Это цитата сообщения Barucaba Оригинальное сообщение
Он принял бой неравный
В ущелье Фермопил
И с горсточкою славной
Отчизну заслонил.
Дж. Г. Байрон
Когда эти триста выступали из Спарты, дрогнуло сердце даже у спартанских старейшин. Они сказали Леониду: "Возьми хотя бы тысячу". Леонид ответил: "Чтобы победить - и тысячи мало, чтобы умереть - довольно и трёхсот".
Концерт для кларнета с оркестром.
Гениальная музыка Моцарта светлая, чистая и необычайно искренняя. Не случайно австрийского композитора Вольфганта Амадея Моцарта во всем мире называют «солнечный композитор»
А. С. Пушкин в своей маленькой трагедии «Моцарт и Сальери» вложил в уста Сальери, следующие замечательные слова, характеризующие музыку Моцарта: «Какая глубина! Какая смелость, и какая стройность!» В этой лаконичной оценке отмечены лучшие качества музыки великого композитора.
П. И. Чайковский писал в одном из своих дневников: «По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере музыки. Никто не заставлял меня плакать, трепетать от восторга, от сознания близости своей к чему-то, что мы называем идеал, как он».
Моцарт«Вечный солнечный свет в музыке, имя тебе «Моцарт», — воскликнул А. Г. Рубинштейн в своей книге «Музыка и ее представители». Современные ученые решили своими научными методами выяснить, что же такое притягательное есть в музыке Моцарта, в чем ее уникальность.
Независимые исследования проводились во всем мире многочисленными медиками, психологами и другими специалистами. Все они в итоге пришли к одному — произведения Моцарта не только стройная, глубокая и солнечная музыка, она обладает уникальным лечебным эффектом. Возможно, Моцарт, будучи музыкальным Гением от Природы, стал композитором уже в возрасте 4-х лет, что привнесло в его музыку чистое детское восприятие, которое подсознательно чувствуют все “почитатели” его творчества – в том числе и самые маленькие слушатели.
http://zerkalodyshi.ru/muzyka-motsarta/
Каролина Эстерхази — муза Шуберта
Опубликовано: 1 апреля 2012 г.
Азарий Мессерер
Нью-Йорк, США
Фантазия Шуберта фа-минор для четырех рук — среди моих любимейших произведений. С тех самых пор, когда «на заре туманной юности» мне довелось услышать ее в доме Мстислава Ростроповича в исполнении двух великих музыкантов — Святослава Рихтера и Бенджамина Бриттена. Это случилось в начале 60-х годов прошлого века, но только теперь я остро осознал, как мне тогда повезло! Слава пригласил меня переводить на обеде в честь приехавшего на гастроли английского композитора Бриттена. После обеда состоялся импровизированный концерт. Исполнение фантазии произвело на меня ошеломляющее впечатление, да и сами исполнители остались, по-видимому, настолько довольны своим дуэтом, что тогда же решили сделать профессиональную запись. Фантазия in F minor D.940 для фортепиано в четыре руки сочинена Шубертом в 1828 году всего за девять месяцев до его трагической смерти, с посвящением Каролине Эстерхази. По популярности у меломанов это посвящение, пожалуй, стоит наравне с хрестоматийным пушкинским «Я помню чудное мгновенье» — Анне Петровне Керн.
[показать]Любовь Франца Шуберта к Каролине не была любовью с первого взгляда: ей было 13 лет, когда он впервые ее увидел. Для сравнения — ведь и пушкинская Татьяна была еще девочкой, отправляя Онегину то незабвенное письмо. С той колоссальной разницей, что между пушкинскими героями не стояло никаких сословных преград, Шуберта же наняли рядовым, «безродным» учителем музыки в дом графа из едва ли не знатнейшего венгерского рода. Обитал он вместе с другими слугами в «людской», жаркой, душной комнате, по соседству с кухней.
