Картина «На старом мосту». Адрес изображения: https://1-co.ru/qgfeu

Сергей Анатольевич Ковалев – современный белорусский художник, создавший свою авторскую технику «Koval Style». В картинах, созданных в этой технике, знакомые предметы представлены в иной, иллюзорной реальности. Богатство архитектурных форм, изящность архитектурных деталей, монохромный подход к цвету, создают автором мягкую и гармоничную среду и погружает зрителя в романтическое состояние.

Художник родился в городе Могилеве в 1963 году. С самого раннего детства увлекался живописью, но в художественной школе не учился. Некоторое время занимался бизнесом, но без особенного успеха.

В возрасте 37 лет Сергей Ковалев решил заняться тем, что ему нравилось с детства – живописью. Удачно продал свою первую картину и этот успех его окрылил. Потом были долгие годы работы в поисках своего индивидуального стиля. Сейчас у художника своя мастерская в Могилёве. Он много работает и получает огромное удовольствие от творческого процесса.

Работы Сергея Ковалева создают впечатление чеканки по металлу либо ковки. Однако это живопись в уникальном авторском стиле «Koval Style». Название стиля – это удачная игра слов с фамилией художника и визуальным исполнением картин. В некоторых славянских языках слово «Коваль» обозначает кузнец или, что-либо связанное с ковкой. Однако его картины не металлические, а именно живописные. А объемный, выпуклый эффект достигается, по-видимому, так называемыми текстурными пастами, которые в настоящее время все больше используются художниками (включая автора этих строк – как-нибудь позже покажу свои работы в этой технике).

Несколько слов о текстурных пастах. Такие пасты применяются для формирования рельефного покрытия и представляют собой густую пластичную смесь на акриловой основе. С помощью такой пасты придается фактура дереву, ткани, бумаге и другим поверхностям. Она широко используется художниками и мастерами декоративно-прикладного искусства для написании картин, в скрапбукинге, в объемном декупаже для добавления обычным работам нестандартного вида.

Вот пример, на мой взгляд, удачного использования такой структурной пасты.

 

 

 

Адрес изображения: https://1-co.ru/4BrkQ

Не удивительно, что в последние годы такие пасты все шире используются живописцами именно для создания рельефов и объемов, позволяющих выйти за плоскость холста (я сам работаю иногда с подобными материалами и убеждаюсь, насколько они расширяют творческие возможности). Так что современная живопись уже давно не только про цвет, свет и композицию, а ещё и про объём и фактуру. Поэтому в арсенале художника могут быть не только краски и холст, но и текстурные пасты.

Но паста сама по себе еще полдела, главное - создать с ее помощью

 

Адрес изображения: https://1-co.ru/v3TxP

Это последняя публикация о художнице Хелене Лам, которая пишет прекрасных женщин времен ар-деко и в настоящее время живет в Канаде со своим мужем Ау Чингом, который тоже является профессиональным художником.

Хелена проявляет большой интерес к живописи и поэтому посвящает большую часть своего свободного времени своей страсти и любви к этому виду искусства.

Хотя многие дизайнерские движения имеют политические или философские корни или намерения, арт-деко был чисто декоративным. И не удивительно, что он до сих пор привлекает как художников, так и простых любителей красивых вещей.

Хелен вдохновляет Париж 1920-х годов, особенно дизайн, мода и одежда, архитектура и особый стиль жизни, который был модным в то время. Она соединила элегантность и женственность с тщательно подобранной палитрой и изысканными формами.

Главный предмет ее работ - парижанка, одетая в винтажном стиле и окруженная роскошным интерьером, оформленным в том же стиле, различными предметами той эпохи, такими как старый автомобиль или одинокая улица в Париже.

Что ж, красивая машина и красивая женщина всегда дополняли друг друга. Как на снимке ниже, где моя прекрасная супруга стоит рядом с таким авто, которое, кстати говоря, было подарком Владимира Маяковского Лиле Брик.

 

 

 

Фото автора

Но вернемся к Хелене Лам и ее картинам. Они очень красивы и декоративны и понравились мне с первого взгляда .

