[700x270]
[700x573]
Картина по праву является одной из самых сильных картин художника и одной из самых драматических работ всего советского искусства военного времени. Писалась художником на протяжении 7 лет с 1943 по 1950 год.
К моменту наступления Великой Отечественной войны Сергей Васильевич Герасимов был уже достаточно знаменитым художником, большинство его полотен были посвящены жизни русской деревни, не стала исключением и картина «Мать партизана», раскрывающая тему героизма рядового советского человека в годы войны. В центральной части картины, с гордо поднятой головой стоит мать партизана. Как выразился сам художник: «Я хотел показать в ее образе всех матерей, которые отправили на войну своих сыновей». Женщину не могут запугать немецкие захватчики. За ее спиной родная земля, оскверненная врагами и залитая кровью родных, священная родная земля. Великую силу народного гнева ощущают на себе фашисты. На фоне русской женщины немецкий офицер кажется жалким. Светлая и сильная, стоит она на фоне дымного пожарища. Ее лицо хранит суровую печать великого страдания, но это страдание гордого, сильного человека. В контраст с образом матери вступает образ гитлеровца лишенный яркой индивидуальной характеристики, выделяются лишь низкий лоб и тяжелая челюсть фашиста, придающие его облику нечто звериное. Остальные персонажи согласно задумки автора вторичны и прорисованы лишь в общих чертах.
В 1958 году картина экспонировалась на Международной выставке в Брюсселе и была награждена Золотой медалью.

[447x220]
[700x133]
[700x449]
Впервые «Колхозный праздник» предстал перед зрителями на выставке «Индустрия социализма» в 1938 году. Картина выглядит как сценическая красочная феерия, сотканная из отдельных «сочных» кусочков. Тотчас вокруг полотна разгорелись ожесточенные споры; не всё было понято и принято в картине сразу. Раздавались голоса, упрекавшие художника то в недостаточно глубоком раскрытии темы, то в том, что художник слишком много внимания уделяет изображению природы, что содержание ярче выражено в пейзаже... Понадобилось немало времени, чтобы картина заняла заслуженное место в ряду лучших произведений советской живописи.
Картина эта несет отпечаток тех процессов, которые происходили во всей советской живописи 1930-х годов. В то время проблема создания тематической жанровой картины с особой остротой встала перед мастерами изобразительного искусства. Эта тенденция была искусственно привнесенной извне, так или иначе навязанной живописцам. Художник изобразил то, что и нужно было режиму: атмосферу деятельных, полных энергии и напора созидания 1930-х годов. Однако здесь нет ни одного не то что смеющегося, но даже улыбающегося лица. Возможно, художник намекает, что никакого праздника нет, а есть только казённое мероприятие. Художник начисто отказывается от экзальтации в проявлении чувств, от бурной жестикуляции. В этой сдержанности особую роль приобретает энергичный жест оратора, делая его образ центральным, ведущим в действии. Композиция построена барельефно, на узкой полосе переднего плана. Художник располагает своих героев на пригорке, и именно этот приём дает ему возможность развернуть перед нашими глазами широкую панораму, далеко просматриваемую с высоты.
Может быть в своё время картина и воспринималась как праздник, как то, что должно было быть. Но по сути это была просто пропаганда, хотя рука мастера в ней безусловно чувствуется. Вопрос лишь в том, верил ли сам художник в то, что изобразил или решал только конъюнктурные и художнические задачи.

[700x246]
[700x458]
Во все времена именно большие мастера и гении живописали портреты сильных мира сего. Не стоит ругать и наших замечательных мастеров, изображавших отечественных монархов.
Для своей картины Бродский избирает конкретное время и обстановку, что должно убедительно говорить о правдивости и почти документальности созданного образа. Этой же цели подчинена вся композиция работы, включая мельчайшие детали. Она тщательно продумана Бродским и безупречно отвечает замыслу картины.
Фигура написана почти в натуральную величину, это позволяет зрителю увидеть себя рядом с вождем. Так же достоверно и тщательно изображен кабинет - небольшая комната Смольного, где еще сохранилась обстановка комнаты классной дамы бывшего здесь недавно Дворянского института—мягкая мебель в строгих белых чехлах. Скромная, почти аскетичная обстановка, не соответствующая масштабу принимаемых Лениным решений, должна говорить об ответственности большевистской власти. Колорит картины сдержан, выдержан в мягких охристых тонах и приближен к реальной цветовой гамме. Скрупулёзность в изображении Бродским деталей интерьера и костюма помогают усилить достоверность изображения и подчеркнуть историческую значительность момента. Написанная спустя шесть лет после смерти Ленина, картина призвана канонизировать образ вождя.
После своего появления картина «Ленин в Смольном» стала одним из самых популярных произведений, посвященных образу вождя революции. Она неоднократно экспонировалась на крупнейших художественных выставках, воспроизводилась в печати, в том числе массовыми тиражами в виде цветных репродукций. Бродским были сделаны несколько авторских повторений картины, незначительно отличавшихся от первого варианта размерами.

