Занимаясь живописью, мы находимся (должны находиться) в состоянии транса, когда внимание постоянно напряжено, и это напряжение не должно ослабевать по ходу работы. Вспомните, что я говорил о зрительном восприятии художника. Его взгляд не сосредоточен на одной точке, пытаясь понять её цвет, его взгляд рассеян, он видит натуру целиком и сравнивает между собой разные её участки. Смотрите сквозь объекты, фокусируйте свой взгляд за ними, чтобы их материальная составляющая, форма, фактура, растворилась в их цвете. Сравнивайте одно с другим и ищите между ними различия. Главная, если не единственная цель этюда, уловить мгновенное состояние натуры через точную передачу отношений её цвета. Не путайте этюд с живописью от себя или с декоративной живописью. В учёбе такая «отсебятина» не допускается. Не скрою, учеников (да и художников), способных научиться по-настоящему видеть цвет бывает не много. У большинства студентов не хватает сил писать переписывать в этюде одно и то же, и вскоре они начинают сочинять свой цвет, гордо утверждая, что «они так видят».  Тут будет уместно напомнить, что на приёмных экзаменах по живописи в первую очередь обращают внимание на способность человека видеть реальный цвет. 

---

 

[показать]
 

Этюд пишется сочетанием красочных пятен, которые кладутся в разброс по всей поверхности холста или бумаги. Постепенно, поверхность заполняется цветом полностью, и всё идёт по новому кругу, когда цвет уточняется и переписывается многократно. По крайней мере, для этюда по сырому (ала прима), это закон, определяемый методом поиска цвета отношениями.   Не пытайтесь начинать акварель с верхнего угла и заканчивать нижним. 

Метод отношений предполагает, что вначале мы выбираем в натуре для сравнения самые определённые понятные нам по цвету места. Они должны быть близки по светлоте и по цвету. Это облегчит вам поиск тонких различий в пятнах, которое вам и требуется передать в работе.

Стремитесь к тому, чтобы цвет в одном месте этюда не повторялся в другом месте. Если цветовое пятно переднего плана повторится и на дальнем плане, иллюзия глубины пространства нарушится, потому-что с уходом в глубину, цвет в натуре всегда изменяется, а если он не изменился, значит, он расположен где-то рядом.

Учитывайте простую вещь, найти различие в близких по цвету пятнах, расположенных вплотную друг к другу, гораздо легче, чем между пятнами, разбросанными в пространстве натуры.Фон на котором лежит мазок цвета, удивительным образом изменяет наше восприятие этого цвета. Не думайте, что цвет, положенный вами на белую поверхность в начале работы, будет смотреться таким же на полностью записанной поверхности. Вам приходится постоянно вносить коррективы в ранее написанное, уточнять и цвет и его светосилу. В этом и заключается процесс живописи, в отличии от простой раскраски.

В одном красочном пятне стремитесь создать взаимодействие нескольких цветов, сочетание тёплых оттенков с холодными. Вы чувствуете необходимость сделать пятно цвета холоднее? Не обязательно его записывать новым, более холодным, цветом, достаточно внести в имеющееся пятно вкрапления мелких мазков синих тонов. Отойдя на расстояние от работы, а это надо делать как можно чаще, вы заметите оптическое смешение цветов.

Сама методика поиска цвета, последовательность работы над живописью, позволяет с лёгкостью определить этюдный характер полотна. Другое дело, если на основе найденных цветов в этюде вы начинаете работать над самостоятельной композицией. Тогда манера создания красочного слоя, фактура живописи, не поддаётся классификации, это почерк художника, который может видоизменяться в неограниченном диапазоне. Кто-то из художников работает крупными пятнами тона, которые усредняют цвет деталей натуры, кто-то обожает работать мелкими мазками-капельками, у кого-то живопись напоминает мозаику из смальты, у кого-то длинные и тонкие мазки, полные динамики и экспрессии (вспомните Ван Гога). Занимаясь творчеством, вы можете придерживаться послойного письма старых мастеров, можете работать локальными условными цветами, вы творец! Но в процессе овладения академической живописью, вы ученик, который обязан уметь передавать на холсте натуру.

---

[показать]

 

[показать]

 

[показать]

 

[показать]

 

[показать]

 

[показать]

 

Так может выглядеть последовательность работы над учебным этюдом масляными или гуашевыми красками. 
Старайтесь оттянуть использование белил, подольше поработайте в тёмной тональности над цветом и рисунком. 
На первых порах не стоит увлекаться мелкими пятнами, работайте широкой плоской щетинной кистью, и только на заключительной части переходите на более узкую. Для особо начинающих скажу больше, не пытайтесь сглаживать мазки и не доводите работу до "совершенства", пускай она и покажется вам сырой, вовремя остановитесь.
Старайтесь писать при дневном свете, избегайте искусственное освещение. 

---

 

Ничего не говорю о кистях, бумаге и холсте на подрамнике. Это легко найти в сети самим.

Технические замечания

- в акварельном этюде рисунок намечается в общих чертах кончиком круглой кисти с голубой краской (не закон, а рекомендация).  

- если это этюд маслом, то рисунок создаётся в подмалёвке автоматически, когда вы прокладываете общие тоновые пятна.

- в масляной технике (где используется кроющая краска: гуашь, темпера, акрил…), работа начинается с теневых мест жидкой краской без использования белил. Самые освещённые места пишутся в конце работы, как аккорды триумфа, ради которого вы и прудились над тенями и полутонами. Их принято делать самыми пастозными (выпуклыми, грубыми, рельефными) мазками.

- в акварельной технике живопись идёт от самых светлых участков натуры к более и более тёмным. Заметьте, техника по сырому не исключает применение локальных лессировок.

- не путайте этюд по сырому с техникой отмывки, при которой краска наносится послойно, для получения всё более и более тёмного тона. Если вам приходится постоянно вымывать влажной кистью глухие (не прозрачные) участки краски, и вы превратили это в норму, такое письмо называют стиркой белья.

- очень часто опытные акварелисты отбрасывают первый «замученный» исправлениями лист, на котором найден верный цвет, и начинают этюд заново. Второй сеанс, с учётом найденного на предыдущем листе, пишется легко и быстро, сохраняя при этом свежесть и чистоту живописи.

- станковая акварель выработала массу технических приёмов, которые в этюде обычно не применяются. Вспомним; подкладывание под натянутую на стиратор бумагу, мокрой губки или войлока, использование резинового клея для защиты от краски бликов (после высыхания акварели, клей стирается), присыпание акварели крупинками соли и ещё, бог знает чего.

Как просто нам жить с таблицей умножения. Выучили, что дважды два – четыре, и это знание можно сразу же применить на практике. Многие начинающие живописцы думают, что обучение строится из заучивания правил и знакомства с технологией живописи. Да, это важно, но оно бессмысленно, если у вас нет правильной «постановки глаза», развитого чувства тона и цвета. Вновь напоминаю вам об особой роли краткосрочных набросков акварелью с натуры. Без них, как и в рисунке, ни о какой учёбе говорить не приходится.
Только за годы практики под руководством специалиста, у нас в голове образуется зародыш специфического органа, на развитие которого вы потратите годы упорного самостоятельного труда. Но труд окажется бессмысленным, если с помощью педагога вы не заложили правильную основу в процесс обучения, не заложили в мозги тот самый загадочный и неосязаемый для хирургов зародыш творческого роста.  

---

Надеюсь показать технику работы над акварелью, но всяко бывает, поэтому некоторые замечания о ней размещаю сегодня здесь.