ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК ПРОТО-БАРОККО САНТИ ДИ ТИТО / SANTI DI TITO (1536-1603), ФЛОРЕНТИЙСКАЯ ШКОЛА. ЧАСТЬ I
25-12-2024 22:00
Санти ди Тито (1536-1603). Автопортрет, 1590-1600 гг. Холст, масло. 49 x 38,5 см.
Палаццо Питти, Флоренция.
Санти ди Тито (1536-1603) - итальянский художник и архитектор. Один из самых влиятельных и ведущих итальянских художников прото-барочного стиля, который иногда называют «контрманьеризм» или «протокараваджизм». Учился во Флоренции у Аньоло Бронзино; он следовал за своим учителем-маньеристом только в стремлении к отточенным формам и точному рисунку. После 1558 года Санти писал фрески в Риме и перенял классицизм Рафаэля. Вернувшись во Флоренцию в 1564 году, он вступил в Академию изящных искусств, члены которой регулярно работали с Джорджо Вазари над заказами для двора. Вазари хотел, чтобы Санти работал в стиле маньеризма - сложные позы, более яркая цветовая гамма, больше изящества и преувеличения, - поэтому Санти отказался от своего простого, натуралистичного стиля. После смерти Вазари в 1574 году Санти чаще работал для церквей, братств и частных заказчиков. Его возвращение к Рафаэлю, чёткое повествование и искреннее религиозное чувство раннего Ренессанса соответствовали требованию Контрреформационной церкви, чтобы искусство одновременно обучало и трогало самого скромного зрителя. В поздний период он использовал более насыщенные цвета и более реалистичные свет и тень.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Санти ди Тито (1536-1603). Автопортрет, 1590-1600 гг. Холст, масло. 49 x 38,5 см.
Палаццо Питти, Флоренция.
Санти ди Тито (1536-1603) - итальянский художник и архитектор. Один из самых влиятельных и ведущих итальянских художников прото-барочного стиля, который иногда называют «контрманьеризм» или «протокараваджизм». Учился во Флоренции у Аньоло Бронзино; он следовал за своим учителем-маньеристом только в стремлении к отточенным формам и точному рисунку. После 1558 года Санти писал фрески в Риме и перенял классицизм Рафаэля. Вернувшись во Флоренцию в 1564 году, он вступил в Академию изящных искусств, члены которой регулярно работали с Джорджо Вазари над заказами для двора. Вазари хотел, чтобы Санти работал в стиле маньеризма - сложные позы, более яркая цветовая гамма, больше изящества и преувеличения, - поэтому Санти отказался от своего простого, натуралистичного стиля. После смерти Вазари в 1574 году Санти чаще работал для церквей, братств и частных заказчиков. Его возвращение к Рафаэлю, чёткое повествование и искреннее религиозное чувство раннего Ренессанса соответствовали требованию Контрреформационной церкви, чтобы искусство одновременно обучало и трогало самого скромного зрителя. В поздний период он использовал более насыщенные цвета и более реалистичные свет и тень.
ФРАНСИСКО ГОЙЯ – СТАРЫЙ МАСТЕР И ПЕРВЫЙ ПО-НАСТОЯЩЕМУ СОВРЕМЕННЫЙ ХУДОЖНИК
24-12-2024 17:30
Портрет Франсиско Гойи работы Висенте Лопеса Портании, 1826, музей Прадо, Мадрид
Франсиско Гойя (родился 30 марта 1746 года, Фуэндетодос, Испания — умер 16 апреля 1828 года, Бордо, Франция) - испанский художник, чьи картины, рисунки и гравюры отражали современные исторические потрясения и оказали влияние на выдающихся художников 19-го и 20-го веков.
Гойя занимает уникальное положение в истории западного искусства, и его часто называют как старым мастером, так и первым по-настоящему современным художником. Его искусство воплощает романтический акцент на субъективности, воображении и эмоциях, которые наиболее ярко проявились в его гравюрах и более поздних частных картинах. В то же время Гойя был проницательным наблюдателем окружающего мира, и его искусство непосредственно реагировало на бурные события того времени.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Портрет Франсиско Гойи работы Висенте Лопеса Портании, 1826, музей Прадо, Мадрид
Франсиско Гойя (родился 30 марта 1746 года, Фуэндетодос, Испания — умер 16 апреля 1828 года, Бордо, Франция) - испанский художник, чьи картины, рисунки и гравюры отражали современные исторические потрясения и оказали влияние на выдающихся художников 19-го и 20-го веков.
Гойя занимает уникальное положение в истории западного искусства, и его часто называют как старым мастером, так и первым по-настоящему современным художником. Его искусство воплощает романтический акцент на субъективности, воображении и эмоциях, которые наиболее ярко проявились в его гравюрах и более поздних частных картинах. В то же время Гойя был проницательным наблюдателем окружающего мира, и его искусство непосредственно реагировало на бурные события того времени.
СОВЕТСКИЙ И РОССИЙСКИЙ ХУДОЖНИК СЕРГЕЙ ПЕТРОВИЧ БОЧАРОВ (род.1953 г.), ЧАСТЬ III
21-12-2024 21:24
Сергей Бочаров на выставке «От Владимира к Владимиру» в Ливадийском дворце. 2019 г.
