История оренбургских платков
Всегда ценились на мировом рынке русские шали и платки. Шали нижегородской фабрики, принадлежавшие Н.А. Мерлиной, фабрики Д.А. Колокольцева в селе Ивановском Саратовской губернии славились своим высоким совершенством. Индийские шали ткали из пуха тибетских коз, у нас в России – из пуха сайгаков, который оказался тонким и мягким, что пряжа из него, похожая на шёлк, по своим качествам превосходила пух кашемирских коз. Наши русские шали были на первом месте в мире.
Отправляясь в гости, русские красавицы покрывали головы роскошными шалями поверх повойников, кичек или кокошников, шитых золотом. Головной убор русской женщины представлял собой невероятную игру света и цвета: блеск шелковистой ткани, сияние жемчуга, яркий блеск золотого шитья. Великолепие головного убора трудно описать. Шали красовались васильками, алыми сочными розами, маками, которые соперничали с румянцем щёк красавиц. Но зимние праздники с катанием на тройке русские красавицы встречали не только в цветастых шалях, но и в оренбургских пуховых платках.
Незадолго перед тем, как прославились шали с набивным рисунком, выпускавшиеся в подмосковном селе Павлово-Посад, в Оренбургском крае уральская казачка Мария Николаевна Ускова отправила на всемирную выставку в Лондон в 1861 году шесть пуховых платков. В сопроводительном документе говорилось о том, что таковые изделия ручной работы производятся повсеместно в Оренбургском крае многими женщинами. Вот с того момента пошла слава оренбургских пуховых платков. А уральской казачке с выставки прислали медаль с надписью: «За шали из козьего пуха», диплом и 125 рублей серебром. Связанные из пуха местных коз, оренбургские платки известны с XVII века.
В 1762 году этнограф П.И. Рычков, путешественник и учёный, указывал, что возле Яика водятся табунами козы, которые «…так резвы, что никакой собаке угнать невозможно». Так вот из пуха этих коз местные жители вязали тёплые шарфы и поддёвки. Уральские зимы лютые, даже овчинный полушубок не спасает, а вот такие поддёвки из пуха местных коз греют даже в более лёгкой одежде. Если кочевавшие по степи калмыки и казахи просто вывязывали шарфы, то русские мастерицы, любившие украшать любую одежду кружевами и вышивкой, стали пуховые платки украшать затейливыми узорами, используя растительные мотивы. И в 1766 году П.А. Рычков отправил в столичное Вольное экономическое общество свой «Опыт о козьей шерсти». П.А. Рычков рекомендовал государственным служащим поощрить народное ремесло. К письму прилагался связанный его женой пуховый платок.
Платок привёл всех членов общества в такое восхищение, что дама получила Золотую медаль. Вскоре молва об оренбургских пуховых платках дошла и до самого города Парижа. Французы решили, что такое производство должно быть и у них. Профессор-востоковед Жубер сначала решил отправиться за кашемирскими козами на Тибет. Но по дороге в Одессе узнал, что в Оренбургских степях есть козы – потомки кашемирских. Он исследовал пух этих коз и нашёл его лучшим по качеству, чем пух кашемирских коз. И так, французы решили, что закупят таких коз и переправят во Францию. Было закуплено 1300 коз, которых на корабле по Чёрному морю надо было переправить в Марсель. Живыми довезли 400. Но и те козочки, которые прибыли в прекрасную и тёплую страну Францию, такого пуха не дали. Эксперимент не удался. Куда только не пытались увезти оренбургских козочек – и в Англию, и в Латинскую Америку, их кормили, холили, но… Не хватало им русского мороза, а без него и пух не вырастал. Вот такой наш оренбургский пуховый платок. Он не стал ни марсельским, ни ливерпульским.
Натали Пушкина: Неравный брак
[показать]
Художник И. К. Макаров, 1849 год.
Дочь великого русского поэта не стала принцессой, но прожила жизнь, которой хватило бы на сюжет не одного романа. После её смерти не осталось ни креста, ни плиты. Будто и не было ни слёз, ни жизни, ни любви…
Бесёнок Таша
Так называли в семье младшую дочь Пушкина — Наталию Александровну. Когда случилась трагедия на Чёрной речке, Наташе было всего 8 месяцев.