Но сословные комплексы не сильно его мучили. Наоборот, Шуберт очень обрадовался, получив по протекции поэта Иоганна Карла Унгера первую и, надо сказать, единственную платную музыкальную должность в своей жизни. Радовала, прежде всего, перспектива ухода из-под опеки деспотичного отца, директора школы, и вынужденной, навязанной ему против желания участи преподавать арифметику и прочие далекие от музыки предметы. Свобода и самостоятельность — такова была его заветная мечта на том переломном этапе. Главное же — у Эстерхази можно будет полностью предаться любимому искусству.
В этом радостном предвкушении отправился 19-летний юноша в далекое путешествие к замку Иоганна Карла Эстерхази фон Галанта.
Погружение Шуберта в музыку было здесь полным: он учил дочерей графа игре на фортепиано, сочинял музыку для домашних концертов, аккомпанировал певцам и наигрывал танцевальные мелодии гостям, исполнявшим придворные танцы.
Члены семейства Эстерхази обладали хорошими голосами и умели играть на разных инструментах. Сам граф, человек, по определению Шуберта, довольно грубый, пел басом, жена его — контральто, старшая дочь Мария, прекрасная пианистка, пела партию сопрано, друг семьи барон Карл фон Шёнстейн — партию тенора. А у Каролины голос был нежный, но еще слабый, так что она пела вместе с матерью, графиней Розиной, партию контральто.
Самое прекрасное из всех искусств, балет, рассказывает об историях любви и смерти языком понятным всем людям на Земле. Непреходящие ценности, повторяющиеся преступления и чудеса веры, клятвы и долга находят свое выражение в танцах. «Сначала было Слово», - говорит Библия, но Майя Плисецкая возражает: «Сначала был жест!». Искусство безмолвного движения не требует человеческого языка и перевода. Красота тела в движении, тело как инструмент создания искусства, теперь сами по себе служат «сюжетами» для бессюжетных танцев. Балет невозможен без техники классического танца, без природы тела, без жертвы и безусловной любви, без пота и крови. И всё же балет – это совершенное движение, которое заставляет забыть обо всём мелочном и земном.
Краткая история русского балета.
Первое балетное представление в России состоялось на масленицу 17 февраля 1672 года при дворе царя Алексея Михайловича в Преображенском. Перед началом спектакля на сцену вышел актёр, изображавший Орфея, и пропел немецкие куплеты, переведенные царю переводчиком, в которых превозносились прекрасные свойства души Алексея Михайловича. В это время по обе стороны Орфея стояли две украшенные транспарантами и освещенные разноцветными огнями пирамиды, которые после песни Орфея начали танцевать. При Петре I в России появляются танцы в современном значении этого слова: были введены менуэты, контрдансы и т. п. Им был издан указ, согласно которому танцы стали основной частью придворного этикета, а дворянская молодёжь была обязана обучаться танцам. В 1731 году в Петербурге был открыт Сухопутный шляхетный корпус, которому суждено было стать колыбелью русского балета. Так как выпускники корпуса в будущем должны были занимать высокие государственные должности и нуждались в знаниях светского обхождения, то изучению изящных искусств, в том числе и бального танца, в корпусе отводилось значительное место. 4 мая 1738 года французский танцмейстер Жан Батист Ланде открыл первую в России школу балетного танца — «Танцо́вальная Ея Императорского Величества школу» (ныне Академия русского балета имени А. Я. Вагановой).
Это цитата сообщения Kandy_sweet Оригинальное сообщение
Красивый и зеленый остров Пакси (Paxos). Греция
Зеленый, холмистый и все еще почти неиспорченный деятельностью человека островок Пакси (Paxoi, Paxi, Paxos) лежит практически напротив одного из самых живописных городов материковой Греции - Парга.
Пакси - самый маленький из главных Ионических островов - всего 12 на 4 км, и при этом он совершенно не имеет хороших песчаных берегов и исторических участков, здесь всего три гостиницы, и ощущается серьезная нехватка воды. И все же он настолько популярен у туристов, что его лучше избегать в разгар сезона. Причина тому - обилие хороших яхтенных стоянок, небольших бухт и красивых ландшафтов, что сделало остров своеобразной Меккой поклонников путешествия под парусом и одним из самых дорогих Ионических островов.