[700x285]
[700x477]
К моменту создания портрета М. В. Нестеров был уже известным и немолодым художником. Многие годы своей жизни художник посвятил росписи храмов, а также живописи на религиозные темы, за что преследовался советской властью, и даже был арестован. В этот период в новых условиях существования творческие усилия художника сосредотачиваются на портретной живописи. Художник, как правило, не делал заказных портретов, работая только с близкими и хорошо знакомыми людьми. Его интересовали творческие люди, изображенные в активном действии.
Нестеровым было написано два портрета академика Павлова, в 1930 и 1935 годах. Первый хранится в Русском музее, второй стал одной из лучших работ в коллекции Третьяковской галереи.
Академик Павлов, прославленный физиолог, лауреат Нобелевской премии, в отличие от других персонажей созданных тогда портретов, не был знаком художнику. Близкие М. В. Нестерова долго уговаривали его написать этот портрет, а он сопротивлялся, так как с одной стороны не считал себя портретистом, а с другой стороны не видел ничего привлекательного для себя в том образе ученого, который складывался под влиянием известных фотографий. Наконец уговоры достигли цели, было получено и согласие академика. В 1930 году художник приехал для работы над портретом в Ленинград, точнее в посёлок биологической станции в Колтушах, где и состоялось их знакомство. Художнику было тогда 68 лет, а академику 81 год. Художник писал, что с первой встречи его мнение о ученом совершенно изменилось. Темперамент и энергия академика вызвали в художнике желание работать, запечатлеть образ этого человека. Созданный тогда портрет представляет академика читающим на веранде на фоне окна. Несмотря на одобрение учёного и окружающих художник был не удовлетворен портретом. Однако с этого времени между ним и Павловым возникли близкие дружеские отношения и приезжая в Ленинград художник жил у Павлова, в его доме в Колтушах.
После 1930 года М. В. Нестеров создал ряд очень удачных по динамичной композиции портретов. На фоне этих творческих успехов видимо и возникло желание написать новый портрет академика Павлова. Как и в первый раз, художник работал и жил в доме академика. Академик позировал с утра около 2 часов. Во время сеансов он беседовал с одним из своих сотрудников, что было видимо необходимо для создания правильного образа. Сначала была написана фигура академика, затем был сделан этюд фона и далее за один приём в течение 8 часов работы был написан фон.
Академик Павлов изображён с вытянутыми вперёд руками, сжатыми в кулаки. Этот жест, связанный с внутренней сосредоточенностью и напряженной работой мысли, был характерен для ученого, тем не менее Нестеров долго сомневался в отношении этого жеста, что известно из воспоминаний близких. В итоге он всё же стал доминантной, определившей вытянутую по горизонтали композицию. На втором плане за окном видны строения биологической станции, материальное воплощение трудов академика.
Портрет получил одну из первых Сталинских премий в области искусства в 1941 году. Денежное вознаграждение составляло 100 тысяч рублей и выплачивалось за счёт личных средств И. В. Сталина, которые он получал как гонорары за издание книг. Премия была знаком официального признания данного направления реалистической живописи, как одного из жанров социалистического реализма. Видимо, какое-то знаковое значение для официальной идеологии было в том, что и автор и портретируемый были видными представителями дореволюционной культуры, нашедшими своё место в новом социалистическом обществе.

[700x292]
[700x574]
Эта, ставшая хрестоматийной картина, была написана в марте 1895 года, полностью с натуры, без предварительных этюдов, за несколько сеансов. Левитан в это время жил в усадьбе Горка, расположенной в полутора километрах от деревни Островно, ныне входящей в состав Удомельского района Тверской области. Усадьба принадлежала тайному советнику Ивану Николаевичу Турчанинову, и там часто проводила время его жена Анна Николаевна с дочерьми. Главным зданием усадьбы был двухэтажный дом с мезонином, окрашенный в желтоватый цвет.
Левитан писал картину на задворках усадьбы, стена которой видна в правой части картины. Солнечный мартовский день, начавший уже таять снег, деревья и просёлочная дорога, подходящая к крыльцу, у которой, греясь на солнышке, смирно стоит лошадь с санями. Эта лошадка стоит в центре пейзажа и составляет его неотъемлемую часть. Сохранилось даже имя лошади с усадьбы «Горка» — Дианка. Дверь в доме открыта. Эта деталь не случайна, она играет в пей­заже большую роль. Открытая дверь говорит о присутствии человека. Всё выглядело бы зна­чительно бедней без такой, казалось бы, несущественной подробности, мелочи. Общее настроение ожидания трогает нас в картине. Это ожидание прихода настоящей, теплой, могучей и неотвратимой весны. Скорое наступление её ощущается во всем: в ослепительном снеге, и в набухших почках, и в цвете теней, которые из холодно-синих становятся лиловатыми. Оттенки снега, синие тени деревьев и голубое небо создают очень живописную картину - сюжет, который потом не раз повторялся в пейзажах других русских художников.
Что, собственно, изображено на картине "Март"? Всего-навсего задворки обыкновенной усадьбы, пригретые и освещенные солнцем, тающий снег с синими тенями, тонкие ветки деревьев на фоне неба, весело и ярко освещенная стена дома. Но сколько во всем этом сладкой, безотчетной весенней мелодии, и может ли быть что-нибудь проще, безыскуснее и одновременно нежнее, напевнее этой обыденной на вид картины?
И. Левитана называли "чистым пейзажистом". Впоследствии не раз высказывалось мнение и о том, что именно с "Марта" импрессионистские приемы стали неотъемлемой частью левитановской живописи.

[700x247]
[700x455]
Левитан любил рисовать осенние пейзажи. У него было более сотни картин, связанных с этим временем года. Среди них картина «Золотая осень» является одним из самых известных произведений художника. На ней изображена небольшая речка, окружённая деревьями, покрытыми жёлтой и красной осенней листвой. Вдали видны деревенские домики, поля, а далее, на горизонте — осенний лес, окрашенный в оттенки жёлтого цвета. Яркие, мажорные, оптимистические цвета этой картины не являются характерными для творчества Левитана — обычно он использовал более мягкие и нежные тона.
Левитан - мальчик из еврейской семьи, по сути отказавшийся от своего происхождения, отдав всего себя и положив себя на алтарь русской культуры. Картина «Золотая осень» среди других его картин занимает очень важное место. Левитан здесь изображает самый простой мотив - это среднерусская природа с русской речкой, уходящей от зрителя в глубину пространства, с лугами, с небольшим березовым леском, темнеющими далями, озимыми полями. То есть самый обычный среднерусский пейзаж, утопающий в золотых красках осени. И вот при всей простоте и, казалось бы, обыденности мотива Левитан наделяет эту картину каким-то особым торжественным патетическим настроением. Он словно приглашает нас охватить эту землю, эту роскошную природу, купающуюся в красках золота. Любоваться этой землей и прославлять ее. Один из очень известных исследователей творчества Левитана Федор Давыдов написал в своей книге о Левитане, что картина звучит, как поэма, как высший ранг поэтического, как гимн, гимн действительно русской природе, красоте русской природы, потому что здесь этот вид, эта многокрасочность, эта яркость, праздничность красок, она дает нам возможность прославлять русскую природу.

