27 апреля исполнилось 153 года со дня рождения Георгия Львовича Катуара.
[показать]Георгий Львович Катуар (27 апреля 1861, Москва — 21 мая 1926, там же) — русский композитор французского происхождения, его предки в начале XIX в. переселились в Россию из Лотарингии.
Родился в семье крупных предпринимателей, известными московскими коммерсантами были оба его брата, Андрей и Лев. В юности учился игре на фортепиано у жившего в Москве Карла Клиндворта, друга Вагнера, в 1879 г. вступил в Вагнеровское общество. Одновременно Катуар окончил математический факультет Московского университета (1884); некоторое время он пытался участвовать в семейном бизнесе, но интерес к музыке взял верх, и Катуар уехал в Берлин для продолжения музыкального образования у переселившегося туда Клиндворта. В 1886 во время одной из поездок в Москву он был представлен Чайковскому, высоко оценившему его способности. В 1887 г. Катуар окончательно вернулся в Москву, но так и не стал концертирующим пианистом, однако вновь встретился с Чайковским и показал тому свой первый композиторский опыт — струнный квартет. По рекомендации Чайковского Катуар отправился в Санкт-Петербург к Римскому-Корсакову, который затем перенаправил его к Анатолию Лядову; общение с этими двумя выдающими композиторами завершило композиторское образование Катуара, хотя на формирование его творческой индивидуальности сильно повлияла в 1890-е гг. встреча с Антоном Аренским.
В 1900-е гг. Катуар жил практически затворником. После 1919 г. он был профессором композиции в Московской консерватории, среди его учеников — Дмитрий Кабалевский, Леонид Половинкин, Дмитрий Цыганов и Сергей Евсеев.
Его племянник — французский композитор Жан Катуар.
Наиболее значительны в наследии Катуара - камерные произведения. Их музыкальный язык отличается утончённостью гармонии и ритмического рисунка, страстной патетикой, превосходным использованием возможностей инструментов и голосов. Произведениям Катуара свойственны поэмная напряжённость высказывания, сочетание черт позднеромантической патетики с взволнованной лирикой и национальным русским колоритом.
Первое произведение конечно же одно из самых мною любимых у этого композитора - Элегия:
Элегия
Исполняют: Давид Ойстрах - скрипка, Александр Гольденвейзер - ф-но
21 апреля 1758 года родилась Арина Родионовна Яковлева (в замужестве Матвеева) (1758 — 1828), крепостная М. А. Ганнибал, няня Пушкина.
Стоит произнести ее имя — и почти каждый, выросший в русском культурном пространстве, скажет, кто она такая. Более того, он не сможет назвать ни одной другой воспитательницы гения. Некоторые литературоведы даже изрекли, что не будь такой няни, не знала бы Россия солнца своей поэзии. Как реакция на это, другие «исследователи» договорились до того, что старушка были лишь собутыльницей находящегося в депрессии поэта. А как иначе, если сам поэт говорит, обращаясь к ней: «Выпьем с горя, где же кружка?»
Родилась Арина Родионовна в деревне Суйда в 55 верстах от Санкт-Петербурга у крестьянина Родиона Яковлева и была названа Ириной (Ириньей), а Ариной ее стали звать в хозяйском доме, следуя моде того времени давать слугам иностранные имена или произносить их на чужой манер. Она была нянькой старшей сестры Пушкина Ольги и его младшего брата Льва, но не ходила за маленьким Сашей. За ним смотрели две другие женщины и дядька Никита Козлов, провожавший гроб с телом поэта в последний путь. И все же только ее Пушкин звал своей няней, к ней или навеянным ею образам не раз он обращался в своих стихах, говорил, что она стала прототипом няни Татьяны Лариной. Видимо, на самом деле крепостная крестьянка обладала особым даром и покоряла детские души, а ее речь навсегда отложилась в их памяти. Её роль важна тем, что в детстве «воспитание его мало заключало в себе русского; он слышал один французский язык».