В 1979 году выдающийся скрипач-виртуоз Владимир Спиваков обратился к музыкантам первого состава «Виртуозов Москвы» со словами: «Мы собрались, чтобы любить людей и любить друг друга». Принципы существования легендарного товарищества музыкантов остаются незыблемыми и сегодня. И всегда на первом месте по значимости были и остаются не только профессиональность и мастерство, но и человеческие качества людей, высокая этика отношений.
Сегодня у музыкантов нет неосвоенных территорий культурного пространства.
С триумфом проходят концерты оркестра в европейских странах, в США, Канаде, Мексике, государствах Южной Америки, в Турции, Израиле, Китае, Корее, Японии и других. Музыканты выступают не только в лучших и самых престижных залах, но и в обычных концертных залах небольших провинциальных городов.
[589x350]
В разные годы с оркестром выступали выдающиеся музыканты, звезды мирового исполнительского искусства: Елена Образцова, Мстислав Ростропович, Владимир Крайнев, Иегуди Менухин, Хибла Герзмава, Мишель Легран, Гиора Фейдман,Миша Майский, Юрий Башмет, Михаил Плетнёв, Евгений Кисин, Денис Мацуев, и другие.
География гастрольных поездок «Виртуозов Москвы» чрезвычайно широка: она включает в себя все регионы России, а также постсоветское пространство. Совсем недавно оркестр завершил выступления по дальним регионам страны от Магадана и Сибири до Кавказа и Калининграда. Для артистов нет маленьких городов и маленьких концертов. Поездки по России бесценны.
Испанская тема не раз привлекала внимание европейских композиторов. Они разрабатывали ее в произведениях разных жанров и в некоторых случаях им удалось не только сохранить своеобразие национальной характерности, но даже предвосхитить искания испанских композиторов, помочь им найти новые пути. Иными словами — в других странах писали не только об Испании, но и для Испании. Так создавалась европейская музыкальная испанистика. К испанским фольклорным жанрам обращались композиторы разных стран. В XVII столетии Корелли написал скрипичные вариации «La folia» на испанскую тему, которая впоследствии обрабатывалась многими композиторами, в том числе Листом и Рахманиновым. «La foliа» Корелли явилась не только выдающимся произведением, сохранившим популярность и поныне, но и одним из краеугольных камней европейской музыкальной испанистики. На этой основе были созданы лучшие страницы европейской музыкальной испанистики. Они были написаны Глинкой и Листом, Бизе, Дебюсси и Равелем, Римским-Корсаковым и Шабрие, Шуманом и Вольфом. Перечисление этих имен говорит само за себя, напоминая о произведениях, известных каждому любителю музыки и вводящих в мир образов Испании, по большей части — романтических, полных красоты и поэзии, увлекающих яркостью темперамента.
Это цитата сообщения Galche Оригинальное сообщение
Мир птиц
Рубрику "Мир в фотографиях" продолжаю "миром птиц". Он очень разнообразный, интересный и красивый. В нем живут птицы с разным оперением, видом, обитанием, с их необычными голосами, щебетением, воркованием, криком и свистом. Это такой мир, где никогда не бывает тишины, к сожалению мы с вами не сможем послушать о чем они говорят и поют, но можем посмотреть небольшую часть маленьких пернатых друзей и полюбоваться их красивым оперением.
«Паяцы» — опера в двух частях с прологом итальянского композитора Руджеро Леонкавалло, написанная на собственное либретто. Премьера оперы состоялась в Милане 21 мая 1892 года.
Работа композитора над оперой была, как предполагается, вдохновлена успехом оперы Пьетро Масканьи «Сельская честь», к которой «Паяцы» близки и по тематике, и по музыкальному решению. Сюжет «Паяцев», по утверждению композитора, восходит к его собственным детским воспоминаниям: его отец, работавший судьёй, будто бы разбирал подобное судебное дело. Специалисты, однако, полагают, что сюжетная основа оперы заимствована из пьесы Катюля Мендеса, которую Леонкавалло мог видеть в 1887 году, когда жил в Париже. Первоначальное название оперы — «Паяц.» Единственное число было заменено на множественное непосредственно перед премьерой после того как исполнитель партии Тонио Виктор Морель заявил, что он не будет петь в опере, название которой не включает его персонажа.
