[700x234]
[700x225]
[700x240]
[700x224]
[700x232]
[700x221]

Не только в СССР, но и в других странах выпускались марки, посвящённые Ленину. В странах соцлагеря, как и в СССР, это носило обязательный характер. Другие страны - это, в основном, мусульманские страны. С развалом СССР выпуск таких марок практически прекратился.

Cоциологи пришли к выводу, что личность Владимира Ульянова за последние 15 лет стала для россиян менее значимой, однако отношение к нему – более позитивным. Как показывают исследования, 39% считают, что о Ленине спустя полвека никто, кроме историков, не вспомнит. 27% респондентов уверены, что в будущем о нём будут вспоминать как об основателе советского государства, а 19% думают, что Ильич останется для россиян вождём, для которого на первом месте стояли интересы трудящихся. Как о жёстоком диктаторе, о Ленине отозвались не более 12% опрошенных.

"Вы не должны думать, что значение Ленина, величайшее значение Ленина — дело прошлого, потому что Ленин умер. Мы должны смотреть в будущее. Каково же его значение для будущего? Так вот, значение это заключается в следующем. Если эксперимент, который предпринял Ленин, который он возглавил и представителем которого он для нас является, — если этот эксперимент в области общественного устройства не удастся, тогда цивилизация потерпит крах, как потерпели крах многие цивилизации, предшествовавшие нашей". /Английский писатель Бернард Шоу/

В течение почти двух десятилетий официальная культура в России стремилась разоблачить и уничтожить миф о Ленине почти с таким же рвением, с каким в советскую эпоху этот миф насаждала. Однако Ленин по-прежнему остаётся одним из наиболее популярных героев российской истории, и не только среди левых.
Ленин давно перестал быть тем реальным человеком, которым он был когда-то, со всеми своими привычками, особенностями характера, манерой общения. Он стал символом. Особенно в низовой массе людей. Раньше в каждой деревенской избе стояла богоматерь и государь император с наследником. А потом, читаешь мемуары Горбачева, у него там, в деревне, могла быть богоматерь сверху, а рядом Маркс-Энгельс-Ленин. Так Ленин-легенда оторвался от реального Ленина.
[700x233]
[700x240]
[700x199]
[700x240]
[700x255]
[700x267]

[700x246]
[448x515]
В творчестве Серова идеологически выдержанная историко-революционная тема — ведущая и основная. Художник настойчиво стремился к созданию высокоидейной картины с дидактической наглядностью изображения и этим продолжал развивать принципы социалистического реализма. Всю жизнь Серов был верным слугой и стражем официального идеологического искусства. Именно он натравливал Хрущёва на тех художников, кто не хотел и не мог подчиниться диктату соцреализма.
Нескончаемый ряд полотен художника воплощает идею единства вождя и народа. В своих картинах Серов неустанно воспевал Ленина. Эта картина не является исключением. Картина не имеет конкретной исторической основы. По сути это плакат. Ленин с группой трудящихся стремительно движется вперёд (надо полагать к коммунизму). У всех сосредоточенные лица. Очень внимательно слушают что по ходу говорит Ильич.

[700x268]
[700x356]
Эту картину можно считать продолжением картины "Ленин провозглашает советскую власть" 1947 года. Образ Ленина, некоторые другие персонажи и зал почти скопированы с предыдущей картины. В первоначальном виде на картине также присутствовал Сталин. В последствии прямо в музее Серов частично переписал её. В своё время Сталин убирал не только из жизни, но и из картин и фотографий своих бывших соратников. Потом пришла и его очередь. Вот так проходила десталинизация.
Картина находилась в Центральном музее В.И. Ленина. Более полувека этот музей культивировал приверженность делу Ленина и Сталина – исторических деятелей, олицетворявших политику правящей Коммунистической партии. Это и предопределило его судьбу в постсоветской России - в ноябре 1993 года он был закрыт, а картина перекочевала в Государственный Исторический музей, где она уже является одним из экспонатов, показывающим как культивировался культ вождя.
Хорошо ещё, что картина не уплыла за бесценок за границу, а осталась как свидетель ушедшей эпохи в своей стране.