Сергей Бочаров (род. 1953 г.) - народный художник, обладатель Гран-при в Италии и во Франции, профессор живописи Итальянской и Австрийской академий художеств, недавно отметил свой 70-тилетний юбилей. Сергей Петрович Бочаров, наш современник, продолжает традиции великих русских художников классической живописи: большие сюжетные картины Брюллова, Иванова, Репина; портреты Левицкого, Тропинина, Крамского; натюрморты Хруцкого; пейзажи Куинджи, Саврасова; морские пейзажи Айвазовского. На открытии персональной выставки Бочарова в столице Италии немало хвалебных слов прозвучало из уст знаменитого кинорежиссера Федерико Феллини. Он назвал работы художника примером высокопрофессионального убедительного современного живописного искусства. Бочаров, по словам Феллини, смог взять все лучшее от итальянских художников, творивших в эпоху Возрождения, а теперь итальянская молодежь учится у него.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 5
понравилось!
вверх^
к полной версии
Сергей Бочаров на выставке «От Владимира к Владимиру» в Ливадийском дворце. 2019 г.
Сергей Бочаров (род. 1953 г.) - народный художник, обладатель Гран-при в Италии и во Франции, профессор живописи Итальянской и Австрийской академий художеств, недавно отметил свой 70-тилетний юбилей. Сергей Петрович Бочаров, наш современник, продолжает традиции великих русских художников классической живописи: большие сюжетные картины Брюллова, Иванова, Репина; портреты Левицкого, Тропинина, Крамского; натюрморты Хруцкого; пейзажи Куинджи, Саврасова; морские пейзажи Айвазовского. На открытии персональной выставки Бочарова в столице Италии немало хвалебных слов прозвучало из уст знаменитого кинорежиссера Федерико Феллини. Он назвал работы художника примером высокопрофессионального убедительного современного живописного искусства. Бочаров, по словам Феллини, смог взять все лучшее от итальянских художников, творивших в эпоху Возрождения, а теперь итальянская молодежь учится у него.
СОВЕТСКИЙ И РОССИЙСКИЙ ХУДОЖНИК СЕРГЕЙ ПЕТРОВИЧ БОЧАРОВ (род.1953 г.), ЧАСТЬ II. 16+
20-12-2024 20:30
С.П. Бочаров (р.1953). Автопортрет с дочерью. 1992 г. Холст, масло. 100 х 100 см.
Сергей Петрович Бочаров (род.1953 г.) – советский и российский художник-реалист, один из величайших художников современности. Он пишет картины, изображая в них пространство, в котором время является направлением. Глубина и иносказательность – это почерк Бочарова. История Сергея Бочарова - сплошные впечатления, изображенные красками реальности, он смог реализовать свой талант и постигнуть сложно ощутимую художественную истину. Профессор живописи. Преподавал живопись во ВГИКе, в Италии, Австрии, Итальянской академии художеств в Риме. Картины Сергея Бочарова находятся в собраниях русских и зарубежных музеев, в частных галереях и коллекциях Германии, Норвегии, Японии, Кореи, Франции, США, Италии.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
С.П. Бочаров (р.1953). Автопортрет с дочерью. 1992 г. Холст, масло. 100 х 100 см.
Сергей Петрович Бочаров (род.1953 г.) – советский и российский художник-реалист, один из величайших художников современности. Он пишет картины, изображая в них пространство, в котором время является направлением. Глубина и иносказательность – это почерк Бочарова. История Сергея Бочарова - сплошные впечатления, изображенные красками реальности, он смог реализовать свой талант и постигнуть сложно ощутимую художественную истину. Профессор живописи. Преподавал живопись во ВГИКе, в Италии, Австрии, Итальянской академии художеств в Риме. Картины Сергея Бочарова находятся в собраниях русских и зарубежных музеев, в частных галереях и коллекциях Германии, Норвегии, Японии, Кореи, Франции, США, Италии.
СОВЕТСКИЙ И РОССИЙСКИЙ ХУДОЖНИК СЕРГЕЙ ПЕТРОВИЧ БОЧАРОВ (род.1953 г.), ЧАСТЬ I
18-12-2024 18:00
Сергей Петрович Бочаров (род. 1953 г.)
Сергей Петрович Бочаров – советский и российский художник-реалист. Родился в Сибири, а живописи учился в Краснодаре, Париже, Санкт- Петербурге, Москве. Четыре специальных образования, два из которых получены едва ли не в самых престижных столичных вузах - Российской академии художеств в Санкт-Петербурге и ВГИКе в Москве, сделали его разносторонним художником. В качестве художника участвовал в съемках 18 фильмов, среди которых «Сталкер», «Поездка в Висбаден», «Забавы молодых». Преподает живопись в России, Италии, Австрии. Трижды становился обладателем премии Гран-при в Италии и Франции. Последний раз подобную награду привез в Россию Айвазовский 140 лет назад. Его картины находятся в собраниях российских и зарубежных музеев, в частных коллекциях Германии, Норвегии, Японии, Кореи, Франции, США, Италии. Сейчас живет и работает в Ялте.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Сергей Петрович Бочаров (род. 1953 г.)