После того как Александра отправили учиться в Царскосельский лицей, общение с няней надолго прервалось, а редкие семейные встречи после окончания учебы почти сразу прекратились, когда поэт был отправлен в ссылку на юг. Судьба вновь свела их в Михайловском, которое было определено новым местом его ссылки. Вот тогда Пушкин назвал ее «подруга дней моих суровых, голубка дряхлая моя», тогда написал и «Буря мглою небо кроет», когда вновь слушал и записывал вслед за нею сказки. Она его звала ангелом, а для него была мамушкой. Может, в этом и кроется тайна их отношений. Ведь ни с матерью, ни отцом у него не было нежных отношений. У матери на старшего сына просто не было времени: пятерых детей она потеряла в младенческом или раннем возрасте. Отец же воспитанием вовсе не занимался, а в Михайловском стал главным надзирателем своего сына.
День защиты пингвина — праздник, он посвящён сохранению этих уникальных нелетающих птиц, большинство из которых обитает только в Антарктиде и у берегов Южного океана.
Глобальное изменение климата и рост интереса к использованию морских биоресурсов Антарктики может привести к негативным последствиям для пингвинов и других обитателей хрупкой экосистемы этого региона.
Романс - камерное музыкально-поэтическое произведение для голоса с инструментальным сопровождением. Бывают и романсы без слов. Их поет инструмент - например, скрипка - как бы подражающий человеческому голосу. Такие инструментальные романсы есть у многих композиторов. Вот некоторые из них:
Дворжак. Романс для скрипки с оркестром фа минор
Сан-Суси (от фр. sans souci — без забот) — самый известный дворец Фридриха Великого, расположенный в восточной части одноимённого парка в Потсдаме. Дворец был возведён в 1745—1747 годах по проекту самого короля.
Дворец Сан-Суси — единственный, который не связан с демонстрацией военной силы. Это частная резиденция философа, эдакий эрмитаж, в котором он окружает себя любимыми картинами, книгами, собаками, конями, людьми. Вместе с тем, Сан-Суси — это не просто дом. Название «Сан-Суси» — «без забот» — отражает воззрения Фридриха на вопросы жизни и смерти. Он жил как философ и хотел умереть как философ и хотел быть похороненым как философ — без помпы и торжественных шествий. Ещё до строительства дворца, Фридрих распорядился разместить на верхней террасе холма погребальную камеру, где должен был быть похоронен после смерти (изначально он хотел быть похороненым в Райнсберге). Как-то прогуливаясь по верхней террасе, Фридрих указал своему компаньону на строящуюся погребальную камеру, и пояснил «Только когда я буду здесь — я буду без забот». На дворце была размещена надпись «Sans, souci.» и уже потом никто не вспоминал об этом пояснении Фридриха и возникла идея, что король якобы там собирался жить без забот и отдаваться развлечениям.
Мауро Джулиани (полное имя Мауро Джузеппе Серджо Панталео Джулиани, итал. Mauro Giuseppe Sergio Pantaleo Giuliani; 27 июля 1781, Бишелье, близ Бари — 8 мая 1829, Неаполь) — итальянский классический гитарист, композитор и педагог.
Первоначально обучался теории музыки и игре на флейте, скрипке и виолончели, однако вскоре заинтересовался гитарой и начал её осваивать. Поскольку сделать карьеру концертирующего гитариста в Италии было затруднительно из-за малого интереса публики к этому инструменту и из-за наличия большого количества первоклассных гитаристов, прочно занимавших концертные сцены (в том числе Фердинандо Карулли), Джулиани в 1806 году перебрался в Вену, где быстро завоевал репутацию одного из лучших гитаристов Европы и хорошего композитора. В 1808 году большой интерес публики вызвало исполнение им своего Концерта A-dur с оркестром.
Концерт для гитары с оркестром № 1 Ля мажор - Andantino (Siciliano)
[показать]«Менухин пережил трагедию, быть может самую страшную для музыканта — профессиональную болезнь правой руки, — писал Раабен. — Очевидно, она была результатом „переигранного" плечевого сустава (руки Менухина несколько короче против нормы, что, однако, в основном сказалось на правой, а не левой руке).
