• Авторизация
Дневник Orshan Лента друзей - Дневник - Полная версия


Без заголовка 09-02-2022 16:00 к комментариям - к полной версии - понравилось!

Это цитата сообщения Bo4kaMeda Оригинальное сообщение

Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер (James Abbot McNeill Whistler; 1834 — 1903). Британская галерея Тейт (Tate Britain)

Bo4kaMeda



01. James McNeill Whistler (1834–1904)
Symphony in White, No. 2: The Little White Girl 1864
oil on canvas
76.5 х 51.1 cm
Tate Britain


Эта картина была выставлена в Королевской академии в 1865 году под названием "Маленькая белая девочка". На ней изображена молодая женщина, одетая в белое, прислонившаяся к каминной полке и мечтательно смотрящая в зеркало. Она запечатлена в момент глубокого созерцания. Ее лицо отражается в зеркале и силуэтом на фоне морского пейзажа, что усиливает атмосферу мечты. Отраженный образ печален и ухожен, и возникает соблазн провести некую связь с обручальным кольцом, которое так заметно на ее левой руке. Возможно, Уистлер также хотел вызвать в памяти "Венеру Рокеби" Веласкеса (Национальная галерея, Лондон), где отражение лица женщины так же противоречит ее собственному идеализированному образу.


Поэт Суинберн был настолько вдохновлен картиной Уистлера, что написал в ответ стихотворную балладу "Перед зеркалом". Она была призвана скорее дополнить, чем объяснить картину:

Рад, но не в восторге,
поскольку радости проходят мимо;
Печален, но не согбен печалью,
поскольку печали умирают;
В глубине сверкающего стекла
Она видит, как все прошлое проходит,
И вся сладкая жизнь, что была, ложится и лежит.
(Алджернон Суинберн, Стихи и баллады, Лондон, 1866)

Уистлер был в восторге от стихотворения, напечатал его на золотой бумаге и наклеил на раму. Таким образом он надеялся усилить тему задумчивости и сожаления в картине.





Моделью для картины стала любовница Уистлера, Джо Хиффернан, а местом действия - дом, который они делили в Линдси Роу, Челси. Она держит в руках японский веер, изготовленный для европейского рынка. Уистлер был очарован японским искусством и культурой и с ранних лет коллекционировал японские предметы. Веер, красный горшок и сине-белая ваза на каминной полке, а также распустившаяся розовая азалия не только придают картине японское настроение, но и создают яркие цветовые ноты на нейтральном фоне черного, белого и кремового цветов. Висящие в комнате картины отражаются в зеркале, их рамы создают серию прямых углов, которые повторяют камин и само зеркало, разделяя и отделяя картину, как японская гравюра.

В 1887 году Уистлер выставил "Симфонию в белом" № 3 (Институт изящных искусств Барбера, Бирмингемский университет). Соответственно, "Маленькая белая девочка" получила дополнительное название "Симфония в белом, № 2", чтобы подчеркнуть важность прочтения картины как расположения цветов и интерпретации настроения, а не сюжета картины. Соответственно, первая картина серии, "Белая девочка" (1862 г., Национальная галерея искусств, Вашингтон), стала называться "Симфония в белом, № 1".



02. James Abbott McNeill Whistler 1834–1903
Harmony in Grey and Green: Miss Cicely Alexander 1872–4
Oil paint on canvas
1902 × 978 mm
Tate


Cicely Alexander была дочерью W. C. Alexander -- успешного лондонского банкира. Ей было восемь лет, когда Уистлер написал этот портрет. Возможно, Cicely познакомилась с Уистлером благодаря их общему интересу к восточному искусству: у семьи Александер была коллекция японских лаковых изделий и бело-голубого фарфора, и Уистлер придает портрету оттенок японизма с помощью золотой окантовки черного дадо и стенной перегородки, а также нежных маргариток и бабочек. Уистлер также написал старшую сестру Сисели, Агнес Мэри и планировал сначала написать ее, но внезапно вдохновился идеей написать младшую девочку в платье и позе Лолы де Валанс (1862, Музей Орсе) Мане. Он дал строгие указания относительно того, как должна быть одета Сисели, детально разработав платье и даже указав, где можно найти подходящий материал из тонкого индийского муслина. Даже черно-белый ковер, на котором она стоит, был сделан на заказ сестрами художника Уолтера Гривза (1846-1930). Готовая работа не только отдает дань уважения Мане, но и, благодаря свободной кисти и тональной работе с краской, опирается на работы Веласкеса, который изображал членов испанского двора в похожих позах и цветовой гамме.