Сергей Петрович Бочаров – советский и российский художник-реалист. Родился в Сибири, а живописи учился в Краснодаре, Париже, Санкт- Петербурге, Москве. Четыре специальных образования, два из которых получены едва ли не в самых престижных столичных вузах - Российской академии художеств в Санкт-Петербурге и ВГИКе в Москве, сделали его разносторонним художником. В качестве художника участвовал в съемках 18 фильмов, среди которых «Сталкер», «Поездка в Висбаден», «Забавы молодых». Преподает живопись в России, Италии, Австрии. Трижды становился обладателем премии Гран-при в Италии и Франции. Последний раз подобную награду привез в Россию Айвазовский 140 лет назад. Его картины находятся в собраниях российских и зарубежных музеев, в частных коллекциях Германии, Норвегии, Японии, Кореи, Франции, США, Италии. Сейчас живет и работает в Ялте.
«САМЫЙ ЖИВОПИСНЫЙ ЖИВОПИСЕЦ» ПЬЕР БОННАР: ПРОЖИЛ ПОЛВЕКА С ЖЕНЩИНОЙ, О КОТОРОЙ НИЧЕГО НЕ ЗНАЛ И ЛЮБИЛ РИСОВАТЬ КОТИКОВ
17-12-2024 14:26
Вам приходилось когда-нибудь зрительные ощущения воспринимать на вкус? Глядя на сгущающиеся синие сумерки, слышать, как поют в ветвях засыпающие птицы? Ощущать бархатистость округлых боков спелого винограда и чувствовать аромат садовой клубники?
Пьер Боннар, которого называют величайшим колористом XX века, через сложные цветовые сочетания, наложение солнечных бликов и вечерних теней передаёт не просто гармонию пейзажа и красоту натюрморта, но все нюансы восприятия.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Вам приходилось когда-нибудь зрительные ощущения воспринимать на вкус? Глядя на сгущающиеся синие сумерки, слышать, как поют в ветвях засыпающие птицы? Ощущать бархатистость округлых боков спелого винограда и чувствовать аромат садовой клубники?
Пьер Боннар, которого называют величайшим колористом XX века, через сложные цветовые сочетания, наложение солнечных бликов и вечерних теней передаёт не просто гармонию пейзажа и красоту натюрморта, но все нюансы восприятия.
ПОЧЕМУ КАЗИМИР МАЛЕВИЧ – ЭТО ХОРОШО, НО ВСЕ БОЯТСЯ ОБ ЭТОМ СКАЗАТЬ?
15-12-2024 16:45
«Если я усну и проснусь через сто лет и меня спросят, что сейчас происходит в России, я отвечу: пьют, воруют и ругают Малевича».
Два года назад я ругал господина Малевича. За это время многое поменялось. В живописном плане мой мозг стал более подкованным. Как известно, по прошествии лет, люди обрастают седыми волосинами, а иногда даже становятся мудрее. Попробуем вновь взглянуть на нашего героя, но уже сквозь расширенную призму осознанности. Попытаемся найти плюсы в его творчестве. Если получится, конечно:
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
«Если я усну и проснусь через сто лет и меня спросят, что сейчас происходит в России, я отвечу: пьют, воруют и ругают Малевича».
Два года назад я ругал господина Малевича. За это время многое поменялось. В живописном плане мой мозг стал более подкованным. Как известно, по прошествии лет, люди обрастают седыми волосинами, а иногда даже становятся мудрее. Попробуем вновь взглянуть на нашего героя, но уже сквозь расширенную призму осознанности. Попытаемся найти плюсы в его творчестве. Если получится, конечно:
10 РАБОТ ПОЛЯ ГОГЕНА, КОТОРЫЕ ВЫ ДОЛЖНЫ ЗНАТЬ
15-12-2024 15:00
Поль Гоген. Автопортрет с портретом Эмиля Бернара. 1888 г.
Холст, масло. 44 x 50 см. Музей Ван Гога, Амстердам.
Автопортрет, написанный в Понт-Авене в 1888 году и подаренный П. Гогеном Винсенту Ван Гогу в Арле. Он представляет себя в образе Жана Вальжана, несчастного героя романа Виктора Гюго «Отверженные», на фоне портрета Эмиля Бернара. Но речь пойдет не об этом портрете, у которого есть второе название «Автопортрет на Голгофе». Поль Гоген никогда не принадлежал французскому художественному обществу на 100%, виной ли тому перуанские корни или что-то иное, но художник отдавал предпочтение путешествиям, в которых реализовывал свои художественные замыслы. Его традиционно считают постимпрессионистом, он начинал творить под влиянием Писсаро, прошел через синтетизм и клуазонизм, и остановился на примитивных образах Таити. Его творчество оказало огромное влияние на Пикассо и фовизм. Вот десять его лучших работ.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Поль Гоген. Автопортрет с портретом Эмиля Бернара. 1888 г.
Холст, масло. 44 x 50 см. Музей Ван Гога, Амстердам.
Автопортрет, написанный в Понт-Авене в 1888 году и подаренный П. Гогеном Винсенту Ван Гогу в Арле. Он представляет себя в образе Жана Вальжана, несчастного героя романа Виктора Гюго «Отверженные», на фоне портрета Эмиля Бернара. Но речь пойдет не об этом портрете, у которого есть второе название «Автопортрет на Голгофе». Поль Гоген никогда не принадлежал французскому художественному обществу на 100%, виной ли тому перуанские корни или что-то иное, но художник отдавал предпочтение путешествиям, в которых реализовывал свои художественные замыслы. Его традиционно считают постимпрессионистом, он начинал творить под влиянием Писсаро, прошел через синтетизм и клуазонизм, и остановился на примитивных образах Таити. Его творчество оказало огромное влияние на Пикассо и фовизм. Вот десять его лучших работ.
