепианной музыки. В противовес распространившемуся в то время эффектному бравурному пианизму Мендельсон создает пьесы в камерном стиле, выявляя прежде всего кантиленные, певучие возможности инструмента. Привлекала композитора и стихия концертной игры - виртуозный блеск, праздничность, приподнятость отвечали его артистической природе (2 концерта для фортепиано с оркестром, Блестящее каприччио, Блестящее рондо для фортепиано с оркестром, и др.).
Фортепианные сонаты Бетховена с давних пор стали драгоценным достоянием человечества. Их знают, играют и любят во всех странах мира.
Многие из них прочно вошли в педагогический репертуар, стали неотъемлемой его частью. И, однако, это обстоятельство нисколько не приковало фортепианные сонаты Бетховена к сфере учебного музицирования: они остаются желанными номерами концертных программ, а овладение всем циклом бетховенского сонатного фортепианного творчества — заветная мечта каждого серьезного пианиста.
Причины широчайшей популярности фортепианных сонат Бетховена, простирающейся от классов музыкальных школ до эстрад филармоний, заключены, конечно, не только в самом факте принадлежности их гениальному композитору, одному из величайших музыкантов всех времен и народов.
Причины эти также в том, что фортепианные сонаты относятся, в подавляющем большинстве, к числу лучших сочинений Бетховена и, в своей совокупности, глубоко, ярко, разносторонне отражают его творческий путь. Это не значит, конечно, что круг художественных идей фортепианных сонат исчерпывает все основные тенденции бетховенской музыки.Цикл из тридцати двух сонат, охватывающий период от начала девяностых годов XVIII столетия до 1822 года (дата окончания последней сонаты), служит как бы летописью духовной жизни Бетховена; в этой летописи события запечатлены порой подробно и последовательно, порой со значительными пробелами. Было бы, однако, большой ошибкой рассматривать фортепианные сонаты Бетховена только как своего рода интимный дневник. Нет, Бетховен везде и всегда оставался художником-гражданином, глубоким мыслителем, настойчиво и неуклонно стремившимся к высшим философским обобщениям этики и эстетики. Как социальные события, так и факты личной жизни служили Бетховену материалом таких обобщений. Поэтому в тех же фортепианных сонатах масштабы образов не раз расширяются: замкнутое становится грандиозно объемным, личное вырастает до социального, выражая трепетом лирических эмоций отголоски общественных бурь.
Нельзя, наконец, не упомянуть и о выдающейся роли фортепианных сонат в становлении и развитии творчества Бетховена вообще.
Горячая любовь к фортепиано прошла через всю жизнь композитора. Великолепный дар пианиста и импровизатора делал для Бетховена всякое общение с фортепиано особенно заманчивым и увлекательным.
Фортепиано было действительно лучшим другом Бетховена, как композитора. Оно не только давало радость сейчас же услышать сложившееся в мысли, но и возбуждало творчество, помогало готовиться к осуществлению замыслов. В этом смысле, и образы, и формы и вся многосторонняя логика мышления фортепианных сонат оказывались питательным лоном бетховенского творчества вообще.
Фортепианные сонаты следует считать одной из важнейших областей музыкального наследия Бетховена.
Мария Каллас (2 декабря 1923, Нью-Йорк — 16 сентября 1977, Париж) — греческая и американская певица, одна из величайших оперных певиц XX века. С самого начала выступала как драматическая колоратура, позже — как лирико-драматическое сопрано, в последние годы жизни стала исполнять партии меццо-сопрано.
Взлёту карьеры Каллас в середине XX века сопутствовало появление в звукозаписи долгоиграющей пластинки и дружба с видным деятелем звукозаписывающей компании EMI Вальтером Легге.
Приход на сцену оперных театров нового поколения дирижёров, таких как Герберт фон Караян и Леонард Бернстайн, и кинорежиссеров, таких как Лукино Висконти и Франко Дзеффирелли, сделал каждый спектакль с участием Марии Каллас событием. Она превратила оперу в настоящий драматический театр, заставляя даже «трели и гаммы выражать радость, беспокойство или тоску».
