В декабре 1809 года молодой кронпринц Баварии выбирал себе невесту из двух хорошеньких сестер, саксонских принцесс. Людвиг I прибыл к отцу девушек, герцогу Фридриху Саксен-Гильдбурггаузенскому, и несколько дней гостил в его замке в Хильдбургхаузене. Как вы понимаете, выбрать невесту было делом непростым, поэтому кронпринц тщательно раздумывал, выбирая между двумя девицами на выданье. И все-таки его выбор остановился на младшей Терезе, хотя все вокруг считали более эффектной ее старшую сестру Луизу.

Очевидно, Тереза тронула сердце кронпринца своей скромностью и покладистым характером. А возможно, чувства Людвига подстегнуло еще то, что девушка была в списке принцесс, рассматриваемых в качестве невест для самопровозглашенного императора Франции Наполеона Бонапарта. Но баварский кронпринц оказался быстрее и первым сделал Терезе предложение. Пока шло согласование условий брака, пара постоянно переписывалась, и вскоре Людвиг был очарован своей невестой.


Тереза Баварская вместе с мужем, кронпринцем Людвигом I, худ. Ф. Берг, 1818 год

12 октября 1810 года в Мюнхене состоялась веселая свадьба. На момент венчания Терезе было 18 лет, а Людвигу - 24. Свадьба молодой пары была отпразднована с невероятной пышностью и надолго запомнилась мюнхенцам. В честь молодоженов были устроены скачки и веселые гуляния с распитием пива. А луг, где проходил праздник, был назван в честь Терезы. Свадьбу отмечали 5 дней, и этот пир так полюбился баварцам , что с тех пор каждый год в октябре они стали проводить гуляния, которые теперь известны на весь мир как пивной фестиваль – Октоберфест.

Этот брак, заключенный все же больше по династическим соображениям, стал настоящим союзом по любви. У супругов родилось 9 детей, включая наследника престола Максимилиана II. Людвиг всю жизнь ценил свою умную жену. Правда, любовь к супруге совершенно не мешала любвеобильному кронпринцу постоянно изменять ей.
Читать далее...

1. Раскраска "Украшаем ёлочку"

Новый год наступит уже совсем скоро, а девочка из этой праздничной раскраски до сих пор не успела нарядить ёлочку. А ведь только под красиво украшенной ёлкой Дед Мороз сможет оставить новогодний подарок! Давайте поможем ей сделать ёлку красивой и нарядной пока не наступила полночь и куранты не пробили 12 часов. Выберите самые яркие и праздничные цвета из палитры и раскрасьте ими чёрно-белый рисунок. Особое внимание уделите ёлочке, ведь она - самый главный символ Нового года!



https://www.igraemsa.ru/igry-dlja-detej/risovalki/...e/raskraska-ukrashaem-yolochku

2. Онлайн игра "Новогодние игрушки"



Обратите внимание на замечательную ёлочку – она вся увешана разноцветными игрушками, обмотана сверкающей гирляндой, а сверху искрится яркая звезда. Очень нарядно, правда? А во всем этом блестящем великолепии скрывается хитрое задание. Вам нужно внимательно смотреть на игрушки и находить среди них одинаковые. Как только заметите такую пару украшений, тут же отмечайте её мышкой или пальчиком. Задача довольно сложная, ведь все игрушки на ёлочке такие красочные!

https://www.igraemsa.ru/igry-dlja-detej/igry-na-vn...i-pamjat/novogodnie-igrushki

3. Соберите пазл "Рождество уже в пути"


Читать далее...

Тянущиеся друг к другу руки — самый известный фрагмент фрески Сикстинской капеллы. Но в «Сотворении Адама» важнее не руки, а… мозг

Этот заказ сразу не понравился художнику, который предпочитал скульптуру живописи и имел мало опыта в создании фресок. Микеланджело подозревал, что идею поручить ему работу, в которой он не силен, папе римскому Юлию II подали завистники. И хотя с самым могущественным заказчиком Европы не поспоришь, из чувства противоречия мастер подписал контракт так: «Микеланджело, ваятель». Скульптура же, по определению Микеланджело, — «искусство, которое осуществляется в силу убавления». И если посмотреть на фреску глазами ваятеля, «отсекая все лишнее» (по выражению Родена), то на изображении проступают неожиданные очертания.


Микеланджело Буонарроти «Сотворение Адама». Фреска «Сотворение Адама» 280 х 570 см.
Годы создания: 1511–1512. Находится в Сикстинской капелле в Риме

Основная часть росписи — девять сюжетов из Бытия, «Сотворение Адама» — четвертый из них. Действие на фреске замерло за секунду до начала библейской истории homo sapiens, когда создавший человека по своему образу Бог «вдунул в лице его дыхание жизни, и стал человек душею живою» (Быт. 2:7).