СОВЕТСКАЯ ХУДОЖНИЦА ЕЛЕНА БОРИСОВНА РОМАНОВА (1944-2014)
13-12-2024 19:00
Е.Б. Романова (1944-2014). Автопортрет в красном свитере. 1972 г.
Холст, масло. 120 х 102 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Елена Борисовна Романова (1944-2014) – советский и российский художник-монументалист, график. В 1956-1963 гг. училась в Московской средней художественной школе. В 1963-1969 гг. обучалась в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова у К.А.Тутеволь. С 1965 года участвовала в художественных выставках. Член Союза художников СССР (1971). В 1973 году состоялась творческая командировка по путевке ЦК ВЛКСМ в Таджикистан на строительство Нурекской ГЭС. Работала над серией графических работ, посвящённых труженикам Таджикистана. В 1974 году работала в совместной советско-болгарской группе художников на Байкале и в Болгарии. Награждена: дипломом I степени Академии художеств СССР за картины «Автопортрет» и «Председатель», премией Московского комсомола за создание портретов современников (1975), дипломом I степени Академии художеств СССР за «Портрет семьи В.М. Шукшина» (1976), бронзовой медалью ВДНХ (1982). Участвовала в международных выставках в 32 странах мира. Заслуженный художник РСФСР (1988). Скончалась Елена Романова 7 сентября 2014 года.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Е.Б. Романова (1944-2014). Автопортрет в красном свитере. 1972 г.
Холст, масло. 120 х 102 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва.
Елена Борисовна Романова (1944-2014) – советский и российский художник-монументалист, график. В 1956-1963 гг. училась в Московской средней художественной школе. В 1963-1969 гг. обучалась в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова у К.А.Тутеволь. С 1965 года участвовала в художественных выставках. Член Союза художников СССР (1971). В 1973 году состоялась творческая командировка по путевке ЦК ВЛКСМ в Таджикистан на строительство Нурекской ГЭС. Работала над серией графических работ, посвящённых труженикам Таджикистана. В 1974 году работала в совместной советско-болгарской группе художников на Байкале и в Болгарии. Награждена: дипломом I степени Академии художеств СССР за картины «Автопортрет» и «Председатель», премией Московского комсомола за создание портретов современников (1975), дипломом I степени Академии художеств СССР за «Портрет семьи В.М. Шукшина» (1976), бронзовой медалью ВДНХ (1982). Участвовала в международных выставках в 32 странах мира. Заслуженный художник РСФСР (1988). Скончалась Елена Романова 7 сентября 2014 года.
ХУДОЖНИК ЛЕОН БАКСТ: ФИЛОСОФИЯ ЭЛЕГАНТНОЙ ПОВСЕДНЕВНОСТИ
12-12-2024 14:10
Когда рождается талант?
С первым вздохом, с первым криком пришедшего в новый мир будущего гения? Нет, он упорно прорастает сквозь утоптанную обывателями «почву» привычки, неверия и отрицания. Стойко переживает «заморозки» провалов и тянется к живительному солнцу всемирного признания. Но «бутоны» будущих творений проклевываются, – уж простите за банальность, – в детстве.
Биографию Льва (Леона) Самойловича Бакста столько раз обсуждали, переписывали и пересказывали, что «затерли до дыр» аки старый семейный альбом, в котором трудно найти новую фотографию. Но так ли значимо, где именно и когда он родился, из-за чего развелись его родители и почему он женился на своей супруге дважды. Впрочем, последнее действительно любопытно и достойно внимания. Но сначала – о том, почему он стал… таким.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 2
понравилось!
вверх^
к полной версии
Когда рождается талант?
С первым вздохом, с первым криком пришедшего в новый мир будущего гения? Нет, он упорно прорастает сквозь утоптанную обывателями «почву» привычки, неверия и отрицания. Стойко переживает «заморозки» провалов и тянется к живительному солнцу всемирного признания. Но «бутоны» будущих творений проклевываются, – уж простите за банальность, – в детстве.
Биографию Льва (Леона) Самойловича Бакста столько раз обсуждали, переписывали и пересказывали, что «затерли до дыр» аки старый семейный альбом, в котором трудно найти новую фотографию. Но так ли значимо, где именно и когда он родился, из-за чего развелись его родители и почему он женился на своей супруге дважды. Впрочем, последнее действительно любопытно и достойно внимания. Но сначала – о том, почему он стал… таким.
ИТАЛЬЯНСКИЙ ХУДОЖНИК ВЫСОКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ МАРКО д’ОДЖОНО / MARCO d‘OGGIONO (1470-1549), УЧЕНИК ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ
10-12-2024 23:55
Фигура Марко д’Оджоно у пьедестала памятника Леонардо да Винчи в Милане.
Скульптор Пьетро Маньи, 1872 г.
