Маленькое черное платье уникально в своем роде - оно стало практически легендарным предметом гардероба, оставаясь в то же время современным, практичным и стильным. По словам герцогини Виндзорской, «когда маленькое черное платье подобрано идеально, никакой другой наряд не может его заменить».

Будь то строгий повседневный или пышный вечерний наряд, маленькое черное платье легко «подогнать» под любые нужды. Оставаясь вневременной классикой, оно с легкостью переживает все эпохи и тренды - от Коко Шанель и Одри Хэпберн до Элизабет Херли и Сиенны Миллер. Ценительницы маленького черного платья даже основали сообщество в социальной Интернет-сети Facebook.

В следующем месяце Брайтонский музей организует выставку, посвященную истории маленького черного платья. На выставке будут представлены платья как сетей магазинов, так и самых известных домов моды, а также наряды, получившие известность благодаря одевавшим их звездам - например, пышное черное платье от дизайнера Анушки Хемпел, в котором актриса Хилари Суонк появилась на обложке Tatler, или узкое черное платье, созданное Джулиеном Макдональдом для Виктории Бекхэм и обложки её книги «That Extra ½ Inch».

В преддверии новогодних праздников традиционно возникает вопрос «что надеть» - и ответ, в большинстве случаев, очевиден. Даже если витрины магазинов одежды сияют из-за обилия блесток, бисера, люрекса - оставьте этот блеск для новогодней елки. В коллекциях практически каждого из таких магазинов - будь то New Look, Marks & Spencer, Next, Topshop - найдется несколько моделей маленького черного платья. Большую часть рождественской коллекции Кейт Мосс для Topshop, к примеру, составляют именно такие платья самых разных стилей - от покрытого блестками мини до шифонового коктейльного платья с ремнем и круглым воротничком.

Чтобы маленькое черное платье стало праздничным нарядом, можно добавить яркие аксессуары - например, цветные туфли из лакированной кожи, - или оригинальные украшения либо классическую нитку жемчуга, поэкспериментировать с разноцветными колготами, подчеркнуть талию ремнем, добавить немного винтажного очарования с помощью длинных, по локоть перчаток или даже шляпки-таблетки с вуалью.
// ИнтерМода

Говорят, не обманешь – не продашь. А еще что человек и сам обманываться рад. На этих нехитрых постулатах построена популярная бизнес-модель, которую взяли на вооружение мэтры высокой моды.

Наивных покупателей, способных приобрести именную косметику или парфюмерию, гораздо больше, чем тех, кто может себе позволить платье haute couture. Так почему бы не осчастливить миллионы женщин, подарив им удовольствие пользоваться продукцией со знаменитым именем на коробке?

Дорожат своим именем, как правило, те, чье имя никому ни о чем не говорит. Нам важно, что о нас подумают соседи, нас интересует мнение коллег и особенно начальства, нам нравится нравиться. И автоматически мы переносим эту логику на людей известных, хотя с ними она как раз не работает. Настоящего врача не волнует вид крови.

Настоящую знаменитость не испугаешь плохой славой, потому что настоящая знаменитость знает, что плохой славы не бывает – слава либо есть, либо ее нет.

Поэтому мало кто отказывается от предложения поставить свое имя на баночку с кремом или флакон с духами. Кому от этого хуже? Покупатель получает аромат от известной персоны, персона – процент с продаж, а производитель взвинчивает цены, потому что все равно купят. Знаменитости с особенно богатым воображением даже утверждают, что сами принимают участие в разработке ароматов. Верится в это с трудом: для того чтобы стать профессиональным парфюмером, нужны десятки лет упорного труда. Максимум, на что теоретически способна знаменитость, – выбрать из трех предложенных вариантов один да покапризничать над формой флакона. И вовсе не факт, что ее вмешательство идет на благо, хотя производителю все равно: продается не крем, не аромат, не коробка – продается имя.

Взять, например, Джорджио Армани. Его крем Crema Nera, представленный в рамках Парижской недели моды в январе, будет продаваться по цене от 250 до 330 евро за маленький и большой флаконы. По логике вещей, средство должно быть поистине волшебным, что, однако, совсем не сочетается с имиджем компании L'Oreal, его производящей. Сам Армани искренне признается, что "многие кремы выглядят одинаково, но некоторые стоят дороже". Кроме того, в Crema Nera есть эксклюзивный ингредиент – обсидиан. О существовании обсидиана Армани узнал, принимая грязевую ванну на своем любимом курорте острова Пантеллерия, так что с тем же успехом эксклюзивными составляющими нового крема могли стать солнце, воздух и вода, которые, как известно, наши лучшие друзья.

Будет ли новинка хорошо продаваться? Безусловно. Будет ли от нее хоть какой-то толк? Возможно, что и да. В конце концов, эффект плацебо никто не отменял. Хотя с тем же успехом женщины могли бы умываться – вышло бы точно дешевле.

Еще одна дебютантка косметической индустрии – Стелла Маккартни. Девушка не упускает ни одного шанса попробовать что-то новое. Она уже создавала одежду для йоги, линию спортивной обуви и аксессуаров, поработала в Chloe и открыла собственный дом моды. Создала парфюмерную линейку с ароматами Stella in two и Sheer Stella. Наконец настала очередь косметики. Линия создавалась на творческой и технической базе YSL Beaute: три очищающих средства (молочко, пена и тоник), два увлажняющих (крем и флюид) и три специальных антивозрастных крема. Все исключительно натуральное. Цена – от 20 до 50 долларов за баночку. Вполне на уровне конкурентов, специализирующихся на той же органике, – Weleda, L`Occitane, Annemarie Borlind.

С органикой, правда, есть одна загвоздка. Экологически чистый образ жизни – это, конечно, здорово, но натуральную на сто процентов косметику невозможно хранить. Поэтому если в составе крема встречается даже безобидная вода, то в нем стоит поискать и консервант.

Таким образом, термин "органическая косметика", по большому счету, гарантирует только то, что владельцы бренда не залили в баночку серной кислоты, что, безусловно, внушает оптимизм.

Третий и наиболее яркий пример полета дизайнерской мысли – небезызвестный Форд, Том Форд. Поклонник косметического минимализма: крем его мечты, по собственному утверждению, был бы панацеей, лекарством от всего. От морщин, сухости, вялости и наверняка от жадности тоже. Правда, дальше мечтаний у Форда пока дело не пошло – вклад Тома в создание косметической коллекции был номинальным. Он согласился на использование собственного имени и внес в процесс выбора ингредиентов небольшие коррективы. В парфюмерной области Форд поначалу ограничился выпуском новых версий старых ароматов Youth Dew и Azuree от Estee Lauder, а заодно представил собственный аромат Black Orchid (15 мл Читать далее...

Анорексия – характерное заболевание современности, когда стройная фигура стала символом успеха. Но и много лет назад женщины отказывались от еды во имя высоких в их представлении целей. Каких же?

Хотя худые тела топ-моделей стали образцом для подражания не так давно, само понятие anorexia nervosa родилось еще в XIX веке. И это несмотря на то что в викторианские времена, помимо тонкой талии, ценили и пышную грудь, и округлые бедра. Тем не менее, молодые девушки часто отказывались от пищи. Их поведение объяснялось многими причинами: желанием стать настоящей леди, "которая не просит добавки", возможностью упрочить свое положение в семье и, конечно, жаждой славы.

В 1859 году американский врач Уилльям Чипли описал состояние, которое он назвал «ситомания» – боязнь еды.

Правда, Чипли работал в психиатрической лечебнице, так что случаи в его практике были особые. Кто-то из пациентов отказывался от еды по причине того, что он все равно бессмертен, и еда ему ни к чему, кого-то к умеренности призывал червяк, якобы сидящий в голове, а кто-то просто боялся, что правительство хочет его отравить. Тем не менее, среди шизофреников всех мастей попадались юные барышни, которых приводили в клинику перепуганные родители. Девушки были зачастую из буржуазных семей, где в разных лакомствах недостатка не было, но тем не менее, они упорно отказывались есть.

Почти десять лет спустя подобное состояние описал английский врач Уилльям Галл, назвав его «истерической апепсией».

В том же году француз Шарль-Эрнест Ласег опубликовал длинную статью, упомянув «истерическую анорексию». Поскольку француз даже не упомянул его имя, Уилльям Галл поспешил восстановить справедливость и долго еще кричал, что он открыл эту болезнь первым. Впрочем, еще Авиценна в XII веке писал о симптомах, напоминающих клинику нервной анорексии.

Так или иначе, но статья французского врача описывала анорексию более детально. В частности, Ласег утверждал, что ей подвержены девушки в возрасте от 15 до 20 лет, и что болезнь вызвана психологическими факторами, например, боязнью предстоящего замужества. После еды его пациентки ощущали дискомфорт и боли в желудке. Все чаще они отказывались от еды, пропуская сначала завтрак или обед, а потом и вовсе переставая есть. Зачастую такое поведение объяснялось желанием контролировать окружающих, стать центром внимания.

В те годы отношение к женщинам было двойственным: с одной стороны, настоящая леди должна быть «ангелом в доме», существом невинным, почти ребенком. С другой – она должна поддерживать мужа, как плющ, обвивающийся вокруг дуба, должна руководить прислугой, чтобы хозяйство функционировало, как слаженный механизм, должна быть хорошей матерью, должна быть столпом религии, должна наносить визиты и принимать гостей. Должна, должна, должна... Неудивительно, что некоторые девушки, которым еще предстояло выйти замуж, боялись супружеской жизни. Особенно если принять во внимание уровень смертности при родах. Но у них всегда оставалась возможность уцепиться за детство. Они могли стать беспомощными, и тогда родителям пришлось бы опекать их по-прежнему.

Отказ от еды был одним из таких способов. Когда девушка переставала есть – даже то небольшое количество еды, которое полагалось настоящей леди, – родители или опекуны проявляли беспокойство. Вот они начинают умолять ее или же наоборот, угрожать. Но барышня непреклонна. Ей готовят все самое вкусное, но она даже не смотрит на тарелку. Ей кажется, что еда вообще не нужна. Вскоре добровольная голодовка дочери становится центром всех разговоров. Родственники и друзья жалеют ее наперебой, приглашают врачей, отправляют ее на курорт. Возможно, им все таки удается уговорить упрямицу начать лечение, но в некоторых случаях столь упорный отказ от еды приводил к летальному исходу.