Но у Микеланджело собственная трактовка: на фреске Адам уже способен дышать и двигаться, но еще является незавершенным творением. Чего же не хватает первому человеку, чтобы он стал подобен Богу?

Как пишет искусствовед, профессор Темпльского университета США Марша Холл: «С точки зрения итальянского Ренессанса, наделение человека способностью мыслить означало быть созданным по образу и подобию Бога». Некоторые исследователи считают, что здесь Микеланджело изобразил Творца как источник разума буквально — в виде мозга.

[400x325]
1. Адам. Его поза зеркально почти повторяет позу Творца — Адам подобен Богу, — только она безвольная и расслабленная. Энергию и жизнь вливает в Адама божественный поток сознания.
Читать далее...

Скачайте вложение в конце публикации после открытия её по заголовку и посмотрите видео с изображением произведений автора

[500x386]
[500x375]
[500x376]
[400x493]
[400x484]
[350x607]

Гайд по уникальному жанру декоративно-прикладного искусства

Лаковая миниатюра — символ мастерства, которое передается из поколения в поколение. Изделия создают с любовью и вниманием к деталям. Они стали частью русской культуры, но имеют глубокие корни в прошлом.

Родиной лаковой миниатюры считается Китай. В России она появилась в XVII веке благодаря торговле с восточными государствами — это были расписные подносы, веера и ширмы.

Расцвет промысла пришелся на XVIII век. При Петре I лаковое дело стали преподавать в Академии художеств, и промысел стал развиваться благодаря мастерам, которые изображали сюжеты, близкие русскому сердцу: чаепития, катания в санях и на телегах, русские волшебные сказки и героические былины. Лаковая миниатюра — культурное наследие России, воплощение традиций и обычаев русского народа. Рассказываем об основных школах этого искусства.

Федоскино



Именно с федоскинских шкатулок пошел на Руси новый промысел. Ему способствовал случай. В конце XVIII века в подмосковном селе Федоскино купец Петр Коробов выпускал лаковые козырьки для армейских головных уборов, сделанные из папье-маше. Позже на фабрике, налаженной по немецкому образцу, начали делать шкатулки с гравюрами и табакерки, которые вошли в моду.

Федоскинская роспись



Новый виток развития случился в середине ХIХ века, после того, как дочь Коробова вышла замуж за Петра Лукутина. Он, как бы сказали сегодня, провел настоящий ребрендинг фабрики. Лукутин заменил гравюры на изделиях из дерева и папье-маше ручной масляной росписью с русскими сюжетами — традиционное чаепитие, сказочные мотивы, сцены сельской жизни.

Лаковой миниатюрой стали украшать шкатулки, бисерницы, ларцы, коробочки, табакерки, солонки, чайницы, рукояти зонтов и тростей, и даже пасхальные яйца. В советское время мастера Федоскино наносили на шкатулки копии картин русских художников. Но главный символ федоскинской лаковой миниатюры — изображение русской тройки.

Читать далее...

Любовь с первого взгляда, да еще взаимная… Такое случается не с каждым. Марку Шагалу повезло, и художник хорошо это знал. Картина «Прогулка» — о том, что теперь у него есть все для счастья

В 1909 году в Витебске подруга Шагала представила ему свою бывшую одноклассницу. «И я понял — это моя жена», — вспоминал художник.

[400x416]
Марк Шагал. «Прогулка». 1918

Белла Розенфельд, дочь богатого ювелира, училась в Москве и мечтала стать актрисой. Яркая девушка шокировала мать Шагала: Белла позировала юноше обнаженной. И соседей, когда однажды ночью вылезла из мастерской через окно, не желая будить хозяина квартиры. Родня Беллы осуждала ее роман с молодым художником из бедной семьи, жизненные перспективы которого казались весьма сомнительными. Но чувства девушки были серьезными. Она дождалась возлюбленного из четырехлетней заграничной поездки и вышла за него замуж.

Революция все перевернула: имущество родителей Беллы конфисковали большевики, а Шагал был назначен в родной Витебск комиссаром искусств. В этот период он написал несколько картин о безмятежном счастье с молодой супругой, в их числе «Прогулку».

Художник любил обыгрывать на картинах поговорки и устойчивые выражения (по большей части на идише), в «Прогулке» он явно спорит с русской пословицей «Лучше синица в руках, чем журавль в небе».