Марко д'Оджоно (1470-1549), один из важнейших последователей Леонардо да Винчи в Милане в начале XVI века. При жизни его хвалили за талант и усердие, и как одного из самых искусных выразителей стиля Леонардо. Его присутствие в мастерской да Винчи задокументировано в период службы тосканского мастера при дворе Сфорца между 1482 и 1499 годами. Однако уже в 1490 году д‘Оджоно осуществлял свою деятельность в полной автономии, о чем свидетельствует заказ, подписанный с Джованни Антонио Больтраффио для алтарного образа «Воскресение Христово со святыми Леонардо и Лючией», предназначенного для оратории Сан-Леонардо в церкви Сан-Леонардо. Среди его покровителей был кардинал Джулиано делла Ровере, впоследствии Папа Юлий II, который заказал ему серию работ для собора Ностра Синьора ди Кастелло в Савоне в 1500–1502 годах, а также версию «Мадонны в скалах» Леонардо, которая сейчас хранится в Кастелло Сфорцеско в Милане. Слава, которой добился художник, несомненна, что обусловлено также влиянием Рафаэля и центрально-итальянского классицизма.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Фигура Марко д’Оджоно у пьедестала памятника Леонардо да Винчи в Милане.
Скульптор Пьетро Маньи, 1872 г.
Марко д'Оджоно (1470-1549), один из важнейших последователей Леонардо да Винчи в Милане в начале XVI века. При жизни его хвалили за талант и усердие, и как одного из самых искусных выразителей стиля Леонардо. Его присутствие в мастерской да Винчи задокументировано в период службы тосканского мастера при дворе Сфорца между 1482 и 1499 годами. Однако уже в 1490 году д‘Оджоно осуществлял свою деятельность в полной автономии, о чем свидетельствует заказ, подписанный с Джованни Антонио Больтраффио для алтарного образа «Воскресение Христово со святыми Леонардо и Лючией», предназначенного для оратории Сан-Леонардо в церкви Сан-Леонардо. Среди его покровителей был кардинал Джулиано делла Ровере, впоследствии Папа Юлий II, который заказал ему серию работ для собора Ностра Синьора ди Кастелло в Савоне в 1500–1502 годах, а также версию «Мадонны в скалах» Леонардо, которая сейчас хранится в Кастелло Сфорцеско в Милане. Слава, которой добился художник, несомненна, что обусловлено также влиянием Рафаэля и центрально-итальянского классицизма.
11 ЗНАМЕНИТЫХ КАРТИН КАЗИМИРА МАЛЕВИЧА И ПОЧЕМУ ОНИ ВАЖНЫ
09-12-2024 14:07
Один из самых известных художников ХХ века Казимир Малевич определил русский авангард, изобрел супрематизм, расширил границы абстракционизма. Этнический поляк, родившийся на Украине в Российской империи, ставший одним из самых знаменитых советских художников, Казимир Малевич использовал искусство, чтобы озвучить многочисленное наследие, унаследованное им. Биография Малевича и его пересекающиеся личности, пожалуй, лучше всего отражены в его творчестве. В то время как большинство критиков и поклонников думают о пресловутом супрематическом «Черном квадрате», говоря о Малевиче, они иногда опускают длинный и извилистый путь, который прошло творчество Малевича, чтобы достичь этой супрематической цели. Казимир Малевич менял стили и искал новые способы живописи, экспериментируя с формами и веществами.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 2
понравилось!
вверх^
к полной версии
Один из самых известных художников ХХ века Казимир Малевич определил русский авангард, изобрел супрематизм, расширил границы абстракционизма. Этнический поляк, родившийся на Украине в Российской империи, ставший одним из самых знаменитых советских художников, Казимир Малевич использовал искусство, чтобы озвучить многочисленное наследие, унаследованное им. Биография Малевича и его пересекающиеся личности, пожалуй, лучше всего отражены в его творчестве. В то время как большинство критиков и поклонников думают о пресловутом супрематическом «Черном квадрате», говоря о Малевиче, они иногда опускают длинный и извилистый путь, который прошло творчество Малевича, чтобы достичь этой супрематической цели. Казимир Малевич менял стили и искал новые способы живописи, экспериментируя с формами и веществами.
СОВЕТСКИЙ ВОЕННЫЙ ХУДОЖНИК ПЁТР МИТРОФАНОВИЧ ШУХМИН (1894-1955)
07-12-2024 20:20
Пётр Митрофанович Шухмин (1894-1955)
Пётр Митрофанович Шухмин (1894‑1955) - советский график и живописец. Родился в 1894 г. в Воронеже. Учился в студии В.Н. Мешкова в Москве (1912) и в Академии художеств (1912-1916) у И.И. Творожникова, А.В. Маковского, Д.Н. Кардовского. Пётр Шухмин был участником Первой мировой войны, а затем и Гражданской войны. Лишь в 1921 году он вновь взял в руки кисти и карандаши. Художнику были чужды живописные новации 1910-х годов и времени первых лет становления нового искусства, поэтому естественным было его участие в Ассоциации художников революционной России (1922). В 1920-е годы он обращается к теме Гражданской войны. Но наибольшую известность принесли художнику во время Великой Отечественной войны плакаты «Окна ТАСС». В 1934-1936 гг. преподавал в Академии художеств и в Институте прикладного и декоративного искусства (1948-1952) в Москве. Лауреат Сталинской премии второй степени (1942). Пётр Митрофанович Шухмин умер 2 мая 1955 г. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Пётр Митрофанович Шухмин (1894-1955)
Пётр Митрофанович Шухмин (1894‑1955) - советский график и живописец. Родился в 1894 г. в Воронеже. Учился в студии В.Н. Мешкова в Москве (1912) и в Академии художеств (1912-1916) у И.И. Творожникова, А.В. Маковского, Д.Н. Кардовского. Пётр Шухмин был участником Первой мировой войны, а затем и Гражданской войны. Лишь в 1921 году он вновь взял в руки кисти и карандаши. Художнику были чужды живописные новации 1910-х годов и времени первых лет становления нового искусства, поэтому естественным было его участие в Ассоциации художников революционной России (1922). В 1920-е годы он обращается к теме Гражданской войны. Но наибольшую известность принесли художнику во время Великой Отечественной войны плакаты «Окна ТАСС». В 1934-1936 гг. преподавал в Академии художеств и в Институте прикладного и декоративного искусства (1948-1952) в Москве. Лауреат Сталинской премии второй степени (1942). Пётр Митрофанович Шухмин умер 2 мая 1955 г. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище.