[700x255]
[700x77]
[700x249]
[700x254]
[700x77]
[700x481]
Картина "В. И. Ленин провозглашает Советскую власть", за которую художник был удостоен Государственной премии СССР, является хрестоматийным образцом официального соцреализма. В ней изображён залитый светом Актовый зал Смольного в ночь с 7 на 8 ноября 1917 г., когда в нем заседал II Всероссийский съезд Советов. Вождь с трибуны возвещает народу о торжестве социалистической революции. Его речь находит горячий отклик в сердцах рабочих, солдат, матросов, крестьян, заполнивших актовый зал Смольного. Ленин показан в волевом порыве, его крепкая фигура устремлена вперед, во всем облике чувствуется непреодолимая сила, торжество справедливой победы революции. Картина передает великое единство вождя пролетарской революции и народных масс, нерасторжимую связь партии и народа. На полотне показана только часть ярко освещенного зала Смольного, но кажется, что Ленина слушает весь восставший народ. И в этом - широкое звучание образа, доносящего до зрителя все величие исторического момента.
Известны три авторских варианта этого полотна. Первоначально сюжет картины "Ленин провозглашает Советскую власть" в 1947 году был таким: лидер большевиков в Смольном зачитывает первые декреты советской власти делегатам второго Всероссийского съезда Советов рабочих и солдатских депутатов. За спиной Владимира Ильича были изображены советские руководители Иосиф Сталин, Феликс Дзержинский и Яков Свердлов. В 1948 году Владимира Серова за эту работу наградили Сталинской премией. Первый вариант картины был подарен советскими чиновниками Мао Цзэдуну, и в настоящий момент его местонахождение неизвестно.
После смерти Сталина и развенчания культа его личности Серов создал новую версию знаменитой сцены с Лениным. Он заменил опальных вождей на представителей трудового народа. В такой версии автор написал два полотна. Одно из них, созданное в 1955 году, направили в Музей города Жуковского. Картина в неразберихе 90-ых годов прошлого столетия "уплыла" за границу. В 1962 году Серов "продублировал" этот вариант картины, и ее сохранили в Государственной Третьяковской галерее.
Картина эта ценна как из-за бесспорного таланта художника, так и в качестве яркого, даже хрестоматийного, образца изображения исторических событий в соответствии с догматами соцреализма.

[700x300]
[700x286]
[700x76]
[700x693]
Будучи официозным советским художником, Серов неоднократно писал картины, изображающие В.И. Ленина. Во всех этих полотнах художник воплощал демагогическую идею единства вождя и народа. На этой очень известной картине В.И. Ленин изображён в своем кабинете в Смольном беседующим с группой пришедших к нему крестьян-бедняков. Он внимательно слушает пожилого крестьянина, говорящего о насущных нуждах деревни и характерным жестом руки поясняющего свои мысли. В картине показана сердечная теплота и искренняя задушевность отношения В.И. Леина к крестьянам.
Здесь Ленин не столько похож на самого себя и свои фотографии последних лет, сколько на Бориса Васильевича Щукина — народного артиста СССР, первым воссоздавшего в кино образ главы советского государства, заботящегося о нуждах простых людей. За это произведение Серов получил еще одну Государственную премию.

Картина породила целую серию анекдотов:

Приходят ходоки к Ленину. Ильич встречает их, усаживает. Ленин: "Мужики, какие проблемы, какие трудности!" Ходоки:"Владимир Ильич, есть вообще нечего. Сено едим, так и замычать недолго!" Ленин:"Ничего, мужики! Я сегодня с утра баночку меда навернул, и не жужжу!!!"

Наденька, там на полке, за пятым томиком Маркса, бутылка водки! - Нет ее там. - Надюша, ищи получше!! - Так ведь нету. - Чтоб ноги этих ходоков в моей квагтиге больше не было!

Пришли к Ленину ходоки: - Владимир Ильич! Что же это такое: у нас в деревне есть нечего, а товарищ Дзержинский у себя в кабинете икру ложками ест! Мы попросили нас угостить - а он нас на х.. послал... - Добгейшей души человек... А ведь мог и гасстгелять.

Владимир Ильич приходит домой: - Что так воняет, Надюша? Опять были товагищи из села?

[700x264]
[500x650]
Картина «Возвращение» сегодня размещена в учебниках живописи во всем мире, в свое время была выдвинута на соискание Сталинской премии, но Сталину не понравилось, что солдат на картине изображен со спины.
До этого полотна в советском искусстве, пожалуй, еще не возникало произведения, в котором глубоко личные чувства раскрывались бы с такой силой и выразительностью. Встреча близких людей после мучительно долгих дней разлуки воспринимается в картине Костецкого не как мимолетный эпизод, а как значительное событие, кладущее конец тяжкому, трагическому времени одиночества, тревоги, лишений. В сущности, художник решает здесь тему победы, но решение это переведено в план нравственной проблематики, что и делает полотно Костецкого ярким и примечательным явлением в советском искусстве послевоенных лет.
Особо выразительно художник отобразил чувства мальчика. Он сам пережил подобную драматическую ситуацию, когда из 10-летнего пребывания в эмиграции возвратился его отец - известный учёный. При этом художник сознательно не показал лицо солдата и его жены, глубину чувств которых зритель должен домыслить сам.