Мария Каллас родилась в Нью-Йорке в семье греческих эмигрантов. Мать хотела воплотить в дочери свои неудавшиеся таланты и стала водить её в Нью-Йоркскую библиотеку на Пятой авеню. Мария начала слушать классическую музыку с трёх лет, в пять начала брать уроки фортепиано, а к восьми годам уроки вокала. В 1936 году мать Марии, Евангелия, возвращается в Афины для продолжения музыкального образования дочери. В 14-летнем возрасте Мария начала учиться в Афинской консерватории под руководством бывшей испанской певицы Эльвиры де Идальго.
В июле 1941 года в оккупированных немцами Афинах состоялся дебют Марии Каллас в Афинской опере в партии Тоски.
ПРЕЛЮДИИ.
Слово «прелюдия» в переводе означает «вступление». Сначала этим термином обозначали небольшой вступительный раздел перед главным изложением музыкального произведения. В XIX веке так стали называть маленькую самостоятельную пьесу, в которой воплощается настроение. Разнообразны прелюдии не только по содержанию (меланхоличные, певучие, бурно-стремительные, сосредоточенные, светлые, жизнерадостные), но и по форме. Несмотря на миниатюрность некоторых прелюдий, Ля-мажор, до-минор, эти произведения завершенные и совершенные. Первыми прелюдиями были произведения для лютни эпохи Возрождения. Это были короткие вступления, предшествовавшие крупным пьесам. Лютнисты часто играли прелюдии, чтобы проверить настройку инструмента или акустику помещения перед выступлением. В XVII веке во Франции начали появляться клавишные прелюдии: в качестве вступлений к частям клавесинной сюиты использовались прелюдии. Первым композитором, использовавшим такой жанр, стал Луи Куперен, после него клавесинные прелюдии без обозначения длительностей писали многие композиторы до первой половины XVIII века.
По мнению специалистов, Лопаткина уникальна и неповторима, она не только признанная исполнительница классического репертуара, но и балерина, для которой надо создавать оригинальные балеты. По своей индивидуальности Лопаткина, балерина большого стиля и полнометражных спектаклей. Очень высокая, статная, с прекрасным шагом и гибкими руками, словно созданная для балетных адажио, она стала самым значительным и масштабным Лебедем Мариинской сцены в конце 1990-х гг.
В 1990 году, будучи студенткой предвыпускного класса, Лопаткина приняла участие в конкурсе имени А.Я. Вагановой. Лопаткина получила первую премию. Было очевидно – рождается неординарное дарование. На выпускном спектакле в 1991 году Ульяне доверили партию «Теней» из «Баядерки». Это – высший пилотаж, сложнейшая партия. Стройная, хрупкая воспитанница привлекала осмысленностью танца и затаенностью, которая чудилась в ее исполнении.
В труппе Мариинского театра, куда Лопаткина была принята по окончании училища, ей сразу стали поручать сольные партии. Ее высокий рост придавал то пикантность, то величавую значительность героиням.
Лопаткина начала с Жизели. Работа увлекала; сложности были, но они не отпугивали. В 1994 году Лопаткина дебютировала в роли Одетты–Одиллии в балете «Лебединое озеро». В работе над спектаклем ей очень помог А. Лиепа. И не только в сложных дуэтах, где его опыт партнера оказался бесценен. Важно было его ощущение особенностей пластики. Это помогало найти свое решение, особенно выразительные нюансы.
Дебют Лопаткиной в этом спектакле стал заметным событием. Удивляли зрелость мысли и техническая отработка. Особенно удалась ей грустная Одетта – замкнутая, погруженная в печальные мысли. Она вовсе не стремилась покинуть свой заколдованный мир. Словно боялась вновь вступить в жизнь реальную, столь опасную и обманчивую.