КУЛЬТОВЫЕ «ЖЕНЩИНЫ АЛЬФОНСА МУХИ»
06-12-2024 14:40
Альфонс Муха: Автопортрет. 1907 г.
Альфонс Муха (родился 24 июля 1860 года, Иванчице, Моравия, Австрийская империя [ныне в Чехии] — умер 14 июля 1939 года, Прага, Чехословакия) - иллюстратор и живописец в стиле арт-нуво, известный своими плакатами с идеализированными женскими фигурами. Муха был известен своими рекламными плакатами, которые привлекали широкую аудиторию, но он также работал в других областях, включая мебель, ювелирные изделия и театральные декорации.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 5
понравилось!
вверх^
к полной версии
Альфонс Муха: Автопортрет. 1907 г.
Альфонс Муха (родился 24 июля 1860 года, Иванчице, Моравия, Австрийская империя [ныне в Чехии] — умер 14 июля 1939 года, Прага, Чехословакия) - иллюстратор и живописец в стиле арт-нуво, известный своими плакатами с идеализированными женскими фигурами. Муха был известен своими рекламными плакатами, которые привлекали широкую аудиторию, но он также работал в других областях, включая мебель, ювелирные изделия и театральные декорации.
ЧЕШСКИЙ И ФРАНЦУЗСКИЙ ХУДОЖНИК-АБСТРАКЦИОНИСТ ФРАНТИШЕК КУПКА / FRANTIŠEK KUPKA (1871-1957), ЧАСТЬ III
04-12-2024 22:40
Франтишек Купка в студии на фоне картины «Конструкция II». Фотография 1953 г.
Франтишек Купка (1871-1957) - пионер абстрактной живописи в Европе. Адепты беспредметного искусства считали творчество Франтишека Купки продолжением развития геометрического направления в абстракции. Однако, по их мнению, в отличие от холодных, рассудочных полотен голландца Пита Мондриана, чешский художник в своих картинах добился большей выразительности в изображении геометрических форм, намного интереснее и разнообразнее решал проблемы цветового соотношения и формального построения композиции. Купка считал, что художник должен не передавать реальные образы, а создавать новую реальность, порожденную воображением, используя свои световые и звуковые впечатления от увиденного. Теоретик искусства и медиум, он занимался метафизическими вопросами и был близок к мистицизму. Блестящий рисовальщик и иллюстратор, любитель рисунка, цветов, движения и музыки, он преобразовал свое восприятие в формы, цвета и геометрические ритмы. Капка умер в 1957 году во Франции, в городе Пюто в возрасте около 86 лет.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Франтишек Купка в студии на фоне картины «Конструкция II». Фотография 1953 г.
Франтишек Купка (1871-1957) - пионер абстрактной живописи в Европе. Адепты беспредметного искусства считали творчество Франтишека Купки продолжением развития геометрического направления в абстракции. Однако, по их мнению, в отличие от холодных, рассудочных полотен голландца Пита Мондриана, чешский художник в своих картинах добился большей выразительности в изображении геометрических форм, намного интереснее и разнообразнее решал проблемы цветового соотношения и формального построения композиции. Купка считал, что художник должен не передавать реальные образы, а создавать новую реальность, порожденную воображением, используя свои световые и звуковые впечатления от увиденного. Теоретик искусства и медиум, он занимался метафизическими вопросами и был близок к мистицизму. Блестящий рисовальщик и иллюстратор, любитель рисунка, цветов, движения и музыки, он преобразовал свое восприятие в формы, цвета и геометрические ритмы. Капка умер в 1957 году во Франции, в городе Пюто в возрасте около 86 лет.
ЧЕШСКИЙ И ФРАНЦУЗСКИЙ ХУДОЖНИК-АБСТРАКЦИОНИСТ ФРАНТИШЕК КУПКА / FRANTIŠEK KUPKA (1871-1957), ЧАСТЬ II
02-12-2024 23:00
Франтишек Купка за работой в студии на фоне «Апофеоза Елены». Пюто, 1906 г.