[700x361]
[700x365]
Настоящей жемчужиной пейзажного жанра явилась созданная им картина «На пашне» – полотно, которое стало одним из живописных символов России. Здесь мы видим незамысловатый мотив – небо, земля, знойный летний полдень, крестьянка на минутку оторвалась от пахоты, чтобы взглянуть на бричку, мчащуюся по дороге. Но в этом незатейливом мотиве художник поднимается до головокружительных обобщений, до символа бесконечно обновляющейся жизни. Народ, земля – вот, по Клодту, основа и суть российского бытия.
Картина «На пашне» занимает центральное место в творчестве художника Михаила Клодта. Картина растиражирована в десятках тысяч экземпляров – открыток, репродукций, календарей. Трижды М.К. Клодт повторял свое полотно для музеев России. А оригинал уже более ста лет находится в постоянной экспозиции Третьяковской галереи. Картина, кстати сказать, была куплена П.М. Третьяковым прямо с выставки.
Картина "На пашне", представленная на I Передвижной выставке, вызывает невольные ассоциации со знаменитым полотном А.Г.Венецианова. Однако образ природы в ней приобрёл невиданную ранее эпическую широту не только по содержанию, но и по выразительным средствам. Вытянутый по горизонтали формат, снижение линии горизонта, мерный ритм удаляющихся от зрителя полос распаханной земли позволили художнику создать впечатление панорамного изображения с беспредельным пространством. Художнику удалось тонко передать ощущение теплого весеннего дня, пронизанного ярким солнечным светом. С Венециановым роднит его лишь ощущение радости крестьянского труда, плодовитой щедрости природы.

[700x287]
[700x408]
На картине изображён тяжёлый труд работников (скорее всего, недавних крестьян), занятых на перевозке земли и камней при ремонте железной дороги. Они измучены изнурительной работой, за которой наблюдает изображённый на заднем плане надсмотрщик — возможно, подрядчик, представляющий из себя новый вид эксплуататора.
Выразительны образы работников на переднем плане центральной части картины — богатырского вида тачечник с белой повязкой на голове; за ним погружённый в свои мысли угрюмый работник с усами и тёмными волосами, свесившимися на лоб; ещё дальше — совсем молодой тачечник, из последних сил удерживающий свою тачку. Чтобы тачки не упали на землю, они поддерживаются ремнями, надетыми на плечи работников. О тяжести груза свидетельствует изображённая в правой части картины сломанная тачка.
Замысел картины родился у Савицкого летом 1873 года, которое он проводил вместе с художниками Иваном Шишкиным и Иваном Крамским в Тульской губернии. Они жили недалеко от станции Козлова Засека, где Савицкий наблюдал за работой по прокладке железнодорожных путей. Он целыми днями находился у железной дороги и писал этюды для будущей картины.
Картина «Ремонтные работы на железной дороге» была представлена в 1874 году на 3-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок («передвижников») и произвела там хорошее впечатление. Её приобрёл для своей галереи Павел Третьяков. На полученные от продажи картины деньги Савицкий смог организовать свою поездку во Францию.
В 1878 году картина была представлена на Всемирной выставке в Париже и была положительно встречена критиками.

[700x358]
[700x474]
Среди всех произведений художника наиболее широкой известностью пользуется картина "Утро в сосновом лесу". Занимательный жанровый мотив, введенный в картину, во многом способствовал её популярности, но истинной ценностью произведения явилось прекрасно выраженное состояние природы. Это не просто глухой сосновый лес, а именно утро в лесу с его еще не рассеявшимся туманом, с легко порозовевшими вершинами громадных сосен, холодными тенями в чащах. Чувствуется глубина оврага, глушь. Присутствие медвежьего семейства, расположившегося на краю этого оврага, порождает у зрителя ощущение отдаленности и глухости дикого леса.
Замысел картины "Утро в сосновом лесу" был подсказан Шишкину Савицким, который выступил в роли соавтора и изобразил фигуры медвежат. Животные получились у Савицкого столь удачно, что он даже расписался на картине вместе с Шишкиным. Однако, когда картину приобрел Третьяков, он снял подпись Савицкого, оставив авторство за Шишкиным, ведь в картине, говорил Третьяков, «начиная от замысла и кончая исполнением, всё говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину». Хотя существует и другая версия исчезновения подписи Савицкого под картиной. Если брать ее за правду, Савицкий сам пришел к Третьякову с просьбой снять с картины инициалы автора мишек.
Картина пользуется популярностью благодаря композиционному включению в пейзажное полотно элементов анималистической сюжетности. Картина детально передает состояние природы, увиденное художником на острове Городомля. Показан не глухой дремучий лес, а солнечный свет, пробивающийся сквозь колонны высоких деревьев. Чувствуется глубина оврагов, мощь вековых деревьев, солнечный свет как бы робко заглядывает в этот дремучий лес. Чувствуют приближение утра резвящиеся медвежата.
Кстати, мишки появились на картине чуть позже. Шишкин показал Савицкому законченный пейзаж и посетовал на то, что картине не хватает динамики. А Савицкий, дескать, предложил свою помощь в написании какой-нибудь лесной живности, которую великий Шишкин, к сожалению, писать не любил. Так, совместными усилиями, появилась одно из самых известных русских художественных полотен.