[700x313]
[700x122]
[700x579]
Эта картина является одной из самых известных картин Поленова.
В июне 1877 года Василий Поленов переехал из Санкт-Петербурга в Москву и стал снимать квартиру на углу Малого Толстовского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках. Из окна своей квартиры он и написал этюд к пейзажу «Московский дворик». Поленов так описывал историю создания картины: «Я ходил искать квартиру. Увидал записку, зашел посмотреть, и прямо из окна мне представился этот вид. Я тут же сел и написал его».
На картине изображён типичный старый московский дворик в начале лета. Солнце ещё не взошло высоко над горизонтом. Во дворе играют дети, идёт женщина с ведром, стоит запряжённая в телегу лошадь. На заднем плане купола церкви.Тишина. Неторопливо течет повседневная жизнь обитателей дворика. Сердечностью, ясной улыбкой озарен пейзаж. Чувство покоя и безмятежности разлито в природе. По словам искусствоведа Т. В. Юровой, «В. Д. Поленов вложил в полотно всю силу своей любви к людям и к жизни, именно эта любовь делает поэтическими самые обычные прозаические вещи».
«Московский дворик» — пейзаж-картина. Это произведение может быть названо картиной не только благодаря композиционной завершенности, гармоничности и законченности исполнения, но прежде всего в силу значительности, типичности образа реальной действительности. Пейзаж Поленова дан в столь обобщающей форме, что вызывает в памяти множество подобных уголков в старой Москве и в далекой провинции.
Картина Василия Поленова имела на выставке художников-передвижников 1878 года большой успех и принесла художнику известность.

[700x279]
[700x257]
[700x239]
[700x275]
[700x271]
Диего Ривера (1886-1957) - мексиканский живописец, художник-монументалист, политический деятель левого толка.
Родился в городе Гуанахуато на северо-западе Мексики в зажиточной семье. По отцовской линии он происходил из испанской знати. Его мать была конверсо, еврейкой, чьи предки были насильно обращены в католицизм. Рассказывая о себе, Ривера писал в 1935: «Моё еврейство — главная часть моей жизни».
C 1896 по 1902 год брал уроки рисования и живописи в Академии художеств Сан-Карлос в Мехико. За успехи был премирован стипендией, которая позволила художнику поехать в Испанию. С 1907 по 1921 год Ривера жил в Европе. Учился в Академии художеств в Мадриде (1907), затем жил и работал в Париже (1909—1920), в Италии (1920—1921). Побывал также в Бельгии, Нидерландах и Великобритании. Был близко знаком с парижской художественной элитой, в том числе с Пабло Пикассо.
В 1922 году Ривера вступает в Мексиканскую коммунистическую партию. В 1927 он приезжает в СССР, где в 1928 году становится членом-учредителем объединения «Октябрь».
Позднее Ривера стал придерживаться троцкистских взглядов, в 1929 вышел из Мексиканской компартии и после прибытия Троцкого в Мексику дал ему приют в своем доме. Однако затем между ними возник личный конфликт и 7 августа 1939 года Ривера был исключен из мексиканской секции 4 Интернационала. Позднее он занял позицию, соответствовавшую официальному курсу Сталина.
Ривера работал в США в 1930—1934 и 1940 годах. С 1922 он стал одним из основателей мексиканской школы монументальной живописи, расписав огромное число стен общественных зданий. Одной из главных тем в творчестве Риверы были фольклорные сюжеты, верования и обычаи народа Мексики, а также революционное движение в Мексике.
В 1932—1933 годах Ривера сделал фреску «Человек на распутье» для Рокфеллеровского Центра в Нью-Йорке. Наиболее значимыми в этой фреске были изображения В. И. Ленина, соединяющего руки рабочих, и демонстрации трудящихся на Красной площади в Москве. Фреска была уничтожена в 1934 году, после того, как Ривера отказался заменить изображение Ленина «изображением лица неизвестного человека». Автор впоследствии воссоздал фреску в Мехико во Дворце изящных искусств. Копия фрески получила другое название — «Человек, управляющий Вселенной».
В 1955—1956 годах художник снова был в СССР.

На марках:
1. Автопортрет. 1949
2. Продавец цветов.1935. Сан-Франциско (США). Музей современного искусства.
32. Сахарная плантация. 1931. Филадельфия. Музей искусств.
3. Две женщины.
4. Человек, управляющий Вселенной (фрагмент фрески). 1934. Мехико. Дворец искусств.
5. Арбузы.

[700x257]
[700x263]
[700x293]
[700x256]
На марках:

1. Джон Сингер Сарджент (1856-1925). Портрет Каролюса-Дюрана.1879. Вильямстон (США, штат Ю.Каролина). Галерея института Кларка.
Джон Сингер Сарджент (1856, Флоренция - 1925, Лондон) - американский художник, один из первых американских художников-космополитов в Европе.
Сын врача, учился в Италии, Германии и Франции где его наставником в 1874-1878 был Эмиль Огюст Каролюс-Дюран. Во Франции Сарджент сблизился с импрессионистами, теснее всего с Клодом Моне. По большей части жил во Франции и Великобритании. Наиболее известен своими портретами.
По адресу Сарджента нередко высказывались скептически художники-импрессионисты. Однако в 1960-е годы к Сардженту пришло широкое признание, его выставки состоялись в крупных музеях Европы и США, он достиг ранга национального и мирового классика.