После несчастья Наталья Гончарова сразу же увезла детей из Петербурга в своё родовое имение в Калужской губернии. Там и росла Наташа, окружённая любовью и заботой родных. Из четверых детей она была самой непоседливой и озорной. Впрочем, девочка отличалась хорошими манерами, прекрасным знанием русского и французского и уже в 13 лет поражала окружающих красотой, которую запечатлел известный русский художник И. Макаров.
Когда её мать, Наталья Николаевна Гончарова, решилась вновь выйти замуж, Таше было уже 8 лет. Избранником Гончаровой стал командир лейб-гвардии Конного полка генерал-адъютант Пётр Петрович Ланской.
В день бракосочетания произошёл курьёз. Юный граф Николай Орлов из желания увидеть свадебное торжество своего командира забрался на колокольню церкви, в которой проходило венчание. Но хотя и пробрался он туда тихо, обнаружил себя, что называется, очень громко: задел за большой колокол. Раздался удар, и Орлов от испуга и растерянности не знал, как остановить предательский звон. Когда дело объяснилось, он, страшно сконфуженный, извинился перед новобрачными.
Время шло, Таша росла. Николай Орлов всё больше времени проводил в семье Ланских, особенно летом на даче в Стрельне. Постепенно дружеские чувства сменились обоюдной пылкой влюблённостью. Когда Таше исполнилось 16, а Николаю 24, влюблённый без памяти юноша сделал попытку посвататься. Но отец Николая, глава Третьего отделения граф А.Ф. Орлов (преемник Бенкендорфа), был категорически против этого брака. «Правда состояла в том, что лучезарная красавица Натали была для него всего лишь «дочерью какого-то сочинителя, убитого на дуэли», — писала Александра Ланская-Арапова, сестра Наталии Александровны. Пользуясь своим положением, вельможа-отец под благовидным предлогом отослал сына из России.
Из огня да в полымя
Наташа скрывала от посторонних глаз печаль, гложущую сердце. Младшая дочь поэта была горда и своенравна, характером —
"Потерянный город" в Мексике
Мексиканские джунгли не самое лучшее место для воплощения художественных замыслов. Но, один эксцентричный британский миллионер решил, что пышные холмы Сьерра-Мадре являются идеальным местом для реализации его идеи и создал там сюрреалистический город, как бы затерявшийся с течением долгого времени в непроходимых зарослях.
Ныне покойный Эдвард Джеймс, будучи богатым меценатом, придумал необычный парк под названием Лас Позас (Las Pozas), в качестве оригинального розыгрыша для будущих поколений, и наполнил его причудливыми скульптурами, которые производят впечатление незаконченных.
Сады расположены в глубине джунглей и произрастают в разных направлениях вдоль фантастических улиц «древнего» города.
Полет своей фантазии Джеймс воплотил в создании стены с сюрреалистическими скульптурами, где между ними и произрастающими рядом растениями можно отдохнуть в тени.
Часть третья. Художник Альфонс Муха.
Альфонс Муха - выдающийся чешский художник, мастер театральной и рекламной афиши. Один из ярчайших представителей стиля модерн.Его стиль (в живописи, архитектуре, малых декоративных формах) так и называют – «стилем Мухи».
Родился художник 24 июля 1860 в Иванчице (Моравия). Получил первичное художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене сотрудником фирмы театральных декораций. С1881 года Альфонс Муха был придворным художником графа П.Куэна (1881–1885) и исполнил декоративное оформление части интерьеров его замка в Грушовани (Моравия).
Затем учился в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р. Жюльена в Париже.
В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.
Выдвинулся своими афишами для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра, где блистала на сцене актриса Сара Бернар (Жисмонда, 1894; Дама с камелиями, 1896; Лорензаччо А.де Мюссе, 1896; Медея по мотивам Еврипида, 1898).
Это афиша, выполненная как срочный заказ для С.Бернар.Увидев работу художника, актриса была очарована: и афишей, и художником. С этого момента к А.Мухе пришла СЛАВА.
Некоторые афиши для театра Сары:
Художник А.Муха. Продолжение
После Первой мировой войны Альфонс Муха вернулся в Чехию на постоянное место жительство. Он нарисовал эскизы первых чехословацких почтовых марок и банкнот (1918),один из вариантов государственного герба и даже правительственные бланки и конверты.