Эта картина экспонировалась на VI передвижной выставке, прошедшей в 1878 году в помещении Общества поощрения художеств. Тему для этого произведения — как и для многих других своих картин — Шишкин нашёл на родине, во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью.
Величаво, просторно раскинулась нива спеющих хлебов, и среди этого океана золотой ржи, словно сторожа русского богатства, встали великаны-сосны, вознеся свои гордые вершины к самому небу.Громады кучевых облаков тяжело нависают над рожью, они грозят близким ливнем — очистительным и благодатным. Тишина и безветрие, будто разлитые по пространству картины и почти физически ощущаемые, — тоже знак близкой грозы, необходимой земле для того, чтобы отдать возделывающему ее человеку свои дары.
Просёлок, полузаросший травой и цветами, словно приглашает путника пройти по нему, маня счастливыми открытиями и обещая увести в даль светлую.
На заднем плане картины могучая сосна. Это дерево — символ всего шишкинского творчества. Неизбывно влюбленный в русский лес, он выписывает её нежно и подробно — с её клонящимися от тяжести вниз ветвями, с её причудливо искривленным стволом, придающим дереву дополнительное очарование, с её гордо вознесенной в самую высь верхушкой.
Единственная деталь, навевающая неотчетливую тревогу, — погибшее дерево. Возможно, она внесена в композицию для усиления её реалистичного звучания и является результатом пленэрных штудий. Другое предположение: засохшая сосна выступает здесь эхом недавних переживаний автора, в одночасье потерявшего любимую жену, отца, двух малолетних сыновей.
[700x357]
[700x477]

[700x365]
[700x467]
1870 год был самым тяжелым в личной жизни Перова: за один год у него умерла жена и двое старших детей, остался один младший сын. Смириться с этим было невозможно. Боль утраты лишала художника сил, он терял веру в жизнь. Спасали только друзья, природа и редкие светлые воспоминания. Осенью 1870 года, гуляя по лесу со своим другом художником Прянишниковым, Василий Перов увидел старика, лежащего на земле, который потихоньку свистел в дудочку, заманивая птичку, а рядом с ним мальчишка. На Руси птиц часто ловили в это время, чтобы зимой они услаждали слух своим пением слух, а на Благовещение пичужек выпускали на свободу.
Возвратившись домой, Перов принялся за написание «Птицелова». Картина Птицелов получилась душевной и бесхитростной. Последние сумеречные осенние денечки, ветер, налетая порывами, срывает уцелевшие на ветках побуревшие листочки. Но сквозь многолетние уже обнаженные стволы пробивается утреннее солнышко, озаряя своими золотистыми лучами маленькую полянку и птицеловов.
Отставной солдат, служащий лакеем в помещичьей усадьбе, лежит у дерева, а сосредоточенно наблюдающий за птичкой опрятно одетый мальчик, возможно сынок небогатого помещика, сидит рядом. Старик терпеливо ждет, заманивая птицу в силок, посвистывая в дудочку. Он обещал поймать птаху для ребенка, и мальчик напряженно следит за поведением пичужки, стараясь ничего не упустить из вида, держа наготове клетку.
Фон картины написан Алексеем Кондратьевичем Саврасовым. Это немного мрачная лесная даль, расплывающаяся в мареве солнечных лучей.
Лица у персонажей картины настолько живые, а их мимика так реалистична, что представляешь, как спустя несколько минут птицеловы, поймав птичку, поднимутся и пойдут домой. Глядя на персонажей картины, зритель, как бы представляет, что знаком с ними и невольно сопереживает им, погружаясь в созданный живописцем мир.
За «Птицелова» Василий Перов был удостоен звания профессора.