Картина, как следует из названия, представляет собой гармонию серого и зеленого: Cicely позирует на фоне серой стены в платье серых тонов на сером коврике. Бледно-зеленый цвет длинного пера в ее серой шляпе подхвачен бантами ее черных туфель и поясом платья. Уистлер потребовал от девочки более семидесяти сеансов, каждый из которых длился несколько часов. Позже она вспоминала о пытках, которым ее подвергали:

... я считала себя жертвой на протяжении всех заседаний, вернее, стояний, потому что он никогда не позволял мне менять позу, и я думаю, что иногда я стояла часами напролет. Я очень уставала и раздражалась, и часто заканчивала день в слезах
(Pennell, pp.173-4.)

Одним из наиболее привлекательных аспектов картины является строгий дизайн, который в сочетании с драгоценными цветами создает изысканное ощущение хрупкой красоты. Однако, когда картина была впервые выставлена в галерее Pall Mall в 1874 году, критики назвали ее "неприятным представлением неприятной молодой леди" и "аранжировкой из серебра и желчи" (цитируется по Dorment and MacDonald, p.147).



03. James Abbott McNeill Whistler 1834–1903
Miss Agnes Mary Alexander c.1873
Oil paint on canvas
1924 × 1016 mm
Tate


Портрет Агнес Мэри ("Мэй") Александер был заказан ее отцом WC Alexander, благодарным покупателем самого первого ноктюрна Уистлера, "Ноктюрн: Синий и серебряный - Челси", висевшего неподалеку. Рисуя Мэй, Уистлер пошел совсем по другому пути, чем при написании ее младшей сестры Сесили. Более простая и суровая по замыслу, Мэй появляется из богатых теней (Уистлер скопировал у испанского старого мастера Веласкеса). Жестко ограниченная гармония цветов поднимается только для группы желтых цветов.



04. James McNeill Whistler (1834–1904)
Three Figures: Pink and Grey
between 1868 and 1878
oil on canvas
185.4 х 139.1 cm
Tate


Картина создана на основе одного из шести эскизов маслом, которые Уистлер сделал в 1868 году в рамках плана фриза по заказу бизнесмена F. R. Leyland (1831-92), основателя судоходной компании Leyland. Известные как "Шесть проектов", эскизы (сейчас находятся в Художественной галерее Фрир, Вашингтон) представляли собой сцены с женщинами и цветами, и на все шесть работ оказало сильное влияние восхищение японским искусством. Другим прецедентом для этих работ была "История Святого Георгия", фриз, который Эдвард Берн-Джонс (1833-98) выполнил для художника и иллюстратора Myles Birket Foster (1825-99) в 1865-7 годах. Серия больших картин предназначалась для дома Лейланда в Принс-Гейт, но так и не была создана, и только одна - "Белая симфония: три девушки" (1867) - была закончена, но позже была утеряна. Уистлер приступил к новой версии, "Три фигуры: Розовая и серая", но так и не был удовлетворен этой поздней картиной и описал ее как "картину, ни в коей мере не репрезентативную, и в своем фактическом состоянии абсолютно бесполезную". Несмотря на недовольство Уистлера, в картине есть несколько блестящих штрихов и поразительно оригинальная композиция.

Хотя три фигуры явно заняты уходом за цветущим вишневым деревом, цель Уистлера в этой картине - создать настроение или атмосферу, а не предложить какую-либо тему. Дизайн экономичен, пространство картины разделено на части, как японский интерьер. Неглубокое, похожее на фриз расположение, цветущее растение и зонтик у правой фигуры также являются признаками намеренного японизма. Уистлер подавил некоторые детали масляного эскиза, фактически раздев молодых девушек, изобразив их в пелене. Для картины характерны пастельные тона, "гармония" розового и серого, подчеркнутая более яркими красными цветами цветочного горшка и банданы девушек, а также бирюзовой стеной позади. Есть предположение, что Уистлер позаимствовал свои цветовые схемы и даже сами фигуры с их ритмично ниспадающими драпировками из полихромных фигур Танагры в Британском музее, который находился напротив его студии на Грейт Рассел Стрит.