Такой анорексией обычно страдали девушки из состоятельных семей, чьи родители могли потратиться на врачей и обеспечить дочь постоянным вниманием и уходом. Вряд ли они говорили голодающей девушке: «Вот и здорово что ты не ешь, остальным четырнадцати детям больше достанется. Продолжай в том же духе, очень экономно с твоей стороны.»

Еще одной причной было страстное желание стать настоящей леди. Считалось, что леди не должна объедаться. Идеалом женственности были ангелы, а где вы видели ангелов, которые наворачивают обед так, что корсет трещит? Девушка должна быть бледной, хрупкой и слабой. Пухленькие барышни мечтали заболеть чем-нибудь потяжелее, чтоб достигнуть вожделенной бледности и худобы. Но добиться идеала непросто. Нужно было с чего-то начинать. Часто запреты на обжорство зарождались в семье. Вспомнить хотя бы «Унесенных Читать далее...

[228x294] Еще в XVII веке моду во Франции задавала аристократия, костюмы которой прилежно копировались средним классом. Веяния моды распространялись напрямую и не имели печатного посредника. Появление модных журналов стало настоящей революцией.

Уже в конце XVII века в качестве образцов модной одежды стали выходить первые издания с гравюрами. А первые настоящие журналы о моде возникли во второй половине XVIII века, вызвав самый живой интерес публики. Именно тогда начал формироваться рынок моды, стали рождаться новые идеи и имена.

Самым известным журналом в то время был Galerie des modes et costumes francais (1778–1787). В XIX веке подобные издания стали размножаться в геометрической прогрессии. С 1890 года журналы начали использовать фотографии, постепенно заменившие изящные акварели.

Начало ХХ века богато именами и событиями. Множились выставки декоративного искусства, во Францию съезжались артисты и художники из других стран. Русские балеты Дягилева и костюмы к ним Льва Бакста вдохновили на творчество многих кутюрье. Соня Делоне, французская художница русского происхождения, разрабатывала ткани с авангардными рисунками. Каждая творческая личность того времени старалась принять активное участие в создании костюмов. С 1904 года стало выходить ревю Les modes с фотографиями настоящих звезд.

Именно тогда журналы стали указывать также имя кутюрье рядом с легендой, которая демонстрировала наряд.

Стремительно развивалась промышленность. На рынке появился искусственный шелк – вискоза. Шанель создает комфортные костюмы и платья, освобождая женщин от тесных корсетов. Спорт становится частью культуры, и мода тут же откликается – появляются купальные, велосипедные костюмы, костюмы для тенниса и лыжного спорта.

С начала ХХ столетия Поль Пуаре, открыв свой дом мод, отважился привлекать для работы художников разных стилей.

Сначала был приглашен Поль Ириб, затем Жорж Лепап для публикации двух альбомов кутюрье в 1907 и 1908 гг. Целая плеяда замечательных художников работала на моду: Жорж Барбье, Пьер дё Белей, Бенито, Буте де Монвель, Пьер Бриссо, Дриан, Эрте, Шарль Мартан, Андре Марти. Художники порой сами задавали стиль и направление. Erte, известный французский иллюстратор моды русского происхождения, позже так описывал в своих мемуарах эксцентричность того времени:

«Одно время я советовал частично эпилировать брови, чтобы придавать гармоничность чертам лица. Кое-где эта мода осталась до наших дней вкупе с разноцветным лаком на ногтях, что я ввел в моду... Я помню молодую красавицу американку, забыл её имя, которая полностью обрила голову и покрыла череп золотой краской. Другая женщина красила мех своей маленькой белой собачки в тон своего платья. Я видел даму, которая вырвала несколько зубов и заменила их драгоценными камнями...»

Появлялись журналы с небольшим тиражом и короткой судьбой, например Journal des Dames et des Modes, который даже не дожил до Первой мировой войны. То же произошло и с изданием Gazette du Bon Ton, которое поддерживалось небольшой группой кутюрье, редактировалось Люсьеном Вогелем и адресовалось лишь небольшой группе посвященных. Журнал закрылся на время войны, снова появился в 1920-м и завершил свой путь в 1925-м после специального выпуска, посвященного выставке декоративного искусства. Журнал Le Trait parisien (1920–1936) был целиком посвящен создателям моды. Четвертым журналом, достойным упоминания, был Art Gout Beaute, выходивший с 1920-го по 1935-й, с замечательными цветными иллюстрациями.

У французских кутюрье завязываются тесные контакты с богатой аристократией США, жаждущей новых имен и тенденций.

На французском рынке появляются новые имена, такие как американский Vogue, впервые вышедший во французской версии в 1920-м и мгновенно завоевавший популярность. Тогда же выходит на рынок L'Officiel de la couture и наряду с Harper's Bazaar представляет лучшее в моде. И снова радикально меняется стиль – теперь издания могли похвастаться великолепными фотографиями. Работа идет в тесном сотрудничестве с модными фотографами, такими как Эдвард Стейчен, Хорст, Сесиль Битон, Андре Дюро и барон Адольф де Мейер (виртуоз размытых романтических фотографий).

Новые модные коллекции демонстрируются в марте и октябре, свадебные костюмы в мае, охотничьи в сентябре, а бальные платья в январе.

Среди журналов, адресованных в основном модной публике, попадались и издания попроще, посвященные практичной Читать далее...

В первой половине XX века тон в мировой моде задавали люди, о которых мы уже мало что знаем. Дэйзи Феллоуз, она же Маргарит Северин Филиппин Деказ де Глюксберг, была иконой стиля довоенного Парижа, светской львицей и колумнисткой модного журнала Harper's Bazaar.

Популярнейшая фигура парижской светской жизни 1920-1930-х годов, она считалась самой элегантной женщиной своей эпохи и покровительствовала авангардным модельерам, в том числе знаменитой сюрреалистке Эльзе Скьяпарелли. Происхождения Дэйзи была самого удивительного. Мать ее, Изабель-Бланш Зингер, родилась в семье основателя империи швейных машинок "Зингер" Исаака Меррита Зингера, а отцом стал женившийся на Изабель-Бланш Жан Эли Октав Луи Север Аманье Деказ, третий герцог Деказ и Глюксберг.

Изабель-Бланш покончила жизнь самоубийством в 1896 году, когда маленькой Дэйзи было шесть лет. После этого девочку стала воспитывать сестра матери Виннаретта, 18-й по счету ребенок Исаака Зингера. После смерти Зингера его состояние, составлявшее 15 миллионов долларов, было разделено между его пятью женами и двадцатью двумя детьми. По тем временам каждому из наследников досталась очень круглая сумма, ставшая пропуском в высший свет и для Виннаретты Зингер. В первом браке юная Виннаретта вышла замуж за принца Луи де Сэй-Монбияра.

Брак был аннулирован католической церковью спустя пять лет после брачной ночи, во время которой невеста забралась на шкаф и пригрозила убить новоиспеченного супруга, если тот к ней приблизится.

В супружеские отношения молодожены так и не вступили. Лесбийские наклонности Виннаретты недолго оставались в секрете. В 29 лет она вышла замуж вторично, за 59-летнего принца Эдмона де Полиньяка. Брак был сделкой, прикрывавшей гомосексуальность Полиньяка. Своих многочисленных увлечений принцесса де Полиньяк не скрывала, была очень активна, и оскорбленные мужья ее любовниц нередко пытались вызвать ее на дуэль. В салоне ее часто бывали Игорь Стравинский, Жан Кокто, Дягилев, Марсель Пруст и модная писательница Колетт.

Унаследовавшая семейный музыкальный вкус, Виннаретта опекала Артура Рубинштейна и Владимира Горовица. Ее брат Пэрис Зингер был любовником Айседоры Дункан.

Но вернемся к Дэйзи. В 20 лет она вышла замуж за принца Жана Амеди Мари Анатоля де Брольи (Бройля), родила ему трех дочерей, после чего выяснилось, что у принца любовная связь с семейным шофером. Де Брольи умер в 1918 году – официально от инфлюэнцы, подхваченной во время службы во французской армии в Алжире, но все сходились на том, что это было самоубийство от стыда за обнаруженную гомосексуальность.

Одним из любовников Дэйзи был британский посол во Франции. Во второй раз Дэйзи вышла замуж за достопочтенного Реджинальда Эйлуина Феллоуза, кузена Уинстона Черчилля, и родила еще одну дочь.

Коллекция драгоценностей Дэйзи Феллоуз была самой роскошной в свете. По заказам Дэйзи трудились лучшие ювелиры мира.

Пара браслетов из изумрудов и бриллиантов от Van Cleef & Arpels из ее коллекции ушли в позапрошлом году с аукционе Sotheby's за миллион швейцарских франков. Невероятный фурор в 1936 году произвело ее индийское ожерелье от Cartier в стиле Tutti Frutti из грубо обработанных индийских самоцветов. Оно стало главным событием грандиозного венецианского бала-маскарада, устроенного мексиканским миллионером Карлосом де Бейстеги в Palazzo Labia.

 Дэйзи Феллоуз была тонким лириком и остроумной до язвительности особой.

Она написала несколько романов и поэм. Самыми известными стали "Воскресенья графини де Нарбонн" и "Кошки с острова Мэн". Она была руководителем французского корпункта журнала Harper's Bazaar и одной из самых блестящих женщин своего времени. Дэйзи умерла в 1962 году в возрасте 74 лет.

Такие люди издавали глянцевые журналы 70 лет назад.

Галина Анни.

Платок был излюбленным дамским аксессуаром с XVIII века. Изначально в моде были большие косынки из линобатиста - тончайшего, но прочного, полупрозрачного материала, похожего на газ. Их концы завязывали под край выреза или вставляли между шнуровкой корсажа, создавая впечатление высокого бюста. Это было необходимое умение для красавиц того времени - грамотно завязать косынку, чтобы при вдохе она приоткрывалась, нечаянно показывая кавалеру достоинства глубокого декольте, а при выдохе возвращалась в исходное положение, придавая обладательнице косынки вид скромницы.

