|
рекламу ненавидят во всем мире - прошу прощения если она возникает в моей публикации помимо моей воли... Искусство современности как катализатор будущего Автор Анна Литовченко
Об ответственности современных арт-экспериментаторов за разрушение культурного поля изобразительного искусства. Время не стоит на месте, общество требует изменений, и изменений во всех сферах жизнедеятельности. Сейчас речь пойдет о живописи. (продолжение ниже - ЮК)
.
ЗАБЛУЖДЕНИЯ ПО ПОВОДУ ОБУЧЕНИЯ
ОСНОВНОЙ ПОРОК ИСКУССТВА - ДЕНЬГИ
================================
причины падения искусства - неискренность
"Искусство современности как катализатор будущего"
так пишет Автор Анна Литовченко
и приводит примеры антиискусства
рисование мочой ... рвотой и т.д.
тогда это не "катализатор будущего"
а мертворожденное искусство
которое не имеет никакого отношения
ни к настоящему ни к будущему
но главное автор не понимает что именно обучение
и привело к упадку искусства
автор добавляет что и "учиться уже не хотят"
- хотя на самом деле это наоборот обнадеживает
на истинное искусство
во времена Баха и Бетховена
- слава богу не было консерваторий
с возникновением институтов по искусству
в том числе и консерваторий и началось падение искусства
во времена Верди Мусоргского Рахманинова и Прокофьева
- консерватории были - но...
Верди - слава богу не приняли в консерваторию
Рахманинов и Прокофьев - сформировались дома
и консерватория уже их почти не испортила...
"Дебюсси состоялся не благодаря
а вопреки консерватории" - Артюр Онеггер (книга "Я композитор")
а Мусоргский - к ней даже и не подходил
- спокойно оставаясь с образованием кавалериста...
и только потому и состоялся самым удивительным
явлением в музыке своего времени
Чайковского можно объяснить
как продолжателем дела Моцарта
- но Рахманинов и Прокофьев
совершенно уникальные явления в музыке
так что мешает искусству образование с одной стороны
а с другой - меркантильность
- авторы не пишут то что приходит в голову
а пишут то что расхваливается критиками и галеристами
но... "галеристы первые враги искусства
т.к. играют на самых низменных
чувствах зрителя"- Ван-Гог
===========
продолжение
Выставочная деятельность сегодня является богатой и разноплановой, и безусловно, несет в себе культурную ценность. Глядя на картины современных художников пытаешься осознать всю глубину авторского замысла, думаешь, а, следовательно, существуешь, однако в то же время - задумываешься, это возрождение искусства, или его смерть. Сегодня каждый пытается найти в себе художника, и с одной стороны это хорошо, происходит удовлетворение потребностей общества, однако с другой происходит обесценивание значение изобразительного искусства. И речевое клише «я художник - я так вижу (и соответственно - пишу)» становится оправданием целому ряду бездарных и безталлантливых художников. Происходит «уродывание» художественного произведения. Теряется гармония. Современные работы и современные художники все больше заполоняют художественные выставочные галереи, они работают на свое имя пока молодые, а позже оно работает на них, их мнение авторитетно и значимо, никто не задумывается, умеет он рисовать и писать сам, так как учит. На его полотнах отсутствует гармония и нет баланса- он именно это и хотел сделать, он поставил цветное пятно, что не вписывается в общий колорит - так должно быть. Теряется ценность произведения, на первый план выходит имя. Имя определяется количеством выставок и количеством работ. Не качеством, а количеством! Хочешь рисовать, при этом не учиться - интуитивная живопись. Хочешь получить образование и рисовать - недельные курсы… Однако это не единственные проблемы, которые заставляют задуматься. Сейчас все острее стоит вопрос отмирания традиционных художественных техник. И здесь возникает другой вопрос, это прогресс в живописи или все же регресс. Поиск нового, как пути самовыражения или просто издевательство над традиционными манерами исполнения. Так к примеру Джордан Иглз (Jordan Eagles) рисует картины кровью. Его коллега Vinicius Quesada – бразильский художник, пишет свои произведения собственной мочою и кровью, Художница Лане Белосо, создает картины менструальной кровью, другая художница, Милли Браун практикует рисования рвотный массами, а как вы относитесь к «сперматизму», которым уже около десяти лет занимается Мартин фон Островского или к творчеству Вал Томпсона, который рисует человеческим пеплом?. Однако, это не полный перечень, того, что заставляет задуматься. Художники не только