Но несмотря на то что подчас Meнухин с трудом опускает смычок на струны, с трудом доводит его до конца, сила его щедрого таланта такова, что этого скрипача нельзя наслушаться. У Менухина слышишь то, что ни у кого другого — каждой музыкальной фразе он придает неповторимые нюансы; любое музыкальное творение словно освещается лучами его богатой натуры. С годами его искусство становится все более теплым и человечным, продолжая оставаться в то же время „по-менухински" мудрым».
Гениальный австрийский композитор, положивший начало европейскому музыкальному романтизму, Шуберт — одна из трагичнейших фигур в истории мировой музыкальной культуры. Жизнь его, недолгая и безрадостная, небогатая событиями, оборвалась, когда он был в расцвете сил и таланта. Великий музыкант умер, не услышав большей части своих сочинений. Во многом трагически сложилась и судьба его музыки: бесценные рукописи, частью хранившиеся у друзей, частью кому-то подаренные, а порою просто потерянные в бесконечных переездах, долгое время не могли быть собраны воедино. Некоторые пропали безвозвратно, судьба других неясна. О наследии Шуберта до сих пор спорят исследователи.
[показать] [показать]
[показать]Летом 1888 года Н.А.Римский-Корсаков работал над увертюрой «Светлый праздник».
Воскресная увертюра, посвященная памяти Мусоргского и Бородина, была впервые исполнена в Петербургском зале Дворянского собрания 3 (15) декабря 1888 года, в третьем из Русских симфонических концертов под управлением автора. Она состоит из трех частей.
Первая — два стиха из псалма LXVII царя Давида:
«Да восстанет Бог, и расточатся враги Его, и да бегут от лица Его ненавидящие Его».
«Как рассеивается дым, Ты рассей их; как тает воск от огня, так нечестивые да погибнут от лица Божия».
Вторая — начало XVI главы Евангелия от Марка: «По прошествии Субботы, Мария Магдалина и Мария Иаковлева и Саломия купили ароматы, чтобы идти — помазать Его. И весьма рано, в первый день недели, приходят ко гробу, при восходе солнца, и говорят между собою: «Кто отвалит нам камень от двери гроба?» И взглянувши видят, что камень отвален; а он был весьма велик. И вошедши во гроб, увидели юношу, сидящего на правой стороне, облеченного в белую одежду, и ужаснулись. Он же говорит им: «Не ужасайтесь. Иисуса ищете Назареянина распятого; Он воскрес.»
Третья часть программы, составленная самим композитором: «И облетела благодатная весть весь мир; и побежали от лица Его ненавидящие Его, исчезая, яко исчезает дым.
«Христос воскресе из мертвых!» — поют ангельские сонмы на небесах с Херувимами и Серафимами.
«Христос воскресе из мертвых!» — поют священнослужители в православных храмах, при дыме кадильном, при сиянии бесчисленных свечей и звоне колокольном».
«Разумеется, моих взглядов и моего понимания "Светлого праздника" в программе этой я не объяснял, предоставив говорить за меня звукам, — пишет Римский-Корсаков. — Вероятно, звуки эти говорят до некоторой степени о моих чувствах и мыслях...»
источник
[показать]
Жанр инструментальной рапсодии является изобретением Листа, правда это название (от древнегреческого «рапсода», исполнителя эпических песен) применялось и до него, например, чешским композитором Томашеком. Лист трактует рапсодию как виртуозную концертную фантазию , где вместо оперных мелодий используются фольклорные темы. Это темы венгерских и цыганских песен и танцев, большинство которых взято из сборника записанных Листом народных венгерских мелодий.
Музыкальный язык рапсодий отличается яркой национальной характерностью благодаря опоре на городской венгерский фольклор: горделивый, страстный, патетический характер; свободная, импровизационная манера изложения; острый ритм с частыми акцентами.
Рапсодия №2, cis-moll
Краткое эпически-повествовательное вступление вводит в мир красочных картин народной жизни, составляющих содержание рапсодии. Оно выдержано в свободно-речитативной манере, в медленном темпе. Аккорды сопровождения с форшлагами имитируют бряцанье струн, вызывая представление о древнем рапсоде, слагающем свою песню.