[700x237]
[700x455]
Картина была написана Перовым в поздний период его творчества. К этому времени художник уже отошёл от изображения печальных картин народной жизни, какими была насыщена первая половина периода его творчества («Тройка», «Проводы покойника» и др.). Крушение идеалов 1860-х годов, глубокое разочарование, переживаемой значительной частью передовой интеллигенции, не миновали и Перова. С другой стороны, после трагической гибели почти всей семьи – жены и детей от эпидемии в 1869 - 1870 годах, он, судя по всему, стал по-новому смотреть на жизнь, начал обращаться к сюжетам, в которых главным героем стал простой, незаметный человек, его увлечения и радости.
Василий Григорьевич Перов был страстным охотником. Именно поэтому тема охоты была ему хорошо знакома. Ещё до «Охотников…» Перов в 1870 году пишет картину «Птицелов», за которую получает звание профессора, а также место преподавателя в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В течение 70-х годов художник также создает еще несколько картин, посвященных «охотничьей тематике».
На картине изображены три охотника, которые ведут между собой разговор. Главной чертой картины являются психологические портреты героев: один из них (слева) — пожилой, опытный охотник, видимо, из оскудевших дворян с увлечением и страстью рассказывающий о своих охотничьих «подвигах», второй (на втором плане) — средних лет, в русской крестьянской одежде, недоверчиво и с ухмылкой слушающий охотничьи байки своего собеседника, третий же (справа) — одетый «с иголочки» доверчивый молодой новичок, с трепетом выслушивающий россказни первого охотника, настолько заморочившими его, что он даже забывает зажечь папиросу в правой руке заготовленным в левой огоньком.
Вся эта сцена происходит на фоне довольно мрачного осеннего пейзажа, что вносит тревожный оттенок в её комическое содержание. Любопытно также и сочетание в картине и жанровой бытовой картины, и пейзажа, и натюрморта из охотничьих вещей и дичи.
Оценки критиков были неоднозначны. Так, если Стасов высоко оценивал картину и сравнивал её с охотничьими рассказами Тургенева, то Салтыков-Щедрин критиковал её: писателю показались излишне наигранными лица героев.

[700x257]
[461x600]
Эта картина - самое известное произведение Саврасова. Этюды к ней были написаны в селе Молвитино (c 1939 года Сусанино) Костромской губернии. На ней изображена Воскресенская церковь, сохранившаяся до наших дней (сейчас в церкви — музей Ивана Сусанина). Доработка картины происходила в Москве, в мастерской художника. В конце 1871 года картина «Грачи прилетели» впервые предстала перед публикой на первой выставке Товарищества передвижных художественных выставок. «Грачи» стали открытием в живописи.
На окраине маленького селения возвышается небольшая шатровая колоколенка. К светло-голубому с высокими облаками небу тянутся еще голые, но уже забродившие соками ветки берез. На них с шумом и граем опускается стая грачей. Лёд на пруду растаял, да и снег потерял уже свою зимнюю чистоту и пышность. На глазах у зрителей происходило величайшее чудо рождения весны. "Грачи прилетели" назвал свою картину Алексей Кондратьевич Саврасов, и уже в названии содержится определенное отношение художника к природе. Знакомая всем с детства картина представляется сейчас одним из символов русского пейзажа, постоянно любимых народом верной и преданной любовью. В ней, такой простой и внешне безыскусной, было пронзительно воплощено свойственное русскому человеку лирическое чувство, поэтому картину сразу и восприняли как олицетворение русской природы, всей деревенской России. Пруд и берёзы, деревенские дома и церковка, потемневшие весенние поля - все обжито и согрето сердечным теплом.