Внутренняя сосредоточенность, погруженность в себя особенно привлекательны в танце балерины. Она как бы чуть отстраняется от зрителя, не впускает его в свой внутренний мир и становится от того еще загадочней и глубже. Образы героинь таинственных Лопаткиной удаются чрезвычайно.
В главных ролях:
Одетта- Одилия - Ульяна Лопаткина
Принц Зигфрид - Данила Корсунцев
Мать Зигфрида - Александра Гронская
Ротбард - Илья Кузнецов
Шут - Андрей Иванов
Немного о не совсем обычном начале пути к славе Святослава Рихтера.
Учитель Рихтера, Генрих Густавович Нейгауз, рассказал однажды о первой встрече со своим будущим учеником: «Студенты попросили прослушать молодого человека из Одессы, который хотел бы поступить в консерваторию в мой класс.
— Он уже окончил музыкальную школу?— спросил я.
— Нет, он нигде не учился.
Признаюсь, ответ этот несколько озадачивал. Человек, не получивший музыкального образования, собирался в консерваторию!.. Интересно было посмотреть на смельчака.
И вот он пришел. Высокий, худощавый юноша, светловолосый, синеглазый, с живым, удивительно привлекательным лицом. Он сел за рояль, положил на клавиши большие, мягкие, нервные руки и заиграл.
Играл он очень сдержанно, я бы сказал, даже подчеркнуто просто и строго. Его исполнение сразу захватило меня каким-то удивительным проникновением в музыку. Я шепнул своей ученице: «По-моему, он гениальный музыкант». После Двадцать восьмой сонаты Бетховена юноша сыграл несколько своих сочинений, читал с листа. И всем присутствующим хотелось, чтобы он играл еще и еще...
С этого дня Святослав Рихтер стал моим учеником» (Нейгауз Г. Г.)
Путь Давида Ойстраха к вершине искусства был вовсе не легким. Его творческий дебют в Москве состоялся, когда музыканту было 27 лет — возраст, излишне солидный для скрипача-дебютанта. Несмотря на позднее начало, Давид Ойстрах спустя всего несколько лет стал не только первой скрипкой мира, но и тем человеком, чье творчество сыграло исключительную роль в становлении мировой скрипичной школы. Одним из первых на планете он попробовал одновременно играть на скрипке и дирижировать оркестром, то есть исполнять музыкальные произведения так, когда игра скрипача-солиста является в то же время и указаниями дирижера. Музыкальные эксперименты Ойстраха потрясли искушенных знатоков музыки во всем мире...
Давид Федорович Ойстрах родился в Одессе 30 сентября 1908 года. Его отец, служащий, был большим любителем музыки. Мать пела в хоре оперного театра. Впервые мальчика привели в театр в 4-летнем возрасте, и впечатления от этого визита остались у него на всю жизнь. «Ощущение «звучащего чуда» никогда не изгладится из моей памяти,— писал Давид Ойстрах.— Нельзя не пожалеть, что современные дети, привыкшие с пеленок к звукам, доносящимся из репродукторов, лишены этого необычайного ощущения, этой радости — впервые услышать «живой» оркестр...»
Как многогранна музыка!
Как юно Она, звуча сквозь времени пласты,
В сердцах людских затрагивает струны
Любви, печали, памяти, мечты.
Ирина Волобуева
Встал пианист и танец назвал.
И на глазах у всех
К Вам я сейчас иду через зал.
Я пригласить хочу на танец Вас,
И только Вас,
И не случайно этот танец – вальс.
Вихрем закружит белый танец,
Ох, и услужит белый танец,
Если подружит белый танец нас.
Вальс над землёй плывёт,
Добрый, как друг, и белый, как снег,
Может быть, этот вальс
Нам предстоит запомнить навек.