Как я уже говорила в прошлой статье, в работах художницы безусловно чувствуется влияние изысканных картин Густава Климта, однако это не прямое заимствование или компиляция, она создала свой особенный колорит и изысканный неподражаемый стиль. И это очень редко кому удается. Чем ее работы и хороши.

Что же касается непосредственно стиля ар-деко, то я являюсь его большой поклонницей.

Что ж, наступило время познакомиться еще с несколькими замечательными, на мой взгляд, работами Хелены Лам, воспевающей красоту женщин.

Приятного просмотра.

 

 

 

 

Адрес изображения: https://1-co.ru/jbPn7

Мало найдется художников второй половины XIX века, которые бы создали столько великолепных пейзажей дикой природы. Один из них Альберт Бирштадт.

Когда я впервые увидел в реальности его картины, то был покорен красотой изображаемых величественных пространств и мастерством исполнения. Поэтому с удовольствием хочу продолжить рассказ об этом незаурядном мастере.

Несколько слов о самом художнике. Альберт Бирштадт родился 7 января 1830 года в немецком городе Золинген, расположенном неподалеку от Дюссельдорфа. В годовалом возрасте он вместе с семьей переехал в американский штат Массачусетс, где прошло его детство. Брат Альберта стал знаменитым фотографом, а сам он с ранних лет проявил талант к рисованию. В 1853 году юноша отправился в Европу и несколько лет изучал живопись в Дюссельдорфской академии художеств, а также побывал в Италии.

После обучения он вернулся в США и стал частью поколения Школы реки Гудзон в Нью-Йорке, неформальной группы художников-единомышленников, которые начали рисовать природу вдоль реки Гудзон. Их стиль был основан на тщательно проработанных картинах с романтическим, почти светящимся освещением, которое иногда называют люминизмом - поскольку его работы буквально светятся.

Мне его картины очень понравились с первого взгляда, поэтому я намерен знакомить с ними всех, кто любит настоящую мастерски сделанную классическую пейзажную живопись.

Я уже публиковал подборку его замечательных работ (ее можно найти по ссылке под этой статьей). И сегодня хочу продолжить начатое.

Итак, великолепные и радующие глаз картины Альберта Бирштадта.

Наслаждайтесь.

 

 

 

Адрес изображения: https://1-co.ru/XFkjb

Художник оставил после себя огромное наследие – более 500 законченных картин, а ведь к каждой были сделаны предварительные рисунки, эскизы…. Потрясающая работоспособность и несомненный талант!

 

 

 

Адрес изображения:

 

1. Художник Элоиза Гарриет Стэннард. Изображение с сайта ehdu.livejournal.com

 

 

 

2. Осокин Николай Николаевич. Клубника. Бумага, акварель. 35х69. 20 век. Бугульминский краеведческий музей. Изображение с сайта yavarda.ru

 

 

 

3. Константин Мирошник и Наталья Кургузова-Мирошник. Изображение с сайта svistanet.com

Разберемся сначала, какую же ягоду называют клубникой. В одних регионах России так называют садовую ягоду. Как в Приморье, например. Потому что не растет в Приморском крае лесная клубника. А в Сибири, где лесная клубника есть, садовую называют исключительно викторией, а лесную ягоду – клубникой. Вот такое четкое разделение.

Адрес изображения: https://1-co.ru/yr5Dc

Женская красота - бесконечный источник вдохновения для людей творческих. Про такого человека и будет мой сегодняшний рассказ. Зовут его Висенте Ромеро Редондо (Vicente Romero Redondo). Он наш современник и художник. И не просто художник, коих великое множество, а художник, что называется, с большой буквы. Таких можно насчитать по пальцам двух рук. И это не преувеличение. Вряд ли можно назвать больше десятка его современных коллег, которые ТАК пишут прекрасных женщин.

Вот что рассказал о себе сам художник: «Я испанский художник, родившийся в Мадриде в 1956 году. В 1982 году я получил степень бакалавра скульптуры на факультете изящных искусств Сан-Фернандо в Мадриде. Своей техникой в масляной живописи я обязан своему академическому образованию, хотя я все больше изучаю пастель, которую нахожу более прямой, спонтанной и предоставляющей возможность для «непревзойденной деликатности». На самом деле, вот уже много лет это средство, которым я пользуюсь чаще всего. Позже, однако, я вернулся, чтобы снова использовать масло в своей работе, тем самым создавая взаимообогащающий диалог между двумя техниками. Я живу на побережье Коста-Брава с 1987 года, это светлое и спокойное место на Средиземном море для моей студии. Безусловно, именно эта яркость является одной из особенностей, преобладающих в моем искусстве. Еще одной отличительной чертой моего стиля является уважение к рисунку, который, на мой взгляд, является ядром и опорой живописи».

