[670x478]
Искусство кукольников очень старое — в разных странах возникали свои, ставшие затем традиционными, виды кукол и типы представлений.
Среди театров кукол различают три основных типа:
1. Театр верховых кукол (перчаточных, гапитно-тростевых и кукол иных конструкций), управляемых снизу. Актёры-кукловоды в театрах этого типа обычно скрыты от зрителей ширмой, но бывает и так, что они не скрываются и видны зрителям целиком или на половину своего роста.
2. Театр низовых кукол (кукол-марионеток), управляемых сверху с помощью ниток, прутов или проволоками. Актёры-кукловоды в театрах этого типа чаще всего тоже скрыты от зрителей, но не ширмой, а верхней занавеской или падугой. В некоторых случаях актёры-кукловоды, как и в театрах верховых кукол, видны зрителям целиком или на половину своего роста.
3. Театр кукол срединных (не верховых и не низовых) кукол, управляемых на уровне актёров-кукловодов. Срединные куклы бывают объёмными, управляемыми актёрами-кукловодами либо со стороны, либо изнутри кукол больших размеров, внутри которых находится актёр-кукловод. К числу срединных кукол относятся, в частности, куклы Театра теней. В таких театрах актёры-кукловоды не видны зрителям, так как находится за экраном, на который проецируются тени от плоских или не плоских кукол-актёров.

В последнее время всё чаще театр кукол представляет собой сценическое взаимодействие актёров-кукловодов с куклами (актёры «играют в открытую», то есть не скрыты от зрителей ширмой или каким-либо иным объектом). В XX веке начало этому взаимодействию положил С. В. Образцов в эстрадной миниатюре, в которой действовали два персонажа: малыш по имени Тяпа и его отец. Но фактически подобные взаимодействия актёров-кукловодов и кукол-актёров привели к размыванию границ между кукольным и не кукольными видами пространственно — временного искусства. Профессиональные кукольники всё же призывают не злоупотреблять «третьим жанром», а использовать в основном выразительные средства, присущие театру кукол.

[672x474]
[700x282]
Иван Федорович Крузенштерн (Адам Иоганн фон Крузенштерн) (1770-1846) - мореплаватель, адмирал, почетный член Петербургской Академии наук, автор «Атласа Южных морей» и трехтомного труда о путешествиях вокруг света.
Иван Крузенштерн и Юрий Лисянский на кораблях «Надежда» и «Нева» совершили первую русскую кругосветную экспедицию.
Происходил из остзейских дворян. Три года (с двенадцати лет) учился в церковной школе в Ревеле, а затем в Морском кадетском корпусе в Кронштадте.
В мае 1788 года в связи с войной со Швецией досрочно выпущен из корпуса, произведён в мичманы. Сразу после этого отличился в Гогландском сражении (1788), в 1789 году участвовал в Эландском, а в 1790 — в морских боях при Ревеле, Красной Горке и в Выборгской бухте, после чего был произведён в лейтенанты. В 1793 году послан для изучения морского искусства в Англию.
Первая русская кругосветная экспедиция, состоявшая из двух кораблей («Надежда» и «Нева») под командой Крузенштерна, с помощником, капитан-лейтенантом Лисянским, 26 июля (7 августа) 1803 года отплыла из Кронштадта. Экспедиция направилась через Атлантический океан и 20 февраля (3 марта) 1804 года обогнула мыс Горн; из русских и соседних с ними земель на севере Тихого океана она обратила особенное внимание на Камчатку, Курильские острова и Сахалин. В Кронштадт экспедиция вернулась 7 (19) августа 1806 года.
Развивающаяся болезнь глаз и не сложившиеся отношения с морским министром вынудили Крузенштерна просить освобождения от работы; в декабре 1815 он был отправлен в бессрочный отпуск.
В 1827 году Крузенштерн назначен директором морского кадетского корпуса и членом адмиралтейств-совета.
Иван Фёдорович Крузенштерн похоронен в Домском соборе Таллина.