По эскизам А.Мухи был создан один из витражей для самого популярного символа города Праги – собора св. Вита .
Деталь витража.
С 1913 года Муха работал над большим циклом «Славянская эпопея», закончил его в 1930 г.. В цикл вошло 20 картин монументальных размеров,художник подарил их городу Праге. Традиционно-академическая манера соединилась в этих полотнах, посвященных начальным главам истории чехов, поляков, русских и других народов Восточной Европы, с плоскостной ритмикой модерна.
Некоторые картины из цикла:
Отмена крепостного права на Руси.Чтение манифеста 1861 года. 1914 г.Размер 800 на 600 см.
Альфонс Муха. 2 ЧАСТЬ (Декоративное искусство, Ювелирные коллекции, Дизайн интерьера...)
Альфонс Муха. Декоративное искусство, Ювелирные коллекции, Дизайн интерьера...
Альфонс Муха. Декоративные элементы
Был подготовлен пост о творчестве художника АЛЬФОНСА МУХИ:
Вашему вниманию предлагается ещё один пост с работами Альфонса Мухи
"Декоративные элементы"
Рисунки для альбома 'Декоративные элементы'.
[показать]
Путешествие по Вьетнаму. Бухта Халонг
Самым популярным туристическим направлением во Вьетнаме считается бухта Халонг, расположенная в Тонкинском заливе Южно-китайского моря.
Свое название объект получил в честь мифического дракона Халонга, который по древней легенде спустился с гор и обосновался в заливе. Стоит отметить, что в 1994 году бухта стала частью всемирного наследия ЮНЕСКО.
Как цветет сакура в Японии
Это воистину потрясающее зрелище.
С конца марта по начало апреля сотни деревьев покрываются белыми и розовато-белыми цветами, превращая Японию в цветущую страну. Сакура каждый год, как магнитом, притягивает тысячи людей, желающих насладиться этим изумительным по красоте зрелищем. Цветение сакуры продолжается всего несколько дней.
Японские ботаники сообщают, что в этом году вишня зацвела раньше положенного срока из-за теплой зимы. А значит, самое время бросить все свои дела и ехать любоваться на цветы. Если нет такой возможности, то мы советуем насладиться фотографиями и, может быть, даже почувствовать запах цветов. А заодно почитать замечательные хайку о цветущей сакуре.
«Вишни, вишни цветут!» —
И об этих старых деревьях
Пели когда-то…
Кобаяси Исса
Облака вишнёвых цветов!
Звон колокольный доплыл… Из Уэно
Или Асакуса?
Мацуо Басё
В пору цветенья
Вишни сродни облакам —
Не потому ли
Стала просторней душа,
Нарышкины. Елена Александровна. Нарышкины-Суворовы
Нарышкины. Елена Александровна. Нарышкины-Суворовы
Елена Александровна (1785 — 3 декабря 1855) (урождённая Нарышкина, в первом браке Светлейшая княгиня Италийская, графиня Суворова-Рымникская; во втором браке— за князем В. С. Голицыным (1792—1856), сыном княгини В. В. Голицыной) — фрейлина; дочь А. Л. Нарышкина и Марии Сенявиной, внучка известного адмирала А. Н. Сенявина, сестра Л. А. и К. А. Нарышкиных; невестка генералиссимуса А. В. Суворова, двоюродная сестра графа М. С. Воронцова.
[494x599]
Боровиковский, Владимир Лукич (1757–1825) Елена Александровна Нарышкина, в замужестве Суворова, жена Аркадия Суворова, сына знаменитого генералиссимуса (1799, Государственная Третьяковская галерея, Москва)
Старшая дочь одного из остроумнейших людей своего времени обер-камергера Александра Львовича Нарышкина и статс-дамы Марии Алексеевны Сенявиной, любимой фрейлины Екатерины II. Родители её были близкими людьми при Дворе и пользовались одинаково расположением императором Павла I и Александра I. Последний даже называл А.Л. Нарышкина кузеном.