(РУССКИЕ СУБТИТРЫ)
Год записи: 1982
Композитор: Руджеро Леонкавалло
Либретто: Руджеро Леонкавалло
Режиссёр: Франко Дзефирелли
Дирижёр: Джорджс Претре
В ролях:
Недда - Тереза Стратас
Канио - Пласидо Доминго
Тонио - Хуан Понс
[показать]
Государственный камерный оркестр «Виртуозы Москвы» — советский и российский оркестр. Создан в 1979 году. Основателем, главным дирижером, солистом и бессменным художественным руководителем оркестра является Владимир Спиваков. Практически с начала основания, начав выступления на международных фестивалях, оркестр получил мировое признание. В 1982 году оркестр получил официальное название «Государственный камерный оркестр Министерства культуры СССР „Виртуозы Москвы“». Начиная с 1989 года «Виртуозы Москвы» ежегодно принимают участие в Международном музыкальном фестивале в Кольмаре (Франция), артистическим директором которого является руководитель оркестра Владимир Спиваков. В 1990 г. по приглашению принца Астурийского оркестр уезжает в Испанию, продолжая при этом гастроли по России и всему миру. А в 1999 году коллектив окончательно возвращается на родину. С 2003 года репетиционной базой оркестра является Московский международный Дом музыки, одним из основателей которого является Владимир Спиваков.
Как всякий могучий талант. Верди отражает в себе национальность и свою эпоху. Он — цветок своей почвы. Он — голос современной Италии... Италии, взволнованной политическими бурями, Италии, смелой и пылкой до неистовства.
А. Серов
Верди — классик итальянской музыкальной культуры, один из самых значительных композиторов XIX в. Его музыке присуща неугасающая с течением времени искра высокого гражданского пафоса, безошибочная точность в воплощении сложнейших процессов, происходящих в глубинах человеческой души, благородство, красота и неисчерпаемый мелодизм. Перу композитора принадлежат 26 опер, духовные и инструментальные произведения, романсы. Самую значительную часть творческого наследия Верди составляют оперы, многие из которых («Риголетто», «Травиата», «Аида», «Отелло») звучат со сцен оперных театров всего мира уже более ста лет. Произведения других жанров, за исключением вдохновенного Реквиема, практически не известны, рукописи большинства из них утеряны.
Увертюра - инструментальная оркестровая пьеса, служащая вступлением к музыкальным (и не только) произведениям. Увертюра может открывать оперу, балет, хоровые выступления, кинофильм, драматическую театральную постановку, инструментальные композиции и др.
Увертюра к опере "Сила судьбы."
Adagio - итальянское слово, которое переводится как "медленно, спокойно".
Его переводили с итальянского как "покойно", "вольготно" и даже "удобно". Использовали для указания характера музыки. Словарь Броссара дает следующее толкование слову: "удобно, покойно, всегда медленно, растягивая тему, протяжно". Энергия сосредоточена в таком ровном и напряженном состоянии, а после переходит в страсть или в активную форму. В определенные времена слово означало "умеренный темп". В конце XVII века такое определение ему дали Перселл, Вольф, Броссар, Коррет.
В музыке это слово обозначает темп, в котором необходимо исполнять часть симфонии, сонаты, квартета или любого другого произведения. Часто словом Адажио обозначают одну из частей крупного произведения для симфонического оркестра или какого-нибудь инструмента. Оно указывает на достаточно медленный темп, который медленнее анданте, но живее ларго. Если композитор использует в своем сочинении часть "адажио", это является признаком таланта. В нем можно показать весь творческий потенциал. Образцами можно назвать Бетховена и Альбинони, адажио которые знает весь мир. Адажио – это способ сделать контраст между частями с быстрым и бурным темпом. Эту тему можно проследить в разных произведениях других композиторов. Именно эта часть стала самой волнующей и привлекающей внимание миллионов.
Творческое наследие Телемана, охватившее все известные в его эпоху жанры и формы, с трудом поддается учету. Полагают, что он написал за свою жизнь больше, чем Бах и Гендель вместе. Но значительная часть созданного им утеряна; время и превратности судьбы (В том числе пожары и разрушения, вызванные воздушными налетами во время второй мировой войны) пощадили едва ли половину того, что вышло из-под пера трудолюбивого мастера. Естественно, что при такой продуктивности, связанной с выполнением бесчисленных обязательств, служебных и внеслужебных, трудно было удержаться на неизменно высоком художественном уровне.