Часто этот аксессуар украшали вышивкой белым по белому, выполненной льняными нитками. Он был популярен в домашнем и утреннем туалете. Также платок был актуален к платью для прогулок. Постепенно материал заменился на игольное или коклюшечное кружево, но к концу века, во времена правления Марии Антуанетты, линобатист снова вернулся в моду.

На рубеже XVIII-XIX веков вошли в моду большие шали из шерсти или пашмины - подпушка высокогорных коз. Они изготовлялись в Кашмире (Северная Индия) с XV века. В Европу такие шали привез Наполеон Бонапарт из Египетского похода в подарок своей жене Жозефине де Богарне. Это прекрасно дополняло модные в то время платья из тончайшей кисеи с завышенной талией.

Надо полагать, что не только изумительные красота орнамента и мягкость способствовали росту популярности этих шалей, но и то, что ампирные туалеты были при всей их привлекательной легкости и прозрачности очень холодными. А климат Парижа все же несколько отличался от климата Древней Греции, подражательницами которой были француженки. Врачи умоляли запретить эту моду, предлагая дамам отправиться на кладбище Пер-Лашез и посмотреть, сколько хорошеньких ветрениц умерло из-за нее от простуды. Однако женщины, не желавшие расставаться с обольстительными нарядами, решили проблему проще и стали греться с помощью теплых шалей. На многих портретах того времени можно видеть прекрасные образцы этого аксессуара.

В России шали сначала привозили из-за границы, а затем стали делать и у себя. Среди русских шалей выделялись Колокольцевские. Особенностью этих изделий было то, что они ткались без изнанки и делались из тонко спряженного козьего пуха. Эта техника была абсолютно уникальна. Сейчас несколько колокольцевских шалей хранятся в крупных музеях, например в Эрмитаже.

В начале 1820 годов модные журналы рекомендуют клетчатые «шотландские» кашемировые шали и черные шали с цветной каймой. В 30-е годы XIX века к бальным туалетам полагались платки, шарфы из прозрачных тканей, затканных золотым или серебряным узором, а также мантильи из черного кружева.

В то время как великосветские дамы украшали себя невесомыми шарфами – «паутинками», купчихи - платками весьма крикливых расцветок. Цвета ценились яркие: красный, голубой, палевый. «Богатая» шаль - непременное дополнение наряда купчихи на картинах Кустодиева, Малевича, Маковского.

Знаменитые русские платки и шали - павлопосадские. Чаще всего художники используют черный, темно-красный и белый фон, но можно отыскать и ярко-синюю или вишневую модель. Орнамент, как правило, растительный: розы, георгины, ромашки, незабудки и сочная зелень листьев. Края отделываются бахромой. Национальный колорит этих шалей весьма оживляет черные и серые краски зимней одежды. Что же касается платка, то его считают «своим» приверженцы разных стилей.

Ведь до сих пор шелковый платок-каре (чаше всего Hermes) - непременный атрибут успешной деловой женщины. Как и в XIX веке, стоят они немало, но, как говорится, они того стоят.

Заморское ньютоновское яблочко и даже милая русскому сердцу менделеевская водка - ничто по сравнению с поистине революционными открытиями, перевернувшими мир. Речь идет о великих изобретениях в мире моды.


Любое изобретение - ничто, если рядом с его названием не стоит имя изобретателя. Эта история началась в 60-х годах прошлого века. Сумасбродная, но при этом, как оказалось, весьма прагматичная американка Мэри Квант любила разглядывать девушек на улицах. Лондонские девушки не стеснялись обнажать коленки, а Мэри не стеснялась тиражировать их легкомысленную манеру одеваться. В это время француз Андре Курреж скроил первую юбку выше колена. Однажды они даже попытались выяснить, кто же из них первым осчастливил человечество. Однако импровизированный поединок на ножницах не принес результатов. Похоже, первыми все-таки действительно были отважные модницы из Челси.

В этот момент представление о женской сексуальности резко поменялось. Акценты сместились ниже пояса, походка изменилась, женщина, несмотря на кажущуюся доступность, стала более независимой, самостоятельной, решительной. Кроме того, идеальная женщина 60-х, похоже, не сидела вообще - попробуйте присесть, если на вас всего лишь узкая полоска ткани! Стремительным девушкам сидеть было ни к чему. Это было время молодых, энергичных и находящихся в постоянном движении.

Ближе к 70-м юбки снова "поползли" вниз, на изломе десятилетия превратившись в скучные "миди". К счастью, американская общественность воспротивилась столь наглому вторжению ткани на лишь недавно отвоеванные территории и с радостью приняла новую пилюлю от Миссис Квант - "горячие брючки" - помесь шортов и юбки, по старой доброй традиции позаимстоваванные с улицы.

Но классическая мини-юбка не сдала своих позиций и с годами становилась все короче и короче. Не так давно она была признана главной fashion-иконой Туманного Альбиона, по мнению интернет-сайта Icons.


Речь пойдет об истинно мужском предмете гардероба - туфлях на каблуках. Это не вялая попытка пошутить, а всего лишь констатация факта. За тысячелетнюю историю развития человечества мужчины успели побыть в приподнятом состоянии гораздо больше женщин.

Первопроходцами в нелегком деле возвышения над землей стали египтяне, причем вовсе не фараоны, а совсем наоборот. Египетские крестьяне носили обувь на каблуке, чтобы легче было передвигаться по рыхлой земле, которую они обрабатывали. В XII веке каблуки снова стали подспорьем монголам, желавшим крепче сидеть в седле. Их примеру позже последовали и европейцы.

Король-Солнце Людовик XIV славился любовью к украшательству собственной царственной персоны и не мог обойти вниманием сей объект, скрывавший его не слишком большой (всего 1м 68 см) рост и придававший ему величественности и стати. Кроме того, никому кроме него не было позволено носить каблуки красного цвета.

Считается, что и здесь не обошлось без гениальной руки Леонардо да Винчи, который, видимо, и правда недолюбливал женщин. Однако гений, как всегда, опередил время, и массовое распространение его изобретение получило лишь два с лишним века спустя.

Когда же и дамы, наконец, оторвались от земли, началась гонка за сантиметрами. В конце XVII века в моду вошли такие высокие каблуки, что женщины могли передвигаться, лишь опираясь на трость. В XVIII веке высота каблука достигала 10-12 см, но и размер ноги был не больше 32-го, так что женщины по-прежнему стояли на цыпочках. Французская революция заодно с врачами и философами на время спустила модниц с небес на землю, однако развитие промышленности взнесло их до невиданных доселе высот.

XX же век стал настоящим прорывом в области туфлестроения. После изобретения Сальваторе Феррагамо знаменитого каблука-шпильки у женщин появились все шансы завоевать мир. Кристиан Лубутэн, Марк Джейкобс, Balenciaga и, конечно же, культовые Manolo Blahnik, практически сексуальный фетиш всех женщин мира, - вот они, лучшие друзья современных модниц. А все потому, что каким-то там земледельцам Читать далее...

Джанни Версаче родился в 1946 г. на юге Италии в Редджо-Калабрия. Его мать, Франческа Оландезе Версаче, имела ателье, в котором Джанни с 12 лет помогал ей. Ателье было для Версаче и школой, и университетом. В 1970 г. он переехал в Милан, где работал для марок «Кэллаган» и «Альма». С 1967 г. Версаче работал с Дона-теллой Джиромбелли, разрабатывая коллекции «Дженни» и «Компличе». С 1976 г. Версаче был консультантом «Дженни» по дизайну. В 1972 г. Версаче уехал в Америку, где стал «раскручивать» неизвестную в Италии марку. В 1978 г. он вернулся в Италию и вместе с братом Санто и сестрой Донателлой открыл фирму готовой одежды в Милане.

В 1979 г. Дж. Версаче представил первую коллекцию в Милане. В 1980-е гг. его марка уже заняла прочные позиции на мировом рынке благодаря узнаваемому роскошному стилю в годы культа дизайнерских марок. Версаче стал лидером мировой моды, выражая все особенности эпохи постмодерна — эклектику и кич, страсть к чрезмерному и внешним эффектам. Как и стиль К. Лакруа, стиль Версаче был самым ярким воплощением «необарокко» в дизайне одежды, стал символом роскоши и успеха . Его называли «королем современного барокко». Сам Джанни так объяснял свое пристрастие к внешнему шику и роскоши:
«Во-первых, я южанин... В нашей бедной части Апеннинского полуострова мы любим, чтобы всего было много и все было бы красиво, добротно, уютно. И люди, и их одежда, и лицо, и тело...
Во-вторых, проработал много лет в Америке, и у меня — заокеанский размах». Шик и роскошь любит и большинство реальных и потенциальных клиентов Версаче во всем мире — как знаменитости и миллионеры, так и обычные люди, которым доступны только дешевые подделки под стиль Версаче. Одежду Версаче носили и носят многие кумиры массовой культуры и представители верхушки общества — Элтон Джон, Шер, Мадонна, Тина Тернер, Лучано Паваротти, Хью Грант, Стинг, принцесса Диана.

Огромный коммерческий успех Версаче основывался на умении просчитывать ситуацию на несколько ходов вперед, принимать смелые решения и быстро приводить их в исполнение, опережая своих конкурентов. Дж. Версаче обладал способностью улавливать увлечения времени, понимал вкусы потребителей, поэтому его коллекции представляли собой роскошную смесь кича и уличной культуры, новейших материалов и исторических «цитат». Его творчество часто называли «апофеозом поп-культуры». Версаче любил яркие цвета, блестящие ткани и вышивки стразами, изобильный декор, сочетания несочетаемого: он утверждал, что проповедует «независимость молодых людей-авангардистов, свободных от предвзятых точек зрения, канонов в одежде и во вкусах, способных в любом обществе появиться в смокинге и тапочках». Например, в коллекции в стиле «неопанк» весна/лето 1994 г. Дж. Версаче объединил кружевное нижнее белье, английские булавки и тяжелые армейские ботинки. В его моделях соединялось влияние многовековой итальянской культуры (он был страстным коллекционером антиквариата и живописи), американской поп-культуры, легкодоступной для восприятия и атмосферы диско-клуба и рок-концерта. Он соединял разные стили и тенденции, обладая искусством всегда оставаться современным. Он мог быть «максималистом», соединяя блеск, сверкающие «сильные» цвета, выразительные рисунки и фактуры, а мог быть, если этого требовало время, — минималистом. С 1996 г., когда минимализм входил в моду, Версаче создавал все больше элегантных лаконичных моделей. Но, как правило, его мода всегда была экспансивной и чрезмерной, причем преднамеренно. Слишком блестящая, слишком короткая, слишком прилегающая, слишком обнаженная, т. е. всегда с преувеличением, но всегда с ноткой юмора. При этом творчество Версаче было всегда созвучно вкусам массового потребителя — его ассоциации были понятны для восприятия неискушенным зрителем, как тексты популярных песен. Сам Дж. Версаче настаивал на том, что его творчество — это искусство, но искусство массовое и популярное. Он считал, что несет красоту в жизнь.