Vladimir Borovikovsky (1757–1825) Нарышкина Елена Александровна (в детстве, начало 1790-х)/ Русский музей
Нарышкины дали дочери хорошее домашнее образование, кроме общеобразовательных наук, Елена Александровна изучала музыку и была наделена от природы красивым по тембру голосом. Совсем юной она была взята ко двору и сделана фрейлиной. Её родители вели шумный, расточительный образ жизни. Двери их особняка на Английской наб., д.10, были всегда открыты для балов и приемов, где Елена блистала своей уникальной красотой.
Johann Baptist von Lampi the Elder (1751–1830). Елена Александровна Нарышкина (1785-1855),(1800)
Семья Нарышкиных была очень дружна с великим полководцем А.В.Суворовым, поэтому его сын Аркадий был своим человеком в их доме. Высокий и стройный белокурый красавец, обладавший звучным голосом и громадной физической силой без труда покорил сердце юной Елены. Но он был помолвлен с богатой герцогиней Вильгельминой Саганской и хотя молодые люди не питали друг к другу никаких чувств, их брака очень желали их родители. С кончиной генералиссимуса этот брак расстроился. Аркадий Суворов стал обладателем большого состояния и был свободен в выборе.
Морские пейзажи от художника Byron Pickering
Художник Byron Pickering родился и вырос в штате Висконсин. Здесь прошло его детство - среди больших озер и скалистых берегов озера Верхнего. Здесь развивались его творческие наклонности, начиная с портретов местных друзей детства.
По окончании обучения в Нью-Йоркском Институте Моды, Технологий и Дизайна, он оказался в штате Орегон, а вскоре в 1971 г. поселился на берегу моря. Жизнь на берегу океана, ежедневное созерцание изменчивого прибоя у изрезанной скалами береговой линии, да и плюс пребывание в среде художников, неизбежно привели к огромному желанию серьезно заняться живописью. Байрон ежедневно наблюдал за движением волн, пытаясь понять и уловить текучесть прибоя, прозрачность воды, игру света, при разной погоде и при разном освещении. Многочасовые наблюдения способствовали тому, что он так хорошо чувствует море, что оно словно оживает из его воображения в каждой его новой картине.
После года интенсивной художественной практики, Байрон провел свою первую персональную выставку в одной из прибрежных галерей. Далее последовали многочисленные аншлаги. Публика была в восторге, художник нашел признание. В 1981 году Байрон и его семья открыли галерею искусств и антиквариата «Пикеринг студия». Живопись для галереи и серии ежегодных семинаров заняли последующие тринадцать лет жизни Байрона. Сейчас - это один из величайших маринистов на планете. Его работы получили множество наград на всевозможных выставках и пользуются заслуженным признанием во всем мире.
Японский сад. Философия. История. Японский сад цубо.
Японские сады хочется уподобить стихам — так точны они в своем метафорическом языке, так разнообразны по эмоциональному строю, так философски глубоки по смыслу. Поэт из обычных слов повседневной речи строит образ, емкий и лаконичный, художник японского сада из предметов самой природы творит новый мир со своим особым значением. [640x480]
Японский сад и сад европейский не просто непохожи или различны, но в значительной мере противоположны по заключенной в них мысли. Европейский парк — это природа, преобразованная человеком, олицетворение его разума, воли и торжества над неорганизованным, хаотичным миром. Это всегда декоративно «улучшенная» природа, существующая как архитектурное эхо в окружающей человека естественной среде. При всем разнообразии европейских садов и парков все они вместе как целое противостоят японскому саду. Не снимает контраста и то, что европейские парки конца 17 — начала 18 века испытывали большое влияние китайских садов, послуживших несколькими веками ранее прототипом садов японских.
Как явление художественное японский сад формируется уже в 10— 12 веках и достигает расцвета в 14—16 веках, когда возникают основные нормы этого искусства, продолжавшие уточняться и разрабатываться в следующие столетия. До сегодняшнего дня искусство японских садов сохранилось не только в виде почитаемых шедевров далекого средневековья, но и как живое творчество, вырастающее из внутренней потребности современного человека. Недаром именно японский сад был разбит у здания ЮНЕСКО в Париже, согласуясь с пластикой и ритмом современной архитектуры. В Японии архитекторы постоянно используют основные принципы национального сада для организации пространства в больших комплексах и у отдельных зданий. Характерные детали традиционных японских садов можно встретить сегодня на всех континентах.