Дополню его рассказ. После окончания с отличием школы искусств Сан-Фернандо, где, кстати говоря, в 20-х годах прошлого века учился сам Сальвадор Дали, юный творец решил попробовать свои силы в скульптуре, но понял, что его призвание – писать картины.

Перепробовав множество направлений, художник стал создавать нежные женские портреты, насыщая их лучами света и бликами. И достиг такого совершенства, что его работы трудно спутать с картинами других художников, так как мало кто может подобно Висенте Редондо пронизать изображенный на полотне объем солнечным светом и воздушной легкостью, которые разливаются по его картинам и придают им радостное и восторженное ощущение жизни.

90-е годы стали для Висенте временем признания. Его картины всё чаще появляются на выставках в родной Испании, а вскоре их замечают и в других странах Европы.

Спустя некоторое время художника приглашают во Францию, затем он побывает в Италии, Турции, России и многих азиатских странах.

Эксперты называют творчество Ромеро Редондо «неожиданным сюрпризом, украденным моментом интимности».

Кстати, я и сам много лет работал с пастелью. Осталась только одна непроданная работа. Это, конечно, совсем другой стиль, но все-таки...

Что же касается картин Висенте Редондо — то это (на мой достаточно профессиональный взгляд) просто верх совершенства, удивительная игра тени и света, внимание к деталям и неповторимый средиземноморский колорит. Запечатленные художником дочери Евы настолько прекрасны, что на них хочется любоваться снова и снова. Какие нимфы, какие ткани! А море, а

"Осень"

«Словно я Пушкина стихи прочитал. Вот так же просто, просто, а высоко… Что о нем сказать? Художник он был. Вот все тут и сказано. И было в нем все просто, без эффектов. Душа в нем была, и это — самое главное. Но притом артистизм высокий, мастерство несравненное. Сверкающий он при великой своей простоте». Так о картинах А. С. Степанова отозвался художник А. М. Корин. Степанова считали талантливым пейзажистом и еще более талантливым анималистом. Увы, сейчас о нем вспоминают не так часто.

Алексей Степанович Степанов родился в 1858 году в Симферополе в дворянской семье. Его отец Степан Степанов был офицером и участвовал в Крымской войне, принимал участие в обороне Севастополя и умер, когда будущему художнику было 8 лет. Мать умерла за 5 лет до этого. Опекуном будущего художника назначили одного из сослуживцев отца – генерала Мельгунова. Тот привез мальчика в Александринское сиротское малолетнее отделение, затем в Первую Московскую Гимназию, потом перевел в Константиновский межевой институт. Все это время Степанов с увлечением рисует, а в межевом институте преподавали рисование и черчение. Выйдя из института с дипломом землемера, Степанов продолжил учебу в Московском Училище живописи, ваяния и зодчества, с 1880 по 1883 год как вольнослушатель, затем студент. За время учебы он не раз был отмечен наградами. В конце 1880-х годов Степанов вместе с Левитаном и Пастернаком преподавал в Училище изящных искусств художника-архитектора А. О. Гунста.

Надо заметить, что с Левитаном Степанов был не только коллегой. Художники с юности были друзьями, вместе ездили на этюды и путешествовали. К ним присоединялась и возлюбленная Левитана художница С. П. Кувшинникова.

Также Степанов со студенческих времен дружил с художником М. В. Нестеровым, братьями Коровиными, родным братом А. П. Чехова Николаем (а через него подружился и с самим писателем). Нестеров вспоминал: «Алексея Степановича Степанова, нашего “Степочку”, мы все любили. Да и как было его не любить! Я совершенно уверен, что на всем белом свете не нашлось бы такого свирепого человеконенавистника, который ни с того ни с сего, “здорово живешь”, не взлюбил бы Алексея Степановича. Его любили равно за его чудесный нрав, как и за его прекрасное искусство, любили так, как он любил нас, как любил он своих мишек, лошадок, лосей, всех малых и больших зверушек и зверей, коих изображал. Он любил и родной наш пейзаж, любил крестьянский быт и охотничий люд. Все и всё платили ему ласковым вниманием, добрым чувством».