Козырями Версаче и в 1980-е, и в 1990-е гг. были «сексуальная энергия» и узнаваемость его стиля — в каждой коллекции была какая-то «изюминка», деталь, которая сразу обозначала и выделяла клиента Версаче из толпы. Это могли быть рисунки на тканях (например, знаменитые стилизованные барочные и античные орнаменты, которые появлялись не только на платьях, рубашках, в вышивке, но и на посуде, платках, подушках, покрывалах и керамической плитке), детали (английские булавки в коллекции «нео-панк»), особые материалы (платья-кольчуги из титановых колец) и т. п. Были приметы стиля, которые переходили из коллекции в коллекцию, — золотая фурнитура с головой Медузы, от которой Версаче был вынужден отказаться в 1996 г. из-за огромного количества подделок. Вещи от Читать далее...

В восемь тридцать утра в замке Видвиль, расположен­ном неподалеку от Парижа, еще спят. Неутомимый поклонник «неги, ласк, любви и красоты», почитатель культа роскоши, Валентино, в отличие от другого ве­терана модного мира - Лагерфельда, рано не встает.

Замок, застывший в ожидании хозяина, похож на музей, забитый богатствами со всего света: азиатским фарфором, сокровищами Российской Империи, восточными коврами, серебряной и хрус­тальной посудой и полотнами знаменитых мастеров. «Не могу возвращаться домой с пустыми руками, - кокетничает Валентино. - Когда я перестану работать, случится просто кошмар!» Последние его приобретения помещены рядом - серебряная ваза XVIII века («ее странная форма мне очень понравилась») и картина Леже с аукциона в Нью-Йорке («люблю смешение стилей»).

У 75-летнего Валентино крепкое подтянутое тело, золотистые во­лосы, поблескивающие на солнце очки, улыбка в стиле Санкт-Морица и вечный карибский загар. Впрочем, знаменитый загар однажды сослужил Валентино плохую службу: его уволили за затянувшиеся каникулы. Модный Дом Jean Desses, куда Валентино поступил на первую работу еще в пятидесятые годы, вежливо попросил брон­зового итальянца удалиться, когда Валентино наконец вернулся в Париж с Лазурного берега. «Вот они и говорят: Валентино, мы очень тебя любим, но...», - без особого сожаления рассказывает Валентино, которому уже тогда надоело работать «на дядю», и он просто выбрал корректный способ уйти. Впрочем, перед тем как сбежать в 1959 году в Италию и основать в Риме собственную марку, он еще успел поработать на Ги Ляроша.

Валентино Клементе Людовико Гаравани, родившийся 11 мая 1932 года в местечке Воньера в Ломбардии, уже в детские годы пробовал себя в качестве кутюрье, помогая Эрнестине Сальвадео, местной портнихе. «На школьном дворе я был королем. Настоящий малень­кий Муссолини, - говорит Валентино. - У меня было много друзей, а я всеми управлял, рассказывая, куда ходить и на что смотреть». Царские манеры, царский тон.

С самой юности он пестует свою страсть к роскоши, обратившу­юся в умение одевать самых прекрасных женщин планеты. Мама Тереза страшно переживала, что маленькому Валентино Клементе Людовико нравятся «только самые дорогие вещи». Поклонник ка­шемира и ботинок на заказ вырос, но пристрастиям своим остался верен и по сей день, ни на секунду не изменив гламуру.

В17 лет Валентино приезжает учиться в Париж - сначала в Высшей художественной школе, а потом в школе при Парижской палате моды. После защиты диплома он хотел стажироваться у Кристобаля Баленсиаги, но его не взяли. Валентино теперь ерничает: «Не пони­маю, почему Баленсиагу сейчас так обожествляют. У него хорошо скроенные силуэты, конечно, но такие тяжелые и неподвижные! Если опустить его платья на пол, они будут стоять сами!»

Валентино наилучшим образом олицетворяет собственные цен­ности. Пожалуй, роль посла марки так полно исполнила лишь Коко Шанель, ставшая главной иконой стиля Chanel.

«Я только и умею, что рисовать платья, принимать гостей и декорировать дом, а в бизнесе ничего не понимаю», - жалуется Валентино. Всем его пристрастиям находится место: империя Валентино просторна и светла. Яхты, частные самолеты, замок на въезде в Париж, сто гектаров частной собственности с миллионом роз, шале в Гштааде, вилла в Риме, квартира в Нью-Йорке с видом на Центральный парк, несколько Уорхолов (в их числе четыре порт­рета кутюрье, датированных 1974 годом), Бронзино, Ротко и Бэкон, одиннадцать шкиперов, сорок горничных, двенадцать садовников, двести восемь вишневых деревьев и пять мопсов: Марго, Мод, Мильтон, Молли и Монти. В общем, журналисты уже больше не знают, о чем писать.

Если честно, не так много дизайнеров и вообще людей живут так хорошо, как Валентино. Он считает, что в его образе жизни есть ясный практический смысл: например, Валентино не любит останавливаться в отелях, поэтому живет в собственных домах. «Иногда так плохо быть перфекционистом, - жалуется маэстро. - Когда я путешествую, все время чем-то недоволен. Еда невкусная. Ази­атская еда - это какой-то кошмар. Я вообще против чеснока. Я против такого количества вещей, что друзья от меня устают». «Даже когда мы были не очень богатыми людьми, мы тратили кучу денег, - признается Джанкарло Джамметти, неизменный партнер Валенти­но с самого Читать далее...

[200x210]Россия ему всегда была интересна. В своей весенне-летней коллекции «Принцесса Лукреция» 1994 года Джон Галья­но вспомнил о моде русской эмиграции 1930-х. Просмот­рел сотни кинофильмов, нашел редкие фотографии русского высшего обще­ства в Париже и Нью-Йорке... Одну из последних коллекций он тоже творил с оглядкой на Россию, но уже на другую, коммунистическую.  

«Тут не только СССР, — улыбается Гальяно, — тут еще Китай эпохи Мао. Я смешал в одно воен­ную форму, произведения искусства, всю мощь государства и подавленные ав­торитарным режимом эмоции. В итоге получились сильные образы. Вдохнов­ляет ведь не только красота. Вдохновляет и все, что ей противостоит. Нужно только не бояться видеть эстетику в том, что внушает ужас. Промышленность, механизация, индустриальный бум соединились в русской литературе, музы­ке и живописи с чем-то фантастическим. Вспомните хотя бы вашего писателя Платонова».

Нынешний год для Гальяно знаковый — пришла пора подводить ито­ги. Промежуточные, разумеется. Ровно десять лет назад, в 1997 году, Джон Гальяно получил место креативного директора в Доме Dior. Одни сочли это оскорблением памяти месье Диора, а дру­гие предрекали, что новый дизайнер сво­им иконоборчеством распугает консерва­тивных клиентов бренда.

Прошло десять лет, и цифры говорят громче ворчливых невежд. Джон Галья­но разрабатывает линии Haute Couture и Pret-a-porter, контролирует процесс про­изводства духов, сумок и других аксессуа­ров. В итоге доходы Дома выросли с $200 миллионов в 1996 году до $765 миллионов в 2006-м. И все же, несмотря на коммерчес­кий успех, в рядах ценителей французской моды до сих пор остаются недовольные. Понятно, что на месте креативного ди­ректора в Доме имени великого дизайнера любой будет обречен на вечные сравнения с непревзойденным отцом-основателем, даже если последний уже несколько деся­тилетий пребывает в вечности. И на пер­вый взгляд кажется, что Кристиан Диор и Джон Гальяно совсем разные.

Другой великий, Пьер Карден, сотруд­ничавший с Домом Christian Dior с 1946 по 1954 год, не далее как в 2005 году заявил, что произведения Гальяно «не мода, а маскарад». «В та­ких туфлях и шляпах просто некуда пойти. Представьте что вы пришли на званый ужин, вам понадобится три стула, чтобы разместиться - возмущался он. Однако Карден, видимо, не понял сути коллекций. На показах для Dior Галья­но действительно представляет не просто одежду. Он создает целый эскапистский мир грез, осколки которого пользуются спросом и хорошо распродаются. Между прочим, сам месье Диор не раз порывался куда-нибудь сбежать. Как-то, говоря об аро­матах, он вдруг посерьезнел и сказал: «Ду­хи — это открытая дверь в закрытый мир».

Так ли они непохожи в самом деле, эти два гиганта моды? Оба сумели уйти от той судьбы, которая была им уготована по происхождению, оба наделены невероят­ным талантом, оба сумели наладить ог­ромный и прибыльный бизнес в области моды и аксессуаров, отважившись плыть против течения.

Возмущенные люди, с негодованием кричавшие в 1997 году об угрозе, которую Гальяно представляет традиционным цен­ностям Дома Christian Dior, судили, навер­ное, лишь по фотографиям самого Диора. Вышколенный и элегантный, он появлял­ся в свете исключительно в костюме. Не­доброжелатели Гальяно полагают, что в те далекие времена, когда Кристиан Диор на­чинал, он уже был «классиком при жизни». Мало кто помнит сегодня, что в костюмах и галстуках тогда на работу ходил любой мужчина, за исключением разве что шах­теров и дворников.

Читать далее...