2. Гарри Мельчерс (1860-1932). Мать с ребёнком (пастель).1906. Бостон. Музей изобразительных искусств.
Гари Мельчерс (1860-1932) - американский художник немецкого происхождения, один из крупнейших представителей натуралистической школы в живописи США. Превосходный, хотя и несколько суровый наблюдатель народной жизни больше всего жил в Голландии, и если ему нельзя отказать в оригинальности, то во всяком случае ни по выбору сюжетов, ни по стилю его нельзя также назвать истым американцем. Многие его полотна, написанные яркими, свежими, красочными тонами, посвящены жизни простых людей Голландии.

3. Фредерик Ремингтон (1861-1909). Офицер кавалерии (литография).1901. Индианаполис (США,шт.Индиана). Айтельджордж-музей.
Фредерик Ремингтон (1861-1909) - американский художник, иллюстратор и скульптор, известный своими произведениями на тему Дикого Запада. Учился в школе искусств Йельского университета. В 1884 году он стал выполнять иллюстрации, зарисовки и другие работы для книгоиздательств, публикующих книги и журналы на тему «Дикого Запада». Злоупотреблял алкогольными напитками, что стало одной из причин его избыточного веса. Умер во время операции по удалению аппендикса.

4. Джон Венгер (1887-1976). Бетховен. (Данные по картине не найдены).
Джон (Яков) Венгер (1887-1976) - знаменитый сценограф, живописец и график.
Родился Яков в Елизаветграде. Начал рисовать с трех лет. Учился в Елизаветградский гимназии, с 1900 по 1903 год в Одесском художественном училище. В Америку, где жил дядя - владелец магазина в штате Нью-Джерси, Яков уехал в 1903 году. Зарабатывал на жизнь моделированием женской одежды и ювелирных изделий. Потом поступил в Нью-Йоркскую академию дизайна. Стал знаменитым прежде всего как театральный художник, сделав революцию в художественном оформлении спектаклей. Писал также тематические композиции, портреты, пейзажи, натюрморты, миниатюры и акварели.

5. Фредерик Коффай Йон (1875-1933). Херкимер в сражении при Орискани (август 1777).1901. Ютика (шт.Нью-Йорк). Публичная библиотека.
Фредерик Коффай Йон (1875-1933) - американский художник, иллюстратор. Йон специализировался на исторической военной тематике, особенно американской революции, а также Первой мировой войны.

6. Джордж Беллоуз (1882-1925). Ставьте на Шарки!.1909. Кливленд (США). Музей изобразительных искусств.
Джордж Беллоуз (1882-1925) - американский художник. Во время учебы в Государственном университете штата Огайо Беллоуз зарекомендовал себя недюжинными спортивными талантами. Однако иллюстрации Джорджа, которые готовились для оформления студенческого ежегодника, рассказывали совсем об ином - о карьере художника. Джордж оставил университетскую учебу и перебрался в Нью-Йорк на 57-ю улицу под крыло Роберта Генри, не без влияния которого Джордж Беллоуз стал одним из самых молодых ведущих художников школы Ашан. Он был приверженцем бытовой живописи, рассчитанной на широкий круг зрителей. Увлеченный литературными произведениями Джека Лондона и Теодора Рузвельта, посвященными боксу, Джордж почувствовал непреодолимую связь с этим видом спорта. Он даже записался в атлетический клуб, владельцем которого был отставной боксер, известный как Шарки. Занятия в клубе Шарки дали художнику возможность раскрыть суть мужской агрессии, помогли создать картину "Ставьте у Шарки!", в которой Джордж полностью и бесповоротно отрекается от викторианского благочестия, вызвав тем самым критическую полемику среди искусствоведов. Джордж Беллоуз никогда не покидал пределов Америки, однако спокойно учился у европейских мастеров, когда те приезжали выставлять картины в музеях США, например, в музее Метрополитен, где Читать далее...

[700x279]
Уильям Майкл Харнетт (1848-1892) - американский художник, один из основоположников иллюзионистического натюрмopта.
Харнетт родился в Ирландии и еще в раннем детстве вместе с семьей эмигрировал в Америку. Здесь он получил образование в пенсильванской Академии изящных искусств, а также в Национальной академии дизайна. После завершения курса обучения Харнетт в 1880 году отправляется в Европу. Некоторое время он проводит в Лондоне, затем в Париже и Франкфурте и наконец почти на пять лет обосновывается в Мюнхене, где его деятельность приобретает наибольшую активность. Именно в это время Харнетт начинает собирать свою собственную коллекцию старинных предметов, в частности книг, а также музыкальных инструментов. В Соединенные Штаты Харнетт вернулся в 1885 году и прожил в Нью-Йорке до конца жизни, пользуясь значительной известностью.В Филадельфии, где уважались традиции Рембрандта, Пила, он впервые начал писать натюрморты. Излюбленным мотивом художника стало изображение старых музыкальных инструментов . Харнетт прекрасно владел искусством композиции, а его живописный стиль был под стать старым голландским мастерам.
Его натюрморты весьма простые: газеты, трубы, книги. Они так тщательно дифференцированы в структуре, что у зрителя есть почти непреодолимый импульс коснуться их, чтобы удостовериться, что фактический объект не приклеен к холсту. Критики считали такие работы слишком обычными, чтобы быть искусством.
После смерти Харнетт на какое-то время ушёл со сцены, но интерес к его работам вскоре возобновился из-за их поверхностного подобия сюрреализму и кубизму.