В двадцатом веке понятие «японский сад» стало обладать суммой устойчивых признаков, отличающих его от садов другого типа. Эти основные признаки — употребление камней и гальки, мхов и невысоких растений, небольшой размер сада, асимметрия его композиции — формализовались и составили уже новое европейское понятие «микроландшафт», имеющее часто лишь внешнее сходство с подлинным своим прототипом. В европейской культуре понятие «ландшафт» появилось в новое время (его не знали ни античность, ни средневековье), и выражало оно взгляд на природу горожанина, отделенного в своей повседневной жизни от естественного природного окружения. А современный термин «микроландшафт» приобрел оттенок чего-то забавного, экзотического. На самом деле японский сад по своему смыслу в корне отличается от подобного представления. Даже совсем маленькие пейзажные композиции на подносах и тарелках связаны с серьезными размышлениями над миром природы — это особый жанр искусства, имеющий свои законы.
Русский художник Алексей Васильевич Тыранов (1808 — 1859)
Алексей Васильевич Тыранов (1808 — 1859) — русский художник. Портретист, жанрист.
Родился в городе Бежецк в мещанской семье.
Учился в Бежецком уездном училище, затем в гимназии в Твери. Не окончив в ней курса из-за отсутствия денег, возвратился в Бежецк и здесь вместе со своим братом, иконописцем, занялся писанием образов.
В 1824 году, работая с братом в Николо-Теребенском монастыре, познакомился с Алексеем Венециановым, который пригласил Алексея учиться в свою художественную школу в деревне Сафонково. По окончании учёбы, Венецианов устраивает Тыранова вольнослушателем в Академию художеств.
В 1827 году Тыранов получил от Академии малую золотую медаль, а в 1830 году — высшую академическую награду — золотую медаль 1-го достоинства. С 1836 года — ученик Карла Брюллова. В этом же году был признан назначенным в академики за картину «Девушка с тамбурином».
В 1839 году получил звание академика и в сентябре отправился в Рим. Там написаны им: «Мать Моисея на берегу Нила», «Ангел, слетающий с неба с масличной ветвью», «Девушка, выжимающая из волос воду». В Петербург возвратился в 1842 году.
К концу жизни оказавшись в крайней нужде, переехал в Кашин к брату, где и умер 3 августа 1859 года.
"Крестьянский мальчик, пускающий мыльные пузыри"
Портрет Петра Плетнёва. 1836
Портрет Ивана Айвазовского. 1841
«Ткачихи»
«Вид на реке Тосно»
«Девушка, опирающаяся на руку»
«Портрет композитора А.Ф.Львова»
Знаменитая Неизвестная: трагическая судьба дочери великого художника
На вопрос, знаком ли Вам художник Крамской, большинство наших соотечественников ответит утвердительно. Его картины, выставленные в Третьяковской галерее, Русском музее и других собраниях более чем известны и многократно растиражированы.
[770x600]
Ну кто не видел знаменитую "Неизвестную", которая постоянно возникает там, где ее вовсе не ждешь?
Художник из Гамбурга решил использовать ее "для русского колорита", оформляя книгу, изданную в Германии.
[200x320]
Но если имя самого Крамского известно всем, то о его любимой дочери Софье наслышаны очень немногие. Удивительно, как удалось прекрасную художницу, не просто известную, но знаменитую, сделать никому не ведомым человеком! Вот настоящая Незнакомка - Софья Юнкер-Крамская, дочь Ивана Крамского. Типичный случай избирательного подхода к информации, желательной и нежелательной, - как много мы знаем про дочь, к примеру, Сурикова, как много сентиментальных рассказов о ней печатали разные источники - и как росла, и как болела, и как любил ее папа, и за кого вышла замуж, когда выросла, и о судьбе всех ее потомков вплоть до младших отпрысков семейства Михалковых... А когда заходит речь о судьбе дочери Крамского, чаще всего услышишь: "А у него что, была дочь?"
Да, была, и любящий отец оставил множество ее изображений.