"Новогодние шары", Художник Мария Павлова

"Рождественское утро" Художник Мария Павлова ( страница /vk.com/cloudiness)

Когда я только познакомилась с ее картинами, то первое, что мне сразу приглянулось - художник четко ловит характер животного. Чтобы написать кота или собаку, мало знать основы рисунка и премудрости работы с цветом. Тут нужно быть настоящим психологом, уметь чувствовать своего "натурщика", понимать его и в прямом смысле этого слова, быть с ним на одной волне.

открытка из набора "Пушистое счастье" Художник Мария Павлова (издательство "Речь")

 Художник Мария Павлова - создатель уюта, милой сказки и волшебства. 

Главные герои картин Марии, как вы уже успели понять - коты. Она находит вдохновение в наблюдении за этими хвостатыми, примечая их характеры, забавные повадки. Многообразие сюжетов дарит поклонникам творчества Марии Павловой какой-то совершеннейший восторг! В моем наборе открыток "Пушистое счастье" попалось очень много новогодних историй.

                       

Адреса изображений: https://1-co.ru/Nwfto, https://1-co.ru/pLDtL, https://1-co.ru/Nm06C

На просторах интернета художница Хелена Лам (Helena Lam) известна давно. И не зря – ее работы, стилизованные под эпоху арт-деко, очень декоративны и очень запоминаются. Она сделала то, что отличает художника от пытающихся быть художниками – выработала свой узнаваемый и персональный стиль. Да, в нем есть некая эклектика, есть что-то от Климта, Мухи и некоторых других мастеров начала XXвека. Но это не примитивная компиляция по типу «ложка, кошка и забор», а что-то именно синтетическое, обобщающее и переосмысливающее входящие в стиль компоненты.

Сама художница в одном из интервью сказала, что ее работы представляют собой разновидность фьюжн-искусства, сочетающего восточные и западные образы и стиль жизни. И это совершенно справедливо.

Термин fusion переводится с английского языка как «слияние». Своеобразный микс традиций и культур, который в современном обществе прослеживается во всех направлениях. Известные хореографы добавляют в классические танцы элементы уличных, шеф-повары готовят салаты европейской кухни с заправками из средиземноморской.

Дизайнеры и художники тоже не стали исключением — они сочетают в картинах и интерьерах фьюжн прованс и классику, хай-тек и арт-деко, готику и лофт. Список можно продолжать бесконечно — все зависит только от фантазии мастера и его идеи.

Так что стиль фьюжн становится все более популярным — сегодня модно красиво и эффектно сочетать несочетаемое. С помощью такого подхода творческие и смелые люди показывают свою внутреннюю свободу и хороший вкус.

Не стала исключением и Хелена Лам - современная канадская художница китайского происхождения, которая родилась в Гонконге, с детства изучала китайскую живопись, а в юном возрасте переехала в Канаду, вышла замуж на профессионального художника Ау Цзина и увлеклась стилем арт-деко. Признаюсь, я тоже очень люблю этот стиль (я уже публиковал статью о походе в замечательный и малоизвестный, к сожалению, широкой публике московский музей арт-деко – ссылка на эту публикацию в самом конце). И потому намерен рассказывать о нем и дальше.

А пока вернемся к Хелене Лам.

Вот она сама на фоне своих работ.

Рауф Салим Джанибеков.Солистка балета

Часто, думаю о живописи и портретах, в уме всплывают образы герцогинь, цариц, служанок - в общем дам прошлым эпох. Я задалась вопросом: неужели в наши дни нет работ, женских портретов, достойных нашего внимания и памяти, и нашла большое количество прекрасных работ.

Современные художники видят женщин мечтательными, романтичными, веселыми, целеустремленными, деловыми :)

Этого художника зовут Рон Хикс. Прекрасным фоном для бури чувств он делает разные оттенки серого. Серый задает тон для остальной части картины. Из-за такой неяркой палитры и особенностей техники его иногда называют современными Рембрантом, Эдгаром Дега и Диего Веласкесом.                        