Джон Фредерик Пето (1854-1907) - американский художник, мастер натюрмортов-«обманок».
Отличительная черта его картин - тема обветшалости, времени, потертости. Объекты его внимания — старые книги, лампы, доски, трубки, фотографии, все то, что несет на себе особенно заметный отпечаток старения, неизбежного влияния времени и использования. В XIX веке такие образы не пользовались вниманием публики, предпочитавшей видеть на полотнах нечто роскошное и богатое.
Джон Фредерик Пето родился в Филадельфии, закончил Пенсильванскую академию изящных искусств. Он был не только художник, но и музыкант, После женитьбы в 1887 году он переехал на морской курорт Айсланд Хейте в штате Нью-Джерси, и стал зарабатывал игрой на корнете. Там же в уединенной студии он писал свои картины. Изоляция от большой публики, оторванность от художественной среды сыграло не в пользу Пето - его карьера живописца пошла на спад. Пето продавал картины местным лавочникам и курортникам, но не выставлял их нигде, кроме местной аптеки. Его творчество было практически неизвестно до повторного открытия критиком Альфредом Франкенштейном в 1947 году.
Пето был другом Уильяма Харнетта, и их натюрморты имеют много общего. Картины Пето, как правило, считаются менее технически совершенными, они более абстрактные, в них использованы более необычные цвета, но зачастую они имеют сильный эмоциональный резонанс.


На марках:
1. Уильям Харнетт (1848-1892). Старые вещи.1892. Бостон. Музей изобразительных искусств.
2. Джон Фредерик Пето (1854-1907). Старые письма.1894. Тэйлор (штат Мичиган). Собрание Манугиан.

Мэри Кассат (1844-1926) - знаменитая американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма. Она прожила большую часть своей жизни во Франции, была дружна с Эдгаром Дега. Мотивом для её полотен послужили образы социальной и личной жизни женщин, с особым упором на тесную связь матерей и детей.
Родилась в городе Аллегейни (ныне часть Питтсбурга) и росла в семье, где поездки за рубеж считались неотъемлемой частью образования. Несмотря на то, что семья Мэри возражала против её желания стать профессиональным художником, она начала изучать живопись в Пенсильванской Академии изящных искусств в Филадельфии (1861-1865). Нетерпимая к неспешному темпу обучения и покровительственному отношению со стороны мужской половины студенчества и преподавателей, она решила продолжить изучение самостоятельно, и в 1866 г. переехала в Париж.
После самостоятельного обучения в крупных европейских музеях, её стиль стал более зрелым к 1872 году. В Париже она изучала живопись вместе с Камилем Писарро. Она встретилась с Дега в 1874 году, он пригласил её участвовать в выставке импрессионистов, и её работы были выставлены на экспозиции в 1879 году. Будучи активным членом движения импрессионистов до 1886 года, она оставалась другом Дега и Берты Моризо. Как и Дега, Кассатт стала чрезвычайно искусной в использовании пастели, в конечном счёте выполняя многие свои полотна в этой технике.
С 1886 года её стиль изменился, и она отошла от импрессионизма к более простому, прямому стилю. Она больше не отождествляла себя с каким-либо движением и пробовала различные стили. Серия строго написанных, тонко подмеченных, не сентиментальных картин о матери и ребёнке является основной темой её наиболее известных работ.
1890-е годы стали для Кассат самым оживлённым и творческим периодом в её жизни. Ей подражали молодые американские художники, нуждавшиеся в её советах и поддержке. В начале XX века она работала консультантом у крупных коллекционеров произведений искусства и во многом способствовала тому, чтобы они передавали свои коллекции американским музеям изобразительных искусств. Признание её собственных работ в Соединенных Штатах шло медленными темпами.
В 1906 г. умер брат Мэри Кассат, Александр Кассат (председатель Пенсильванских железных дорог). После смерти брата она не брала кисти в руки до 1912 года.
С диагнозами диабет, ревматизм, невралгия, катаракта, поставленными ей в 1911 году, она не оставляет живописи, но после 1914 Кассат все же была вынуждена прекратить писать, так как почти ослепла. Тем не менее, она продолжала активно участвовать в движении за избирательные права для женщин, и в 1915 году, показала восемнадцать своих работ на выставке в поддержку движения.
Мэри Кассат скончалась 14 июня 1926 года в Шато де Бофрене, близ Парижа, и была похоронена в семейном склепе.
[700x256]
[700x259]
[700x230]
[700x294]
[700x276]
[700x227]
На марках:

1. Портрет Мэри Кассат с фотографии.

2. Катание на лодке.1893-94. Вашингтон. Национальная галерея.

3. Молодая мать с шитьём.1902. (На марке справа). Нью-Йорк. Метрополитен.

4. Купание ребёнка.1891. Чикаго. Галерея Художественного института.

5. Завтрак в постели. 1897.Сан-Марино (шт. Калифорния. США). Артколлекция библиотеки Хантингтон.

6. Маленькая Анна, сосущая свой палец, в объятиях матери. 1897. Париж. Музей д'Орсэ.

7. Дети, играющие на пляже. 1885. Вашингтон. Национальная галерея.

8. Ночной материнский поцелуй. 1888. Частное собрание.

9. Читающая женщина в саду (сестра художницы). 1880. Чикаго. Галерея Художественного института.

10. Девочка в соломенной шляпе. 1886. Вашингтон. Национальная галерея.

[700x194]
[700x282]
[700x289]
[700x284]
[700x402]
[700x462]
Уинслоу Хомер (1836-1910) - американский художник и график, основоположник американской реалистической живописи. Наиболее знаменит своими морскими пейзажами. Известен как своими работами маслом, так и акварелями. Большинство исследователей рассматривают Хомера как крупнейшую фигуру в американском искусстве XIX века, оказавшую влияние на всё последующее развитие американской живописи.
Хомер принадлежал к первому поколению американских художников, создавших собственную американскую художественную школу. В то время как большинство его современников рассматривали европейское искусство в качестве идеала, Хомер, хотя и испытывал влияние самых разнообразных художественных течений, в своём творчестве прежде всего основывался на чисто американских сюжетах.
Творчество Хомера разделяется на два заметно отличающихся периода: до начала 1880-х годов, когда он живёт в основном в Нью-Йорке, и в живописи преобладают светлые солнечные пейзажи и сцены, и с середины 1880-х годов, в штате Мэн, после двухлетнего перерыва, который художник провёл в Англии. Для последнего периода больше характерны тёмные тона и сцены насилия и трагедии.
Уинслоу Хомер родился в Бостоне в семье из среднего класса, периодически испытывавшей финансовые затруднения. Уинслоу Хомер был вторым из трёх сыновей. Когда ему было шесть лет, семья переехала в Кембридж, где его отец держал магазин. Мать Хомера была художницей-любительницей (акварель), стала первым учителем сына и до своей смерти в 1884 году была человеком, оказывавшим на него наибольшее влияние.
Финансовые неудачи отца также оказали серьёзное влияние на художника, который всю свою карьеру заботился о финансовой состоятельности, и до 1875 года работал иллюстратором, хотя в это время он уже был известным художником и вполне мог себя прокормить занятиями живописью.
Неизвестно, почему Хомер решил отказаться от получения формального художественного образования, но известно, что в 1860 году он очень хотел отправиться в Европу, уровень живописи в которой в это время многократно превосходил американский. Эти планы были отложены из-за Гражданской войны.