[700x352]
[642x700]
Савицкий сумел ощутить потребность народа увидеть себя в зеркале образа величественного, монументального и, одновременно, земного. В образе, который воплощал бы мужество и жертвенность, но при этом не оскорблял глаз натуралистическим изображением страданий. Более того — художник сумел сделать нечто для середины 60-х невозможное: соединить религиозную традицию с идеологией атеистического государства. «Партизанская» в том контексте — это из советского лексикона, а «мадонна» — христианский знак.
Молодая мать с младенцем на руках, горестное лицо старой женщины, прощальный взгляд уезжающего в бой партизана - все здесь исполнено драматизма, дыхания грозной силы войны. Но с этой безжалостной силой как бы диссонирует задумчиво устремленный вдаль взгляд молодой матери, более всех рискующей в атмосфере опасности и менее всех защищенной от нее. В этом страдальческом взгляде, однако, великая материнская любовь и надежда, которых не в состоянии лишить ее даже такая жестокая сила, какой была минувшая война.
Лирическая проникновенность «Партизанской мадонны» зиждется на переосмыслении иконографического типа древнерусских образов. В самой пластической организации полотна используется древнерусская традиция, и, особенно, - композиционная система К. Петрова-Водкина. Это проявляется и в подчинении изображения «сферической перспективе», и в граненом, складчатом характере поверхностей, и в открытом воздействии звучных локальных пятен цвета, и в самой трактовке женского облика.
Фантастический успех «Партизанской мадонны» на Всесоюзной выставке в Москве (картину приобрела Третьяковская галерея) в Беларуси прозвучал громом среди ясного неба. Стало очевидно, что старшему поколению придется потесниться, что в белорусском искусстве выявился новый лидер. Власть (пусть даже в такой специфической сфере, как искусство) даром не отдают. Завистники пытались дискредитировать Савицкого, обвинив его в плагиате, и формально они были правы. Отдельные фрагменты картины можно при желании трактовать как «одолженные» у классиков ХХ века или даже списанные с известных фотографий, но в концептуальном плане (а это главное!) «Партизанская мадонна» абсолютно оригинальна. К слову, лет через 20 в практике «постмодернизма» заимствование, цитирование уже трактуются как вполне законные деяния, как творческий метод — так что Савицкий вроде как смотрел в будущее... В общем, художник отбился от наскоков недоброжелателей. И, как говорится, «начал быть». Даже каламбур родился «Вот и пришла САВИЦКАЯ власть...»
"Партизанская мадонна" экспонировалась на многих международных выставках - в Италии, Канаде, Англии, Венгрии, Германии, Румынии, Японии, Монголии.

[700x251]
[700x498]
Большую часть своей жизни Иван Фомич Хруцкий провёл в своём имении Захарничи под Полоцком, где с большим усердием и умилением писал знаменитые натюрморты с цветами и овощами, портреты своих детей и близких людей, выполнял многочисленные заказы.
У Хруцкого часто натюрморт и пейзаж служил фоном в портретах и жанровых полуфигурах художника. Так, в наиболее значительной его работе 1830-х годов — «Портрет жены с цветами и фруктами» — молодая женщина изображена у стола, заставленного корзинами с плодами, графином с водой и букетом в керамической вазе. Фоном для всей сцены служит осенний пейзаж, решённый в багряных тонах. Подобная композиция, представляющая собой некий синтез жанрового портрета, натюрморта и пейзажа, появилась у Хруцкого как дань романтизму.
Очаровательных женских портретов у Хруцкого множество. Но до сих пор остается загадкой - кто эти женщины. Многие искусствоведы недоумевают, отчего ни на одном полотне художник не запечатлел свою жену, хотя писал всех родственников.- Но задолго до женитьбы он писал все время одну и ту же женщину, которую мы хорошо знаем по картине «Неизвестная (жена) с цветами и фруктами». Есть она на его полотнах маленькой девочкой, взрослой, беременной, постаревшей. В семье потомков Хруцких живет легенда, что это все-таки его жена, которую он знал еще 8-летней девочкой, а когда построил имение, женился на ней. Предполагают, что «Неизвестная» - его младшая сестра. И все девочки-женщины на его полотнах в образах «прекрасных садовниц» - его сестры. Ведь они похожи друг на друга.
Иван Фомич с 1845 года был женат на польке Анне Ксаверьевне Одровонж-Бебновской (1822-?), дочери капитана костюшкинской армии. Супруга Хруцкого по одной из версий изображена на полотне художника «Портрет неизвестной (жены) с цветами и фруктами». Анна Ксаверьевна пережила мужа на несколько лет, но точный год её смерти неизвестен.