Шагал изобразил себя: он стоит, опустив правую руку, а в ладони, близко к земле, бьется птица. Синица — это все то, что есть у героя: любимый город, выбранная профессия… Однако, как художник сказал годы спустя, «есть только один цвет, способный дать смысл жизни и искусству, — цвет любви». Поэтому он крепко держит за руку и «журавля» — парящую в небесах Беллу.

[400x524]
1. Полет. «Человеком воздуха» («люфтменч» на идише) называют того, кто полон идей, далеких от реальности. Но Шагал, который любил изображать персонажей своих картин летящими, придает оторванности от земли другой смысл. «Чтобы взлететь, — утверждал художник, — мало мечтательности, нужен темперамент, восторг, теснящий грудь, страсть, поднимающая в воздух». Шагал показывает чувства как физические действия: героиня «Прогулки» летит, окрыленная любовью и счастьем.
Читать далее...

Гоген называл себя дикарем и Богоматерь изображал таитянкой. Однако его картины, написанные на островах Океании, отражают взгляд европейца, далекого от туземной культуры

«Европейский Гоген кончился», — писал Поль Гоген другу Одилону Редону, приняв решение уехать из Франции на Таити. Художник прочел о райской жизни на острове в романе и в официальном справочнике Министерства колоний: оазис первобытной культуры, край вечного лета, где можно поселиться в шалаше и питаться дикими плодами. Скопив денег на дорогу, живописец добрался туда через полмира.


«Рождество» Ныне хранится в Новой пинакотеке в Мюнхене, Германия

История создания картиных.

Гоген обосновался в деревне в бамбуковой хижине, правда, обставил ее европейской мебелью. Экономить на еде поначалу не вышло: для этого надо было уметь возделывать огород, рыбачить с лодки или карабкаться по горным тропам за дикорастущими плодами. Торговать едой у местных жителей было не принято. Пришлось втридорога закупать в городе консервы из Европы. «Продовольственную проблему» помогла решить сожительница-таитянка, но в письмах друзьям Гоген жаловался на «безвкусную и скверную» туземную пищу.

Слиться с первобытной гармонией не вышло. От языческого искусства и ритуалов мало что оставили христианские миссионеры. Самому Гогену так и не дался местный язык. Раздел его книги «Ноаноа», посвященный мифологии островитян, — это, как выразился шведский этнограф Бенгт Даниельссон, «небрежная компиляция отрывков» из труда дипломата Жана-Антуана Муренхута, служившего консулом на Таити.

Но яркие краски тропиков обогатили живопись Гогена. В Океании он создал самые знаменитые полотна, в том числе таитянское «Рождество».

8 деталей картины «Рождество» Поля Гогена


1. Мария. В традиционных сценах Рождества Дева лежит на постели. Но в данном случае композиция полотна — отсылка к «Олимпии», известной картине Эдуара Мане, изображающей куртизанку. Неслучайно в ногах девушки художник написал кошку.
Читать далее...

Будучи гностиком, художник насытил символами одну из самых известных своих картин

Слова «гений чистой красоты» придумал вовсе не Пушкин, а Василий Жуковский. Так он обратился однажды к «Сикстинской мадонне» Рафаэля, которую скорее всего, художник писал с собственной любовницы.


Рафаэль Санти. «Сикстинская мадонна». 1512-1513

В начале XVI века Рим вел тяжелую войну с Францией за обладание северными землями Италии. В целом удача была на стороне папских войск, и североитальянские города один за другим переходили на сторону римского понтифика.

В 1512 году так поступила и Пьяченца — городок в 60 километрах к юго-востоку от Милана. Для папы Юлия II Пьяченца была чем-то большим, чем просто новой территорией: здесь находился монастырь Святого Сикста — покровителя рода Ровере, к которому принадлежал понтифик. На радостях Юлий II решил отблагодарить монахов (которые активно агитировали за присоединение к Риму) и заказал у Рафаэля Санти (к тому времени уже признанного мастера) заалтарный образ, на котором Дева Мария является святому Сиксту.

Рафаэлю заказ понравился: он позволял насытить картину символами, важными для художника. Живописец был гностиком — приверженцем позднеантичного религиозного течения, опиравшегося на Ветхий Завет, восточную мифологию и ряд раннехристианских учений. Гностики из всех магических чисел особо чтили шестерку (именно на шестой день, по их учению, Бог создал Иисуса), а Сикст как раз переводится как «шестой».

Рафаэль решил обыграть это совпадение. Поэтому композиционно картина, как считает итальянский искусствовед Маттео Фицци, зашифровывает в себе шестерку: ее составляют шесть фигур, которые вместе образуют шестиугольник.
Читать далее...