На марках:
1. Северовосток. Штормовое море. 1895. Нью-Йорк. Метрополитен.
2. Туман надвигается. 1885. Бостон. Музей изящных искусств.
3. Мальчики на выпасе. 1874. Бостон. Музей изящных искусств.
4. Порыв ветра. 1876. Вашингтон. Национальная галерея.
5. Бермудские пейзажи (акварели). 1899.

[695x366]
[700x385]
[700x456]
[700x403]
[700x290]
[700x455]
На марках:
6. Композиция в телесном и черном цвете. Портрет Теодора Дюре, художественного критика, друга художника. 1883-84. Нью-Йорк. Метрополитен.
7. Аранжировка в белом и чёрном. Женский портрет. 1862. Вашингтон. Национальная галерея.
8. Ноктюрн в розовом и сером. Портрет леди Мё. 1881-82. Нью-Йорк. Собрание Фрик.
9. Аранжировка в чёрном и золотом. Мужской портрет. Нью-Йорк. Собрание Фрик.
10. Аранжировка в сером и чёрном No.2. Портрет Томаса Карлайла. 1872. Глазго. Галерея искусств.
11. Симфония в белом No.2. Девушка в белом. 1864. Лондон. Галерея Тейт.
12. У рояля. 1858-1859. Музей Тафт, Цинциннати, Огайо, США
13. Симфония в белом № 1. Девушка в белом. 1862. Вашингтон. Национальная галерея.
14. Гармония в зелёном и розовом. Музыкальный салон. Вашингтон. Галерея Фрир.


Джоанна Хиффернан - ирландка, которая с 1861 по 1868 служила моделью Джеймсу Уистлеру и Гюставу Курбе. Она была излюбленной моделью Уистлера и его возлюбленной. Самые известные полотна на которых изображена Джо — «Симфония в белом №1, девушка в белом», «Симфония в белом №2», «Симфония в белом №3» Уистлера, а также «Прекрасная ирландка» и «Спящие» Курбе. Мать Уистлера и его родня были несчастливы от его связи с Джоанной, поскольку в их глазах незамужняя женщина, служащая моделью художнику — по распространенному мнению того времени означающему обнаженной — считалась проституткой. Мать предлагала художнику с помощью наследства одной из теток придать существованию Джоанны более независимую основу. При посещении матерью Уистлера в Лондоне Джоанна Хиффернан даже на время выезжала из их совместного жилья.

Искусство должно жить само по себе, независимо от всякой чепухи, не смешиваясь с совершенно чуждыми ему чувствами вроде благочестия, жалости, любви, патриотизма и всего такого. Оно должно восприниматься непосредственно, зрением и слухом. Именно поэтому я и называю свои работы «аранжировками» и «гармониями». /Джеймс Уистлер/

"Я художник и "родился" в Петербурге", - писал про себя Уистлер. На закате жизни Россия послала ему ещё одну весточку. Одной из последних учениц Уистлера была А.П. Остроумова- Лебедева. «...Я не могу научить вас искусству, его постигают наедине или совсем не постигают», - сказал ей мастер.

Почти всю свою жизнь Уистлер был окружен атмосферой скандала. Невысокий, с громким резким голосом и вечным моноклем в глазу, одетый скрупулезно аккуратно, экстравагантно и с безукоризненным вкусом; блестящий спорщик, умевший молниеносно парировать остроты собеседника; его выходки, словечки, жесты были предметом разговоров на светских обедах; но «... в этом щеголе, шествующем по набережной Челси, никто не узнал бы молчаливого, серьезного труженика в огромных очках, которые он только что сбросил в своей мастерской».

Уистлер был одержим отчаянным стремлением к совершенству, его требовательность к себе не знала границ, все, что казалось ему неудачным, подлежало немедленному уничтожению. Никто не трудился над своими холстами больше него, он «замучивал» модели бесконечными сеансами, и тем не менее его произведения оставляют впечатление артистичности и непринужденности исполнения. Публике же работы Уистлера казались эскизными и незаконченными. И чем ближе был художник к достижению цели, тем теснее смыкалось вокруг него кольцо насмешек и недоброжелательства. Однако он ни разу не уступил, продолжая идти своим собственным путем, «он только выше поднимал голову. У него был характер бойца, он не сдавался ни в чем и начал форменную войну, длившуюся около двадцати лет, против своих Читать далее...