Я пригласить хочу на танец Вас…
Это цитата сообщения repman Оригинальное сообщение
Этюды любят и знают любители музыки и все ,без исключения, пианисты. Жанр этюда известен с XVIII века. Этюд в музыке, инструментальная пьеса, основанная на использовании какого-либо технического приема игры и предназначенная для развития исполнительской техники. Обычно этюды объединяются в сборники, которые включают пьесы, способствующие приобретению разнообразных технических навыков
Высокую художественную ценность имеют этюды для фортепьяно. Этюды- одна из наиболее распространенных музыкальных форм, пьесы-миниатюры предназначенные для усовершенствования
техники исполнителя. Этюд - яркая ,кратко выраженная мысль, настроение,картина,
событие и тд.. Трудно порой описать, какой содержательности ,какой выразительности и
глубины можно достичь в такой миниатюрной, да еще "технической"пьесе..
Фортепианные этюды сочиняли многие композиторы.
Как самостоятельный жанр этюд получил развитие в 19 в. в связи с расцветом виртуозного исполнительства, усовершенствованием музыкальных инструментов. В том же веке получает широкое распространение концертный этюд.
У каждого народа есть своя культура и свой язык, её характеризующий. Одна из ярких форм выражения народных чувств и ощущений – это песня. Как у всякого человека, так и у каждой песни есть своя история. Конечно же, не имеющие авторства народные песни рождаются или творятся какими-то конкретными личностями. Так и на русской земле, скорее всего, авторы народных песен были не те, чьим ремеслом было сочинять стихи и музыку, а простые граждане.
Песню, оставшуюся в народе на века, мог придумать обычный русский крестьянин или ямщик, мастеровой или служивый, мещанин или дворянин, работник или священник… Неизвестный сочинитель какой-нибудь любимой и популярной в наше время русской народной песни ни заботился, ни помышлял о том, чтобы его имя было увековечено в будущем. Впрочем, душа непризнанного творца, которая давным-давно оказала нам любезную услугу тем, что создала прекрасную народную песню, не беспокоясь об авторском праве, должна, наверное, в компенсацию испытывать необычайное блаженство от того, что многие русские люди поют её и в радости, и в горе многие годы. Вероятно, случалось так, что в какой-то очень радостный или горестный момент жизни от сильной эмоции не обладающий особыми талантами рядовой человек сумел своим духом осуществить художественный прорыв в создании уникальной мелодии и точно подходящей ей по смыслу текстовой идеи, и возникала из глубины русского сердца песня, которая сразу становилась народным шедевром и легко вживалась в целую нацию как нечто родное и близкое.
Лист вошел в историю симфонической музыки как создатель нового жанра – одночастной симфонической поэмы. Его название вызывает мгновенные ассоциации с атмосферой поэзии и наглядно отражает ту связь музыки и литературы, которая лежала в основе листовской эстетики (как известно, Лист был одним из самых убежденных сторонников программного творчества и синтеза различных искусств).
Симфоническая поэма воплощает конкретное программное содержание, порой очень сложное.
12 из 13 симфонических поэм Листа относятся ко времени расцвета его творчества , когда композитор был руководителем и дирижером придворного Веймарского театра.
Ноктюрн – характерный жанр романтичной музыки, разновидность лирической миниатюры – отличается своей оригинальной тематикой. Слово «ноктюрн» в переводе с французского означает «ночная песня» лирического, мечтательного характера. Французское слово nocturne в этом значении впервые применил Джон Филд в 1810-х годах, хотя итальянский термин notturno существовал ещё в XVIII веке и обозначал музыку, исполнявшуюся на открытом воздухе.
Жанр ноктюрна возник ещё в Средневековье. Тогда ноктюрном называли часть религиозной католической службы, исполнявшуюся на рассвете. Из числа сугубо религиозных жанров ноктюрн вышел в XVIII веке, превратившись в камерное произведение, исполняемое в ночное время на открытом воздухе. К современному пониманию жанра классический ноктюрн не имел никакого отношения.
Когда Рамо приступил к работе над «Галантной Индией», жанр «опера-балет» представлял собой хореографический дивертисмент (от французского фр. divertissement, буквально — увеселение, развлечение), состоящий из нескольких разнородных сцен с различным сюжетом, которые были объединены общим замыслом. Драматургический элемент в опере присутствовал минимально и был локализован в небольших ансамблях, речитативах и ариях.