В 1887 году Валентин Серов решил написать портрет Веры Мамонтовой, которую знал с детства

Иногда лучше не знать историю жизни прототипов персонажей известных произведений. Девочка с персиками в реальности прожила всего 32 года (умерла от пневмонии), ее муж больше не женился, осталось трое детей. Будущее в глазах героини картины Валентина Серова не считывается. По ней даже не видно, что она дочь богатого промышленника.


Валентин Александрович Серов. «Девочка с персиками», 1887

Августовским днем 1887 года 11-летняя Вера Мамонтова, отвлекшись от уличных игр, вбежала в дом и присела за стол, схватив персик. Ее жизнерадостный вид так впечатлил Валентина Серова, что он предложил девочке позировать. Художник знал модель с младенчества. Он часто бывал и даже подолгу жил в имении Мамонтовых Абрамцево, которое те купили у дочери писателя Сергея Аксакова в 1870 году.

Еще при Аксаковых усадьба была центром русской культурной жизни. При Мамонтовых традиции продолжились. Здесь гостили Тургенев, Репин, Врубель, Антокольский… Абрамцево было и «домом творчества», и местом, где в атмосфере домашнего уюта собирались друзья.

Впервые Серова привезла в Абрамцево мать-композитор в 1875 году. Он рос вместе со старшими детьми Мамонтовых, постоянно терпя их проказы. Младшая Вера тоже подшучивала над юным Серовым. Все изменилось в 1887 году, когда 22-летний художник вернулся из Италии, вдохновленный солнечными пейзажами и шедеврами Ренессанса.

Тогда у Серова, по его воспоминаниям, был дурман в голове и желание «писать только отрадное». Еще недавно художник был невольным участником Вериных игр, а теперь та, которую до сих пор никто не мог заставить усидеть на месте, часами позировала ему каждый день почти два месяца. Со стороны девочки это была дань по-родственному близким отношениям. А картина явилась «своеобразной благодарностью Серова теплу и уюту дома Мамонтовых, ставших для художника второй семьей», — считает доктор искусствоведения, старший научный сотрудник Третьяковской галереи Элеонора Пастон.

«Бывают создания человеческого духа, перерастающие во много раз намерения их творцов… К таким… надо отнести и тот удивительный серовский портрет. Из этюда „девочки в розовом“… он вырос в одно из самых замечательных произведений русской живописи», — писал о картине художник Игорь Грабарь.

Валентин Серов подарил картину матери Веры, Елизавете Мамонтовой, и долгое время портрет находился в Абрамцеве, в той же комнате, где был написан. Теперь там висит копия, а оригинал выставлен в Третьяковской галерее.

11 деталей «Девочки с персиками»
Читать далее...

Создавая «Богатырей» Виктор Васнецов изучал археологию, древнерусский быт и старинные доспехи. Но в итоге художник «перепутал» все эпохи — историческая достоверность только мешала ему

Это полотно стало для Васнецова трудом всей жизни. С первого эскиза и до последнего мазка прошло 27 лет. Холст размером 3 х 4,5 м переезжал вместе с художником и его семьей с квартиры на квартиру; из Москвы в Киев, где Васнецов расписывал Владимирский собор, и обратно; летом — за город.


Виктор Васнецов «Богатыри», 1898 год

«Богатыри» — это для нас была… не картина, а что-то необходимое в жизни — постоянная обстановка жизни, как стены, потолки, обед, чай…» — вспоминал сын живописца Алексей.

Первый эскиз был сделан карандашом в 1871 году. В 1876-м Васнецов написал набросок «Богатырей» маслом и хотел подарить его другу-художнику Василию Поленову. Тот заявил, что примет презент не раньше, чем будет создана большая картина, и этим, возможно, спас «Богатырей» от судьбы многих набросков.

«Богатыри Добрыня, Илья и Алешка Попович на богатырском выезде — примечают в поле, нет ли где ворога, не обижают ли где кого?» — так Васнецов изложил задумку в письме своему учителю Павлу Чистякову.

Работники Исторического музея позволили художнику брать из запасников старинные доспехи. Однако для Васнецова богатырская троица прежде всего собирательный фольклорный образ, поэтому живописец «вооружил» персонажей в соответствии с былинными характерами, а не с определенным временем.


1. Добрыня Никитич. По разным былинам, «сын богатого гостя рязанского», боярин или родственник князя. Во времена Васнецова исследователи отождествили Добрыню с тезкой из летописей — дядей великого князя Владимира, крестителя Руси. Добрыню Васнецов писал с Василия Поленова, однако придал персонажу черты отца, дяди и свои собственные.
Читать далее...