самовыражаются в материале, они продолжают удивлять манерой исполнения. Создание собственных шедевров с помощью различных частей тела, как грудь или фаллос. Рисование языком, ягодицами и пр. Вопрос, по-моему, еще и в другом. Задумывается ли подобный художник о том, имеют ли его работы ценность, и какую именно? Конечно, если рассматривать и углубляться в понятия «ценности» возникает много противоречий, можно ли подобные картины вообще называть «произведениями искусства». Однако современное искусство трактует другое восприятие картин, ценностью становится сама возможность самовыражения, а не сама картина как таковая. Только в таком случае мы можем рассматривать данные работы как должное. Только воспринимая стиль написания как путь достижения цели, по моему мнению, мы можем говорить о культурной принадлежности данного произведения. Вот почему, глобальная проблема живописного искусства на сегодняшний день, на мой взгляд - неустанный поиск художниками собственного направления и стиля, толкает задуматься над дальнейшим путем развития изобразительного искусства в целом. В данный момент, мы не имеем единого образца на который следует равняться, у каждого он свой. Вместо отточенного академического творчества на арену выходит своеобразный «микс». И вопрос в том как правильно его воспринимать, следует это рассматривать как новое звено в искусстве, и говорить о возрождении изобразительного искусства или все же следует говорить о деградации живописной традиции. Возникает вопрос, какой дальнейший путь развития изобразительного искусства нас ждет? Сможет ли оно подняться на новый уровень, сможет вернуть себе ценность? Уже сегодня в обществе начинается процесс перенасыщения «современным» работами, и куда тогда? Возрождение или упадок, вот вопрос над которым следует задуматься сегодня, чтобы не стало грустно завтра. Хочется верить, что за всплеском нетрадиционных техник и неординарной подачей, наступит возрождение старых традиций, ведь кто не знает своего прошлого, не достоин своего будущего. -=-их дневника Пчёлка Майя 1 смотреть в журнале на малом экране
|
|
НЕТ ОПРАВДАНИЯ АНТИИСКУССТВУ
- ОНО ВЫПАДАЕТ ИЗ ИСТОРИИ
=================== =================
по поводу статьи Хосе де Рибера: художник-маньяк
, оправданный спустя 400 лет
.
современная жизнь на Западе зашла а тупик
- покупают за миллион унитаз называя его скульптурой
и т.д.
.
так что сборище дураков что оправдали ужасы несчастного Риберы
не стоят и обсуждения
.
важно понять принципы и фундамент явления искусства
в жизни человека которое не направлялось ни диллерами
ни искусствоведами
.
это видно хорошо на народном искусстве
народное искусство не несет мрака
а несет свет и ощущение радости
- поэтому путать гениальность и сумасшедствие - глупости
.
сказки поговорки - они бы не удержались в памяти
как устное искусство
если бы несли отрицательные эмоции
.
значит произведение которое несет противополжные чувства
- это лишь подделка под искусство
я недавно писал эссе и даже сделал фильм
о Курбе "Шкодливый Курбе" и вот пакостный Хосе де Рибера
(а на автопортрете такие сентименты!! такой очаровашка...)
- думаю это болезненность психики
когда человек не может удержаться от пакости
.
.
-=- .
.
Хосе де Рибера оправданный спустя 400 лет художник-маньякНайти тонкую грань между гениальностью и безумием очень непросто. Особенно сложно разобраться в мировосприятии и чувствах человека, который творил четыре столетия назад. Над секретом Хосе де Риберы (Jose de Ribera), испанского живописца эпохи Барокко, искусствоведы и психологи бьются до сих пор, то оправдывая Мастера, то находя новые доказательства его одержимости.
Ни для кого не новость, что творцы эпохи Средневековья знали толк в изображении пыток, казней и мучений. Что поделать — жителю Европы в те времена истязания и смерть были особо близки, так как окружали их повсюду. Эпидемии чумы, черной оспы и холеры, войны, а также регулярные показательные казни на площадях и городских стенах сделали присутствие за спиной старухи с косой вполне обыденным. Не отставали и церковники — сложно вспомнить хотя бы одного почитаемого в христианстве святого, который бы умер без затей, в своей постели.
Изображения мук и изощренных способов ухода из жизни присутствуют в творчестве практически всех мастеров эпох Ренесанса и Барокко, но и среди них есть те, которые особо отличились. Ни один живописец в истории европейского искусства не был настолько искушен в изображении пыток и смертей, как Хосе де Рибера (1591-1652).