[560x650]
И.Н. Крамской. Портрет Сони Крамской, дочери художника
Еще более удивительно, что загадкой остаются даже годы жизни этой женщины. В Википедии, например, статьи о Софье Ивановне Юнкер-Крамской просто нет, а на страничке, посвященной ее отцу. кроме приведенных данных о двух сыновьях и рано умершем младенце просто названа дочь Софья, без даты рождения и смерти и без каких-либо сведений о ней.
[673x900]
И.Н. Крамской. Жена художника Софья Николаевна и дочь Соня
Софья Крамская, единственная девочка среди своих братьев (и потому, наверное, отцовская любимица), родилась предположительно в 1866 (по другим сведениям в 1867 году). Она училась в обычной гимназии, но благодаря творческой атмосфере, царившей в родном доме, рано почувствовала интерес к живописи. Отец старался развивать художественные навыки дочери и стал ее первым учителем. В детские годы Соня среди знакомых считалась некрасивой, но в юности, как это случается со многими девочками, похорошела. Однако
Боровиковский В. «Портрет М. И. Лопухиной»
Портрет Лопухиной Марии Ивановны
[показать]
Боровиковский В. «Портрет М. И. Лопухиной»
XVIII век вошел в историю русского живописного искусства как «век портрета», одним из лучших его портретистов является Владимир Лукич Боровиковский.
Важную роль в его судьбе сыгpало путешествие Екатерины II в Крым в 1787 году. На пути императрицы возводили дворцы и триумфальные ворота.
Для одного из таких дворцов, который предназначался для приема Русской государыни, миргородский предводитель дворянства поручил В.Л. Боровиковскому написать несколько аллегорических картин.
Две из них особенно понравились царице На одной была изображена она сама в образе Минервы, окруженной семью древнегреческими мудрецами, которым она объясняет свой наказ, на второй — Петр I, вспахивающий землю, по которой опять же она сеет семена, местами уже приносящие плоды. Узнав имя художника, императрица предложила ему ехать в Петербург.
В.Л. Боровиковский был трудолюбов до невероятности, писал очень много портретов, и ему было поручено написать портреты всех членов императорской фамилии.
Обдуманность картины, искусное владение кистью, свежесть колорита, умение изображать всевозможные ткани и одежды ставят В.Л. Боровиковского в ряд известных портретистов, хотя он не получил основательного классического образования.
В портретах В.Л. Боровиковского видны нежность кисти, тонкий деликатный рисунок, правильность форм и всегда выражение мысли на изображаемом им лице. Портрет Марии Ивановны Лопухиной является самым поэтическим и женственным из всех, созданных художником. Одновременно он обнаруживает сложившийся нравственный и эстетический идеал В.Л. Боровиковского
Образ М.И. Лопухиной пленяет зрителя нежной меланхоличностью, необыкновенной мягкостью черт лица и внутренней гармонией. Эта гармония передана всем художественным строем картины: и поворотом головы, и выражением лица женщины, она подчеркивается и отдельными поэтическими деталями, вроде сорванных и уже поникших на стебле роз. Гармонию эту легко уловить в певучей плавности линий, в продуманности и соподчиненности всех частей портрета.
Лицо М.И. Лопухиной, может быть, и далеко от классического идеала красоты, но оно исполнено такого несказанного очарования, такой душевной прелести, что рядом с ним многие классические красавицы покажутся холодной и неживой схемой. Пленительный образ нежной, меланхоличной и мечтательной женщины передан с большой душевностью и любовью, с поразительной убедительностью раскрывает художник ее душевный мир.
Задумчивый, томный, грустно-мечтательный взгляд, нежная улыбка, свободная непринужденность чуть усталой позы, плавные, ритмично падающие вниз линии, мягкие, округлые формы, белое платье, сиреневые шарф и розы, голубой пояс, пепельный цвет волос, зеленый фон листвы и наконец мягкая воздушная дымка, заполняющая пространство, — все это образует такое единство всех средств живописного выражения, при котором полнее и глубже раскрывается создание образа.
Жан Этьен Лиотар и его знаменитая " Шоколадница".
Жан Этьен Лиотар– швейцарский живописец, родился в Женеве в 1702 году. Его отец, француз-протестант покинул родину по религиозным убеждениям. Неплохо преуспев в Женеве, благодаря ювелирному ремеслу, он смог обеспечить сыну достойное образование. Сначала Жан Лиотар, проявлявший склонность к рисованию, обучался у мастера Гарделя, а в 1725 году отправился в Париж, где около трех лет провел в обучении у гравера Массе. Начав работать самостоятельно, юный художник пишет картины в своем любимом портретном жанре, а также на историческую тематику.