Это цитата сообщения Barucaba Оригинальное сообщение
Беседы о музыке. Моцарт, или О простоте, легкости, естественной ясности музыки и искусства вообще
Первая часть здесь
Часть вторая: Я всегда считал, что одна из самых очевидных черт гения или гениальности в любой области - это ясность и простота, доступность произведения искусства и самого художника для всех уровней восприятия. Художников, которые демонстрируют проделанное ими усилие, которые производят "трудное искусство" - искусство тёмное, сложное, надуманное, для многих непонятное, я не люблю. Может быть, это личная особенность, но для меня это важно. Я люблю искусство "ясное", "кажущееся" самой простой вещью в мире, чем-то таким, что мог бы сделать всякий, потому что оно создано для всех. А "всякий" - значит, все: и большинство, и меньшинство. Моцарт - композитор универсального дарования, сложный, глубокий. Трудный, даже невероятно трудный, в том числе и с "исполнительской" точки зрения - возьмём ли мы отдельные инструменты, или разные группы оркестра, или голоса, или "ансамбль" в целом. Он труден для интерпретатора. Труден для понимания, для понимания его до самой глубины (хотя я знаю, что "самая глубина" вообще недостижима, и не только у Моцарта).
МОЦАРТ. СОНАТА ДЛЯ ФОРТЕПИАНО №13 СИ-БЕМОЛЬ МАЖОР (1783) KV333. Allegro
В конце 1938 года на экраны вышла музыкальная кинолента Жюльена Дювивье «Большой вальс» — романтизированная биография Иоганна Штрауса, в которой роль певицы Карли Доннер блестяще сыграла красавица Милица Корьюс.
«Большой вальс» был одним из немногих западных картин, которую допустили тогда на широкий прокат в бывшем СССР. Просмотрев ее, Сталин дал команду художникам создать подобную для советских кинозрителей. За это брались, но никакие ленты, к которым писал хорошую музыку Исаак Дунаевский, не могли сравниться с «Большим вальсом». Он часто выходил на экраны и после войны, а также в 60-х годах прошлого века.
Милица Корьюс стала кумиром многих людей, символом красоты. Увидев ее на экране, услышав ее несравненный очаровательный голос, люди внутренне просветлялись и на некоторое время забывали о своей нелегкой жизни. Впервые на экраны «Большой вальс» вышел в ужасные годы сталинских репрессий.
О жизни и творчестве нашей современницы Милицы Корьюс до недавнего времени имелись скупые сведения в основном из энциклопедических изданий. Ее становление как певицы проходило в Украине, а свое вокальное мастерство она впоследствии совершенствовала в Эстонии, а потом в Германии.
Отец Милицы - Уэллс Артур Корьюс, швед по происхождению, был коренным таллиннцем, отличался большой работоспособностью и настойчивостью в достижении поставленной цели. Он владел несколькими языками, любил музыку и мастерски играл на скрипке. Эти черты отца унаследовала и его самая любимая дочь Милица. Она считала его своим первым учителем музыки. Отец рано обратил внимание на удивительные вокальные способности Милицы, потому что у той был абсолютный слух, блестящая музыкальная память.
По некоторым сведениям, Милица принимала в 1927 году участие в отборочном конкурсе и была принята в «Думку» Городовенко. Бесспорно, что ее редкий голос среди сопрановых партий украшал капеллу. С ней Милица провела поездки по городам и селам Украины.
Милица прожила в Киеве более 10 лет и, конечно, не могла не полюбить этот красивый, утопающий в зелени древний город.
