1. «Страшный суд» Микеланджело Буонарроти



В 1541 году по заказу папы Павла III великий Микеланджело создал одно из самых известных произведений — фреску «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы.

Однако еще при жизни художника работа вызвала ожесточенные споры: и если Павел III, как утверждают, пал пред фреской на колени, то кардинал Карафа (иезуит, инквизитор и поборник христианской морали) был возмущен и назвал произведение безнравственным:
«То, что можно стерпеть в декоре купальни, выглядит оскорбительным и непристойным на стене самой знаменитой христианской церкви».
Критики успели перемыть кости каждому персонажу: безбородый и молодой Христос не каноничен и вовсе напоминает древнегреческую статую. Апостол Петр держит ключи от врат неба и ада — символ делегированных Богом полномочий. Нагой апостол возвращает ключи Христу, что содержит намек понтификам на то, что их власть преходяща и на самом деле им не принадлежит (некоторые считают, что в чертах лица апостола угадываются черты Павла III).


Апостол Петр.

Но Микеланджело не смог стерпеть подобной критики: церемониймейстера Бьяджо да Чезено он увековечил на фреске с ослиными ушами, а змея кусает его в то место, где должен быть фиговый листок.



Скандал не утихал на протяжении долгих лет и разворачивался на фоне одного из важнейших соборов в истории католической церкви — Тридентского: было принято 17 догм, а также декретов, которые касались цензуры произведений искусств. В 1557 году вышла папская булла, которая обязывала прикрывать обнаженную натуру драпировками или фиговыми листами.

"Страшный суд" попал под подобный декрет: в конце 1550-х годов папа Павел IV (которым стал тот самый кардинал Карафа) предлагал сбить фреску! Но, к счастью, пришедший ему на смену Пий IV отказался от идеи уничтожения и предложил «подкорректировать» творение Микеланджело...

«…Когда папа Павел IV собрался соскоблить „Страшный суд“ Микеланджело из-за обнаженных фигур, которые, как он полагал, слишком уж бесстыдно казали свои срамные части, кардиналы и знатоки заявили, что слишком жалко уничтожать эту фреску, и нашли способ поручить Даниеле, чтобы он написал поверх этих фигур легкие ткани, которые прикрывали бы наготу, что он и закончил еще при Пие IV, переписав к тому же св. Екатерину и св. Власия, которые также казались недостаточно пристойными».

В 1564 году ученику Микеланджело по имени Даниеле Риччарелли было поручено приступить к цензурированию "срамных мест" персонажей (за что подмастерье получил прозвище "штанишник" - Il Braghettone). Стоит признать, что ученик выполнил свою работу с уважением к труду мастера, вот только ему пришлось полностью переписать изображения святой Екатерины Александрийской и святого Власия. Все дело в том, что церковники решили, будто бы их позы слишком фривольны и напоминают совокупление. Риччарелли пришлось сбить кусок фрески и написать новые фигуры — одетые и в более приемлемых позах.



Слева - изначально Святая Екатерина была без платья. Справа - свое искаженное страданиями лицо Микеланджело изобразил на содранной коже святого Варфоломея в качестве немого упрека всем повинным в душевных и физических мучениях художника.

2. Караваджо

С 1602 по 1606 год бунтарю Караваджо было поручено создать для римских церквей несколько алтарных образов. Но «Святой Матфей и ангел», «Успение Богоматери» и «Мадонна со змеей» были отвергнуты заказчиками, посчитавшими полотна непристойными и искажающими историю Церкви.

[298x480]
Караваджо. Святой Матфей и ангел. 1602 год.

«Святого Матфея и ангела» Караваджо написал для капеллы Контарелли (капелла в римской церкви Сан-Луиджи-деи-Франчези). В первом варианте работы Караваджо изобразил апостола простым человеком, который с большим трудом удерживает в своей не привыкшей к письму руке перо.