Эротическая съемка при естест­венном освещении только на пер­вый взгляд представляется менее сложной по сравнению с работой при искусственном свете. Конеч­но, фотографу не нужно устанав­ливать аппаратуру для подсветки. Но тот, кто хотя бы раз пробовал это делать, знает, что именно при­способление модели и заднего плана к наличествующему естест­венному освещению может быть очень сложно. Немного трениров­ки и опыта в эротических съемках с искусственным светом окажут большую помощь.

Дневные пря­мые лучи в принципе дают те же тяжелые и бесформенные тени, что и верхний свет в ателье. Косые утренние или вечерние лучи не­сколько уменьшают пластичность и телесность, но при этом имеют преимущество, так же как и пере­дний свет в студии, давать на­ибольшую интенсивность красок. Встречный свет создает настрое­ние и атмосферу, как и в природе, так и в ателье. Резкий солнечный свет огрубляет детали также, как и направленный искусственный свет. Рассеянный свет пасмурного неба дает мягкие переходы цве­тов.

Многие сторонники эротических съемок при естественном освеще­нии пытаются защитить свою точку зрению тем аргументом, что эро­тические съемки при естествен­ном освещении выглядят нату­ральнее, чем эротические съемки в студии. При ближайшем рассмо­трении здесь однако обнаруживается логическая ошибка. Разве для обнаженного человека ландшафт будет более натуральной средой, чем внутренние помещения?

И там. И здесь человек обычно не хо­дит голым. Это обоснование под­ходило бы только для съемок на пляже. Или эротические съемки при естественном освещении по­тому считают более натуральны­ми, что вид обнаженного человека на фоне природы выглядит менее чувственно? Это также неверно. В корне не логично рассматривать эротическую съемку при искус­ственном и естественном освеще­нии как противоположности. Важ­но, не в какое окружение ставит фотограф свою модель, а удается ли ему создать эротическую карти­ну из индивидуальной обнаженно­сти. Для этого подходит любое композиционное окружение, если оно допускает задуманную идею.

Эротические съемки при естест­венном освещении предоставляют две возможности:
1. изображать человека и природу как единство,
2. использовать броские природ­ные детали как скалы, фактурные сучковатые деревья и т.д. в качест­ве контраста.

Снимки, в которых человек высту­пает как незначительная часть природы, где природа сама явля­ется выразителем смысла карти­ны, уже не назовешь эротической фотографией. По сути это ландшафтная съемка, где обнаженный человек является ее элементом.

В основном эротические съемки с естественным освещением ведут­ся у воды, в лесу, возможно, на фо­не гор. Основная проблема заклю­чается в том, чтобы в теплое время года найти удобное место, куда долгое время не придут нежела­тельные зрители. Абсолютный по­кой является основной предпо­сылкой творческой работы. Даже самая уверенная в себе модель вряд ли будет чувствовать себя уверенно, когда ее будут обозре­вать чужие люди. Если исключить подобные помехи, то видно какими преимуществами может обладать окружение на движение и интуи­цию модели. Фотограф чувствует то же самое. Для начала надо бы просто накопить опыт съемок с ес­тественным освещением на пус­тынном пляже. На пляже у воды да­ет самая неопытная модель двига­ется довольно легко и естествен­но. При этом открываются воз­можности вести съемку в движе­нии.

Напротив, на фоне гор с их отчуж­дающим воздействием элемент движения в основном отпадает, но при этом возникают такие позы, которые на пляже выглядели бы абсурдом.

Характерной ошибкой являются неподходящее навязчивое осве­щение или неспокойный задний план, отвлекающие от замысла фотографа. Поэтому здесь рекомендуется работать с длиннофо­кусными объективами, чтобы уда­лить задний план за границу рез­кости. Если задний план по своей структуре представляет собой от­носительно спокойную поверх­ность, то можно использовать и ко­роткофокусный объектив. Часто может мешать и линия горизонта, особенно когда она невыгодно пе­ресекается с линией тела. Измене­ние угла зрения поможет этого из­бежать. Низкий штатив сдвинет линию горизонта на нижний край фотографии, где она выглядит вполне удачно, а высокий просто ее уберет. При эротических съем­ках в естественном освещении проблемы перспективы, установка резкости и нерезкости имеют большее значение, чем при съем­ках с искусственным светом. Сама нерезкость изображения движе­ния может стать привлекательным выразительным средством.

Зачастую новички не учитывают и многообразие цветных деталей в окружении и на заднем плане и яв­ление цветорефлексии. Таким об­разом цвет кожи, являющийся важнейшим элементом цветных эротических фотографий, Читать далее...

Несмотря на то, что большинство новичков накапливает свой опыт в ландшафтной съемке и перегру­жает себя многообразием деталей окружающей природы, предпочте­ние все же отдается эротической съемке при искусственном осве­щении. Съемка в ателье, в основ­ном с расплывчатым интерьером, является тем самым условием, где лучше всего решаются задачи это­го жанра. При работе в ателье, как правило, отказываются от каких-либо сопутствующих деталей, по­скольку они лишь отвлекают. Сред­ства изображения для фотографа ограничены светом, человеческой формой, линией и движением. Са­мо пространство не играет ника­кой роли. Хорошие студийные снимки являются, в основном, просты ми, естественными и скромными, освещение здесь под­чинено форме человека. Сенсаци­онная подсветка чаще становится самоцелью также, как и включение декоративных элементов, теневые эффекты свидетельствуют о не ус­тоявшемся вкусе фотографа.

Использование световых прибо­ров зависит от физических данных натурщика, идеи и того настрое­ния, которого хочет добиться фо­тограф. Для того, чтобы дать ка­кие-то рекомендации начинаю­щим, следует попытаться класси­фицировать виды студийной съем­ки. Это, прежде всего, темный си­луэт на светлом фоне как самая, пожалуй, четкая форма эротичес­кой фотографии. Второе - силуэт на темном фоне, который выполняется против света с использова­нием глориоэффекта и, наконец, многообразная сфера подсвечен­ной съемки фигуры.

К первым двум типам съемки про­ще всего дать определенную схе­му освещения, в последнем же случае это крайне сложно.

Для съемки силуэта на белом фоне требуется прежде всего стена, вы­крашенная в белый цвет. Годится и белая, обязательно выглаженная простынь или большой кусок чер­тежного ватмана, приколотый к стене. Если снимается торс цели­ком, то следует постелить белую бумагу и на пол. Чертежный картон шириной 150 см особенно практи­чен. Он укладывается на пол так, чтобы занять порядка 3 м от стены, а в месте стыка со стеной его сле­дует округлить, чтобы получить в итоге ровный фон, который дол­жен быть освещен плоским диф­фузным светом так, чтобы мы име­ли белую равномерно освещенную поверхность. Натурщик устанавли­вается в 1-2 м от стены, чтобы не провоцировать возможные склад­ки на полотне фона. Дополнитель­ной подсветки от камеры не требу­ется. Рассеянный в пространстве свет очерчивает необходимые де­тали, а большего от силуэтной съемки и не требуется. Если не принимать во внимание эстетиче­скую сторону, такой вид съемки дает очень хороший психологичес­кий эффект. Начинающие натур­щики сразу приобретают уверен­ность, когда фотограф выключает передний свет и стоят всего лишь как тень на белом фоне. Скован­ность исчезает, движения стано­вятся более свободными. Кроме того в этом виде съемки имеется замечательная возможность до­биться неузнаваемости лица мо­дели, если в этом есть необходи­мость. Основным условием для силуэтной съемки является тело безупречных пропорций.

При съемке силуэта на черном фо­не работают как правило с двумя источниками света. На темном фо­не видны только освещенные участки тела, все же физические недостатки скрываются в тени. Эта съемка требует с одной стороны направленного света, а с другой -ограниченного количества осве­щенных мест. В качестве фона темная ткань годится лучше всего. В качестве освещения использу­ются два прожектора, поставлен­ные сзади в виде ножниц, наискось так, чтобы модель находилась в точке пересечения лучей обоих прожекторов. Обычные галоген­ные осветительные приборы могут играть лишь вспомогательную роль, лучше всего, если корпуса ламп имеют специальные крышки, чтобы свет не падал на фон и на ка­меру. Осветители должны быть ус­тановлены как можно выше, чтобы избежать отражательного эффек­та в объективе и получить почти вертикальный поток света. Лицо модели при этом освещает только одна подсветка. Как и в случае съемки силуэта на белом фоне, свет играет вспомогательную роль и позволяет новичкам избежать излишней натурализации. Верх­ний и встречный свет могут и для опытного фотографа стать вол­шебным и сильным средством вы­ражения. Свет помогает обобщить образ, дать волю воображению и фантазии зрителя, одновременно он позволяет скрыть мелкие физи­ческие недостатки тела и модели. Неровности кожи и темные поло­сы, оставленные одеждой, практи­чески незаметны, получается, что эти места как бы попадают в тене­вую зону. Особенно нужно быть внимательными по отношению к возможным недостаткам бедер. Если при хороших данных у моде­ли слишком широкие бедра и пу­тем поворота этот недостаток не устранить, просто следует убрать свет, а точка пересечения свето­вых лучей будет поднята несколько выше , так что тело будет освеще­но приблизительно до талии, кон­тур бедер Читать далее...

Все, о чем мы до сих пор говорили, касалось эротической съемки без ясно различимого заднего плана. Однако нередко в изображение вносятся конкретные детали окру­жающей обстановки и устанавлива­ется определенная связь между ней и человеком. Существует отдельное понятие - эротическая съемка с включением элементов окружаю­щей обстановки. Естественно, практически те же самые условия применяются для съемки на откры­том воздухе. В целом, в понятие съемки в помещении входит съемка с опознаваемыми элементами ок­ружения, относящимися либо к сфере личной жизни модели, либо создают определенный контраст. Съемка в помещении более близка съемке при искусственном освеще­нии, чем съемка на открытом возду­хе. В основном, речь идет о включе­нии в изображении предметов, со­здающих домашнюю атмосферу. Освещение в этих случаях лабильно и не связано с искусством.

Понятие available light (имеющийся в распоряжении свет) возникло в Америке в 30-е годы. С развитием и более широким использованием высокочувствительных пленок и сильных объективов в последую­щие годы это понятие вошло в упот­ребление и у нас.