[601x432]
[559x433]
[700x330]
[700x215]
[675x496]
Карл Иванович Росси (1775-1849) - российский архитектор итальянского происхождения, автор многих зданий и архитектурных ансамблей в Санкт-Петербурге и его окрестностях.
Карл Росси вошёл в историю как архитектор, работавший в стиле классицизм. Но это не был сухой казарменный стиль, который был свойственен, к примеру, Джакомо Кваренги. Росси являлся великолепным декоратором. Его умение украшать интерьеры, мебель, декорации прекрасно распространилось и на фасады возводимых им зданий. Особенно это заметно на примере его последних работ. Здания Главного штаба, Сената и Синода стали примером синтеза архитектуры и искусства. При этом, они остаются строениями в стиле классицизм, это отнюдь не барокко. Но богатое украшение фасада лепниной даёт возможность Главному штабу органично соседствовать с абсолютно барочным Зимним дворцом. Карл Росси стал последователем того направления классицизма, который часто называют "русским ампиром".
Родился в Неаполе. С 1787 года вместе с матерью, балериной Гертрудой Росси, и отчимом, выдающимся балетным танцором Шарлем Ле Пиком, жил в России, в Санкт-Петербурге, куда был приглашен его знаменитый отчим. Будучи с детства связанным с миром искусств, Росси обучался у архитектора Винченцо Бренна. В 1795 он поступает на службу в Адмиралтейскую коллегию архитектуры чертёжником. В 1802 году Росси получает заграничную командировку для завершения образования и уезжает на два года в Италию.
В 1815 году Росси возвращается в Санкт-Петербург. К ранним работам Росси в Петербурге и его окрестностях относятся реконструкция Аничкова дворца (1816), ряд павильонов и библиотека в Павловском дворце (1815—1822), Елагин дворец с оранжереей и павильонами (1816—1818).
Главной сферой деятельности Росси стало создание городских архитектурных ансамблей. Во многом благодаря ему Петербург обрёл новое лицо, превратившись в центр гигантской империи, гордой своими победами над Наполеоном.
Выдающееся архитектурное и градостроительное мастерство Росси воплощено в ансамблях Михайловского дворца с прилегающими к нему садом и площадью (1819—1825), Дворцовой площади с грандиозным дугообразным зданием Главного Штаба и триумфальной аркой (1819—1829), Сенатской площади со зданиями Сената и Синода (1829—1834), Александринской площади со зданиями Александринского театра (1827—1832), нового корпуса Императорской публичной библиотеки и двумя однородными протяжёнными корпусами Театральной улицы (ныне улица зодчего Росси).
Войдя в конфликт с окружением Николая I, Росси в 1832 ушел в отставку. Престарелый зодчий, даже ушедши в отставку, не мог не работать. В 1838 году он готовил проект очередного переустройства площади перед Инженерным замком. Это не было реализовано.
Ради обеспечения своим родственникам пенсии 28 октября 1847 года Росси подал прошение на принятие его в российское подданство. Ровно через три месяца оно было получено.
Возобновившуюся практику прервала холера, которая в то время свирепствовала в Петербурге. 5 апреля 1949 года Карл Росси неожиданно заболел, а уже на следующий день его не стало.

[700x279]
[700x233]
[643x458]
[700x277]
«Артек» — международный детский центр в Крыму. Расположен на южном берегу Крыма в посёлке Гурзуф. В прошлом — самый знаменитый пионерский лагерь СССР и визитная карточка Пионерской организации страны. Долгое время служил местом приёма делегаций из социалистических стран, а также глав государств ближнего и дальнего зарубежья.
«Артек» был основан как лагерь-санаторий для детей, страдающих туберкулёзной интоксикацией. Лагерь был открыт 16 июня 1925 года.
Первые артековцы жили в брезентовых палатках. Через два года на берегу были поставлены лёгкие фанерные домики. А в 30-е годы, благодаря построенному в верхнем парке зимнему корпусу, «Артек» постепенно был переведён на круглогодичную работу. В 1936 году в «Артеке» прошла смена пионеров-орденоносцев, награждённых правительственными наградами, а в 1937 году лагерь принял детей из охваченной Гражданской войной Испании.
С начала 60-х годов в лагере производилась реконструкция. К 1969 году в «Артеке» насчитывалось уже 150 зданий, 3 медицинских центра, школа, киностудия «Артекфильм», 3 плавательных бассейна, стадион на 7000 мест и детские площадки для различных нужд.
В советские времена путёвка в «Артек» считалась престижной наградой как для советских детей, так и за рубежом. В пределах одной школы, путёвки удостаивались самые лучшие из пионеров по многочисленным показателям (участие в делах пионерской дружины, поведение, успеваемость и т. п.). В дни расцвета ежегодное количество путёвок в «Артек» составляло 27 000.
До марта 2014 года «Артек» принадлежал Украине. 60 % украинских детей отдыхали на субсидированной основе или бесплатно: дети из семей с низким уровнем доходов, многодетных семей, сироты, инвалиды и одарённые дети. На момент распада СССР «Артек» состоял из 5 лагерей, на сегодняшний день «Артек» состоит из 9 лагерей.
Многие известные артисты, учёные, политики первые шаги к вершинам карьеры сделали в «Артеке». Эстрадный артист Владимир Винокур победил на артековском конкурсе вокалистов (медаль ему вручал Юрий Гагарин). В составе детского хора пела в лагере звезда современной оперной сцены Анна Нетребко, известный журналист Леонид Парфёнов постигал азы будущей профессии во время юнкоровской смены. Экс-депутат Государственной Думы РФ Ирина Хакамада организовала в лагере первую акцию общественного протеста — её отряд, недовольный организацией питания, вместо традиционного пожелания приятного аппетита хором проскандировал на всю столовую «Всем-всем приятно подавиться».