05. James McNeill Whistler (1834–1904)
Nocturne: Blue and Silver - Cremorne Lights 1872
oil on canvas
74.3 х 50.2
Tate


Цель Уистлера в этой картине, как и во всех его "Ноктюрнах", - передать ощущение красоты и спокойствия ночной Темзы. Эпитет "ноктюрн" был впервые предложен Фредериком Лейландом, поскольку он передавал ощущение ночной сцены, а также имел музыкальные ассоциации. Это выражение было быстро принято Уистлером, который позже объяснил:

Используя слово "ноктюрн", я хотел обозначить исключительно художественный интерес, избавив картину от любого постороннего анекдотического интереса, который мог бы быть связан с ней в противном случае". Ноктюрн - это прежде всего расположение линии, формы и цвета

Вид открывается с моста Баттерси, на реку, в сторону Баттерси слева и огней Креморнских садов удовольствий справа. Уистлер предпочитал спокойствие реки ночью шуму и суете Темзы днем. Он отправлялся в путь на вёсельной лодке в сумерках и иногда оставался на реке всю ночь, делая наброски и запоминая пейзажи. Он никогда не писал свои ноктюрны на месте, а скорее по памяти в своей студии, используя специальный материал, разработанный для быстрой масляной живописи. Разбавлял краски копалом, скипидаром и льняным маслом, создавая так называемый "соус", который наносил тонким прозрачным слоем, стирая его, пока не был удовлетворен.

Простор голубого неба и воды, создающий фосфоресцирующую поверхность прямо по всему холсту, усиливает настроение мира и спокойствия. Оранжевые огни прогулочных садов мерцают вдали, усиливая атмосферу мечтательности. Камыши и плот на переднем плане едва обозначены ловкими, каллиграфическими мазками краски. Здесь очевидно влияние японского искусства, а также ограниченная палитра, экономия линий и характерная подпись Уистлера в виде бабочки справа.



06. James Abbott McNeill Whistler
Nocturne: Blue and Silver - Chelsea 1871
Oil paint on wood
502 × 608 mm
Tate






Возвращаясь из поездки на пароходе в Вестминстер, Уистлер однажды вечером в августе 1871 года был вдохновлен видом реки "в сиянии редкой прозрачности за час до заката". Он тут же бросился в свою студию и за один присест написал эту лунную сцену. Картина написана на панели, загрунтованной темно-серой краской, на которую Уистлер нанес тонкие слои пигмента, чтобы создать контрастное ощущение свечения. Вид открывается из Бэттерси на Челси, и на горизонте можно различить такие объекты, как башня старой церкви Челси справа. На переднем плане низкая баржа и фигура рыбака обозначены с минимальным количеством деталей, а влияние японского искусства очевидно в ограниченной палитре, экономии линий и характерной подписи в виде бабочки.

Критик газеты "Таймс" дал редкую оценку "Ноктюрнам" Уистлера, описав их следующим образом:

Они являются иллюстрациями теории... что живопись настолько близка к музыке, что цвета одной могут и должны использоваться, как и упорядоченные звуки другой; что живопись не должна стремиться к выражению драматических эмоций, изображению исторических событий или регистрации фактов природы, но должна довольствоваться формированием нашего настроения и возбуждением нашего воображения с помощью тонких сочетаний цвета, через которые может быть сказано все, что живопись может нам сказать, и вне которых живопись не имеет никакой ценности или истинной речи (The Times, 14 ноября 1871 года).



07. James Abbott McNeill Whistler
Nocturne: Blue and Gold - Old Battersea Bridge c.1872–5
Oil paint on canvas
683 × 512 mm
Tate


Одна из самых противоречивых работ Уистлера. Пятая работа из серии ноктюрнов, созданных в 1870-х годах.

Центральный мотив - мост Баттерси, вдали видны церковь Челси и огни недавно построенного моста Альберта. В небе - фейерверк, одна ракета поднимается вверх, а другая рассыпается искрами. Возможно, вдохновением послужила ксилография Хиросигэ.

Когда картина появилась на первой выставке в галерее Гросвенор в 1877 году, Оскар Уайльд написал, что на нее "стоит смотреть примерно столько же времени, сколько смотрят на настоящую ракету, то есть чуть меньше четверти минуты".



08. James McNeill Whistler (1834–1904)
Crepuscule in Flesh Colour and Green: Valparaiso 1866
oil on canvas
75.9 х 58.6 cm
Tate


Название картины указывает на то, что главной целью Уистлера было передать эффект сумерек с помощью цветовых гармоний. Однако подзаголовок, "Вальпараисо", также дает ключ к теме: испанская бомбардировка главной гавани Чили в марте 1866 года.

Когда картина была выставлена во Французской галерее в Лондоне в 1867 году, она была хорошо принята. Критик, писавший для Athenaeum, отметил, что Уистлер придал "аспект сонного движения судам и передал зрителю катящуюся, словно дышащую, поверхность моря с силой, которая является магической" ("Зимняя выставка во Французской галерее", Athenaeum No.2045, 5 января 1867 года, стр. 22-3).