Идеальную «древнеримскую» модель для полотна Брюллов, как и следовало ожидать, нашел в Италии. Но она оказалась из России

Четыре с лишним года прожил Карл Брюллов в Италии, прежде чем в 1827 году добрался до Помпеев. В то время он искал сюжет для большой картины на историческую тему. Увиденное поразило художника. Шесть лет у него ушло на то, чтобы собрать материал и написать эпическое полотно площадью почти 30 м2.


«Последний день Помпеи» Карл Брюллов

На картине мечутся застигнутые катастрофой люди разного пола и возраста, рода занятий и веры. Однако в пестрой толпе можно заметить четыре одинаковых лица…

В том же 1827 году Брюллов встретил женщину своей жизни — графиню Юлию Самойлову. Разойдясь с мужем, молодая аристократка, бывшая фрейлина, любившая богемный образ жизни, переехала в Италию, где нравы вольнее. И у графини, и у художника была репутация сердцеедов. Их отношения оставались свободными, но долгими, а дружба продолжалась до смерти Брюллова. «Между мной и Карлом ничего не делалось по правилам», — писала впоследствии Самойлова его брату Александру.


Карл Брюллов. «Портрет графини Юлии Павловны Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Пачини». 1839–1840 годы. Фрагмент

Юлия с ее средиземноморской внешностью (ходили слухи, что отец женщины — итальянец граф Литта, отчим ее матери) была идеалом для Брюллова, к тому же будто созданным для античного сюжета. Художник написал несколько портретов графини и «подарил» ее лицо четырем героиням картины, которая стала самым знаменитым его творением. В «Последнем дне Помпеи» Брюллов хотел показать красоту человека даже в отчаянной ситуации, и Юлия Самойлова была для него совершенным образцом этой красоты в реальном мире.





1. Юлия Самойлова. Исследователь Эрих Голлербах отмечал, что похожие друг на друга героини «Последнего дня Помпеи», несмотря на социальные различия, выглядят как представительницы одной большой семьи, словно бедствие сблизило и уравняло всех горожан.
Читать далее...

Задолго до выхода романа Дюма «Три мушкетера» эта фраза была известна в России как бурлацкая пословица, выражавшая суть артельного труда

Когда Достоевский увидел эту знакомую нам с детства картину Ильи Репина «Бурлаки на Волге», он очень обрадовался, что художник не вложил в нее никакого социального протеста.


Илья Репин. «Бурлаки на Волге». 1870—1873

В «Дневнике писателя» Федор Михайлович заметил: «…бурлаки, настоящие бурлаки и более ничего. Ни один из них не кричит с картины зрителю: „Посмотри, как я несчастен и до какой степени ты задолжал народу!“ И уж это одно можно поставить в величайшую заслугу художнику. Славные, знакомые фигуры: два передовые бурлака почти смеются, по крайней мере, вовсе не плачут и уж отнюдь не думают о социальном своем положении. Солдатик хитрит и фальшивит, хочет набить трубочку. Мальчишка серьезничает, кричит, даже ссорится — удивительная фигура, почти лучшая в картине и равна по замыслу с самым задним бурлаком, понуренным мужичонкой, плетущимся особо, которого даже и лица не видно… Ведь нельзя не полюбить их, этих беззащитных, нельзя уйти, их не полюбя. Нельзя не подумать, что должен, действительно должен народу… Ведь эта бурлацкая „партия“ будет сниться потом, через пятнадцать лет вспомнится! А не были бы они так натуральны, невинны и просты — не производили бы такого впечатления и не составили бы такой картины».

Достоевский не мог даже представить, сколько банальностей еще будет сказано об этой картине и каким бесценным документом она будет теперь для тех, кто захочет понять организацию труда бурлаков.

[600x360]

1. Бечевник — истоптанная прибрежная полоса, по которой ходили бурлаки. Император Павел запретил здесь строить заборы и здания, но этим и ограничился. Ни кусты, ни камни, ни топкие места с пути бурлаков не устраняли, так что написанное Репиным место можно считать идеальным участком дороги.

2. Шишка — бригадир бурлаков. Им становился ловкий, сильный и опытный человек, знавший много песен. В артели, которую запечатлел Репин, шишкой был поп-расстрига Канин (сохранились наброски, где художник указал имена некоторых персонажей). Бригадир чалился, то есть крепил свою лямку, впереди всех и задавал ритм движения. Каждый шаг бурлаки делали синхронно с правой ноги, затем подтягивая левую. От этого вся артель на ходу покачивалась. Если кто-то сбивался с шага, люди сталкивались плечами, и шишка давал команду «сено — солома», возобновляя движение в ногу. Чтобы поддерживать ритм на узких тропинках над обрывами, от бригадира требовалось большое умение.
Читать далее...