Приглашение                               

Его живопись маслом способна передать атмосферу, настроение и эмоции главных героев. Все очень естественно. Позы, лица, движение, интерьеры, эмоции. Художник как будто немного смущен, он как будто стал невольным свидетелем проявлений самых ярких чувств людей. В своём творчестве он всегда старается соблюдать хрупкое равновесие на картине. Никакой пошлости, анатомизма. Он старается ничего не раскрыть лишнего на картине и оставляет для зрителя романтичную загадку.

Сегодня я расскажу о двух поколениях прекрасных советских и российских художников. Это отец, мать и сын Ездаковы. Они посвятили свою жизнь живописи и основная тема их работ - подвиг, величие нашей природы и наших людей.

Василий Дмитриевич Ездаков

Василий Дмитриевич Ездаков родился 22 марта 1929 года в городе Новосибирске. Пока шла война, он обучался в художественной школе. Затем он продолжил профессиональное образование в Московском государственном художественном институте имени В.И.Сурикова, где он учился с 1949 по 1955 год. Уже с 1949 года, Василий Ездаков был регулярным участником выставок советского изобразительного искусства, а в 1958 году он стал членом Союза художников СССР.

Бухта торпедных катеров. Холст, масло. 90х66. 1960-1961. Воронежский областной художественный музей имени И.Н.Крамского

Степан Фёдорович Колесников появился на свет 11 июля 1879 года в селе Адрианополь Екатеринославской губернии Славяносербского уезда. Его родителями были обычные крестьяне. Отец мальчика Федор Колесников был русский по национальности, а вот мать была сербкой.

Степан рано почувствовал любовь к рисованию. Он так настойчиво хотел научиться достойно писать картины, что брал уроки у заезжих художников.

Когда мальчику было шестнадцать лет, его рисунки были отправлены на выставку в Нижний Новгород. Работы оказались хороши и от земской управы была выписана стипендия для получения художественного образования.

В 1897 году Степан поступил учиться в Одесское художественное училище.

Спустя пару лет начинающий художник влюбился и женился на дочери греческого помещика Ирине Федоровне Попандопуло. В 1901 году у них родилась дочь, которую нарекли Любой. Чуть позже родился сын Федор.

Чтобы усовершенствовать свою технику и обрести новые знания Колесников поступил в Императорскую Академию художеств.

Степан прекрасно себя зарекомендовал среди коллег-художников. Сам Репин был доволен его работами и писал Колесникову:

Дорогой Степан, простите, забыл Вас по отчеству. Все утро сегодня наслаждаюсь фотографиями Ваших работ, сейчас только ушел Юра; с ним опять при сильной, хорошей лампе вновь рассматривали всю вашу выставку. О! Какой Вы превосходный художник. Очень, очень благодарю Вас и за письмо Ваше такое доброе, ласковое, и за фотографии...
Ваш старый товарищ, очень старый Илья Репин

Стеклянная настольная фигурка «Тыква», символизирующая процветание и богатство.

Для производства таких фигурных изделий китайские мастера используют технологию «тающего воска». С этой технологией в начале ХХ века много экспериментировал Рене Лалик. Его самые интересные и ценные работы были созданы в технике тающего воска. Лалик позаимствовал идею у мастеров-литейщиков и применил ее для создания своих стеклянных шедевров.

На начальном этапе мастер создает прототип будущего изделия из глины или модельного пластика. Прототип используют для создания внешней силиконовой формы, которую затем заполняют расплавленным воском. Восковую модель вынимают из силиконовой формы после застывания воска, заливают раствором огнеупорного материала и ставят в печь. Высокая температура заставляет воск плавиться и вытекать из предварительно просверленных отверстий. Этот этап называют депарафинизацией. Когда воск полностью вытекает, получается полая форма из огнеупорного материала, и именно в эту форму закладывается стеклосырье. На следующем этапе заполненную стеклом форму помещают в печь для обжига. После охлаждения внешняя форма разбивается на части, чтобы получить изделие, которое остается вымыть и отполировать.