[700x236]
[649x461]
Всероссийская сельскохозяйственная и кустарно-промышленная выставка — выставка в Москве, проходившая в 1923 году. Была первой выставкой такого масштаба, проведённой на территории СССР (России). Предшественница ВСХВ—ВДНХ. В 1921 году X съезд провозгласил Новую экономическую политику. Её суть — допущение рыночных отношений. НЭП рассматривался как временная политика, направленная на создание условий для социализма. Выставка должна была подвести некоторые итоги НЭПа.
Местом для её проведения послужили Воробьёвы горы, территория, на которой сегодня располагаются Парк им. Горького и Нескучный сад.
Выставка открылась на месте, где издавна существовали огороды москвичей, а при советской власти возникла гигантская свалка. В свой последний приезд в Москву, 19 октября 1923, В. И. Ленин осмотрел выставку.
Главным архитектором выставки был академик А. В. Щусев. На Выставке впервые были применены приёмы русского архитектурного авангарда, воплощённого впоследствии в различных капитальных постройках. Одним из самых новаторских на выставке был Павильон «Махорка» построенный по проекту К. С. Мельникова. Большинство строений были деревянными, 1-3 каменными, и одно, единственное сохранившееся было выполнено в монолитном железобетоне. Павильон "машиностроение" Жолтовского находится сейчас в очень плачевном состоянии, поднимался вопрос о его реконструкции.
Кроме российских производителей в выставке участвовало более 600 иностранных фирм. Это выдающееся событие в жизни молодой Советской России преследовало цель показать первые успехи в развитии сельского хозяйства союзных республик.
В разделе "Деревня" было выстроено 10 крестьянских дворов в натуральную величину, представлявших разные районы страны. Они делились на 3 типа: современная деревня (улучшенные дворы-хозяйства), новая деревня и общественные здания.
Первые почтовые марки СССР были выпущены в 1923 году и были посвящены именно открытию Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставке.

Алексей Викторович Щусев (1873-1949) — русский и советский архитектор, академик архитектуры (1910). Академик АН СССР (1943). Лауреат четырёх Сталинских премий.
Родился в Кишинёве в дворянской семье. В 1891-1897 учился в Санкт-Петербурге в Высшем художественном училище Императорской Академии художеств у Л. Н. Бенуа и И. Е. Репина. За дипломный проект был награждён Большой Золотой медалью и правом на заграничную командировку. Посетил Тунис и ряд стран Западной Европы, побывав в Вене, Триесте, Венеции и других городах Италии, а также в Англии, Бельгии и Франции, где в 1898 году посещал парижскую академию Жюлиана.
После окончания Академии художеств Щусев поселился в Петербурге. Из самых ранних его работ надо прежде всего назвать первую строго научную реставрацию. Он воссоздал в 1900-е годы храм Св. Василия в Овруче XII века, за что получил в 1910 году звание академика.
Каждую свою постройку 1900-х — 1910-х годов Щусев рассматривал как творческий манифест. Он стал лидером неорусского стиля (национальной версии модерна). Для его узнаваемого авторского почерка характерны: вольная интерпретация мотивов древнерусского зодчества, динамика форм, часто асимметрично скомпонованных, крупные, доведенные до гротеска детали декора.
Щусев стал победителем заказного конкурса на комплекс зданий Казанского вокзала в Москве и в конце 1911 года его официально утвердили главным архитектором строительства. Казанский вокзал зодчий строил почти 30 лет, начиная с 1913 года. Для этого он перебрался из Петербурга в Москву.
После Октябрьской революции А. В. Щусев оказался в числе самых востребованных архитекторов. В 1918—1923 годы он руководил разработкой генерального плана «Новая Москва». Проект «Новая Москва» был совершенно иной направленности, чем «сталинский» генеральный план реконструкции столицы 1935 года, о котором часто неправильно пишут, как о развитии идей Щусева. Щусев переносил административный центр на петербургское шоссе, а по генплану 1935 года он был принципиально наложен на исторический центр. Щусев был за выявление лучших старинных зданий (его сотрудники обследовали город, работая в комиссии по охране памятников Моссовета), тогда как в ходе реализации генплана 1935 года были снесены многие исторические здания и кварталы. Щусевский план был резко раскритикован в 1924—1925 годах городской администрацией и только строительство мавзолея Ленина позволило зодчему избежать репрессий.
Известнейшим произведением Щусева стал Мавзолей Ленина. Самый первый деревянный мавзолей был возведён под руководством архитектора в считанные часы ко дню похорон В. И. Ленина 27 января 1924 года Уже самое первое сооружение представляло собой кубический объём со ступенчатым завершением. Весной 1924 года Щусев создал вторую версию здания, к которому были пристроены две трибуны. Когда выяснилось, что тело вождя может быть сохранено в течение длительного времени, возникла необходимость в постройке долговременного мавзолея. Конкурс на его строительство выиграл А. В. Щусев и в октябре 1930 года было возведено новое здание из железобетона, облицованное естественным камнем гранитом и лабрадоритом. В его форме можно видеть сплав архитектуры авангарда и декоративных тенденций, ныне называемых стилем ар-деко.
Гостиница «Москва» стала одной из первых больших советских гостиниц. Первоначальный её проект был выполнен архитекторами Л. И. Савельевым и О. А. Стапраном. Однако их концепция не понравилась правительственным чиновникам (или лично Сталину). Щусева пригласили в качестве соавтора, способного спасти проект, находившийся в тот момент на стадии возведения основного каркаса. Проблема была решена добавлением лаконичного декора в виде шестиэтажного восьмиколонного портика, аркад в центре главного фасада, башенок по углам здания. Неявная асимметричность главного фасада гостиницы до сих пор дает повод для пересказа мифа о том, что Сталин якобы подписал проект ровно посередине чертежа, где были совмещены два варианта. На самом деле асимметрия реализованного здания обусловлена непредвиденными техническими проблемами, возникшими во время строительства второй очереди гостиницы.
По проектам мастерской А. В. Щусева были построены Большой Москворецкий мост (инженер, его брат П. В. Щусев), советское посольство в Бухаресте, здание гостиницы «Интурист» в Батуми (1934 год), здание филиала Института марксизма-ленинизма в Тбилиси, начато строительство театр оперы и балета в Ташкенте (закончено в 1947 году).
Одним из последних творений А. В. Щусева стала московская станция метро «Комсомольская-кольцевая», отражающая торжество победы над фашизмом. Это крупномасштабная станция, вписанная в цилиндрический тюбинг самого большого диаметра. К сожалению, достроенный уже после смерти автора подземный вестибюль с мозаичными панно по эскизам П. Д. Корина, был выполнен с несколько утрированным рельефом декора, что не соответствовало проекту Щусева.
Всего по проектам Щусева было построено более 40 важнейших объектов.