Джеймс Эббот Макнил Уистлер (1834-1903) - англо-американский художник, мастер живописного портрета в полный рост, а также офорта и литографии. Один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма.
Родился в Лоуэлле (штат Массачусетс). Его отец, Джордж Вашингтон Уистлер, известный инженер-железнодорожник, в 1842 г. был приглашён для строительства дорог в Россию, он проектировал Николаевскую железную дорогу. В России Джеймс, среди прочего, выучил в школе французский язык и посещал Академию художеств. По возвращении в США учился в военном училище в Вест-Пойнте, но был отчислен за отставание по химии. Тогда же, в 1850-х, Уистлер начал создавать офорты, первая серия которых была опубликована в 1858 году.
В 1855 году он уехал в Париж, где испытал влияние Коро и Курбе, а также прерафаэлитов. Его произведения вызвали одобрение Курбе и Бодлера, но самый крупный художественный авторитет викторианской Англии, Джон Рёскин, продолжал вышучивать их в печати. Уистлер подал на него в суд за клевету и выиграл процесс, однако судебные издержки сделали его банкротом. В 1879 году удалился в Венецию, где в течение 14 месяцев занимался акварельными зарисовками и выполнил полсотни офортов, по возвращении в Лондон был избран президентом Общества английских художников.
В конце жизни Уистлер — один из «светских львов» лондонского общества.
В начале своей карьеры Уистлер удивлял современников плоскостностью и орнаментальностью изображений — в этом отразилось его раннее увлечение японским искусством. С импрессионизмом его сближало стремление запечатлеть первое поэтическое, музыкальное впечатление от предмета, будь то пейзаж или человеческая фигура. Разделяя бодлеровское учение о синестезии, Уистлер по аналогии с музыкой называл свои портреты «симфониями» и «импровизациями». В то же время Уистлер по многим вопросам расходился с импрессионистами. Он не одобрял культ пленэра и говаривал, что «писать с натуры лучше всего дома». Ключом к живописному эффекту полотна Уистлер считал его цветовую тональность, которую подолгу обдумывал заранее, старательно смешивая краски для достижения желаемого эффекта. Созвучия тонов, по его мнению, должны соответствовать ритмам линий. В поздних произведениях, особенно «ноктюрнах» с видами Лондона, Уистлер использует крайне разведённые, по-акварельному прозрачные краски, которые передают ощущение зыбкой подвижности атмосферной среды.
[700x250]
[640x569]
[700x324]
[421x432]
[328x575]
[559x700]
[374x573]

На марках:
1. Мать художника.1872. Париж. Музей д'Орсэ. (На марке Фужейра портрет в зеркальном изображении). Аранжировка в сером и чёрном.
2. Пурпурное и золотое. Золотая ширма.1864. Вашингтон. Галерея Фрир.
3. Розовое и серебряное. Принцесса из страны фарфора. 1864. Вашингтон. Галерея Фрир.
4. Вариации с цветом беж и зелёным. Балкон. 1864-70. Вашингтон. Галерея Фрир.
5. Фиолетовый и розовый. Японская фарфоровая ваза мастера длинных фигур и шести знаков. Филадельфия. Музей искусств.

[700x278]
На марках:
1. Уголок долины. Гавана. Национальный музей искусств.
2. Тутовое дерево. Гавана. Национальный музей искусств.
3. Долина Юмури на рассвете.1865. Гавана. Национальный музей искусств.

Анри Клиневерк (1818/25-1901) - бельгийский художник-пейзажист.
Вырос в Вато в окружении кожевников. В 1840-1845 годах учился в Академии архитектуры и дизайна в Поперинге. В 1854 году отправился в США. С 1863 пять лет жил в Гаване, считался там почётным гражданином и поэтому в Национальном музее искусств в Гаване есть много его картин.
Его кубинские работы были представлены на выставке Матансас в 1881 году, в Гаванском университете в 1940 году, в Национальном Капитолия в Гаване в 1950 году.
В 1868 году Клиневерк получил американское гражданство, но вскоре переехал в Париж, где он жил до 1873 года. Там он написал другие ландшафты на основе его воспоминания об острове Куба. В конце своей жизни он жил в Брюсселе.

[700x258]
[700x282]
[700x465]
[700x305]
[640x423]
[700x294]
На марках:
1. Штурм высоты Хилл. Гибель генерала Варрена.1786. Нью-Хевен. Галерея Йельского университета.
2. Вашингтон перед битвой в Трентоне.1792-94. Нью-Йорк. Метрополитен.
3. Битва в Трентоне. Захват наёмников. 1786-1828. Нью-Хевен. Галерея Йельского университета.
4. Подписание декларации независимости 4 июля 1776 года. 1817. Вашингтон. Капитолий.
5. Капитуляция генерала Джона Бергойна в битве при Саратоге. 1821. Вашингтон. Капитолий.


Джон Трамбалл (1756-1843) - американский живописец, архитектор и писатель, чьи картины основных эпизодов американской войны за независимость являются уникальным свидетельством событий этого конфликта и его участников. Трамбалл был сыном губернатора Коннектикута, Джонатана Трамбалла. В отрочестве он повредил левый глаз, после чего видел фактически на один глаз, сделав из этого вывод, что его мелкомасштабная работа представляется утонченнее, чем крупная. Учился в Гарвардском колледже, а затем преподавал. Во время американской войны за независимость он служил адъютантом генерала Джорджа Вашингтона и получил чин полковника. В 1780 году отправился в Лондон через Францию, однако за повешение агента американцев и британцев майора Джона Андре был заключен в тюрьму и использовал это время для изучения архитектуры. После освобождения вернулся домой, однако к 1784 году снова отправился в Лондон для обучения у художника Бенджамина Уэста. По предложению Уэста и с одобрения Томаса Джефферсона около 1784 года Трамбалл начал работу над выдающейся серией исторических полотен и гравюр, над которой ему суждено было работать от случая к случаю на протяжении всей оставшейся жизни. С 1789 года находился в Соединенных Штатах Америки, однако в 1794 году вернулся в Лондон. В 1817 году получил заказ от конгресса США на создание четырех больших полотен для ротонды Капитолия в Вашингтоне (“Вашингтон уходит в отставку”, “Сдача Корнуоллиса”, “Капитуляция Бергойна” и наиболее известное из всех — “Декларация независимости”; создание серии было завершено в 1824) на основе более мелких оригиналов этих сцен, характеризовавшихся неизмеримо лучшим качеством, которые он написал в 1780 и 1790 годы, в настоящее время находятся в Художественной галерее Йельского университета. В 1831 году Бенджамин Силлиман. профессор Йеля, основал галерею Трамбалла в Йеле, первую художественную галерею в образовательном учреждении в Америке.