Переписка с отцом усиливала ее ностальгические настроения. В конце 1928 года Милица решается ехать в Эстонию, где раньше не была. Сообщила о своем решении Н. Городовенко. Как пишет в своих воспоминаниях Ф. Федоренко, тот дал ей денег и благословил в дальний путь, не надеясь, что они когда-то увидятся... Останься Милица и далее в «Думке», неизвестно как бы сложилась ее дальнейшая судьба. В 1937—1938 годах в капелле произошла большая «чистка» и не исключено, что энкаведисты легко узнав о «буржуазном» происхождении Милицы, в лучшем случае, отправили бы ее в лагерь. Одобрив намерения Милицы вернуться на родину, Н. Городовенко, по существу, спас ее от репрессий.
...В тихом Таллинне жизнь шла спокойно и размерено. На родине отца Милица несколько пришла в себя после пережитого ею в Украине, где она увидела в свои юные годы немало горя, принесенного разрушительной революцией и гражданской войной.
Это цитата сообщения Barucaba Оригинальное сообщение
Бельгийский скрипач и композитор Шарль Огюст де Берио
Скрипка – один из самых загадочных инструментов. Никакой другой инструмент не изучали так много, долго и тщательно, как скрипку. Давайте послушаем эту «таинственную особу», очень хрупкую и изящную и в то же время сильную и яркую. Её голос, почти человеческий, глубокий, насыщенный, теплый со множеством оттенков, а характер звучания – гибкий, способный как угодно изменяться от быстрого речитатива до нежнейшего пения. Скрипка, как и голос, умеет выражать любые человеческие чувства. Она ведёт фразы, берёт дыхание, меняет громкость на длинных нотах. Однако, чтобы она зазвучала, нужны талантливые музыканты. Только с их помощью мы можем наслаждаться удивительным звуком прекрасного инструмента и скрипка может радовать нас своим чарующим голосом.
Концерт для скрипки с оркестром № 7 (Соль мажор)
Шарль Огюст де Берио (20 февраля 1802, Лувен - 8 апреля 1870, Брюссель) - бельгийский скрипач, композитор и педагог. Основатель бельгийской скрипичной школы. Ученик А. Робберехта.
В музыке «Спартака», одного из лучших произведений Хачатуряна, воплотились наиболее яркие особенности его творчества: броские, запоминающиеся образы, пышные и блестящие массовые сцены, своеобразная мелодика, в которой европейские черты органично сочетаются с восточными интонациями. Музыкальная драматургия балета основана на резких контрастах, но при этом отличается внутренней цельностью и направлена на раскрытие основной идеи.
Сцена, Адажио Фригии и Спартака — одна из вдохновеннейших страниц в творчестве Хачатуряна, гимн верности, дружбы и любви. Музыка Адажио воплощает этически высокий строй мыслей и душевных переживаний Спартака и Фригии: их взаимную любовь, тоску по родине, волю к борьбе, мечту о свободе. Возвышенная лирика сочетается здесь с гражданским пафосом. Сдержанная, как бы затаенная мелодия вначале, она становится во втором проведении взволнованнее, напряженнее, воплощая восторженное излияние чувств. Все более расширяется мелодический диапазон темы, экспрессивнее становится сопровождение, нежно опевают мелодию ласковые подголоски гобоев и кларнетов, В третьем проведении тема любви сливается с интонациями мотива Спартака, звучащими мягко и ласково. Сама же тема любви на мгновение несколько омрачается, в ней появляются печальные интонации. Слышатся отголоски сигналов, призывных интонаций и наконец, после большого crescendo, наступает последнее кульминационное проведение темы любви —ее апофеоз,
Адажио из Балета "Спартак."
Адажио в исполнении Е.Максимовой и В.Васильева.