Некоторые из объектов, построенных по проектам Читать далее...

[639x452]
Подводный спорт зародился в 20-х годах XX века, когда в связи с изобретением подводных ласт и маски стали активно развиваться подводная охота и ныряние на задержке дыхания (апноэ). С изобретением акваланга интерес к подводному миру во всех странам начал возрастать, что вызвало и новый виток в развитии подводного спорта и появлению новых дисциплин. В СССР подводный спорт активно развивался под эгидой ДОСААФ. В 1959 году в СССР по решению правительства была создана Федерация подводного спорта (ФПС), чтобы представить советский подводный спорт на международной арене. В 1965 году ФПС СССР была принята в члены CMAS. Советские спортсмены успешно выступали на международных соревнованиях и очень быстро выбились в лидеры. СССР удавалось удерживать пальму первенства вплоть до середины 80-х годов XX века. Но политические процессы и начало распада советского государства не могли не сказаться и на состоянии спорта. В 1990-х годах российским спортсменам из-за отсутствия финансирования и централизованной политики не удавалось выступать на крупных международных соревнованиях, но подводный спорт продолжал развиваться силами энтузиастов, в основном в традиционно сильных школах Томска, Новосибирска, Воронежа, Таганрога, Смоленска, Балакова, Тулы, Краснодара.
Скоростное плавание в ластах-это один из подводных видов спорта, заключающийся в преодолении вплавь с моноластой за наименьшее время различных дистанций. Многие считают что на создание моноласта,инженеров вдохновил известный фильм «Человек-амфибия», снятый «Ленфильмом» по ро­ману А. Беляева. Именно специалисты киностудии «Ленфильм» фактически предвосхитили появление моноласта, за­ставив человека,двигаться подобно дельфину.
Открытка с оригинальной маркой посвящена чемпионату Европы по скоростному подводному плаванию, прошедшему в 1972 году в Москве. Спортсмены-подводники сборной СССР на этом чемпионате добились блестящей победы в заплывах в бассейне и на марафонских дистанциях. Они завоевали все 29 золотых медалей, а всего на их счету было 49 медалей всех достоинств из 87 разыгранных. Это был настоящий триумф советского подводного спорта. Советские спортсмены-подводники продолжали доминировать и в последующие годы.