[700x304]
[700x466]
Замысел картины Непринцеву подсказали личные наблюдения и переживания военных лет, а также знаменитая поэма А. Твардовского «Василий Тёркин». После начала войны художник добровольцем ушёл на фронт, служил в истребительном батальоне и действующих частях Краснознамённого Балтийского флота, участвовал в обороне Ленинграда.
Работа над картиной продолжалась с 1949 по 1951 год и увенчалась большим успехом автора. Показанная на Всесоюзной художественной выставке в Москве, картина получила высокую оценку зрителей и специалистов. В 1952 году за картину «Отдых после боя» Юрий Непринцев был удостоен Сталинской премии первой степени. Миллионами репродукций картина разошлась по всей стране, что сделало её одним из самых известных произведений советского изобразительного искусства.
Оригинал картины «Отдых после боя» был подарен руководителю КНР Мао Цзэдуну. В 1953 году Юрий Непринцев пишет вторую авторскую версию картины для Георгиевского зала московского Кремля, а в 1955 году — третью версию для Государственной Третьяковской галереи. Картина вошла в «золотой фонд» отечественной живописи как одно из лучших воплощений образа советского человека. Для Непринцева картина стала вершиной творчества, хотя в последующие годы им будет создано немало живописных и графических работ, в том числе и на темы Великой Отечественной войны.
Картина Непринцева «Отдых после боя» , перекликается с поэмой «Василий Тёркин» А. Т. Твардовского:
Привалясь к стволу сосны,
Не щадя махорки,
На войне насчет войны
Вёл беседу Тёркин.
Балагуру смотрят в рот,
Слово ловят жадно
Хорошо, когда кто врёт
Весело и складно.
Центр картины, занятый бойцами, выделяет ярко-красный кисет в руках рассказчика. Боец что-то весело говорит присутствующим. Вспоминаются «политбеседы» Тёркина – «не унывай» , когда он балагурил, поднимая дух бойцов. Серьёзный рассказчик веселит окружающих шуткой. Это прекрасно видно на картине Непринцева.
Вероятно, солдаты только что вышли из боя: один проголодался и что-то ест, другие курят или просто молча слушают, думая о своем. Война – страшная вещь, но постоянно горевать нельзя и на фронте, слишком тяжело на сердце. Драматичные события, ежедневные потери трудно переживались людьми. И когда выпадали недолгие минуты отдыха, люди могли успокоиться, порадоваться тому, что остались живы, вернули очередную пядь своей земли.

[700x205]
[700x370]
На картине показано ожидание битвы, последние минуты затишья перед бурей, нарастающее напряжение перед битвой. Русское войско стоит среди поля неподвижно и молчаливо. От фигуры к фигуре нарастает движение, оно сдержанно и выразительно. Взоры направлены к врагу, и эта устремлённость подчёркивается и усиливается жестом Дмитрия Донского, указывающего мечом в сторону татарских полчищ.
Художник осуществил свой замысел, используя лучшие традиционные приёмы реалистической живописи. Он прекрасно передал саму атмосферу события. Показал этих могучих людей в боевых доспехах, как бы вросших в родную землю, — всю в буйном цветении трав. У каждого воина свой характер, свой возраст, облик, оружие. И каждый по-своему напряжён, готовый на смерть и на славу. Не «поскупился» художник и на краски, живописуя кольчуги, шеломы, звериные шкуры, посконные рубахи и червлёные щиты. И картина зазвучала многоголосым народным хором.
Композиция полотна построена с расчетом подчеркнуть сплоченность и монолитность русской рати. Фигуры воинов словно выросли из земли, покрытой густыми, нехожеными травами; этих людей не сдвинешь назад, не потеснишь. Но это не значит, что композиция статична. В вытянутом мече Дмитрия Донского , в фигуре воина, наклонившегося вперед и приподнимающего щит с земли, в копьях, взятых наперевес,– во всем этом выражено движение, которое замыкается спокойной, могучей фигурой воина с топором. Часть фигур срезана рамой картины. Войско как бы бесконечно продолжается за пределами полотна. Ряды воинов сомкнуты. Одна фигура теснит другую, дальше видны новые и новые лица, словно огромная мощная лавина надвигается из глубины.
За эту картину Бубнову присуждена Государственная (Сталинская) премия.