Художнику позировали десятки натурщиков. Один из них известен не менее самого Иванова — это Николай Гоголь

В 1831 году Академия художеств отправила молодого живописца Александра Иванова на стажировку в Италию. Обычно студентам ставилась задача написать картину на античный сюжет, но в этот раз дело обстояло по-другому. Профессора решили заказать ему картину из евангельской истории — «Явление Христа народу». Библейские сюжеты считались более трудными для выполнения, и студентам их обычно не поручали.


Александр Иванов. «Явление Христа народу». 1837-1857

Поездка растянулась почти на 30 лет, так что художника стали забывать на родине. Все это время Иванов упорно работал. Он вознамерился изобразить берег Иордана, с которого Иоанн Предтеча указывает собравшимся иудеям на фигуру Христа, появившуюся на дороге, — момент встречи ветхозаветного и новозаветного миров, начало новой эры.

Художник не жалел сил на работу с натурой. Десятки эскизов, сотни набросков, работа с натурщиками — Иванов кропотливо реконструировал в Италии Палестину новозаветных времен. На холсте амфитеатром расположились самые разные исторические персонажи, которых можно было встретить только на дорогах Иудеи: будущие апостолы, фарисеи, саддукеи, богатые иудеи, римские легионеры. У каждого особое выражение лица — каждый по-своему реагирует на слова Иоанна Предтечи.

Законченная в 1857 году, картина не вызвала большого интереса у публики: это было время бурных споров об отмене крепостного права, и религиозные темы отошли на второй план. В июле 1858 года Иванов умер от холеры. И почти сразу после этого император Александр II купил работу за 15 000 рублей и преподнес ее в дар Румянцевскому музею.


1. В центре композиции — одетый в верблюжью шкуру Иоанн Предтеча, указующий в сторону Христа. Иванов изображает здесь, вероятно, описанный в Евангелии от Матфея эпизод, когда Иоанн Креститель произносит: «Я крещу вас в воде в покаяние, но Идущий за мною сильнее меня; я не достоин понести обувь Его; Он будет крестить вас Духом Святым и огнем» (Матфей 3:11).
Читать далее...

Изобразить конфликт личности и государства, противостояние черного пятна фону — для Сурикова художественные задачи одинаковой важности. Этой картины вообще могло не быть, если бы не один случай

На создание «Утра стрелецкой казни», полотна, сделавшего его знаменитым, Сурикова вдохновили интересные рефлексы на белой рубахе от пламени зажженной свечи при дневном свете. Художник, детство которого прошло в Сибири, похожим образом вспоминал палача, проводившего публичные казни на городской площади Красноярска: «Черный эшафот, красная рубаха — красота!» Нечто подобное произошло и с другой известной картиной художника.


Василий Суриков. «Боярыня Морозова». 1884–1887

«Раз ворону на снегу увидал. Сидит ворона на снегу и крыло одно отставила. Черным пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть не мог. Потом „Боярыню Морозову“ написал», — вспоминал Василий Суриков о том, как появился замысел картины.

О мятежной боярыне Суриков впервые услышал в детстве от крестной матери Ольги Дурандиной. В XVII веке, когда царь Алексей Михайлович поддержал реформу русской церкви, проводимую патриархом Никоном, Феодосия Морозова, одна из самых родовитых и влиятельных женщин при дворе, воспротивилась нововведениям. Ее открытое неподчинение вызвало гнев монарха, и в конце концов боярыню заточили в подземную тюрьму в Боровске под Калугой, где она и умерла от истощения.

На картине Сурикова изображены события 29 ноября (по н. ст. — Прим. «Вокруг света») 1671 года, когда Феодосию увозили из Москвы в заключение.

Неизвестный современник героини в «Повести о боярыне Морозовой» рассказывает: «И везена бысть мимо Чудова (монастыря в Кремле, куда ее ранее конвоировали на допрос. — Прим. „Вокруг света“) под царские переходы. Руку же простерши десную свою… и ясно изобразивши сложение перст, высоце вознося, крестом ся часто ограждаше, чепию же такожде часто звяцаше».

Разъезжавшую до опалы в роскошных экипажах боярыню везут в крестьянских санях, чтобы народ видел ее унижение. Фигура Морозовой — черный треугольник — не теряется на фоне окружившего ее пестрого людского сборища, она как бы разбивает эту толпу на две неравные части: взволнованных и сочувствующих — справа и равнодушных и глумящихся — слева.
Читать далее...

