Карл Черни родился в семье пианиста и педагога Венцеля Черни, ставшего первым учителем Карла. Под его руководством Карл начал концертировать в 9-летнем возрасте.
До 1815 года вёл концертную деятельность: ему Людвиг ван Бетховен доверил исполнение своего Третьего фортепианного концерта. Однако в 1815 году Черни прекратил фортепианное исполнительство и сосредоточился на педагогике и композиции. Работал преимущественно в Вене.
В середине XIX века Карл Черни считался одним из крупнейших преподавателей игры на фортепиано.
Творческое наследие Карла Черни насчитывает больше 1000 опусов, состав некоторых приближается к 50 и более номерам. Также Черни создал множество литературно-методических книг, посвящённых проблемам преподавания игры на фортепиано. Помимо собственных сочинений, Карл Черни создал собственные редакции «Хорошо темперированного клавира» И. С. Баха и сонат Доменико Скарлатти, а также опер, ораторий, симфоний и других оркестровых произведений.

Принятое многими языками греческое слово фантазия, означает "воображение", "представление". К фантазиям мы относим и мечту, и выдумку, и нечто неправдоподобное.

[показать]Горы Морн — сказочная горная гряда Ирландии

****

“Я видел пейзажи (в горах Моурн), которые, при особенном освещении, вызывали у меня чувство,что из-за ближайшей гряды в любой момент может показаться голова великана,”  (К.С. Льюис)

****

Для уроженца Белфаста Клайва Стейплса Льюиса, более известного как К.С. Льюис, горы Моурн были источником удовольствия. Писатель вырос окруженный прозрачным воздухом гор Моурн, а его воображение было вдохновлено этими местами на создание мира Нарнии, описанного в принадлежащем его перу шедевре Лев, Колдунья и платяной шкаф.  

Северная Ирландия является одним из самых популярных туристических объектов мира. Красота местных ландшафтов действительно просто потрясает.

Живописные холмы и вершины, стада овец, пасущихся в тишине гор, пейзажи, открывающиеся с горных гряд и, конечно, Ирландское море, известное с самых древних времен под названием Ибернийский океан.  

Перси Френч пел о том, как "горы Моурн спускаются к морю", и с этим не поспоришь. Но они интересны не только этим 

Музыка Л. Минкуса была написана для постановки балета «Дон Кихот» в московском Большом театре балетмейстером Мариусом Петипа. Первое представление состоялось 14 декабря 1869 года в Большом театре.

В романе Сервантеса образ печального рыцаря Дон Кихота, готового на любые подвиги и благородные поступки, является основой сюжета. В балете Дон Кихот является второстепенным персонажем, а сюжет сосредотачивается на любовной истории Китри и Базиля, исполняющих свои вариации на городской площади. Опытный капельмейстер Людвиг Минкус был отличным знатоком балетного ремесла, его признавали балетным композитором. Его искрящаяся, как шампанское музыка радовала слух и заставляла пускаться в пляс. Петипа подхватил такое настроение, материалиазовав эту жизнерадостность во множестве испанских и цыганских  танцев, подлинные названия которых — шика, морена и зингара.

Орфей - таинственный образ, который встречается в целом в ряде греческих мифов. Это символ музыканта, силой звуков покоряющего мир. Он способен перемещать растения, животных и даже камни, а также вызывать у богов преисподней (подземного мира) не свойственное им сострадание. Образ Орфея символизирует также преодоление отчужденности. Этого певца можно рассматривать как олицетворение силы искусства, содействующего превращению в космос хаоса. Благодаря искусству создается мир гармонии и причинности, образов и форм, то есть "человеческий мир".