В 1736 году, сопровождая французского посла в Италию, пишет Лиотар картины, которые открыли перед ними блестящие планы на будущее – портреты кардиналов и Римского Папы. Некоторое время провел художник в Турции, откуда привез привычку носить восточные одежды, что придавало ему в глазах светских красавиц ореол загадочности и романтизма. Долгое время Жан Этьен Лиотар работал при дворе австрийского императора, но незадолго до смерти все-таки вернулся в Женеву, где и умер в 1789 году.
[показать]
Автопортрет
[558x720]
[показать]
[показать]Натюрморт
[720x550]Пейзаж в окрестностях Женевы
[показать]Портрет Ричарда Покока
Интересные факты о живописи (10 фактов)
Интересные факты о живописи
Некоторые известные картины имеют очень интересную, а порой даже забавную историю создания. Факты расскажут вам то, чего вы может быть еще не знали об известных художниках и их шедеврах.
1 Леонардо да Винчи долго не мог найти натурщика для образа Иуды в «Тайной вечере».
[470x236]
Для многих ученых‑историков и искусствоведов «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи является величайшим произведением мирового искусства. В «Коде да Винчи» Дэн Браун фокусирует внимание читателей на некоторых символических элементах этой картины в те минуты, когда Софи Невё, находясь в доме Ли Тибинга, узнает о том, что Леонардо мог зашифровать в своем шедевре некий великий секрет.
«Тайная вечеря» — фреска, выполненная на стене трапезной монастыря Санта‑Мария делла Грацие в Милане. Еще в эпоху самого Леонардо она считалась его самой лучшей и знаменитой работой. Фреска была создана между 1495 и 1497 годами, но уже в течение первых двадцати лет своего существования, как явствует из письменных свидетельств тех лет, начала портиться. Ее размеры — приблизительно 15 на 29 футов. Фреска была написана толстым слоем яичной темперы на сухой штукатурке. Под главным слоем краски находится грубый композиционный набросок, этюд, начертанный красным, в манере, предваряющей обычное использование картона. Это своего рода подготовительный инструмент.
Известно, что заказчиком картины был миланский герцог Лодовико Сфорца, при дворе которого Леонардо снискал славу великого живописца, а вовсе не монахи монастыря Санта‑Мария делла Грацие.
Тема картины — момент, когда Иисус Христос объявляет своим ученикам, что один из них предаст его. Об этом пишет в третьей главе своей книги «Божественная пропорция» Пачоли. Именно этот миг — когда Христос объявляет о предательстве — и запечатлел Леонардо да Винчи. Чтобы добиться точности и жизнеподобия, он изучал позы и выражения лиц многих своих современников, которых позднее изобразил на картине. Личности апостолов неоднократно были предметом споров, однако, судя по надписям на копии картины, хранящейся в Лугано, это (слева направо): Варфоломей, Яков‑младший, Андрей, Иуда, Петр, Иоанн, Фома, Яков‑старший, Филипп, Матфей, Фаддей и Симон Зелот.
Многие искусствоведы считают, что эту композицию следует воспринимать как иконографическую интерпретацию евхаристии — причащения, поскольку Иисус Христос обеими руками указывает на стол с вином и хлебом.
Почти все исследователи творчества Леонардо сходятся на том, что идеальное место для разглядывания картины — с высоты примерно 13—15 футов над уровнем пола и на расстоянии 26—33 футов от нее. Есть мнение — ныне оспариваемое, — что композиция и система ее перспективы основаны на музыкальном каноне пропорции.