[700x478]
Всесоюзное общество «Знание» — просветительская организация Советского Союза, возникшая в 1947 году.
Объективная необходимость в массовом образовании взрослого населения — «академии миллионов» — была выдана за почин интеллектуальной части общества, поддержанный партией и правительством. Инициаторами выступили хорошо известные в стране писатель Константин Симонов, балерина Галина Уланова, физик Николай Бруевич, геолог Каныш Сатпаев, математик Николай Мусхелишвили, экономист Евгений Варга, историки Евгений Тарле и Исаак Минц и др. во главе с президентом Академии наук СССР Сергеем Вавиловым.
7 июля 1947 года в Большом театре начало работу Учредительное собрание Всесоюзного общества. Открывая его, С. И. Вавилов сказал: «Науке обучают, знание передаётся от одного человека к другому — в этом особый смысл данного русского слова… Мы надеемся, что в рядах нашего Общества будет вся передовая научная интеллигенция Советского Союза».
Всесоюзному обществу были переданы имущество, оборудование, фонды и функции Всесоюзного лекционного бюро (при Министерстве высшего образования СССР) и Союза воинствующих безбожников (который также занимался распространением научных и материалистических знаний), Московский политехнический музей, Политехническая библиотека.
Быть инженером и заниматься исследовательской работой стало престижно, молодёжь хлынула в технические вузы. В кино родился образ рабочего-интеллигента, созданный режиссёром Иосифом Хейфицем и артистом Алексеем Баталовым («Большая семья», 1954).
Массовизация знаний лекторами Всесоюзного общества привела к тому, что едва восставшая из военных руин страна первой запустила искусственный спутник Земли. США отреагировали на это событие принятием закона «Об образовании в интересах национальной обороны» (1958) и многократно увеличили ассигнования в отрасль знаний. Одновременно Запад занялся изучением советской высшей школы, которая неожиданно оказалась для того времени образцовой.
Всесоюзное общество наращивало свою деятельность, и скоро кумир советских людей переместился из заводских цехов в научные лаборатории: тот же Баталов сыграл у Михаила Ромма физика-ядерщика («Девять дней одного года», 1962).
В 1964 году IV съезд «знаниевцев» принял решение о создании народных университетов. Я посещал лекции такого университета по разделу "искусство". Всё было бесплатно и довольно интересно. Лекции на разные темы, больше на политические, были также на предприятиях.
Основанное ещё в 1951 издательство «Знание» выпускало ежегодно свыше 200 млн экземпляров брошюр, книг, журналов, наглядных пособий, в том числе такую популярную периодику как «Наука и жизнь», «Знание — сила», «Международная жизнь». Вопросы, поступавшие во время лекций, «знаниевцы» передавали в лекторскую группу ЦК КПСС. Оттуда наиболее острые вопросы направлялись для информации и принятия мер в руководящие органы партии и государства. На самые сложные из вопросов готовились типовые ответы, которые в виде информационного бюллетеня рассылались в партийные организации СССР, — с аргументами и фактами, цифрами и оценками.
Появился печатный орган Всесоюзного общества «Знание» — «Аргументы и факты». Спрос на эту газету быстро рос, и вскоре тираж превысил 30 млн экземпляров, что стало всемирным рекордом, зарегистрированным книгой Гиннеса. И, тем не менее, подписка на этот еженедельник была ограничена.

Две эпитафии, содержащие сведения о рождении и смерти Караваджо:
Микеланджело Меризи да Караваджо — рыцарь Иерусалима, превосходный соперник природы, проживший тридцать шесть лет, девять месяцев и двадцать дней, — умер восемнадцатого июля 1610 года.
Микеланджело Меризи — сын Фирмо да Караваджо, в живописи не имевший равного себе живописца, но лишь [равный] самой природе, умер в Порто Эрколе, отправившись туда из Неаполя, возвращаясь в Рим — XV дня августа, в год с Рождества нашего Спасителя 1610 — жил тридцать шесть лет, девять месяцев и двадцать дней — Марцио Милези, юрисконсульт — Другу [обладавшему] исключительной гениальностью.
[700x271]
[700x284]
[679x493]
[624x480]
[663x473]
На марках:

1. Мадонна и младенец со святой Анной (Мадонна деи Палафреньери). 1606. Рим. Галерея Боргезе.
В картине, представляющей собой аллегорию Непорочного зачатия, изображены Мадонна и маленький Христос, давящие ногами змею, и Святая Анна, покровительница братства деи Палафреньери. Фигура Святой Анны, едва выступающая из тени благодаря бликам света, уже написана в стиле, типичном для позднего творчества Караваджо.

2. Успение Богоматери. 1606. Париж. Лувр.
Поскольку работа писалась для церкви в Трастевере, районе, населённом в основном беднотой, художник старался передать царившую там атмосферу. На картине убогое и мрачное помещение с непомерно высоким кессонным потолком. Только что поднят с помощью висящего шнура тяжёлый балдахин кровавого цвета и за ним открылась сцена, преисполненная подлинно трагедийного звучания. Всё внимание автора сосредоточено на раскрытии типических характеров простых людей, которых сплотило постигшее их великое горе. В центре бездыханное тело Девы Марии, написанной автором по памяти, так как свою натурщицу ему не удалось отыскать. Рядом тесно стоящие апостолы. Двое из них не в силах сдержать рыдания прикрывают руками лица. У изголовья стоит, подперев рукой опущенную голову, Иоанн. Особо выделяются мощные фигуры Петра и Павла; один из них поднял руку, как бы призывая остальных к молчанию в надежде, что Мария вот-вот очнётся ото сна. На переднем плане у самого края полотна — согбенная фигура плачущей Марии Магдалины, сидящей на низком стульчике.

3. Семь деяний милосердия. 1607. Неаполь. Церковь Пио-Монте-делла-Мизерикордия.
Выполненной в изгнании картине «Семь деяний милосердия», написанной Караваджо с огромной художественной энергией и выразительностью, свойственны бравурность и патетические интонации. Структура композиции чрезвычайно сложна. Обычно все деяния изображались на отдельных картинах, но Караваджо впервые создал сложную композицию, разместив все деяния на одной картине.