На первый взгляд, этот термин зву­чит слишком сложно и профессио­нально. Но это заблуждение. Высо­кочувствительные пленки и сильные объективы имеются в распоряже­нии каждого фотолюбителя. Некоторые даже имеют объективы тако­го качества, что не в состоянии ис­пользовать всех его возможностей.

Available light это свет, который при­меняется при съемке без использо­вания дополнительных средств, си­туации и настроения, изменения конструкции имеющихся источни­ков света. Главное преимущество такого метода съемки - правди­вость и плотность атмосферы изо­бражения. Зернистость пленки, ко­торая появляется благодаря дли­тельному проявлению, и не очень высокая степень резкости создают этот особый вид фотографии, при котором кожа сохраняет свою есте­ственность. Можно таким образом повысить выразительность снимка. Тонкая чувствительность, необходи­мая мастеру, отсутствие стремле­ния наскоком постичь этот своеоб­разный мир, позволяют с примене­нием такого света получить яркие, впечатляющие снимки.

Что касается самой техники осве­щения, то очень сложно давать ка­кие-либо советы. Многообразие, проистекающее из места съемки, конкретной ситуации, имеющегося в распоряжении света, представля­ет массу возможностей. Если в рас­поряжении есть какой-либо свет, то это. Как правило, неподвижно уста­новленные светильники, которые освещают помещение из одной оп­ределенной точки. В редком случае фотограф может изменить направ­ление света. Поэтому основная проблема состоит в том. Чтобы точ­но оценить характер модели и найти для нее самое удачное место в удачной световой точке. В том мес­те, где будут достигнуты желаемое настроение.

Пропорции, необходи­мо выбирать соответствующую по­зицию и позу. Ясно, что во время съемки в домашней обстановке не всегда можно найти соизмеримые источники света как в студии. Для фотографов, не имеющих просвет­ленных объективов, это создает оп­ределенные сложности. Но здесь можно применить пару маленьких хитростей, чтобы исправить поло­жение. Большое зеркало, белая сте­на или по крайней мере большой ку­сок белой бумаги, расстеленный на полу под определенным углом, по­зволяют обеспечивать достаточное количество света.

Главная пробле­ма съемки в интерьере заключается не в освещении. В противополож­ность съемке в ателье, здесь прояв­ляется множество ненужных дета­лей, которые должны занять свое место на снимке. Опасности вклю­чить в снимок чрезмерное количес­тво деталей обстановки, сделать его безвкусным, здесь гораздо больше, чем при съемке на свежем воздухе. Предметы, появляющиеся на снимке, относятся как правило к личной жизни. Поэтому изображе­ние получается слишком конкрет­ным, исключающим всякое обще­ние.

Те, кто еще имеет небольшой опыт в эротической съемке, часто не обращают внимание на ряд мел­ких предметов, попадающих в кадр и портящих его. Использованная пепельница, полупустая чашка, де­тали одежды придают изображению характер профанации и двойственности. Свисающие провода, люст­ры, комнатные растения на должны попадать в кадр. Основным принци­пом должно стать то, что каждая де­таль несет на себе определенную смысловую нагрузку. Для этого все­гда требуется большое внимание. Тот, кто осознал это, всегда перед съемкой внимательно проверяет, не попадают ли в кадр лишние предме­ты. Объективы, пленки, экспономе­тры - всем этим вещам нечего де­лать в кадре. Обстановка должна соответствовать модели, ее харак­теру, поведению, движениям. Ниче­го нет более неразумного, чем со­вмещение любой модели с любой обстановкой. Даже мебель или ри­сунок обоев на заднем плане долж­ны быть Читать далее...

Во всей сфере фотографии в по­следние годы сильно выросло зна­чение цветной съемки. Черно-бе­лая же становится узко професси­ональной областью.

Естественно, цвет делает фотогра­фии более правдоподобной и кон­кретной. Но одно только это не было бы выигрышем для актовой фотогра­фии. Как раз абстракция. Которая является результатом перенесения естественных красок природы в се­рую гамму тонов черно-белого изо­бражения, а вместе с ней и устране­ние слишком натуралистичных пред­ставлений, сталкиваются с предпо­лагаемым в изображении акта вы­сказыванием.

Употребленный необ­думанно цвет, означал бы таким об­разом шаг назад. Где же скрыты воз­можности применения цвета в фото­графии обнаженного тела? Важно обратить внимание на тот факт, что цветная фотография и пес­трая фотография не одно и то же. Во всех сферах применения цветной фотографии имеет место ограниче­ние числа цветов на одном снимке. Пестрота означает случайное и бес­порядочное сосуществование самых различных цветов и тонов, что не приносит пользы художественной фотографии. Но при соответствую­щем содержании изображения и для конкретной модели может быть осознанно скомпоновано опреде­ленные интенсивные цветовые соче­тания. Практика показывает, что изо­бражения, построенные в цветовом оформлении на эффекте контраста дополнительных цветов, производят на зрителя более активное, свежее и живое впечатление, чем те, которые тон в тон выдержанны в родственных цветовых тонах. Последние скорее излучают покой и задумчивость, ино­гда меланхолию. Умелое цветовое оформление позволяет даже выраз­ить в изображение романтизм, ли­ричность, не соскальзывая в безвку­сицу.

Передача цветом оттенков кожи имеет большую, чем чисто докумен­тальную, выразительную функцию. Цвет кожи почти никогда не является единственной краской на снимке. Другие цвета могут его поддержи­вать, подчеркивать или ослаблять. Удастся ли осуществить возможное или предполагаемое высказывание, это зависит от того, как удается фо­тографу поставить цвет кожи в пра­вильное соотношение к цветам окру­жения, фона и аксессуаров. Сверх­правдоподобная передача усилива­ет впечатление материальности.

Основное средство изображения в цветной фотографии это контраст цветов. Его нельзя дать логично в черно-белой фотографии, где един­ственная возможность инсцениро­вать пространство в плоском изо­бражении дается через световой контраст.
Об образном воздействии различ­ных цветов в фотографии можно су­дить по четырем шкалам: Шкала теплых цветов (от красного к фиолетовому) имеет решающее значение для цветовой пластики, для иллюзии пространства. Теп­лые цвета сильнее притягивают взгляд зрителя и тем самым заставляют отступить более холод­ные тона на задний план. Так крас­ный и оранжевый цвета идеальны для переднего плана, желтый и зе­леный - для среднего, а голубой - для заднего. Из этого получилось бы совершенное в отношении цве­тов эшелонирование в глубину. Практика фотографии доказывает убеждающее пространственное впечатление от такого и производ­ного от него расположения цветов.

Шкала яркости имеет значение для формирования эффекта объемнос­ти за счет ступенчатого перехода от светлого к более светлому или от темного к более темному для одно­го цвета в пределах одного тона.

Шкала чистоты - цветовой тон при постоянной яркости меняет степень своей чистоты в зависимости от то­го, больше или меньше он смеши­вается с серым цветом. Одну край­нюю точку этой шкалы образует данный цвет в наивысшей чистоте, другую - всегда серый цвет. Исполь­зование цветовых тонов этой шкалы также играет роль для создания пространственности и пластики в изображении.

Смешанная шкала функционирует за счет возможности цвета при не­изменной яркости и при том же со­держании серого цвета прибли­жаться к своим соседям по цветово­му кругу. Для этой шкалы характер­ны больше психологические аспек­ты восприятия. Зеленый, например, всегда воздействует теплее и при­ветливее, когда содержит больше желтых примесей, или холоднее и даже неприятно, когда он больше приближается к голубому.

Конечно, в практике эти шкалы не применяются изолированно и по­стоянно проникают друг в друга. Этот комплекс композиции цветно­го изображения принято называть синхронным контрастом. Он зави­сит не только от значений цветов, но и от соотношения величин цветовых поверхностей, и часто использует оптические обманы, как, например, красная поверхность придает ней­трально серому фону зеленоватое мерцание и наоборот. Это означает для фото графа-практика то, что мо­дель с бледной кожей нужно изо­бражать в контрасте с бледными, смешанными, холодными цветовы­ми тонами, если ваша задача пока­зать кожу модели теплой. Смягчить же вид Читать далее...

Эротическая фотография по своей сути почти всегда является постановочным снимком. Снимок как запечатленное сиюминутное зависит от многих случайных моментов, которые зачастую не имеют ничего общего с преследуемой целью воздействия снимка и даже могут его испортить. Это связано с тем, что как правило в моментальном снимке преобладают конкретные и документальные компоненты. Важным является тот факт, что уже только общечеловеческий такт не позволяет производить моментальные снимки обнаженного человека, если он этого не осознает.

Часто встречается мнение, что постановка эротической фотографии в основном заключается в том, чтобы побудить модель к наиболее противоестественным позам и телодвижениям. Но это, естественно, не является постановкой, а лишь претендует на это название. Постановка в эротической фотографии означает гораздо больше, чем указание модели принять ту или иную позу. Она практически начинается уже с поиска подходящей модели и первого разговора фотографа с лицом, рассматриваемым в качестве модели.

Возникает вопрос, где искать тех, кто по крайней мере внешне подходит к участию в эротических съемках. Самый простой совет - искать там, где людей можно обычным образом видеть почти или полностью раздетыми, то есть при занятии спортом, в бассейне или на пляже. Это по крайней мере не вызовет обоюдного разочарования, которое может возникнуть, когда для участие в съемках приглашается лицо, которого фотограф не видел обнаженным. Хорошая модель в повседневной жизни не должна обязательно выглядеть необычайно красивой. Часто за простой не выделяющейся одеждой скрывается почти абсолютно гармоничное тело, в то время как изысканный внешний вид отлично маскирует различные телесные недостатки. Естественно, эти наблюдения нельзя толковать как догму.

Если возникает желание пригласить кого-либо в качестве эротической модели, фотографу следует на основании нескольких хороших фотографий объяснить свои намерения и пояснить, будут ли эти фото использованы в учебных целях или для публикации. Сразу же обсуждаются правовые вопросы и вопросы гонорара. Когда фотограф предъявляет модели свои фотографии, он дает ей уверенность, что она не имеет дело с шарлатаном или спекулянтом. Точные разъяснения своих представлений о фотографии уже в этот момент предотвратит от недоразумений. Кроме того полезно с самого начала приобщить модель к созданию фотографий . Ни в каком другом жанре успех не зависит так сильно от модели как в эротической фотографии. Если модель не обладает четким личным воздействием, то и самый лучший фотограф ничего не сможет наколдовать.