Неповторимый характер «Тайной вечере» придает то, что в отличие от прочих картин подобного рода она показывает поразительное разнообразие и богатство эмоций персонажей, вызванных словами Иисуса о том, что один из учеников предаст его. Никакая другая картина, написанная на сюжет Тайной вечери, не может быть даже близко сравнима с уникальной композицией и проработкой деталей в шедевре
[показать]
Любоваться цветением сакуры и устраивать пикники под её сенью — это древняя японская традиция, известная под названием «ханами». В этом году «ханами» происходит точно по расписанию, совпав с началом учебного и фискального года в Киото и Токио (они начинаются 1 апреля). Практически вся Япония следит за «Фронтом цветения сакуры», как за прогнозом погоды — благодаря этой службе можно отследить, когда и в какой провинции начинается цветение, ведь этот процесс происходит неравномерно с юга на север и зависит от температуры воздуха. Ниже представлены фотографии, сделанные на протяжении двух последних недель в Японии и в других уголках Земли, где также любовались цветением вишни.
[показать]
[показать]
[показать]
[показать]
[показать]
[показать]
Это цитата сообщения Alexandra-Victoria Оригинальное сообщение
Классика: Альбом "Ludwig van Beethoven"
|
Серия сообщений "ВЕЛИКИЕ: композиторы, певцы, танцоры....":ВЕЛИКИЕ В ИСТОРИИ:Часть 1 - Счастье – это дорога. / Классическая музыка в обработке - альбом.
Часть 2 - Эдвард Григ | Завоевавший русские сердца.Послушайте...не пожалеете.
...
Часть 34 - История одной польки: И.Штраус (сын) - "Olga-Polka"
Часть 35 - Валентин Пикуль о Маковском К.Е: Трагедия "Русского Макарта"
Часть 36 - Классика: Альбом "Ludwig van Beethoven"
Это интересно))) Как стирали в разные эпохи
28 марта 1797 года была запатентована первая стиральная машина.
Этот вид бытовой техники стал неотъемлемым атрибутом жизни человека.
Но так было не всегда.
Когда-то стирка была тяжёлой работой.
Мы расскажем о том, как люди пытались облегчить свой труд и о появлении стиральной машины.
Древний Египет
Ещё в Древнем Египте использовали различные химические вещества для чистки одежды. Так, примитивным «порошком» служила сода, которую специально добывали. Ещё из древесного угля получали карбонат калия. Это средство для стирки просуществовало многие века. А ещё до нашей эры из золы и жира животных люди приспособились варить мыло. Одежду стирали также воском. Использовали даже корни, кору и плоды растений. Например, обнаружилось, что сок мыльнянки в воде превращается в пену. Это свойство растения и определило его назначение в быту у древних людей.
Древняя Греция
В Древней Греции был свой процесс стирки одежды. Это был целый ритуал, похожий на изготовление вина. Так, люди выкапывали небольшие ямы в глинистой почве, наливали туда воду, затем прачки кидали в них кучу одежды и топтались по белью. После такой процедуры, бельё полоскали в чистой воде и сушили на берегу моря. Между прочим, и это не случайно. Прибой тёр одежду о гальку, что делало её ещё более чистой.
[показать]
Водоём для стирки в Этыре в городе Габрово
Древний Рим
Древний Рим не случайно называли центром европейской цивилизации. Римляне достигли больших успехов в разных областях. Способы стирки у них тоже были передовые. Существует даже легенда о том, как получили мыло. Согласно ей люди на жертвенном костре растапливали жир, но его вместе с древесной золой смыло дождем в реку Тибр. Стиравшие люди на берегу заметили, что от этого одежда стала лучше отстирываться. О том, что римляне действительно использовали такое мыло, свидетельствуют его остатки, найденные на холме Сапо. Кстати, таким мылом никто не мылся по причине его ж`сткости. Зато для стирки оно подходило в самый раз.
Древняя Индия
Интересно, что в Индии стиркой занимались только мужчины. И в некоторых районах страны эта традиция сохранилась до сих пор. Индусы-прачки на протяжении всего дня колотят бельё об огромные валуны. Этот способ стирки был довольно распространён в разных уголках мира.
Средневековая Европа
В Европе образовалась чуть ли не целая каста – прачки. Женщины трудились с утра до вечера под открытым небом в любую погоду. Места для стирки располагались у фонтанов или бассейнов. В некоторых регионах, где было рядом море или река, они располагались прямо на берегу. Для них там были пришвартованы своеобразные прачечные-лодки. Прачки никогда не оставались без работы. Сначала бельё кипятили, а потом всю эту тяжёлую мокрую ношу вытаскивали к реке.