«Великие люди – это метеоры, сами себя сжигающие, дабы осветить мир»
Наполеон Бонапарт
…Сороковые годы прошлого теперь уже века. Весна, посевная. На полевом стане в одном из колхозов области короткая передышка – агитбригада приехала с концертом. Молодой парнишка с баяном поет колхозникам про розу, которая "цвела, чудесной прелести была полна". Мощный, хотя еще не устоявшийся его голос привел зрителей в полный восторг, и когда парня на импровизированной сцене сменил другой самодеятельный артист, народ забеспокоился: "А где же тот конопатенький мальчик?"... "Конопатенький мальчик" вырос через несколько лет в великого певца, народного артиста СССР, лауреата Государственной премии СССР, виртуозного исполнителя классических оперных арий, романсов и эстрадных песен. Сведения из его биографии занесены в Большую советскую энциклопедию. Юрий Гуляев родился 9 августа 1930 года в Тюмени. Это все о нем, о Юрие Гуляеве, о простом парнишке из Тюмени... так уж складывалось во все времена: дорога к славе и признанию дается проще столичным жителям, особенно тем, кто может рассчитывать на поддержку влиятельных людей. Тюмень же в те годы была для музыкального мира далекой провинцией… Откуда бы взяться и влиятельным покровителям: семья Гуляевых жила скромно. Но было в их доме нечто большее – атмосфера любви, безусловного уважения друг к другу и… музыка. Были в семье патефон, коллекция пластинок, пели родители – мама Вера Федоровна и отец Александр Матвеевич. У дома на улице Шверника (ныне Немцова), где жили Гуляевы, частенько собирались соседи на своеобразные музыкальные вечера. Вспоминает Вера Ивановна Гурьева: "Мы с Юрой жили и росли на одной улице. Родители наши дружили, и мы, дети, тоже всегда были вместе. Когда отец купил Юрию гармошку, стали мы собираться у их дома. Юра садился на табуретку и начинал потихоньку петь: "Вот мчится тройка почтовая". Мы сначала слушали, потом, осмелев, начинали подпевать. Такое это было для нас счастье, ведь "свой" гармонист по тем временам — большая редкость…" Первое публичное выступление Гуляева: на школьном вечере рискнул исполнить арию Ленского, разученную с патефонной пластинки. Успех был безоговорочный – шквал аплодисментов. Классный руководитель Зинаида Александровна Наумова прочила Юрию великое будущее и настоятельно советовала серьезно учиться музыке. Он учился, успевая потрясающе много: обычная школа, "музыкалка", концерты художественной самодеятельности и работа аккомпаниатором… Потом были годы учебы в Уральской государственной консерватории им. М.П. Мусоргского. Из воспоминаний А. Проскурякова, члена Союза композиторов СССР, заслуженного работника культуры РСФСР: "Тяжелые послевоенные годы. Мало кто вернулся в консерваторию после военного лихолетья. Особенный дефицит абитуриентов был на вокальном факультете с мужскими голосами. Решили сделать прослушивание и прием в консерваторию на вечернее отделение. Я присутствовал на первом прослушивании. Обратил внимание на двух высоких парней, фланирующих по коридору. Один был Борис Штоколов, второй – Юрий Гуляев. Обоих зачислили в консерваторию".
Это цитата сообщения Антонов_Николай Оригинальное сообщение
КИТАЙ...
Фото Кирина Елизавета.
Провинция Юньнань...
[показать]
Тема природы издавна привлекала музыкантов. Природа дарила музыке звуки и тембры, которые слышались в пении птиц, в журчании ручьёв, в шуме грозы.
Звукоизобразительность как подражание звукам природы можно найти уже в музыке XV века.
Изображение природы в искусстве никогда не было простым её копированием. Как бы ни прекрасны были леса и луга, как бы ни манила художников стихия моря, как бы ни очаровывала душу лунная ночь - все эти образы, будучи запечатлёнными на холсте, в стихах или звуках, вызывали сложные чувства, переживания, настроения. Природа в искусстве одухотворена, она печальна или радостна, задумчива или величава; она такова, какой видит её человек.
Постепенно помимо подражания звукам природы музыка научилась вызывать зрительные впечатления. В ней природа не только зазвучала, но и заиграла красками, цветами, бликами - стала зримой.
Есть даже такое выражение - «музыкальная живопись». Это выражение композитора и критика А. Серова не просто метафора; оно отражает возросшую выразительность музыки, открывшей для себя ещё одну образную сферу – пространственно-изобразительную. Природа-это источник вдохновения для художников, музыкантов, поэтов.
Источником вдохновения для Рахманинова служили разнообразные импульсы, исходящие от реальной жизни, красота природы, образы литературы и живописи. «...Я нахожу, — говорил он, — что музыкальные идеи рождаются во мне с большей легкостью под влиянием определенных внемузыкальных впечатлений».