Согласие на эротическую съемку предполагает у обоих партнеров высокую меру доверия. Речь не может идти о найме рабочей силы. Ни одна женщина не станет моделью для того фотографа, к которому она не испытывает доверие и симпатию. Этого не будет делать и профессиональная модель. Этот факт можно оценить положительно как выражение общественного положения женщины.

Успех фотографа значительно зависит от того, удается ли ему в дискуссии с моделью пробудить ее интерес к формированию собственного представления о данном снимке и правильно ли он подходит к образу мышления данного человека. Модель откроет свое сердце только тому фотографу, у которого достаточно такта, чтобы абсолютно не замечать факт обнаженности своей модели, для которого речь идет о повседневной ситуации. Часто полезно работать с неярким светом, предоставляя время для адаптации к искусственному освещению. Силуэтные съемки на белом фоне помогают привыкнуть и втянуться в работу. Скованных людей может приободрить то, что у них есть чувство хорошо выполняемого дела. Дело фотографа разумной похвалой создать атмосферу уверенности.

Любой практик был свидетелем того, что пассивные модели, обладающие даже очень хорошими внешними данными, неспособны внести вклад в создание снимка.

Иногда, правда, кажущийся таким пассивным человек начинает внезапно проявлять интерес после того, как увидел свои первые снимки.

Несомненно, каждый мастер эротического фото по своему подходит к своей задаче. В зависимости от личного склада мышления, темперамента, а также от меры опыта работы с данной моделью может существовать продуманная идея, устоявшаяся концепция, иногда даже в форме предварительного наброска. Основным условием становится интуитивная уверенность во владении техникой.

Для сеанса эротических съемок требуется время. Модели, не имеющие достаточного опыта, совершают ошибку, снимая узкую одежду или одежду со шнуровкой за недостаточно продолжительное время перед съемкой. На фотографии покрасневшие пятна и полосы дают намек на отсутствующую одежду. Модель выглядит не обнаженной, а раздетой, а это огромная разница. Впрочем, неопытные фотографы часто не замечают эти неприятные мелочи. Неблагоприятны контрастные полосы на коже от купальника. Скромные полоски от купальника на теле подходящей модели могут при случае выглядеть даже привлекательно и повышать Читать далее...

Все человеческие тела имеют, в принципе, одинаковые основные формы, но едва ли найдется хотя бы два похожих. Одежда и модный внешний вид часто отодвигают ин­дивидуальность на второй план, создают определенное однообра­зие тел, позволяют различить лишь видимые отклонения от стан­дартной формы. О фантастичес­ком многообразии человеческого тела можно только догадываться. Тот, кто занимается фотографией обнаженного человеческого тела, должен знать конкретные формы и учиться их узнавать. Поэтому для фотографа необходимы основные знание человеческой анатомии, которые позволяют распознать в определенных пределах даже формы и линии и у одетого челове­ка. Однако более важным является тот факт, что неумение видеть кон­кретные формы тела может стать причиной некоторых наиболее ча­стых и серьезных ошибок при съемке.

Фотограф должен знать, какой напряженный или расслаб­ленный мускул сможет подчерк­нуть ту или иную деталь, удлинит, поднимет или опустит определен­ную часть тела, как могут меняться формы тела благодаря смене по­ложения и позы, в каких случаях определенные группы мускулов при определенном освещении вы­зывают конкретную тень и многое другое. Только при этих условиях он будет в состоянии подчеркнуть физические достоинства модели, показать их в правильном свете и точно также оптически смягчить или скрыть возможные недостатки и неправильности другой. Ибо для каждого тела существуют опреде­ленные «шоколадные» позиции, которые фотогеничнее других.

Голова и лицо являются в основ­ном предметом изображения в портретной фотографии, однако и для съемки обнаженного тела они представляют незаменимое сред­ство выражения. Само положение головы способно выразить самые различные настроения от выража­ющего подавленность наклона или наклона любезности до гордого подъема Одна их наиболее частых ошибок состоит в том, что положе­ние головы не соответствует поло­жению тела модели. Выражение лица имеет большое значение с точки зрения содержания. Нельзя отказываться от выразительных возможностей, которые дает ми­мика.

Определенные правила и опыт портретной съемки могут быть пе­ренесены в область эротической фотографии. Ясно выраженный фронтальный вид лица и тела мож­но использовать для того. Чтобы дать почувствовать достоинство и уверенность в себе. Фронтальный вид действует строго, ему не присуще временное и случайное, он действует постоянно.

Формально с точки зрения контура поза производит впечатление бо­лее подвижной, если голова и пле­чи слегка повернуты по направле­нию к друг другу. Фронтальный вид головы вводит зрителя в атмосферу изображения прежде всего че­рез выражение глаз, а последова­тельный поворот в профиль при отсутствии контакта взглядом яв­ляется чаще всего причиной явно выраженной дистанции. Намерен­ное изображение в профиль несет на себе эффект орнамента.

Шея и плечи также зависимы от положения и движения головы и рук. Классическая линия подборо­док - шея может быть очень впе­чатляющей как в портрете, так и в изображении обнаженного тела красивой женщины. Лучше всего она проявляется в позе в профиль. Эту линию можно усилить, если слегка приподнять голову, чтобы подбородочная часть выпрями­лась и выбрать для камеры поло­жение слегка снизу.

Отсутствие мысли часто приводит при изображении шеи к некоторым ошибкам. Одной из них является возникновение некрасивых и не­обоснованных теневых пятен из-за слишком крутой подачи све­та. Еще хуже забывать, что шея не­сет голову, что она мускулами и су­хожилиями связывает голову с торсом. Уже при повороте головы на шее возникают в зависимости от прочности тканей в большей или меньшей степени некрасивые складки. Необдуманная подача света усиливает этот недостаток.

Плечи являются ярко выраженной характерной деталью при изобра­жении Читать далее...

Коко Шанель – без этого имени невозможно представить историю моды и парфюмерии XX века. Имя великой законодательницы мод уже давно стало символом, оно живет в ее творениях…

Габриэль Шанель родилась в 1883 г. в Сомюре-на-Луаре в больнице для бедных у пары, не состоявшей тогда в браке. Ее отец, Альберт Шанель, был ярмарочным торговцем и вел кочевую жизнь, переезжая с ярмарки на ярмарку. Мать, Жанна Деволь, была родом из крестьянской семьи из Оверни — крестьянские корни влияли на взгляды Шанель даже тогда, когда она стала «королевой Парижа». Крестьянская бережливость трансформировалась в скупость выразительных средств и в идею «экономного» стиля, который никогда не выходит из моды. Кроме того, в крестьянском костюме Франции преобладали белый и черный, так как яркие цвета были запрещены еще Карлом Великим, и это сформировало особую эстетику костюма, в котором отсутствие декора компенсировалось выразительностью силуэта. Черный цвет был связан и с личной биографией Шанель, которая в 11 лет осталась без матери и вместе с сестрой была отдана в монастырский сиротский приют. Черный — цвет траура, одеяний монахинь и воспитанниц приюта ассоциировался у Шанель с собственной судьбой (до 16 лет она носила черный костюм).

После приюта и интерната для девочек из знатных семей в Мулене, куда ее устроила благотворительная организация, Шанель работала продавщицей в модном магазине и заводила романы с гарнизонными офицерами. Именно тогда, исполнив в кафе «Ро-тонда» несколько песенок, она получила свое прозвище Коко (Цыпленок), которое заменило ее настоящее имя. Хотя она не походила на томную красавицу в стиле «бель эпок», шарм и обаяние, присущие ей, привлекали множество поклонников, и в 1907 г. богатый наследник Этьен Бальзан, увольнявшийся из армии, предложил ей покинуть Мулен и жить с ним в имении под Парижем. Став содержанкой, Шанель тем не менее не походила на дам полусвета «прекрасной эпохи». Шанель носила одежду из гардероба своего любовника — брюки для верховой езды и рубашки, спортивные джемперы и галстуки, доказывая, что женщина в мужской одежде выглядит более соблазнительно, чем в корсете и пышных платьях в стиле модерн.

Она покупала готовые шляпки в «Галери Лафайетт» и переделывала, убирая лишний декор и обрезая слишком широкие поля. Успех, которым пользовались ее костюмы, натолкнул Шанель на мысль открыть собственное дело. В 1909 г. с помощью Э. Бальзана и своего нового любовника А. Кейпела она открыла в Париже шляпный салон. Так Шанель обрела финансовую независимость, которой очень дорожила, никогда не упоминая о своем прошлом, символом которого остался цветок камелии (так в XIX в. называли дам по- лусвета).

К. Шанель стала самостоятельной женщиной, которая нуждалась в удобной и функциональной одежде, чтобы завоевывать мир мужчин. «Коко Шанель прекрасно овладела основами мужской элегантности, используя ее не только для себя, но и для всех женщин, которые хотели жить так же, как она. Благодаря сильному природному инстинкту она поняла один из важнейших психологических принципов жизни: мобильность — это власть. Она хотела быть не жертвой в шелковых воланах, а творцом... То, что отличает Шанель от великих гомосексуальных модельеров и придает ее стилю современную остроту, это ее первостепенная задача: не стремление к женственности, а устойчивый социальный рост».

Шляпы К. Шанель пользовались успехом — клиенток привлекали не только модели, но и ее образ, в котором угадывалась новая женщина XX в. В 1913 г. в курортном городе Довилль Шанель открыла магазин, где продавала практичные модели одежды для отдыха, в том числе купальные костюмы из джерси. Во время Первой мировой войны ее предприятие расширяется, а слава растет, она обзаводится престижными заказчицами.

В 1915 г. К. Шанель перевела свое предприятие в Бьярицц — к концу года в ее доме моды уже работало 300 человек. Стиль Шанель стал популярен — удобные жакеты и укороченные, юбки с накладными карманами, туники из трикотажного полотна и льняные летние платья казались наиболее подходящими для новой роли женщины. В 1916 г. нью-йоркский журнал «Harper’s Bazaar» опубликовал первые рисунки моделей Шанель для американской публики, которая оставалась верна Шанель на протяжении всей ее долгой жизни в моде.