[показать]

По преданию, Орфей, сын музы Каллиопы, жил в древней Фракии. Слава о божественном даре певца и музыканта распространилась по всей округе. Говорили, будто природа наделила его магической силой, которой покорялись люди и даже боги.
Вся природа зачарованно внимала дивному пению и звукам кифары» — повествуют мифы.
 Любовь всесильна: нет на Земле ни горя выше кары ее, ни счастья выше наслажденья служить ей", — написал 400 лет назад великий сердцевед Уильям Шекспир. Но даже его героям неведомы были испытания, через которые довелось пройти их легендарным предшественникам, чтобы вновь обрести и... потерять друг друга. С тех незапамятных времен миф об Орфее и Эвридике считается одной из самых знаменитых историй о любви. Прошли тысячелетия, но история их любви, таинственная и печальная, не перестает волновать чувствительных поэтов, впечатлительных художников и сентиментальных композиторов. Впервые этот миф упоминается в сочинениях Публия Овидия Назона, крупнейшего римского поэта. "Метаморфозы" - книга, которая является основным его трудом. В ней Овидий излагает порядка 250 мифов о превращениях героев и богов древней Греции. Изложенный этим автором миф об Орфее во все эпохи и времена привлекал поэтов, композиторов и художников. Практически все его сюжеты представлены в живописи Тьеполо, Рубенса, Коро и других. По этому сюжету создано множество опер: "Орфей" Монтеверди, "Орфей в аду," оперетта Ж. Оффенбаха, "Орфей и Эвридика" К. В. Глюк, опера "Орфей и Эвридика или душа философа." Гайдна.

[показать]

Богема, итал. La Bohème — опера в четырёх актах Джакомо Пуччини. Луиджи Иллика и Джузеппе Джакоза написали либретто по произведению Анри Мюрже «Сцены из жизни богемы». Впервые опера была представлена публике 1 февраля 1896 года в туринском Teatro Regio, дирижировать пригласили Артуро Тосканини.

[700x393]

Персонажи. Голоса
Рудольф, поэт - тенор
Марсель, художник - баритон
Шонар, музыкант - баритон
Коллен, философ - бас
Бенуа, домохозяин - бас
Альциндор, государственный советник - бас
Мими - сопрано
Мюзетта - сопрано
Парпиньоль - тенор
Таможенный сержант - бас
«Богему» отличает отсутствие увертюры, опера разделена на 4 акта. Общая длительность составляет около 1 часа 50 мин. Богема является одним из самых значительных оперных произведений поколения композиторов следующего после Джузеппе Верди. Музыка и либретто составляют одно целое. Лирично-сентиментальная музыка в зависимости от сценария сменяется живыми, полными энергии темами.

[700x471]

В 1-м акте музыка полна молодого задора, она знакомит зрителя с романтичным поэтом Рудольфом и его друзьями. С появлением Мими музыка становится более нежной и хрупкой. Второй акт охарактеризован широким применением медных музыкальных инструментов, обозначившим уличные гуляния народа. Стремительный вальс вырисовывает образ Мюзетты. Свежая, утренняя музыка открывает 3-й акт, сменяется страданиями Мими, а затем постепенно приобретает драматический характер. Четвертый акт начинается с музыкальной темы, в которой слышится тоска по утраченному счастью. При появлении женщин музыка приобретает смятенный характер, сменяется на упоённый диалог возлюбленных и в конце выразительно окрашивается траурно-трагическими нотами.

Камерно-инструментальное творчество Моцарта представлено разнообразными ансамблями (от дуэтов до квинтетов) и произведениями для фортепиано (сонаты, вариации, фантазии). Фортепианная манера Моцарта отличается элегантностью, ясностью, тщательной отделкой мелодии и аккомпанемента.

[показать]

Жанр инструментального концерта был необычайно востребованным культурой XVIII века. Публика того времени ценила всё театрально-зрелищное, броское, блестящее, а именно эти качества заложены в самой природе концертного жанра (термин «концерт» происходит от латинского concerto – «состязаться»).
Концерт всегда привлекал внимание Моцарта, который вел очень активную артистическую деятельность. Это огромная и чрезвычайно интересная сфера его творчества. Особого расцвета она достигла в «венский период», в первой половине 80-х годов, когда композитор часто выступал в светских салонах и при императорском дворе, а также регулярно устраивал «академии» – концерты по подписке. Будучи автором множества инструментальных концертов (27 фортепианных, 5 скрипичных, 4 для валторны, 2 для флейты, а также концертов для гобоя, кларнета, фагота и т.д.), именно Моцарт придал концертному жанру классические черты.
В последнее, венское десятилетие своей жизни Моцарт предпринял несколько поездок, в том числе в Берлин, где он надеялся найти постоянное место службы (1789), и во Франкфурт на торжества по случаю коронации императора Леопольда II (1790; здесь Моцарт исполнил свой 26-й фортепианный концерт, получивший название «Коронационного»).