Пожалуй, ни одно из крупных направлений в авангардной живописи первой половины XX века не прошло мимо внимания художника из Чехии Франтишека Купки (1871-1957). Любопытно, что он, по сути, был первооткрывателем этих направлений, но потом он переключался на иные интересы и вся слава доставалась другим, основательно «столбившим проторенную им территорию». Слава и забвение чередовались в его жизни, надолго не задерживаясь. О нем вспоминали, превозносили – и снова забывали на некоторое время. Несмотря на очевидное новаторство его идей, он всегда считался вторым – после Робера Делоне, Василия Кандинского и Пита Мондриана. Ни учеников, ни последователей у Купки не было. Между тем, Альфред Барр, директор нью-йоркского Музея современного искусства говорил: «В сравнении с решительными и старательно продуманными работами Купки, появившиеся немного раньше абстракции Кандинского и Ларионова кажутся несмелыми». Но славы Кандинского или Ларионова Купке не досталось.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Франтишек Купка за работой в студии на фоне «Апофеоза Елены». Пюто, 1906 г.
Пожалуй, ни одно из крупных направлений в авангардной живописи первой половины XX века не прошло мимо внимания художника из Чехии Франтишека Купки (1871-1957). Любопытно, что он, по сути, был первооткрывателем этих направлений, но потом он переключался на иные интересы и вся слава доставалась другим, основательно «столбившим проторенную им территорию». Слава и забвение чередовались в его жизни, надолго не задерживаясь. О нем вспоминали, превозносили – и снова забывали на некоторое время. Несмотря на очевидное новаторство его идей, он всегда считался вторым – после Робера Делоне, Василия Кандинского и Пита Мондриана. Ни учеников, ни последователей у Купки не было. Между тем, Альфред Барр, директор нью-йоркского Музея современного искусства говорил: «В сравнении с решительными и старательно продуманными работами Купки, появившиеся немного раньше абстракции Кандинского и Ларионова кажутся несмелыми». Но славы Кандинского или Ларионова Купке не досталось.
ЖАН-ОГЮСТ-ДОМИНИК ЭНГР – ОДИН ИЗ ВЕЛИЧАЙШИХ МАСТЕРОВ ЖИВОПИСИ XIX ВЕКА
30-11-2024 16:00
Жан Огюст Доминик Энгр. Автопортрет в возрасте 24 лет. 1804. Холст, масло, 77 х 61 см.
Музей Конде, замок Шантийи
Жан-Огюст-Доминик Энгр (родился 29 августа 1780 года, Монтобан, Франция — умер 14 января 1867 года, Париж), живописец и символ культурного консерватизма во Франции 19 века. Энгр стал главным сторонником французской неоклассической живописи после смерти своего наставника Жака-Луи Давида. Его холодные, тщательно прорисованные работы представляли собой стилистическую противоположность эмоционализму и колоризму современной романтической школы. Как художник-монументалист, Энгр стремился увековечить классическую традицию Рафаэля и Николя Пуссена. Пространственные и анатомические искажения, характерные для его портретов и обнаженной натуры, однако, предвосхищают многие из самых смелых формальных экспериментов модернизма 20-го века.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 2
понравилось!
вверх^
к полной версии
Жан Огюст Доминик Энгр. Автопортрет в возрасте 24 лет. 1804. Холст, масло, 77 х 61 см.
Музей Конде, замок Шантийи
Жан-Огюст-Доминик Энгр (родился 29 августа 1780 года, Монтобан, Франция — умер 14 января 1867 года, Париж), живописец и символ культурного консерватизма во Франции 19 века. Энгр стал главным сторонником французской неоклассической живописи после смерти своего наставника Жака-Луи Давида. Его холодные, тщательно прорисованные работы представляли собой стилистическую противоположность эмоционализму и колоризму современной романтической школы. Как художник-монументалист, Энгр стремился увековечить классическую традицию Рафаэля и Николя Пуссена. Пространственные и анатомические искажения, характерные для его портретов и обнаженной натуры, однако, предвосхищают многие из самых смелых формальных экспериментов модернизма 20-го века.
ЧЕШСКИЙ И ФРАНЦУЗСКИЙ ХУДОЖНИК-АБСТРАКЦИОНИСТ ФРАНТИШЕК КУПКА / FRANTIŠEK KUPKA (1871-1957), ЧАСТЬ I
29-11-2024 23:00
Франтишек Купка (1871-1957). Автопортрет. 1905 г. Холст, масло. 65 х 65 см.
Национальная галерея, Прага.
Франтишек Купка (1871-1957) – французский художник чешского происхождения, представитель модерна, один из основоположников абстрактного искусства. Купка родился в 1871 году в городке Опочно, в Австро-Венгерской империи (ныне в Чехии). Получил формальное образование в Пражской академии искусств и Академии изящных искусств в Вене. Переехав в Париж, он проявил сильный интерес к современному искусству, пока работал иллюстратором для журналов. Недолгое время посещал Академию Жюльена и Школу изящных искусств, прежде чем попасть в среду художников группы ««Section d’Or» (Золотое сечение). В течение своей карьеры он перешел от фигуративных картин, таких как его автопортрет «В желтой гамме» (1907), к теоретически обоснованной абстракции, представленной в «Дисках Ньютона» (1912). Франтишек Купка входит в тройку славянских патриархов абстрактного искусства и выходцев из России, наравне с Василием Кандинским и Казимиром Малевичем.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Франтишек Купка (1871-1957). Автопортрет. 1905 г. Холст, масло. 65 х 65 см.
Национальная галерея, Прага.