4. Мадонна Розария. 1607. Вена. Музей истории искусств.
Караваджо написал «Мадонну дель Розарио» для алтаря церкви Сан Доменико, но картину церковные власти не приняли и выставили на продажу. Об этом известно из письма Питера Пауля Рубенса, который перед возвращением в 1608 году на родину, посетил Неаполь. 15 сентября 1607 года он писал своему «патрону» - герцогу Мантуи: «Я увидел также нечто чудесное, которое исполнено здесь и предназначено теперь для продажи... Это две прекраснейшие картины Микеланджело да Караваджо. Одна — «Мадонна дель Розарио», исполненная, как алтарная картина.

5. Иоанн Креститель. 1602. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
Моделью для этой картины послужил Чекко ди Караваджо, слуга и ученик Караваджо, также изображённый на картине «Амур-победитель» и ряде других. Юный Иоанн показан полулежащим; одна рука расположена на шее барана, он повернулся к зрителю с озорной улыбкой. На картине практически ничего не говорит о том, что изображён пророк — ни креста, ни кожаного ремня, из символов присутствует только клочок кожи верблюда, затерянный в складках красного плаща, и баран. Выбор животного тоже не каноничен — животным Иоанна Крестителя, как предполагается, был ягнёнок, что является отсылкой на приветствие им Христа как «Агнца Божьего», пришедшего, чтобы забрать грехи человечества. Читать далее...

Значение Караваджо оказалось неслыханным, потому что никто иной, как он первым в истории европейского искусства провозгласил сутью художественных образов жизненно конкретные явления, людей за свойственными им занятиями, вещи, которые их окружают в действительности. Новаторство концепции Караваджо заключалась в той жёсткой прямоте, с какой живопись стала буквальным воспроизведением жизни. Причём творческие установки мастера, как и его многочисленных последователей в разных европейских странах, так называемых «караваджистов», не менялись даже и тогда, когда они обращались к религиозным сюжетам.
[700x246]
1
[700x478]
2
[521x700]
[700x256]
3
[468x700]
4
[412x700]
[700x267]
5
[533x700]
6
[544x700]
7
[448x700]
На марках:

1. Пишущий cвятой Иероним. 1607. Валлетта (Мальта). Собор cв Иоанна.
На привычно тёмном фоне горизонтальная композиция: пишущий старец, стол и неизменный натюрморт — книги, перо и череп, — который рифмуется с лысой головой Иеронима, одного из столпов церкви, эрудита и первого переводчика Библии на латинский язык.

2. Бичевание Хриcта. 1607. Неаполь. Национальная галерея Каподимонте.
Картина производит гнетущее впечатление. Христос, связанный и с терновым венцом на голове, стоит около мраморной колонны. Трое палачей обступили его кольцом. Тот, что справа, выкручивает Христу руки, желая поставить свою жертву в удобную для экзекуции позу; тот, что слева, помогает своему подельнику, пытаясь тянуть Иисуса за волосы. На переднем плане третий истязатель наклонился, приводя в порядок свое орудие пытки. Лица палачей, перекошенные звериной злобой, а также использованные художником мрачные, темные цвета усиливают ощущение ужаса перед тем, что должно произойти через несколько минут.

3. Поклонение паcтуxов. 1609. Меccина. Региональный музей.
Картина «Поклонение пастухов» - шедевр сицилийского периода живописца - считается одним из высших достижений последнего периода творчества художника. Перед уставшей Богородицей, только что разрешившейся от бремени, преклоняются пастухи. Предполагают, что три персонажа изображают святых – это апостол Павел, Иоанн Креститель и апостол Пётр.

4. Мадонна Лорето (Мадонна паломников). 1604. Рим. Церковь cв Авгуcтина.
Два пилигрима преклонили колена перед статуей, стоящей возле колонны. Мадонна с Младенцем взирают на молящихся спокойным и внимательным взглядом. Фигура женщины почти полностью скрыта в тени (отчетливо видна лишь ее голова в складчатой шапочке), а вот тощий зад и грязные ступни её компаньона вызывающе сверкают на переднем плане. Некоторые исследователи считают, что Мадонну художник писал со своей подруги Магдалины, из-за которой он дрался на дуэли. Мария написана с любовью, однако большая часть ее фигуры находится в тени. Несколько необычна склонённая набок голова Богородицы, однако мастеру удалось придать ее Читать далее...