[700x294]
[475x700]
«Родина-мать зовёт!» — знаменитый плакат времён Великой Отечественной войны.Работу над ним художник начал в момент сообщения Совинформбюро 22 июня 1941г. А в середине июля- плакат был известен уже всей стране.
Позировала для образа Родины-матери жена художника, Тамара Теодоровна, в жилах которой, по словам сына, «текла испанская, немецкая, польская и еврейская кровь».
Сын Ираклия Моисеевича вспоминает: «Плакат висел на сборных пунктах и вокзалах, на проходных заводов и в воинских эшелонах, на кухнях, в домах и на заборах. Для солдат и офицеров он стал портретом Матери, в котором каждый видел черты дорогого ему лица. Мама рассказывала, что, услышав сообщение Совинформбюро о нападении фашистов, страшно испугалась за детей. От первого брака у нее была 9-летняя дочь Марина, которая жила отдельно со своим отцом. Вбежав к отцу в мастерскую, мама с шумом распахнула дверь, крикнула в отчаянии: «Война!» Видимо, выражение лица у нее было такое, что отец воскликнул: «Стой так и не двигайся!»… Мама стояла у окна и позировала. У нее то и дело затекала поднятая вверх рука".Рукой она как-то растерянно указывала туда, за распахнутую дверь, где из уличного репродуктора только что прозвучало сообщение Совинформбюро о нападении фашистской Германии на СССР. Художник никогда еще не видел Тамару Федоровну в таком состоянии. Через испуг и тревожное смятение на ее лице пробивался немой призыв: «Надо срочно что-то делать!». Бежать, спасать!.
К утру плакат был готов. Через пять дней плакат уже вышел из типографии. Только первый тираж зашкалил за миллион. Образ Родины-матери во многом обобщенный. Маме в 1941 году было 37 лет, но никто ей тогда не давал и 30. Отец состарил ее. В изображенной женщине я разглядел черты и нашей соседки по коммунальной квартире. Отец с мамой были очень скромными людьми. Мама, например, могла одеваться в Париже, но имела весьма скромный гардероб. Отец был лауреатом четырех Сталинских премий всех возможных степеней — в 1941, 1948, 1949 и 1951 годах. В 51-м он стал заслуженным деятелем искусств РСФСР.
Типографии военного времени даже выпустили специальный, «миниатюрный» тираж «Родины-матери». Репродукции размером чуть меньше обычной почтовой открытки хранились у многих фронтовиков. Их носили в нагрудных карманах гимнастерок – рядом с фотографиями дорогих и любимых людей, рядом с партийными и комсомольскими билетами. В Первую мировую войну столь трепетно защитники Отечества относились к другому оберегу – иконке с образом Божьей матери.
Агитационный образ оказался настолько проникновенным и впечатляющим, что стал подлинным шедевром. По уровню воздействия на чувства людей с ним могла сравниться лишь песня «Священная война». И тем, кто этому воздействию подвергался, уже не нужно было на политзанятиях объяснять, как и для чего защищают Родину.
Русская женщина, изображенная на плакате, воплощает не столько страдания родной земли или её силу, сколько призыв к чувству долга советского воина. Обратим внимание на то, что в ее правой руке – текст воинской присяги, в которой сказано о суровой каре для тех, кто нарушает клятву защищать свою Советскую Родину. Иными словами, Родина-Мать в данном случае отделяет настоящих детей от предателей, верных детей от неверных. Этот женский образ значительно отличается от образов современниц с плакатов предвоенной поры, что связано, скорее всего, с тем, что автор стремился показать не классовый, а национальный характер мобилизации, используя символический капитал аналогичных сюжетов графики дореволюционной России.
В книге Виктора Суворова «День „М“» приводятся предположения о том, что этот плакат был создан и размножен ещё до войны. Разослан большим тиражом в секретных пакетах по военным комиссариатам в декабре 1940 г. с указанием вскрыть в день «М». Некоторые устные свидетельства говорят, что плакат появился на улицах городов уже 22 июня 1941 г., что якобы доказывает, что заготовлены и отпечатаны плакаты были значительным тиражом заранее. Тем не менее самый ранний из сигнальных экземпляров, хранящихся в РГБ, датирован 4 июля 1941 г.
Если исходить из основной концепции Виктора Суворова, которая заключается в том, что Сталин готовился первым напасть на Германию, то заготовленный заранее плакат «Родина-мать зовёт!» вполне вписывается в эту концепцию. Ведь главный смысл плаката: Родина-мать зовёт воинов выполнить военную присягу, что относится к любой войне.

[700x211]
[575x700]
Картины Б. В. Иогансона в советской живописи считались образцовыми, идеально соответствующими принципам социалистического реализма. 1928 год был весьма плодотворным для художника. Появились три крупные его работы - "Рабфак идет", "Советский суд" и "Узловая железнодорожная станция в 1919 году". Художник ищет новый социальный типаж.
"Рабфак идет" - поэтически-светлая и яркая картина. В ней художник создал незабываемые образы студентов 20-х годов и раскрыл обобщенный образ молодого человека, рожденного советской эпохой, - ясного в своих стремлениях, жаждущего знаний и отчетливо представляющего себе, как надо напряженно и страстно работать, чтобы построить новый, светлый мир. Устремлённые вперёд фигуры, яркие краски, плывущий мимо городской пейзаж - живописный импрессионизм, поиски в духе ОСТа.
Картина «Рабфак идет» и композиционно, и живописно построена на резких ритмах, динамичных линиях; формы агитплакатов и лапидарность лозунгов первых советских лет образуют стилистическую основу этой удивительно мажорной картины. Радостным чувством освоения не только знаний, но и всей жизни: городов, природы, сферы человеческих отношений,— проникнуты образы молодых людей, вместе, плечом к плечу, идущих в школу, идущих в жизнь.
Сегодня трудно сказать: было ли это на самом деле или плод охваченного революционным порывом состояния самого художника. По крайней мере так нужно было пропаганде того времени.