В 29.10.2008г самому красивому дуэту советского балета - Екатерине Максимовой и Владимиру Васильеву исполнилось 50 лет. По случаю рекордной для балета круглой даты в Большом театре прошел юбилейный фестиваль спектаклей, входивших в репертуар знаменитой пары, - "Дон Кихот", "Жизель", "Щелкунчик" и "Анюта", в котором в заглавной партии дебютировала ученица Максимовой Марианна Рыжкина, а Владимир Васильев сам вышел на сцену в роли отца Анюты Петра Леонтьевича.

Фестиваль завершился гала-концертом на Новой сцене Большого театра, а телеканал "Культура" показал фильм-балет по рассказу Антона Чехова "Анна на шее" с Екатериной Максимовой в роли Анюты.Своими размышлениями о великой паре поделился с "РГ" художественный руководитель балетной труппы Большого театра Алексей Ратманский:

Российская газета: Вы относитесь к другому поколению танцовщиков, но, конечно, застали пару Екатерины Максимовой и Владимира Васильева на сцене Большого театра. Каковы ваши первые воспоминания о них?

Алексей Ратманский: В 83-м году я увидел их в "Дон Кихоте". Надо сказать, что попасть на спектакль с их участием было тогда почти нереально - от метро до входа в театр сотни людей спрашивали лишний билетик. В школе про них много рассказывали: они и были небожителями, на которых молились будущие артисты. Помню, я попал на самую галерку и танцы видел очень вдалеке, но спектакль вверг меня в состояние эйфории на следующие несколько недель, и я переживал его снова и снова.

Главное воспоминание - натуральный экстаз публики, электричество, которое разрядами шло со сцены в зал и обратно, Васильев с Максимовой в луче света - сияющие и победные. А через 10 лет в Канаде, где я тогда работал, я увидел одно из последних их выступлений. Рядом со мной сидела бывшая балерина Большого Алла Щербинина. Когда они станцевали "Элегию" Рахманинова, она сказала: "Я думала, у меня сердце разорвется". Я чувствовал то же самое. Вот такое впечатление они производили.

Любовь Ромео и Джульетты живет в музыке прошлых времен и наших дней. Сменяются века, а люди не оставляют попыток выразить в звуках ее трагическую радость. Еще в 18 веке музыканты Германии и Франции посвящали свои произведения двум веронским влюбленным.
В 1830 году в Италии съехались молодые музыканты, посланные для усовершенствования из разных стран. Из Германии прибыл Феликс Мендельсон. Из России приехал Михаил Глинка. Франция прислала Гектора Берлиоза. На вилле Медичи, где жили стипендиаты Франции, велись бесконечные споры. Молодые французы воевали против застоявшихся авторитетов и собирались прорубать в искусстве новые пути. Самым яростным спорщиком был, конечно же, Гектор Берлиоз. В кафе Греко, излюбленном артистической молодежью, которая съезжалась в Рим со всех концов света, будущий вождь новой романтической школы музыки с той же горячностью продолжал свои речи: "Италия! Почтим прекрасную Джульетту, спящую мертвым сном в своей гробнице, - и прочь с кладбища! В Париж, друзья мои!" 

В 1839 году Гектор Берлиоз создал великую драматическую симфонию для солистов и хора "Ромео и Джульетта".

Выдающийся польский композитор Станислав Монюшко — создатель национальной классической оперы и камерной вокальной лирики. Его творчество впитало в себя характерные черты народной музыки поляков, украинцев и белорусов. С детства Монюшко имел возможность познакомиться с крестьянским фольклором славянских народов. Его родители любили искусство, обладали различными художественными талантами. Мать учила мальчика музыке, отец был художником-любителем. Часто устраивались домашние спектакли, и любовь к театру, зародившаяся у Станислава с детства, прошла через всю его жизнь.