I-й, медленный раздел рапсодии – лашан – имеет ярко выраженный венгерский национальный характер Его жанровая основа – песня с элементами танцевальности. При втором проведении тема песни фактурно варьируется, украшается типично листовским виртуозным пассажем и переходит во вторую, танцевальную тему. Высокий регистр, форшлаги, напоминающие игру народных струнно-щипковых инструментов, создают образ очень нежный, легкий. После вариационного развития танцевальной темы вновь появляются первые две темы (вступления и песни).
2-й, быстрый раздел рапсодии – фришка – построен на свободном вариационном развитии танцевальной темы I-го раздела. По содержанию это картина народного праздника, во время которого пляска становится всё более темпераментной, зажигательной. Характерно всё большее ускорение темпа.
Musik.ru :Лист
Рапсодия №2 в исполнении оркестра.
|
В России 18 века наиболее полно и ярко вопросы музыкальной эстетики получили отражение в сочинениях выдающего русского писателя и философа А.Н. Радищева. Отношение Радищева к музыке - это обширный и важный вопрос. Прежде всего это вопрос о сущности и значении музыки. Для Радищева музыка - это то, что выделяет человека из животного царства. Музыкальный слух свойствен только человеку, так как имеет дело не с простым звуком, наподобие пения птиц, а со "звуком, с мыслью сопряженным".
Александр Радищев (1749 - 1802)
"Какое ухо ощущает благогласие звуков паче человеческого? Если оно в других животных (пускай слух и был бы в них изящнейший) служит токмо на отдаление опасности, на открытие удовлетворительного в пище, в человеке звук имеет тайное сопряжение с его внутренностью. Одни, может быть, певчие птицы могут быть причастны чувствованию благогласия. Птица поёт, извлекает звуки из гортани своей, но ощущает ли она, как человек, все страсти, которые он един токмо на земле удобен ощущать при размеренном сопряжении звуков? О вы, душу в исступление приводящие, Глюк, Паизелло, Моцарт, Гайдн, о вы, орудие сих изящных слагателей звуков Маркези, Мара, неужели вы не разнствуете с чижом или соловьём? Не птицы благопевчие были учители человека в музыке: то было его собственное ухо, коего вглублённое перед другими животными в голове положение всякий звук, с мыслию сопряженный, несёт прямо в душу".
Фармаковский Мстислав Владимирович. Портрет Н. С. Гумилева.
Николай Степанович Гумилев (1886-1921) родился в Кронштадте. Отец — морской врач. Детство провел в Царском Селе, в гимназии учился в Петербурге и Тифлисе. Стихи писал с 12 лет, первое печатное выступление в 16 лет — стихотворение в газете «Тифлисский листок». Осенью 1903 семья возвратилась в Царское Село, и Гумилев заканчивает там гимназию, директором которой был Иннокентий Анненский. Переломный момент — знакомство с философией Ницше и стихами символистов.
Шарль Бодлер родился 9 апреля 1821 года в семье участника Великой французской революции.
Печатался с 1840; автор брошюр "Салон 1845 года" (1845), "Салон 1846 года" (1846). Участвовал в Революции 1848, издавал газету "Салю пюблик" и сражался на баррикадах. Выступал против реакционных романтиков и теорий группы "Парнас". В стихах Шарль Бодлер выражал сочувствиеи обездоленным и людям труда ("Вечерние сумерки", "Утренние сумерки", "Пирушка тряпичников").
Переворот Луи Бонапарта лишил его веры в непосредственный социальный прогресс. В середине 50-х подвергся влиянию Готье, По, парнасцев (сонет "Красота", 1857). В 1857 - сборник "Цветы зла". Бодлер включал в сборники и мятежные, гуманные стихи (раздел "Бунт"). Ему принадлежат: сборник статей "Романтическое искусство" (1846—68), трактат о безнравственности употребления наркотиков "Искусственный рай" (1860), "Маленькие поэмы в прозе" (1869).