«Прометей» около 1630 года Рибера родился в испанской Валенсии, там же начал карьеру живописца, а к 20 годам перебрался в Италию. В Риме молодой талант получил фундаментальные знания в классической живописи, а также обзавелся серьезными долгами. Это заставило его в 1619 году покинуть Вечный город. В Неаполе, где обосновался художник, его творчество особо пришлось по душе духовенству, которое засыпало юного Хосе заказами и обласкало достойными гонорарами. Священнослужители сразу заметили, что лучше всего у юноши с круглым добродушным лицом получались полотна, на которых изображены страсти и убийства.
Мученичество св. Филиппа. 1639 Это было так — смерть получалась у художника очень реалистичной, а орудия пыток и раны он прорисовывал с большим знанием дела. Лучше всего суть творчества Хосе де Риберы сформулировал французский поэт и критик XIX столетия Теофиль Готье:
«Живописная школа безжалостного убийства, словно придуманная одним из помощников палача ради развлечения каннибалов».
Суеверные и подозрительные обыватели не слишком жаловали Риберу — художника всю жизнь преследовала дурная слава — он слыл душегубом и людоедом. Не сохранилось ни одного достоверного упоминания о преступных наклонностях или психических отклонениях художника, но его работы говорят сами за себя. Большинство людей, впервые столкнувшись с картинами Хосе, заявляли, что так достоверно изобразить страдания может лишь человек, привыкший их причинять. Отличной иллюстрацией темного гения Риберы могут служить две его работы, посвященные мученичеству Святого Варфоломея, одного из 12 апостолов. Особо почитаемый армянской церковью святой принял смерть в Малой Азии, где проповедовал учение Иисуса. Согласно каноническому описанию, с Варфоломея живьем сняли кожу, а затем обезглавили.
Впервые Рибера обратился к этому сюжету в юности. На одном из его ранних полотен запечатлен момент перед казнью — обнаженное тело святого, его смиренный лик и торжествующий палач, осматривающий жертву. Картина вызывает сильные эмоции, но не повергает зрителя в ужас. Совсем иначе воспринимается другая работа художника, посвященная тому же мученику. На ней торжествующий палач приступил к своей страшной работе и со смехом сдирает кожу с руки Варфоломея. Полотно вызывает жуткое ощущение, и основным его акцентом является не отреченное лицо апостола, а плотоядная усмешка его истязателя.
Вообще, тема снятия кожи с живого человека, была особо любима Риберой. Еще одно полотно на эту тему изображает сцену из античной мифологии — на нем Аполлон сдирает кожу с сатира Марсия, осмелившегося вызвать бога на музыкальное состязание. Каждая деталь сцены прописана с ужасающей точностью, и зрителю кажется, что он слышит крик умирающего в муках Марсия.
Значительный вклад в демонизацию Риберы внесли его менее одаренные конкуренты. Говорили, что он запугивал других художников, чтобы самому получить желанный заказ, а один раз его даже обвинили в убийстве. Один из соперников испанского живописца, Доменикино из Болоньи, умер в самом расцвете сил при очень странных обстоятельствах, что сразу же дало пищу слухам о вероломном отравлении конкурента.
Святой Себастьян и святые женщины Очередная попытка разобраться в неоднозначном творчестве Хосе де Риберы была предпринята недавно организаторами выставки шедевров художника в лондонской галерее Далича. Экспозиция представила наиболее жуткие творения Риберы и имела соответствующее название: «Рибера: искусство жестокости». Свое мнение о работах барочного художника высказали ведущие европейские эксперты средневековой живописи, которые пришли к общему вердикту — «Невиновен». Итог прений вокруг работ Хосе де Риберы отражает мнение одного из кураторов выставки, Эдварда Пейна:
«Рибере совсем не нужно было быть садистом, чтобы отражать насилие и жестокость. Картины или графические рисунки художника совершенно не обязательно отражают его внутренний мир».
 Чтобы убедить посетителей в том, что Хосе де Рибера не маньяк, а просто гениальный художник своего времени, на выставке в Лондоне также были представлены документы XVI-XVII столетий, описывающие правосудие той эпохи. Эти артефакты демонстрируют, насколько обыденным было во времена Риберы равнодушие к чужим страданиям, и подводят гостей экспозиции к тому, что испанский живописец виновен лишь в том, что в высокой степени освоил мастерство передачи эмоций и анатомических деталей. -=-
|