Великий русский классик не обошел вниманием в своем творчестве образ легендарной египетской царицы
Стихотворение "Клеопатра" о знаменитой египетской царице Александр Сергеевич Пушкин сочинил осенью 1824 года в Михайловском, где находился в ссылке. В этот период он разрабатывал темы античности и знакомился с историческими трудами. Один из римских историков, живший в VI веке нашей эры, Аврелий Виктор, написал о Клеопатре Седьмой: "Была она так сластолюбива, что часто продавалась, и так прекрасна, что многие покупали ее ночь ценой смерти". Эта фраза привлекла внимание русского поэта, он домыслил ее художественно, нарисовав в своем стихотворении сцену пира в александрийском чертоге, на котором надменная царица предлагает свой холодящий душу торг.

Клеопатра – легендарная личность. Событий, происшедших в ее жизни, хватило на множество художественных произведений, но к реальным историям добавлялись и мифы. Так, фраза римского историка Аврелия Виктора несомненно относится к мифотворчеству или просто к историческому анекдоту, который и приглянулся Александру Сергеевичу в качестве яркого психологического сюжета.

 Фильм о таинственном каприсе  Паганини.

  Каприс № 24 Николо Паганини.

Иван Андреевич Крылов (13 февраля 1769, Москва — 21 ноября 1844, Санкт-Петербург) — русский публицист, поэт, баснописец, издатель сатирико-просветительских журналов. Более всего известен как автор 236 басен, собранных в девять прижизненных сборников. Сюжеты ряда басен Крылова восходят к басням Лафонтена (который, в свою очередь, заимствовал их у Эзопа, Федра и Бабрия), хотя немало и оригинальных сюжетов. Многие выражения из басен Крылова стали крылатыми. Отец, Андрей Прохорович Крылов, умел читать и писать, но «наукам не учился», служил в драгунском полку, в 1772 году отличился при защите Яицкого городка от пугачёвцев, затем был председателем магистрата в Твери. Умер в капитанском звании в бедности. Мать, Мария Алексеевна  после смерти мужа осталась вдовой.

Иван Крылов первые годы детства провёл в разъездах с семьёй. Грамоте выучился дома (отец его был большой любитель чтения, после него к сыну перешёл целый сундук книг); французским языком занимался в семействе состоятельных соседей. В 1777 г. он был записан в гражданскую службу подканцеляристом Калязинского нижнего земского суда, а затем Тверского магистрата. Эта служба была, по-видимому, только номинальной, и Крылов считался, вероятно, в отпуске до окончания ученья.

Учился Крылов мало, но читал довольно много. По словам современника, он «посещал с особенным удовольствием народные сборища, торговые площади, качели и кулачные бои, где толкался между пестрой толпой, с жадностью прислушиваясь к речам простолюдинов». С 1780 года начал служить подканцеляристом за копейки. В 1782 г. Крылов ещё числился подканцеляристом, но «у оного Крылова на руках никаких дел не имелось».

Опера в трех действиях Джакомо Пуччини на либретто Луиджи Иллики и Джузеппе Джакозы, основанное на одноименной драме В. Сарду.

Действующие лица:
 

ФЛОРИЯ ТОСКА, знаменитая певица (сопрано)
МАРИО КАВАРАДОССИ, художник (тенор)
БАРОН СКАРПИА, шеф полиции (баритон)
ЧЕЗАРЕ АНДЖЕЛОТТИ, политический узник (бас)
РИЗНИЧИЙ (баритон)
СПОЛЕТТА, полицейский доносчик (тенор)
СКЬЯРРОНЕ, жандарм (бас)
ТЮРЕМЩИК (бас)
МАЛЬЧИК-ПАСТУХ (меццо-сопрано)
РОБЕРТИ, палач (молчит)
Время действия: июнь 1800 года.
Место действия: Рим.
Первое исполнение: Рим, театр «Костанци», 14 января 1900 года.