Выбор композитором столь «модной» темы для своей первой оперы-балета нельзя назвать случайным. Тема сюжета — диковинный вымысел или экзотическая фантазия — обязательно должна была быть декоративно оформлена как можно более пышно, изящно, изысканно, ослепительно, одним словом — соответствовать галантному духу и манерам придворной жизни эпохи Людовика XV. Именно такие сюжеты в полной мере соответствовали господствующему стилю того времени — рококо, и как правило являлись основой оперы-балета.
В основу либретто «Галантной Индии» положена вымышленная амурная история, события которой разворачиваются в далёких заморских землях. География сюжета весьма экзотична — в каждом действии зритель переносится в новую часть света: в Первом выходе «Великодушный турок» — в Турцию, во Втором выходе «Перуанские Инки» — в Перу и в Третьем выходе «Персидский праздник цветов» (или «Цветы») — в Персию. Четвёртый выход «Дикари» был добавлен композитором только в 1736 году. Эта картина переносит зрителя к индейцам Северной Америки.
Это цитата сообщения Barucaba Оригинальное сообщение
Маленькие шедевры: Карл Мария фон Вебер "Анданте и Венгерское рондо"
Барон Карл Мария Фридрих Август (Эрнст) фон Вебер (18 или 19 ноября 1786, Ойтин — 5 июня 1826, Лондон) - одна из значительных фигур романтического направления. Его концерты являются основой репертуара для многих солирующих инструментов. Мимо его сочинения F-Dur, ор. 75, не проходит ни один профессиональный фаготист.
Первый исполнитель этого опуса фаготист Брандт обратил внимание на "Анданте и Венгерское рондо", предназначенное первоначально для альта (ор. 35). Вебер отметил в своём дневнике, что Брандт исполнял его с большим успехом. Сочинение значительно меньше концерта, вместе с тем, в нём много подкупающих особенностей - лирических, остроумных, дающих простор для демонстрации различных характерных приёмов игры именно для фагота. Это одна из тех мелодий, которые после прослушивания прочно удерживаются и крутятся в голове весь день...)
Klauss Thunemann - фагот
Нет такой области музыкального творчества, в которой Антон Рубинштейн не проявил бы себя. Им написано громадное количество фортепианных произведений, среди которых, пять концертов для фортепиано с оркестром. Из пяти фортепианных концертов, написанных композитором, сейчас чаще всего исполняется Четвёртый. Четвертый фортепианный концерт – несомненная творческая удача этого времени. Он написал много камерных произведений, скрипичный концерт, симфонии, различные увертюры и симфонические картины для оркестра, оратории, чуть ли не десяток опер и бесконечное количество романсов для пения. В общей сложности было написаро более трехсот сочинений. Во всех произведениях Рубинштейна щедрою рукой рассыпаны отдельные гениальные мысли, искреннее, неподдельное чувство и вдохновение.
В 1849 году, в возрасте 20 лет, Антон возвращается на родину, но через 5 лет снова уезжает за рубеж и с 1854 по 1858 год выступает там с концертами. Антон Рубинштейн целых полвека занимался концертной деятельностью и за это время завоевал мировую славу гениального пианиста-виртуоза. Он стал основоположником русской фортепьянной школы.
По инициативе Рубинштейна в 1859 году в Петербурге была создана концертная организация "Русское музыкальное общество", которое ставило своей главной задачей воспитание культуры музыкального восприятия широкого круга слушателей. В 1862 году в столице была открыта первая русская консерватория. В 1890 году А.Рубинштейн на собственные средства организовал в Петербурге первый Международный конкурс. Он положил начало практике международных соревнований в различных странах мира. Вслед за Петербургом консерватории открываются в Москве, Киеве, Казани. Работа в консерватории отнимала у Рубинштейна основное время, однако по вечерам он находил время для творчества. Симфонии, концерты, хоры, романсы – сочинения этого периода.
Фортепианный концерт №4.