В основу композиции положено библейское повествование Евангелиста Матфея о собственном призвании, когда мимо него прошел Христос и сказал: «Следуй за Мной». Художник изобразил момент, когда Матфей пишет собственное повествование о Спасителе под диктовку Ангела. Таким образом он исполняет свое призвание: следовать за Христом, исповедуя Благую Весть.
Рядом с Матфеем находится скучающий ангел, который своим изящным жестом направляет грубую руку Евангелиста. Его ноги обнажены и, как это обычно бывает у Караваджо, грязные и мозолистые (еще и буквально лезут в нос зрителю). Подобная трактовка, конечно же, шокировала публику: изображение сочли унизительным, так как оно выставляет святого в неподобающем свете. Тогда художник решил написать второй вариант, который удовлетворил заказчиков и до сих пор находится в капелле Контарелли (первый вариант картины хранился в Берлине и был утрачен во время штурма в 1945 году).

"Успение Девы Марии":

[400x609]
Караваджо. Успение Девы Марии. 1604–1606 годы.

Успение Богоматери — традиционный сюжет христианской живописи, который изображает момент между смертью Богородицы и ее вознесением на небеса. Полагают, что в это время Дева Мария не была мертва, а находилась в глубоком сне, который сохранил ее тело нетронутым. Работу на этот сюжет художнику заказали для церкви Санта-Мария делла Скала. Однако Караваджо решил изобразить мать Христа мертвой в самом натуральном смысле: «моделью» послужило тело выловленной из Тибра проститутки. Зеленоватый оттенок лица, а также распухшее тело и грязные ноги возмутили заказчиков. Священнослужители отвергли работу, которую спустя несколько лет приобрел герцог Мантуи (Винченцо Гонзага) по совету Рубенса. Да-да, знаменитый фламандский художник настолько был поражен драматичностью и реализмом произведения, что решил реабилитировать его создателя.

«Мадонна со змеей»:

[400x530]
Караваджо. Мадонна со змеей. 1605–1606 годы.

А эта работа художника провела в церкви Санта-Анна ровно два дня! Общественность была возмущена тем, что Караваджо посмел изобразить Христа обнаженным и в более старшем возрасте, чем это было принято. Также публику возмутило декольте Богоматери, которое подчеркивало ее грудь (художнику вновь позировала известная римская куртизанка).

3. «Аллегория с Венерой и Купидоном» Аньоло Бронзино

[450x567]
Аньоло Бронзино. Аллегория с Венерой и Купидоном. Около 1545 года.

На этой картине зритель сразу заметит вопиющий эротизм и неоднозначные образы, характерные для периода маньеризма и учителя Бронзино, Понтормо. Об этой работе стоит написать отдельную статью, но здесь приведу характеристику основных персонажей:

Самая крупная фигура на полотне - Венера, которая узнается по золотому яблоку, которое она получила по итогам суда Париса. Другой рукой она вынимает стрелы из колчана Купидона, что символизирует разоружение, а в данном контексте - обезоруживающее соблазнение.

Купидон - бог любви, спутник Венеры, ее сын и помощник, который олицетворяет сексуальное влечение, обеспечивающее продолжение жизни.

[400x559]

По крылу и песочным часам можно предположить, что седой старец в правом верхнем углу картины - Сатурн (в греческой традиции Хронос). Не совсем понятно, чем именно он занят: защищает Венеру и Купидона или же обнаруживает инцест.

[500x283]

Самая загадочная фигура - девушка с телом змеи, ногами льва и хвостом скорпиона. В одной руке она держит медовые соты - символ удовольствия, искушения, наслаждения. А ее облик (в частности, жало на кончике хвоста) намекает на расплату за удовольствие.

Несложно угадать, что именно смутило цензоров. Но удивительно, что срамные места (у Венеры и Амура), были прикрыты не в XVI веке, а в середине XIX! Во времена Контрреформации Церковь не одобряла нагое тело, но запрет на подобные изображения по большей части распространялся на религиозную живопись. Но произведение Бронзино было создано на мифологический сюжет и не было доступно широкой публике (заказ Козимо I Медичи французскому королю Франциску I). Откровенный эротизм соответствовал вкусам и Медичи, и Франциска I, чей двор был одновременно невероятно утонченным и развращенным.

https://dzen.ru/a/ZeHEWSZZkTKXpbhO