Искусствоведы по сей день спорят, что именно изобразил художник на этой картине в 1656 году

«Менины» Веласкеса уникальны и как произведение мастера, и как первое изображение скрытой жизни двора. «Вокруг света» в деталях рассказывает об одной из самых интересных и необычных картин придворного живописца испанского короля Филиппа IV.



Картина «Менины». Находится в мадридском музее Прадо

Что изображено на картине «Менины»

Диего Веласкес закончил работу над картиной «Менины» в 1656 году. Что за сцену изобразил художник, искусствоведы спорят до сих пор. Так, Поль Лефорт считает, что полотно вообще лишено сюжета и представляет собой что-то вроде моментальной фотографии.

Куда больше распространены две другие точки зрения. Согласно первой, Веласкес изобразил момент работы над портретом испанского короля и королевы, когда в мастерскую вошла их дочь — инфанта Маргарита. По другой — инфанта сама была моделью художника, а ее августейшие родители пришли проведать дочку. Есть и философские интерпретации. Так, Вальтер фон Лога отмечает во взгляде художника преданное уважение к своему венценосному господину.

Прямо противоположна версия Александра Якимовича, полагающего, что полотно — манифест свободы художника от всяких дворцовых условностей и ограничений. Но самое интересное объяснение сюжета «Менин» принадлежит Владимиру Кеменову, который полагал, что Веласкес изобразил картину в картине. Он пишет «Менины» как он пишет «Менины», по отражению в зеркале. И для этого есть некоторые основания (см. пункты 1, 2, 4, 5, 7 ниже).

13 деталей картины «Менины» Диего Веласкеса


1. Инфанта Маргарита — пятилетняя дочь испанского короля Филиппа IV и королевы Марианны Австрийской. Вряд ли Веласкес сейчас занят ее портретом — огромный холст, за которым работает художник, никак не подходит для изображения маленькой девочки. Такой размер (примерно 3 × 3 м) имеет только одна его картина — «Менины».
Читать далее...

Поль Гоген закончил картину «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?», взял коробочку с ядом и пошел в горы, чтобы умереть

Жизнь Гогена — это бегство. Маниакальное бегство от цивилизации. Поль родился в Париже, но до семи лет воспитывался в перуанском поместье у дяди и навсегда полюбил экзотическую природу, размеренную жизнь и простоту человеческих отношений. Франция, куда он вернулся с матерью в 1855 году, так и не стала ему домом. Поэтому художник любил путешествовать по дальним странам. А когда ему исполнилось сорок семь (в 1895 году), решил навсегда перебраться в Полинезию, на Таити, где уже бывал.


Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?». 1897-1898

Однако на этот раз жизнь на острове не заладилась. Гоген поссорился с новой колониальной администрацией и поэтому никак не мог устроиться на работу. Накопленные деньги быстро закончились. Оставалось только писать картины и отсылать их во Францию в надежде на продажу. Но меценаты не особо интересовались гогеновским творчеством, и художник погряз в долгах. К тому же у него начались серьезные проблемы со здоровьем: воспалились ноги, болело сердце, мучила экзема, не отпускали приступы кровохарканья. Не давали работать конъюнктивит и головокружения.

«У меня нет даже куска хлеба, — писал Поль приятелю Даниелю Монфреду осенью 1897 года, — чтобы восстановить силы. Поддерживаю себя водой, иногда плодами гуавы и манго, которые сейчас поспели, да еще пресноводными креветками». Гогена душила депрессия, и он решил покончить жизнь самоубийством. Но перед смертью ему хотелось написать последнюю картину, которая стала бы духовным завещанием.

«Я думаю, — обращался художник к Монфреду, — что это полотно… превзойдет все предыдущие… Я вложил в него… всю свою энергию, всю страстность». К концу декабря 1897 года работа «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» была готова. А в первых числах января 1898-го Гоген взял коробочку с мышьяком и отправился в горы. Там он решил умереть.

Однако художник переусердствовал — он принял слишком большую дозу яда, которая спровоцировала безостановочную рвоту. Благодаря ей Гоген спасся. Несостоявшийся самоубийца промучился всю ночь, но остался жив. Наутро он, качаясь, добрел до своей хижины и заснул, а когда проснулся, то ощутил забытую жажду жизни. Психологам известны случаи, когда неудачная попытка суицида снимала депрессию.
Читать далее...