Франтишек Купка (1871-1957) – французский художник чешского происхождения, представитель модерна, один из основоположников абстрактного искусства. Купка родился в 1871 году в городке Опочно, в Австро-Венгерской империи (ныне в Чехии). Получил формальное образование в Пражской академии искусств и Академии изящных искусств в Вене. Переехав в Париж, он проявил сильный интерес к современному искусству, пока работал иллюстратором для журналов. Недолгое время посещал Академию Жюльена и Школу изящных искусств, прежде чем попасть в среду художников группы ««Section d’Or» (Золотое сечение). В течение своей карьеры он перешел от фигуративных картин, таких как его автопортрет «В желтой гамме» (1907), к теоретически обоснованной абстракции, представленной в «Дисках Ньютона» (1912). Франтишек Купка входит в тройку славянских патриархов абстрактного искусства и выходцев из России, наравне с Василием Кандинским и Казимиром Малевичем.
АЛЬБРЕХТ ДЮРЕР И ЕГО НАСЛЕДИЕ (1471-1528)
28-11-2024 11:14
Альбрехт Дюрер: Автопортрет в халате с меховым воротником, 1500 г.
Панель, масло, известь, 67,1 х 48,7 см. Старая пинакотека, Мюнхен.
Эту картину, изображающую художника в образе Христа, можно было бы счесть дерзким, богохульным заявлением, но, скорее всего, это выражение веры и уверенности в компетентности художника как творца. На ней изображен Альбрехт Дюрер как художник, его таланты, дарованные ему Богом. Художник стоит лицом к зрителю на простом фоне. Его правая рука поднята к груди с растопыренными пальцами, что напоминает жест благословения. Его вьющиеся волосы падают на плечи, а справа на видном месте изображена его монограмма. Слева от него находится надпись на латыни, которая переводится как "Таким образом, я, Альбрехт Дюрер из Нюрнберга, раскрасил себя стойкими красками в возрасте 28 лет".В эпоху Возрождения принято было изображать натурщика в три четверти, в основном на реалистичном фоне. Выбирая фронтальный вид и темный, незаметный фон, Дюрер обращается к религиозным образам Средневековья, особенно к молитвенным изображениям Христа. Своим благословляющим жестом, длинными темно-каштановыми волосами (Дюрер был темно-русый) и идеализированными чертами лица художник явно изображает себя Христом. А учитывая "апокалиптический" год создания картины, картина могла бы стать ярким выражением самосознания художника как набожного христианина.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 5
понравилось!
вверх^
к полной версии
Альбрехт Дюрер: Автопортрет в халате с меховым воротником, 1500 г.
Панель, масло, известь, 67,1 х 48,7 см. Старая пинакотека, Мюнхен.
Эту картину, изображающую художника в образе Христа, можно было бы счесть дерзким, богохульным заявлением, но, скорее всего, это выражение веры и уверенности в компетентности художника как творца. На ней изображен Альбрехт Дюрер как художник, его таланты, дарованные ему Богом. Художник стоит лицом к зрителю на простом фоне. Его правая рука поднята к груди с растопыренными пальцами, что напоминает жест благословения. Его вьющиеся волосы падают на плечи, а справа на видном месте изображена его монограмма. Слева от него находится надпись на латыни, которая переводится как "Таким образом, я, Альбрехт Дюрер из Нюрнберга, раскрасил себя стойкими красками в возрасте 28 лет".В эпоху Возрождения принято было изображать натурщика в три четверти, в основном на реалистичном фоне. Выбирая фронтальный вид и темный, незаметный фон, Дюрер обращается к религиозным образам Средневековья, особенно к молитвенным изображениям Христа. Своим благословляющим жестом, длинными темно-каштановыми волосами (Дюрер был темно-русый) и идеализированными чертами лица художник явно изображает себя Христом. А учитывая "апокалиптический" год создания картины, картина могла бы стать ярким выражением самосознания художника как набожного христианина.
ЛЮБОВЬ, НЕНАВИСТЬ, ЭПАТАЖ: 5 ИСТОРИЙ О СТРАСТЯХ МИХАИЛА ЛАРИОНОВА
26-11-2024 12:36
Михаил Федорович Ларионов (1881-1964). Автопортрет (Собственный портрет Ларионова).
1911-1912 гг. Холст, масло. Собрание Петра Авена
Импрессионист, лучист и футурист Михаил Ларионов жил так же ярко и с размахом, как писал свои работы. Художник скандалил и дрался с коллегами по цеху, использовал свое тело как холст, изобретал новое и увековечивал старое, рисовал порнографию вместо учебы — вне всякого сомнения, он был самым очаровательным enfant terrible своего времени.
ЧИТАТЬ ДАЛЬШЕ
комментарии: 0
понравилось!
вверх^
к полной версии
Михаил Федорович Ларионов (1881-1964). Автопортрет (Собственный портрет Ларионова).
1911-1912 гг. Холст, масло. Собрание Петра Авена
Импрессионист, лучист и футурист Михаил Ларионов жил так же ярко и с размахом, как писал свои работы. Художник скандалил и дрался с коллегами по цеху, использовал свое тело как холст, изобретал новое и увековечивал старое, рисовал порнографию вместо учебы — вне всякого сомнения, он был самым очаровательным enfant terrible своего времени.