Элегическое трио №2 in D-minor "Памяти великого художника" П.И.Чайковского.
Небольшой период русской истории начала XX века принято называть
«серебряным веком» или «русским духовно-культурным ренессансом».
«Серебряный век» глубоко изменил облик музыкального искусства. Уже в
1900-е годы выдвигается поколение композиторов – представителей нового
времени. На их творчество повлияло обновленное мироощущение, драматизм
и накал страстей рубежа веков. Из композиторов, причастных к новому веку,
но не отвергавших прежнее мировоззрение, выделяется личность С.В.
Рахманинова.
Родившись в XIX веке, Рахманинов был сыном «русского
духовного ренессанса». Стиль его складывался под влиянием московской
композиторской школы, прежде всего – П.И. Чайковского.
Не только связь времен определила общность творческих устремлений,
но и, исходя из биографий композиторов, крепкая мужская дружба и
творческое сотрудничество, когда Рахманинов учился в Московской
консерватории, а Чайковский был ее профессором. Рахманинов восхищался
лирико-трагедийной музыкой своего учителя и отрицательно воспринимал
всякую критику в адрес его музыки. Чайковский сыграл важную роль в
определении дальнейшего композиторского пути Рахманинова, только еще
делающего первые попытки сочинения в 90-е годы. Посещение репетиций,
советы, поддержка, милые шутки ясно показывали его симпатию к
Рахманинову. На премьере Рахманиновской юношеской оперы «Алеко»
Чайковский, «высунувшись из ложи, аплодировал изо всех сил по своей
доброте, он понимал, как это должно было помочь начинающему
композитору».
Это цитата сообщения justvitek Оригинальное сообщение
Цитаты Уильяма Шекспира
Цитаты Уильяма Шекспира, остающиеся актуальными по сей день.
1. Совсем не знак бездушья — молчаливость. Гремит лишь то, что пусто изнутри.
2. Так сладок мед, что, наконец, он горек. Избыток вкуса убивает вкус.
3. Мы раздражаемся по пустякам, когда задеты чем-нибудь серьезным.
4. Природа-мать мудра, да сын безмозглый.
5. Где мало слов, там вес они имеют.
6. Любовь бежит от тех, кто гонится за нею. А тем, кто прочь бежит, кидается на шею.
7. Глупость и мудрость с такой же легкостью схватываются, как и заразные болезни. Поэтому выбирай себе товарищей.
8. Ад пуст. Все черти здесь.
9. Большинство людей предпочитают глупость мудрости, ибо глупость смешит, а мудрость печалит.
10. Мужчины похожи на апрель, когда ухаживают, и на декабрь, когда уже женаты.
11. Надежда на наслаждение почти так же приятна, как и само наслаждение.
12. Не слишком разжигайте печь для своих врагов, иначе вы сгорите в ней сами.
13. Успех острого слова зависит более от уха слушающего, чем от языка говорящего.
14. Что значит имя? Роза пахнет розой, хоть розой назови ее, хоть нет.
15. У каждого безумия есть своя логика.
16. Влюбиться можно в красоту, но полюбить — лишь только душу.
17. Ворона грязью перемажет крылья. Никто и не заметит всё равно. А лебедь, несмотря на все усилья, Отмыть не сможет с белизны пятно…
18. Одним взглядом можно убить любовь, одним же взглядом можно воскресить её.
19. Трус умирает при каждой опасности, грозящей ему, храброго же смерть настигает только раз.
20. Бедное раздавленное насекомое страдает так же, как умирающий гигант.
21. Три правила достижения успеха: знать больше, чем остальные; работать больше, чем остальные; ожидать меньше, чем остальные.
22. Нет ничего ни плохого, ни хорошего в этом мире. Есть только наше отношение к чему-либо.
23. Самое лучшее — прямо и просто сказанное слово.
24. Клятвы, данные в бурю, забываются в тихую погоду.
25. Грехи других судить Вы так усердно рвётесь — начните со своих и до чужих не доберётесь.