[640x425]

В. Сарду, король французских драматургов, написал «Тоску» специально для Сары Бернар. Она имела огромный успех в роли Флории Тоски, и представления «Тоски» давались, согласно утверждению автора, три тысячи раз. (Это число, быть может, несколько преувеличено: Сарду утверждал это двадцать лет спустя после премьеры.) Во всяком случае, эта драма вызвала интерес, как возможный источник для либретто не только Пуччини, но также Верди и Франкетти. Первым права на написание оперы по этой драме получил Франкетти, и лишь благодаря некоторому лукавству Тито Рикорди, издателю как Пуччини, так и Франкетти, эти права перешли от менее одаренного композитора к великому.

Музыка, которая делает нас сильнее. Часть II
 

Хочется сразу начать с того, что музыка - это, конечно, не лекарство и к ней нельзя относиться просто как к какой-нибудь таблетке от недуга. Она значит в жизни человека намного больше.

Известно высказывание пифагорейцев о том, что «всё подобно числу» («numero cuncta assimilantur»). То есть, первооснова мира, которая есть число (logos), выражается и в музыке. Музыка, как и число, является самой общей абстракцией действительности, при этом и то и другое обладает, однако, «вполне ясной определенностью» (Шопенгауэр). Поэтому через музыку мы можем непосредственно постигать устройство мира, в основе которого, согласно пифагорейской традиции, лежит число. Музыка является выражением внутренней сущности нашего мира. Через музыку мы получаем возможность непосредственно приблизиться к тому, к чему через науку мы приближаемся опосредованно, через понятия и абстракции. 

В чем же секрет лечебного воздействия музыки? По этому поводу существуют разные точки зрения. Врачи-психотерапевты полагают, что в основе исцеляющих свойств музыки лежит ее способность влиять на психоэмоциональное состояние человека. Склонность людей к таким болезням, как гипертония, стенокардия, язва желудка и др., часто объясняется не физической немощью и не наследственной предрасположенностью, а особенностями характера человека, его мировоззрением и отношением к окружающей действительности. Оказывается, язвой желудка и двенадцатиперстной кишки, гипертонией чаще болеют люди, нетерпимые к ошибкам и "неправильному" поведению других людей, жестко придерживающиеся своих принципов и взглядов, настроенные враждебно и противопоставляющие себя окружающим. Если же человек постоянно зациклен на собственных недостатках, неуверен в себе - это прямой путь к мигреням, аритмии сердца, бронхиальной астме. Чтобы избежать или вылечить психосоматическое заболевание (именно так называется эта группа болезней), нужно помочь скорректировать если не характер человека, то его отношение к проблемам и к жизни вообще. И музыка здесь - один из главных инструментов лечебного воздействия.

Чаще всего под тройным концертом подразумевают концерт для скрипки, виолончели и фортепиано с оркестром, поскольку для этого инструментального состава написано самое известное произведение в данной форме: Концерт для скрипки, виолончели и фортепиано с оркестром Людвига ван Бетховена Op. 56. За ним последовали работы ряда других композиторов, из которых наиболее известны концерты Богуслава Мартину , Александра Черепнина и др.
 

Мысли, чувства, образы окружающего мира передаются в музыке звуками. Но почему определенная последовательность звуков в мелодии создает печальное настроение, а другая, наоборот, звучит светло и весело? Почему одни музыкальные произведения вызывают желание петь, а иные – танцевать? И почему от прослушивания одних возникает чувство легкости и прозрачности, а от других – грусти. Каждое музыкальное произведение отличается определенным набором характеристик. Эти характеристики музыканты называют элементами музыкальной речи. Содержание пьес передается разными элементами музыкальной речи, создающими определенный образ. Главным средством музыкальной выразительности является мелодия. Именно с мелодии начинается музыка как особое искусство: первая услышанная, первая пропетая мелодия становится одновременно и первой музыкой в жизни человека. В мелодии – то светлой и радостной, то тревожной и сумрачной – слышатся нам человеческие надежды, печали, тревоги, раздумья.  Мелодия – «главная прелесть, главное очарование искусства звуков, без нее все бледно, мертво…», - писал когда-то замечательный русский музыкант, композитор и критик А.Серов. «Вся прелесть музыки – в мелодии», - говорил И.Гайдн. «Без мелодии музыка немыслима», - слова Р.Вагнера.