Настоящее знакомство с творчеством Дебюсси у меня началось с его скрипичной сонаты. Если бы человеческое отношение можно было измерить в каких-то единицах, то после того, как я её послушала и узнала историю её создания, музыка французского композитора стала ближе и понятнее на миллионы, если не миллиарды таких единиц... Дебюсси оказался удивительным человеком, впрочем, если бы он таковым не был, вряд ли его помнил бы и слушал весь мир... В своих письмах он дал ответы на многие вопросы, которые возникали у меня и даже предвосхитил некоторые из них...
Даже на фоне общего, неубывающего интереса к произведениям Шекспира у трагедии «Гамлет» – особая судьба. Ее сюжет вдохновил многих композиторов. К «Гамлету» писали музыку Ф. Лист, А. Тома, Г. Берлиоз, многие другие выдающиеся музыканты. Одно из ярчайших воплощений гамлетовская тема обрела в творчестве Дмитрия Шостаковича. В 1932 году он создал музыку к спектаклю «Гамлет» в театре им. Е. Вахтангова в постановке Николая Акимова, в 1964 году написал музыку к одноименному кинофильму режиссера Григория Козинцева. На основе театральной и кинематографической постановок композитором были созданы оркестровые сюиты, обретшие в дальнейшем самостоятельную жизнь.
Образно-эмоциональный мир музыки Шостаковича, как и трагедии Шекспира, потрясает широтой и разнообразием. Высочайший сплав интеллектуального и эмоционального начал, характерных для творчества композитора, достигает здесь наиболее яркого воплощения. Автор глубоко проникает в образный мир, подтексты, характеры и взаимоотношения героев. Лаконично и одновременной мощно звучат отдельные темы – Гамлета, Призрака, Офелии. Музыка к «Гамлету», в значительной мере отразившая личный жизненный опыт композитора, – объемная, яркая, темпераментная, импульсивная.
"Я русский композитор, и моя родина наложила отпечаток на мой характер и мои взгляды. Моя музыка это плод моего характера, и потому это русская музыка... У меня нет своей страны. Мне пришлось покинуть страну, где я родился, где я боролся и перенёс все огорчения юности и где я, наконец, добился успеха.»
«Что такое музыка?!
Это тихая лунная ночь;
Это шелест живых листьев;
Это отдаленный вечерний звон;
Это то, что родится от сердца
и идет к сердцу;
Это любовь!
Сестра музыки это поэзия,
а мать ее — грусть!»
Рахманинов у рояля, начало 1900-х годов.
С 1892 года по 1911 год Сергей Васильевич Рахманинов написал 83 романса, то есть все они созданы в российский период его жизни. По популярности они соперничают с его фортепианными произведениями. Большинство романсов написано на тексты русских поэтов-лириков второй половины 19 века и рубежа 20 и всего лишь немногим более десятка на стихи поэтов первой половины 19 века – Пушкина, Кольцова, Шевченко в русском переводе.
Рахманинов писал: «Меня очень вдохновляет поэзия. После музыки я больше всего люблю поэзию. … У меня всегда под рукой стихи. Поэзия вдохновляет музыку, ибо в самой поэзии много музыки. Они — как сёстры-близнецы.»
|
Ференц Эркель (венг. Erkel Ferenc; 7 ноября 1810, Дьюла — 25 июня 1893, Будапешт) — венгерский композитор, пианист, дирижёр, педагог, основоположник венгерской национальной оперы. Учился у Г. Клейна в Братиславе. Преподавал (1828—1835), а также служил капельмейстером (1890) в Клуж-Напокае. В 1835 году переехал в Будапешт. С 1838 по 1890 являлся главным дирижёром и руководителем Венгерского национального театра, возглавлял оркестр Будапештского филармонического общества со времени его основания в 1853 году до 1871 года, с 1868 — руководитель Всевенгерского объединения хоровых обществ. В 1875—1889 гг. был первым директором и профессором фортепиано в Венгерской музыкальной академии. Инициировал в 1872 г. вместе с Ференцем Листом строительство нового здания Венгерской государственной оперы, возведённого к 1884 году.