[700x248]
На марках:
1. Портрет Джорджа Вашингтона.1795. Вашингтон. Национальная галерея.
2. Портрет Джорджа Вашингтона.1795. Гавана. Национальный музей. Копия картины из Нью-Йоркского собрания Фрик.

Гилберт Чарльз Стюарт (1755-1828) - американский живописец, наряду с Джоном Синглтоном Копли считающийся основоположником американской живописи.
С раннего возраста он проявил склонности к живописи, учился у шотландского художника Космо Александера, и в 1771 году в возрасте 14 лет вместе с ним отправился в Эдинбург, чтобы закончить художественное образование. Однако Александер умер на следующий год, и после короткой безуспешной попытки зарабатывать себе на жизнь живописью Стюарт вернулся в Ньюпорт.
Так как перспективы образования в Америке представлялись неблагоприятными из-за войны, а семья Стюарта эмигрировала в Новую Шотландию, в 1775 году он отправился в Англию. В скором времени он начал учиться у Бенджамина Уэста, и уже в 1777 году выставлялся в Королевской Академии художеств. В дальнейшем его карьера развивалась очень успешно.
В 1795 году он переехал в пригород Филадельфии, где открыл мастерскую. Там он не только мог заниматься живописью, но и имел возможность познакомиться с многими знаменитостями. Так, Стюарт выполнил несколько портретов Джорджа Вашингтона.
В 1803 году Стюарт открыл ателье в Вашингтоне, а в 1805 году в связи с финансовыми трудностями переехал в Бостон. Стюарт умер в Бостоне в возрасте 72 лет. Из-за долгов его жена и дочери не смогли купить ему место на кладбище, и Стюарт был похоронен в Бостон Коммон в общей могиле. Через десять лет семья оправилась от финансовых потрясений и планировала перенести останки художника в Ньюпорт, но не смогла идентифицировать их.

[700x270]
[700x273]
На марках:
1. Портрет Джорджа Вашингтона.1777. Нью-Йорк. Метрополитен.
2. Портрет Бенжамина Франклина. 1789. Филадельфия. Культурно-историческое общество Пенсильвании.
3. Портрет адмирала Джона Пола Джонса. 1781-1784. (Во время службы на российском флоте значился как Павел Джонес)

Свою карьеру в искусстве начал, обменяв седло на несколько уроков живописи у Джона Хесселиуса. Интерес Пила к искусству возрос еще более, когда он начал пользоваться советами известного портретиста Дж.С. Копли. Вскоре у Пила появились покровители, которые в 1766 г. отправили его в Лондон, где он три года проучился у Б. Уэста. Вернувшись на родину, Пил становится самым модным портретистом центральных колоний. Переехав в 1775 г. в Филадельфию, он принял активное участие в революционном движении. В 1782 г. открыл галерею Героев революции, а в 1786 г. основал так называемый Музей Пила (ныне Филадельфийский музей), целью которого было изучение естествознания, а также экспонирование технологических объектов и объектов, относящихся к естественной истории.

На марке: Автопортрет.1776. Вашингтон. Национальная галерея.

Бенджамин Уэст (1738, Спрингфилд, Пенсильвания - 1820, Лондон) - англо-американский художник, известный своими крупномасштабными историческими полотнами.
Родился в Спрингфилде в семье трактирщика, был десятым ребёнком в семье. В живописи Уэст был самоучкой.
В 1746—1759 годах работал в Пенсильвании, рисуя по большей части портреты. В 1756 году Уэст отправился в Филадельфию для обучения живописи.
Он был близким другом Бенджамина Франклина, написал его портрет. Франклин был крёстным отцом второго сын Уэста, Бенджамина.
В 1763 году переехал в Англию, где поступил на службу к королю Георгу III, писал портреты членов королевской семьи, создал два портрета самого короля. В Лондоне он подружился с известным английским живописцем Джошуа Рейнолдсом, вместе с ним участвовал в создании Королевской Академии художеств, основанной в 1768 году.
В 1772 году Георг III назначил Уэста историческим живописцем при дворе (занимал должность до 1801 года). С 1791 года и до самой смерти был инспектором картин в коллекции короля. После смерти Рейнолдса в 1792 году стал вторым президентом Академии художеств, занимал этот пост до 1805 года.
Среди учеников Уэста — американские художники Вашингтон Олстон, Гилберт Стюарт, Чарльз Уиллсон-Пил, Джон Синглтон Копли, Чарльз Бёрд Кинг.
[700x308]

[700x253]
[640x506]
[700x266]
На марках:
1. Семья Копли.1776-77.(На 2-х марках фрагмент картины - Элизабет Кларк). Вашингтон. Национальная галерея.
2. Портрет Джона Хангхока.
3. Рождество.1776. Бостон. Музей изящных искусств.

Джон Синглтон Копли (1738, Бостон -1815, Лондон) - американский и английский художник XVIII века, мастер портретной и исторической живописи.
Родился в Бостоне. Его отчим сам был художником, и в дальнейшем помогал своему пасынку советами. Однако в основном свой художественный талант Копли оттачивал самостоятельно. Копли стал одним из лучших американским портретистов своего времени.
В 1774 г., в преддверии войны за независимость США и ввиду неспокойной политической обстановки, Копли покидает Америку, и через некоторое время вместе с семьёй оседает в Лондоне. В Лондоне Копли близко сошёлся с живописцем Б. Уэстом, своим соотечественником, прибывшим в Англию на одиннадцать лет раньше и к тому времени уже снискавшим признание публики. Под влиянием Уэста Копли обращается к историческому жанру.
В 1799 г. Копли становится членом Королевской Академии художеств.