Караваджо в своих работах всегда испытывал пристрастие к живописи с натуры. Он тщательно прописывал каждую деталь, пытаясь приблизить её к оригиналу. Именно Караваджо ввел новый для Рима жанр - натюрморт как таковой. Если из его жанровых работ убрать будь то фигуры людей, фрукты, приборы, остатки ужина, музыкальные инструменты, все эти детали все равно продолжают жить своей жизнью, являя собой почти самостоятельный центр притяжения. В склонности Караваджо к натурализму было только одно желание – как можно более точно отразить предмет, обстановку, героев вплоть до применения зеркала как независимого от сетчатки глаз экрана передачи изображения и мощного светового потока в моделирование объектов. При помощи резких светотеней, которые ранее не приветствовались мастерами эпохи возрождения, Караваджо добивается необычайного напряжения в стоп кадре своих работ.
[700x241]
[700x554]
[685x700]
[700x273]
[573x700]
[578x700]
[565x700]
[507x700]
На марках:

1. Корзина с фруктами. 1596. Милан. Амброзианская библиотека.
В картине наряду со спелыми и сочными плодами и листьями присутствуют также гнилые и увядшие, в результате чего картина становится не гордым утверждением природы и жизни, но печальным раздумьем над сущностью нашего бытия.

2. Юноша с корзиной фруктов. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
«Юноша с корзиной фруктов» написана в то время, когда художник был настолько беден, что не мог оплачивать натурщика и рисовал картину, смотря на себя в зеркало. Эта его привычка сохранилась и в дальнейшем. В наше время было отвергнуто предположение о том, что картина является автопортретом художника, и появилась другая гипотеза – полотно изображает «Осень» и вместе с другими работами этого периода составляет аллегорический цикл «Пять чувств», показывая «Вкус». В 1971 году появилось предположение, что юноша предлагает себя зрителю, а корзина с фруктами является метафорой лакомого эротического блюда. В том же году о картине «Юноша с корзиной фруктов» стали говорить как о выражении Христовой любви, спасающей и дарующей жизнь вечную. Известна трактовка полотна как изображение реальности, лишенное символических вымыслов.

3. Кающаяся Магдалина. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
В Новом Завете повествуется о бывшей блуднице Марии Магдалине (названной так по месту рождения — городу Магдале), которая была возвращена к праведной жизни Иисусом Христом, изгнавшим из нее семь бесов. После этого Мария Магдалина стала верной последовательницей Иисуса. Это первая работа Караваджо, выполненная им на религиозную тему. Однако поза изображённой им на полотне грешницы со спокойно сложенными на животе руками никак не выражает её раскаяния. Она скорее смирилась с порочной жизнью, из которой уже не в силах вырваться, о чём говорит её скупая слеза по щеке. Столь приземлённый и противоречащий традиции показ грешницы в образе обычной римской проститутки заставляет по-иному взглянуть на композицию картины.

4. Нарцисс. 1599. Флоренция. Национальная галерея старинного искусства.
В картине «Нарцисс» можно увидеть обычного юношу в простой одежде, склоненного к воде. Он явно не богат и не отличается изумительной красотой, но привлекает внимание своей человечностью, сходством с каждым из Читать далее...

Илья Репин охарактеризовал так творчество самого Караваджо и его последователей: «Искусство, где кровь кипит, где сил избыток. Оно страшное, резкое, беспощадное, реальное. Его девиз: правда и впечатления».
[700x272]
[700x245]
[384x574]
[700x293]
[700x292]
[700x475]
На марках:

1. Погребение Христа. 1603. Ватикан. Пинакотека.
Картина Караваджо была написана по заказу для римской церкви Санта-Мария-ин-Валичелла, принадлежащей ордену ораторианцев. На ней изображены Иоанн Богослов и Никодим, поддерживающие тело Христа, Богоматерь, Мария Магдалина и Мария Клеопова, в отчаянии воздевшая руки к небу. Картина "Погребение Христа" вызвала в свое время ожесточенные споры - в ту пору не было принято изображать Иисуса Христа в столь произвольной форме. Караваджо добавляет элемент, несущий в картине большую эмоциональную нагрузку, - колоссальную каменную плиту, на которой стоят герои. многие критики увидели в этой плите "краеугольный камень" Нового Завета, камень, на котором была основана церковь.

2. Обезглавливание Иоанна Крестителя. 1608. Валлетта (Мальта). Собор Святого Иоанна.
В день своего рождения Ирод устроил богатый пир. На празднике перед гостями плясала Саломия, дочь Иродиады. Она так угодила этим Ироду, что он поклялся перед гостями дать ей все, чего бы она ни попросила. Саломия пошла к матери за советом. - Дай мне здесь на блюде голову Иоанна Крестителя, – сказала девушка, когда вернулась к гостям. Ирод опечалился: он боялся гнева Божиего за убийство пророка, но не мог нарушить неосторожной клятвы. Св. Иоанну Крестителю отрубили голову и отдали Саломии.