В ответ на испанскую оккупацию принадлежащих Перу островов Чинча в 1864 году, южноамериканские страны Чили, Боливия и Эквадор сформировали союз с Перу против Испании. В феврале 1866 года Уистлер отправился из Лондона в Южную Америку, чтобы помочь чилийцам. Когда он прибыл в Чили 12 марта, эскадра из шести испанских кораблей блокировала главную гавань страны, Вальпараисо. Чтобы защитить своих граждан и выступить в качестве нейтральных, миротворческих сил, британское, американское и французское правительства выслали свои флоты, которые также присутствовали в стране. 27 марта испанцы объявили о своем намерении подвергнуть город бомбардировке. Хотя британский, американский и французский флоты были возмущены этим актом агрессии, у них не было другого выхода, кроме как уйти. На картине Уистлера почти наверняка запечатлено начало отступления, вечером 30 марта. На следующий день испанцы подвергли город бомбардировке, и к тому времени Уистлер уже бежал на лошади в горы.

В Вальпараисо Уистлер написал еще три полотна, все они изображали прелюдию или последствия военных действий. По словам Эдди, он завершил эту картину "за один присест, заранее подготовив краски". Из этого можно сделать вывод, что он работал по памяти и что общий эффект был важнее точности деталей. Из современных свидетельств мы знаем, что американцы послали один корабль с железными башнями и пять пароходов, а французский и британский флоты включали фрегаты и канонерские лодки. Несмотря на это, Уистлер изобразил в основном парусные корабли, некоторые из которых начали разворачивать паруса, готовые выйти в открытое море. Единственный четко видимый флаг - французский триколор в центре композиции, силуэт которого виден на фоне собирающихся фиолетовых и пурпурных облаков. Картину сравнивают с ранними морскими видами Мане 1864-5 годов, особенно с его изображением битвы "Кирсардж" и "Алабамы" (1864, Музей искусств Филадельфии).



09. James McNeill Whistler (1834–1904) Abbott McNeill Whistler q:en:James McNeill Whistler
Nocturne: Black and Gold 1875
oil on canvas
76.2 х 54.3 cm
Tate


Это один из шести ноктюрнов, написанных Уистлером в садах Креморн в Лондоне. Сады были расположены в западной части Челси на берегу реки, всего в нескольких сотнях ярдов от резиденции Уистлера в Линдси Роу. До них можно было добраться пешком или на пароходе, и там предлагали разнообразные развлечения, включая рестораны, театры, "стереораму", цыганский грот, лабиринт и крытый кегельбан. Во всех своих изображениях садов Уистлер игнорировал танцы и музыку, которые были основными чертами ночной жизни, и сосредоточился на более загадочных и эфемерных развлечениях, таких как ночной фейерверк. Эта работа показывает кульминацию одного из пиротехнических шоу, которые проводились каждый вечер на площадке для фейерверков в Креморне, известной как Грот. Толпа зрителей, повернувшись к нам спиной, с трепетом наблюдает за эффектным колесом Екатерины, которое вращается в ночном небе, выбрасывая потоки искр. В левой части картины виден многоярусный фонтан, украшенный сказочными огнями, а слева и справа - деревья.

На этой картине он использовал тонкие мазки, чтобы создать впечатление, что дым клубится в бархатистой темноте. Затем он капнул краской на поверхность, чтобы передать эффект фейерверка, и оживил фигуры продуманными, изучающими мазками. Его намерением было сохранить настроение Креморнских садов, какими они ему показались, не описывая сцену слишком тщательно.



10. James Abbott McNeill Whistler
Black Lion Wharf, Wapping 1859
Etching on paper
143 × 225 mm
Tate



11. James Abbott McNeill Whistler 1834–1903
Count Burckhardt published 1862
Wood engraving on paper
159 × 102 mm
Tate




12. James McNeill Whistler (1834–1904)
Arrangement in Gray: Portrait of the Painter 1872
oil on canvas
74.9 х 53.3 cm
Detroit Institute of Arts
Аранжировка в сером: портрет художника
Автопортрет, ок. 1872
Холст, масло
Детройтский институт искусств




13. James McNeill Whistler (1834–1904)
Portrait of Whistler with Hat
Self-portrait 1858
oil on canvas
46.3 x 38.1 cm
Freer Gallery of Art (Washington)



tate
вверх^ к полной версии понравилось! в evernote


Вы сейчас не можете прокомментировать это сообщение.

Дневник Без заголовка | Orshan - Дневник Orshan | Лента друзей Orshan / Полная версия Добавить в друзья Страницы: раньше»