В 1919 г. Шанель открыла в Париже дом высокой моды на улице Камбон. Ее стиль оказался актуальным и в послевоенные времена. В моделях Шанель отражались интеллект и независимость женщин новой эпохи, простые платья и Читать далее...

Метали́сты (металли́сты или металхэ́ды или металлеры) — это молодёжная субкультура, вдохновлённая музыкой в стиле метал, появившаяся в 1980-е годы. Субкультура металлистов тесно связана с субкультурой байкеров, в связи с симпатией последних к тяжёлой музыке и симпатии первых к мотоциклам (как к символу свободы).

Типичную моду среди многих металлистов можно описать так:

* Длинные волосы или короткая стрижка, зачёсанная вверх.
* Кожаная куртка «косуха», кожаный жилет.
* Джинсы или кожаные штаны (у девушек — кожаные мини-юбки).
* Чёрные футболки или балахоны с логотипом любимой металической группы.
* Напульсники — кожаные браслеты с заклёпками и/или шипами, шипастые, проклёпанные ремни, цепи на джинсах.
* Нашивки - Нашивки на одежде и прочих окружающих предметах с изображениями любимых метал-групп
* Грубая обувь — «камелоты», «гриндерсы», армейские берцы, обычные ботинки, девушки иногда носят сапоги. Короткие сапоги с цепями — «казаки». Кроссовки.

Однако одежда не является основным атрибутом представителей данной субкультуры.

Ввёл подобную форму одежды английский металист певец Роб Хэлфорд, который в конце 1978 года на концертах своей группы Judas Priest стал одеваться в кожаную одежду с металическими украшениями.

В последнее время всё чаще в одежду металистов стал проникать разнообразный армейский камуфляж. Особенно любимы такие вещи как камуфляжные армейские штаны и шорты, которые носятся вместе с чёрной футболкой, имеющей логотип одной из металических команд. Но не стоит путать металистов с риветами, поскольку камуфляж является основным элементом одежды многих индустриальщиков. Среди всех молодёжных субкультур, получивших распространение в современности, субкультура металистов одна из немногих не является деструктивной, так как причиной объединения её представителей является именно увлечение тяжёлой музыкой, которая (за исключением некотрых групп) учит человека добру и уважению и прививает высокие моральные ценности.

Характерный жест металлистов, известный в России как «коза» — вскинутый вверх кулак с разжатым мизинцем и указательным пальцем и направленной стороной ладони вперёд. Аналогичный жест (Karana mudra) принят в буддийской традиции. Популяризован Ронни Джеймсом Дио, который утверждал, что этому жесту его научила бабушка. Трактуется и как старинный жест для того, чтобы отогнать злых духов, и как сатанинский жест (рога Сатаны), и как современное обозначение буквы «u» (аналогично «жесту Черчилля», — рука собрана в кулак, разжаты только средний и указательный палец, — обозначающему букву «V») — сокращение от «unity», то есть «единство» — приветствие «брата по крови» своего. Со временем жест стал использоваться и другими музыкальными субкультурами.

Это цитата сообщения Kiss_me_darling Оригинальное сообщение

История знаменитого британского дома моды Burberry уходит своими корнями в середину 19 века, в 2006 году Burberry отмечал свое 150-летие. Благодаря своей многовековой истории дом Берберри считается воплощением истинно английских традиций.

Основоположником дома является Томас Берберри. Все началось с того, что Томас изобрел габардин - невероятно прочный, практичный и удобный материал, который идеально подходил для шитья верхней одежды. Поэтому неудивительно то, что первоначально Берберри специализировался на шитье плащей.

Именно плащ, вначале называвшийся "слипон", а впоследствии "тренчкот", принес Томасу известность и дал возможность дальнейшего развития. В Первую Мировую войну дом Burberry получил правительственный заказ на изготовление полумиллиона тренчкотов, адаптированных под военную униформу. Этот заказ принес Томасу миллионы…

Сегодня дом моды Burberry по достоинству занимает видное место в мире моды и на международном рынке. Дизайнеры дома постоянно радуют мировую общественность коллекциями в стиле люкс, вносят неоценимый вклад в развитие модной индустрии.

Уже достаточно давно основное внимание уделяется продвижению двух линий одежды Burberry:

- Burberry Prorsum. Модели из данной коллекции, представляемые в Милане, задают модные тенденции, и пользуется большой популярностью во всем мире. Это роскошная и экспериментальная одежда, которую могут себе позволить только обеспеченные клиенты из высшего класса.
- Burberry London. Основой этой коллекции являются английские традиции шитья и история бренда. Джинсы, футболки, свитера, обувь, сумочки и маленькие юбки - классическая линия Burberry London - являются "визиткой" Дома.
- Кроме того Дом моды Берберри с успехом реализует еще одну линию Thomas Burberry, которая представляет детскую и подростковую одежду, часы, очки, аксессуары и парфюмерию.

На сегодняшний день креативным директором Burberry является Christopher Bailey (Кристофер Бэйли), ранее работавший в Gucci и Donna Karan. В 2006 году он был признан лучшим британским дизайнером года на традиционной ежегодной церемонии вручения премии British Fashion Awards.

Кристофер Бейли с приходом в Берберри стал активно заниматься разработкой новой коллекции одежды, ориентированной на традиционную английскую моду с ее строгими линиями и тщательной проработкой деталей. Новшеством также является то, что в коллекции представлены и восемь мужских костюмов.

Логотип Дома моды Burberry - рыцарь в доспехах на фоне флага с надписью "Prorsum", что в переводе с латыни означает "идти вперед".

Это цитата сообщения Kiss_me_darling Оригинальное сообщение

Джанни Версаче (Gianni Versace) был ярким, самобытным дизайнером, талант которого признавали профессионалы и любили разномастные представители шоу-бизнеса. Энергичный, пламенный и экстравагантный, он был непревзойденным Королем Гламура, сумевшим построить с нуля модную империю ценой в 1 миллиард долларов.

Джанни Версаче родился в 1946 в местечке Reggio di Calabria, в южной части Италии. Его отец Антонио работал продавцом бытовой техники и различных технических приспособлений. А мать Франческа держала салон одежды. В течении шести лет, с 18 и до 25 Джанни работал с матерью в её ателье, набираясь знаний и опыта. Потом он скажет: "Всему, что я знаю о моде, я научился у своей матери". В детстве Джанни делал кукол из лоскутов ткани, найденных в мастерской мамы, и в 9 лет создал свое первое вечернее платье, вельветовое с открытыми плечами.

В 1972 г. Джанни версаче переехал в Милан, где некоторое время работал Флорентиной Флауэрс (Florentine Flowers), а потом с Де Паризини (De Parisini) из магазина Santa Margherita. Версаче создает несколько "текучих" летних моделей, которые разлетелись с полок в мгновение ока.

В 1973 г. Джанни Версаче создал свою первую лини Complice, которая, однако, не нашла развития в последующей истории модного дома.

1978 - год открытий и достижений. В возрасте 34-х лет, в самом расцвете сил, Версаче открывает свой первый именной бутик на престижной via Spiga в Милане, в котором представил женскую и премьерную мужскую коллекции под лейблом Versace.

В качестве логотипа выбрана голова Медузы Горгоны, героини античного греческого мифа, красота лица которой сочеталась с извивающимися змеями вместо волос, а взгляд превращал воинов в камень.

1982 г. Дж. Версаче стал обладателем звания Лучший дизайнер и награды L'Occhio d'Oro за коллекцию сезона осень-зима, в которой вывел на подиум моделей, одетых в знаменитые одежды из алюминиевой сетки.

1989 г. Открывается линия Atelier Versace, реализующая кутюрное направление Дома. Также запускается в производство молодежная линия Versus, которой руководит сестра Джанни, Донателла.

1990 г. Версаче запускает линии Classic V2 line и Signature, в которых представляет упрощенные версии своих идей. Во время показа коллекции haute couture произошел один из самых громких модных скандалов десятилетия. Версаче вывел на подиум джинсы! Эта выходка знойного итальянца буквально взорвала мир моды.

В начале 90х, после развода с английским принцем Чарльзом принцесса Диана посчитала себя свободной от обязательств носить одежду только британских дизайнеров. В это время Версаче становится одним из её любимцев, Диана часто появлялась на светских раутах в его коротких, немного вычурных платьях.

1991 г. Джанни Версаче в четвертый раз получает награду L'Occhio d'Oro как самый креативный и инновационный дизайнер мужской одежды.

1992 г. Версаче изобретает пышность кожаных корсетных платьев с подчеркнутой сексуальностью. Как всегда, он произвел фурор.

1993 г. Запускается линия Home Signature - мебель и предметы для дома. Версаче получает американский модный оскар - премию Vogue/VH1 Fashion Award.

Успех марки на мировом рынке, интенсивное продвижение брэнда, имидж роскоши и гламура неизменно привлекают к себе внимание. В 1994 г. лондонская газета публикует статью, в которой прозрачно намекается, будто империя Версаче основана и поддерживается на деньги мафии. Джанни подает в суд и выигрывает $150 000 и публичные извинения.

1996 г. Уже можно утверждать, что талант Джанни делает звездами не только моделей (Дом Versace активно сотрудничает с Наоми Кэмпбелл (Naomi Campbell)), но и актрис.

Елизабет Хёрли (Elizabeth Hurley), умница и красавица, до недавнего времени была в ранге актрис второго класса. Но надев на на премьеру фильма "Четыре свадьбы и одни похороны" черное платье, скрепленное по шву 23 крупными золотыми английскими булавками, она попала на сраницы светской хроники во все издания, от глянца до желтой прессы. И слава не заставила себя ждать.

1997 год, черный год в истории Versace. Джанни был застрелен на пороге своего дома во Флориде, США, молодым человеком Эндрю Кьюнэнэном (Andrew Cunanan). Мотивы убийства до сих пор отчетливо не выявлены. Высказывались различные версии: от столкновения бизнес-интересов (тут уж не одно издание вспомнило историю с мафией 94-го года) до любовных отношений Читать далее...