Начнем с того, что это первый парный портрет, написанный в Северной Европе

Ян ван Эйк — величайший художник Северного Возрождения — знаменит еще и тем, что изобрел новый состав масляных красок, которым пользуются и поныне. Картина «Портрет четы Арнольфини» (1434) маслом и написана, отчего она как бы светится изнутри. До ван Эйка светских портретов в Северной Европе не писали, а данная картина — это еще и первый парный портрет. Как всякий шедевр, она завораживает, и обычный зритель зачастую даже не хочет разбираться в частностях, дабы не разбивать целостного впечатления. Другое дело искусствоведы — для них картина и сегодня полна загадок.


«Портрет четы Арнольфини»

Долгое время считалось, что на ней изображена сцена то ли бракосочетания, то ли помолвки Джованни ди Арриджо Арнольфини, итальянского купца, представлявшего в Нидерландах интересы семьи Медичи, и Джованны Ченами. Однако в 1997 году английский искусствовед Маргарет Костер установила, что супруги Арнольфини заключили брак в 1447 году, то есть через 13 лет после написания картины.

На этом основании исследователь выдвинула версию, что на полотне изображены кузен Джованни ди Арриджо — Джованни ди Николао Арнольфини, и его жена, имя которой неизвестно. Существуют и более экстравагантные теории. Например, отечественный искусствовед Маргарита Андронникова полагает, что на портрете художник изобразил самого себя и свою жену Маргрит. С этим, однако, большинство исследователей не согласны, поскольку на точно атрибутированном портрете Маргрит она выглядит совсем по-другому.

Ученые также не могут с полной определенностью сказать, что за сцену изобразил художник. Бракосочетание или помолвка в XV веке в Нидерландах вполне могли проходить вне церкви и без священника, достаточно было двух свидетелей. Большой живот также отнюдь не свидетельствует о беременности невесты, которую никто не стал бы подчеркивать, — такой покрой платья был в то время моден.
Читать далее...

Молочные реки, кисельные берега, и совершенно не нужно работать, чтобы добыть пропитание. Чем не страна мечты? Фламандский художник сомневался, что это хорошее место

О выдуманной стране гастрономического изобилия мечтали еще античные авторы, а в средневековой Европе эту тему с энтузиазмом развивали. Французы называли эту фантастическую землю Кокань, итальянцы — Кукканья, немцы — Шлараффенланд, фламандцы и голландцы — Лёйлеккерланд (буквально — «страна лентяев и сладкоежек»).


Питер Брейгель Старший. «Страна лентяев»
Хранится в Старой пинакотеке в Мюнхене

Одно из первых средневековых описаний чудесного края сохранилось в старофранцузской стихотворной новелле XIII века: стены домов там сложены из рыб, поля огорожены жареным мясом, вдоль дорог стоят накрытые столы, а в реках вместо воды вино. В этом земном раю человек не должен был трудиться и мог вволю предаваться праздности, приятно проводя время в атмосфере свободной любви и поправляя здоровье в источнике молодости. Но главный мотив в этом и других произведениях на ту же тему — еда, которой всегда вдоволь, и даже пост в стране Кокань соблюдают только раз в 20 лет.

Навязчивая мечта об изобилии, по мнению знаменитого французского медиевиста Жака Ле Гоффа, свидетельствовала о главном страхе жителей средневековых городов — боязни голода. К XVI веку тон рассказов поменялся. Так, Шлараффия в произведении немецкого поэта Ганса Сакса — это пародия на рай. В ней не ценят трудолюбие и честность, поскольку все достается даром. Образы из текстов Сакса заимствовали авторы из Фландрии и Нидерландов. В описаниях Лёйлеккерланда они обличали смертные грехи лени и чревоугодия.

«Быть лежебокой, объедаться и делать, что захочется, — три порочные черты», — сказано во фламандском тексте 1546 года. Брейгель, вслед за художником Петером Балтенсом, с гравюры которого он многое заимствовал, воспроизводит на своей картине сюжеты из этих текстов и их сатирический смысл. А учитывая, что «Страна лентяев» создана как раз во время обреченного на неудачу восстания жителей Испанских Нидерландов против власти Габсбургов, возможно, живописец адресовал критику соотечественникам.


1. Крестьянин. Теория о трех сословиях — oratores («молящиеся»), bellatores («сражающиеся») и laboratores («трудящиеся», «пашущие»), — на которые делится христианский мир, утвердилась в Европе с XI века. И хотя в XVI столетии структура общества была гораздо сложнее, центральные персонажи картины представляют эти три категории. Крестьянин, который, как ремесленники и торговцы, относится к третьему сословию, спит, позабыв про свое орудие труда — цеп.
Читать далее...