Глюк. "Мелодия" из оперы "Орфей и Эвридика"

Например, пьеса немецкого композитора К. Глюка, которая называется «Мелодия».  Она звучит то жалобно, тоскливо, печально, иногда с волнением, мольбой, щемящим чувством отчаяния и грустно. Но мелодия эта льётся как бы на одном дыхании. Поэтому можно сказать, что в пьесе одна часть. В ней нет контрастных, других мелодий. 

[показать]

 Мелодия – основа музыкального произведения, развитая, законченная музыкальная мысль, выраженная одноголосно. Это выразительный напев, который может передать различные образы, чувства, настроения. Греческое слово «melodia» означает «пение песни», так как происходит от двух корней: melos (песнь) и ode (пение).  Самой маленькой частью мелодии является мотив - короткая законченная музыкальная мысль. Мотивы объединяются в музыкальные фразы, а фразы - в музыкальные предложения. Несмотря на небольшой размер, мелодия вмещает в себя все составляющие драматургического развития: начало (рождение основного мотива), развитие, кульминация и заключение.

Древний японский город Киото|Kyoto|часть 2.
 

Фестиваль Fujishiba Sakura/Fuji Shiba Sakura Festival  

Фестиваль Fujishiba Sakura – фестиваль, посвященный цветению сакуры, который проводится с апреля по май. Приехав в Японию на этот фестиваль, вы получите настоящее эстетическое удовольствие от цветущей сакуры. Нежные, переливающиеся оттенки цветов, которые покрывают поверхность горы Фудзи плотным ковром, потрясают воображение и создают незабываемую атмосферу.  

Беседа с корреспондентом Belcanto.ru Павла Леонидовича Когана, состоявшаяся 30. 09. 2014г.

В этом году музыкальный мир отметит сразу два славных юбилея — 90 лет со дня рождения великого советского скрипача Леонида Когана и 95 лет со дня рождения его жены, выдающейся скрипачки и педагога Елизаветы Гилельс. Оба они олицетворяют период расцвета советского музыкального искусства, когда на пьедесталы самых престижных международных конкурсов, тогда немногочисленных, поднимались наши музыканты, исполнительство которых на протяжении многих десятилетий оставалось эталонным для всего мира.
Любители музыки более старшего возраста хорошо знакомы с фактами творческой биографии этой знаменитой пары, давшей жизнь большой музыкальной династии. О Леониде Когане и Елизавете Гилельс написана книга, сняты документальные фильмы. Восхитительна, а кроме того и поучительна для современного человека яркая история человеческих отношений этих двух гениев и их взаимной любви, начавшейся в ранней юности и сохранившейся до самой смерти.

Пересказывать уже известные детали отношений в своей семье в разговоре с корреспондентом Belcanto.ru Павел Леонидович Коган (сын) не счел правильным, поскольку каждый пользователь интернета сможет найти всё это без труда, но некоторые факты рассказал охотно.

— Павел Леонидович, в преддверии юбилея ваших родителей будет нелишним напомнить нашей интернет-аудитории, большая часть которой состоит из молодежи, некоторые вехи их творческого пути.
— Пересказывать биографию родителей, я думаю, нерационально, поскольку о них есть фильмы, к 80-летию отца была выпущена книга «Леонид Коган. Воспоминания и письма. Фотографии». Но какие-то отдельные моменты прояснить я, конечно, готов.
— Известно, что ваш отец принял участие в отечественном фильме «Никколо Паганини», исполняя в нём произведения великого генуэзского скрипача и композитора. Фильм начинается с замечательных документальных кадров, на которых мэр Генуи достает из сейфа скрипку, принадлежавшую Паганини, и вручает её вашему отцу. И складывается такое впечатление, что в фильме он играет именно на ней.