Микеланджело Меризи, прозванный Караваджо, предопределил появление самого своеобразного направления в живописи 17 века, барокко. Этим словом, переводимым с португальского как жемчужина неправильной формы, дословно «жемчужина с пороком», стали называть искусство отличное от господствовашего в то время академизма и маньеризма. Картины живописца настолько шокировали и не соответствовали канонам времени, что на выставках их в первые часы завешивали сукном, чтобы зрители предварительно осмотрели остальные полотна.
[659x522]
[640x465]
[700x314]
[700x325]
[700x251]
[700x248]
[700x304]
[700x226]
На марках:

1. Лист марок Сомали:
1а. Отдых на пути в Египет. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
1b. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.
1с. Музыканты. 1595. Нью-Йорк. Метрополитен.
1d. Марта и Мария Магдалина. 1598. Детройт. Институт искусств.
На картине изображены библейские сёстры Марфа и Мария Магдалина.У Марты лицо в тени. Она наклоняется вперед, страстно споря с Марией, которая вращает апельсиновый цветок между пальцами. Зеркало, которое держит Мария, символизирует тщеславие. Главное в картине - это лицо Марии, которое изображено в момент начала преобразования.

2. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.
3. Отдых на пути в Египет. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
4. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.
5. Ужин в Эммаусе. 1606. Милан. Пинакотека Брера.
6. Лютнист. 1596. Санкт-Петербург. Эрмитаж.
7. Лютнист. 1596. Нью-Йорк. Метрополитен.

[700x247]
[700x183]
Автопортреты Караваджо в его картинах.
Самый известный портрет Караваджо - это карандашный рисунок Оттавио Леони, римского друга Караваджо. Портрет выполнен спустя несколько лет после гибели художника в 1621 году.
«Больной вакх». Большинство искусствоведов считают её автопортретом художника. Здесь Караваджо впервые использовал зеркало, чтобы точнее передать натуру в своём одержимом преклонении перед правдой жизни.
Считается, что автопортретами Караваджо являются:
Первым автопортретом Караваджо считается картина «Музыканты», на которой художник изобразил себя вместе с ещё двумя молодыми музыкантами и Амуром заднем плане.
Голова Медузы. Некоторые исследователи полагают, что это тоже автопортрет.
Человек с фонарем справа на картине «Взятие Христа под стражу».
На полотне «Мученичество апостола Матфея» в глубине на заднем плане среди перепуганных прихожан Караваджо дал собственное изображение — мужчина в чёрном камзоле, наблюдающий за происходящим со страдальческим выражением лица. У него вид человека, незадолго до этого события пережившего глубокое нервное потрясение. Это, пожалуй, один из самых проникновенных автопортретов, выражающий подлинную сущность художника. В пронзительном взгляде читается столько боли и сострадания, которые не были так отчётливо зримы ранее в его работах. Эти чувства стали проявляться с особой выразительностью и глубиной после потрясшей его казни Джордано Бруно.
Голова Голиафа на картине «Давид с головой Голиафа». Придав отрубленной голове собственные черты, Караваджо, возможно, намеревался отправить картину кардиналу Боргезе, чтобы тот убедил дядю Павла V отменить смертный приговор. Голова Голиафа производит жуткое впечатление — это измученное страданиями лицо художника с отсутствующим взглядом полузакрытых веками глаз. Взявшись за написание необычного автопортрета, Караваджо хотел выразить раскаяние в содеянном и тем самым вымолить прощение.
[700x302]
[700x287]
[700x280]
На марках:
1. Портрет Караваджо. Рисунок Оттавио Леони. 1621. Флоренция. Библиотека Маруселлиана.
2. Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
3. Музыканты. 1595. Нью-Йорк. Метрополитен.
4. Давид с головой Голиафа. 1610. Рим. Галерея Боргезе.
5. Поцелуй Иуды. 1602. Дублин. Национальная галерея Ирландии.

Реализм Караваджо – это нечто большее, чем просто подражание природе; в его живописи сочетаются глубокое понимание психологии человека и точная передача характера света и формы, что дает возможность преобразить реальность в драму, разыгрывающуюся на холсте. Личность и события биографии Караваджо поражают воображение почти так же сильно, как и его живопись.
[600x420]
[700x508]
[700x294]
[640x520]
[700x476]
[700x467]
[700x473]
На марках:

1. Блок Гамбия.
Поцелуй Иуды. 1602. Дублин. Национальная галерея Ирландии.

2. Блок Аден/Верхняя Яффа.
Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.

3. Блок Гамбия. Блок Сан-Марино.
Отдых на пути в Египет. 1597. Рим. Галерея Дория-Памфили.
Очаровательный шедевр, одна из немногих сцен, размещённая художником в пейзажном окружении, пронизана магическим вечерним светом в нежной и тонкой гармонии цветов. День угасает в музыке виолы, на которой играет юный ангел. Святой Иосиф держит перед ним ноты. Ангел прекрасен, и, поворачивая голову с нежным профилем, он открывает крылатые плечи и обнаженное тело, прикрытое покрывалом. Под звуки нежной мелодии задремала с Младенцем на руках сидящая на земле Дева Мария. Похоже, музыка тронула даже осла, традиционно считающегося глупым и упрямым.

4. Блок Палау.
Неверие апостола Фомы. 1602. Потсдам. Сан-Суси.

5. Блок Доминика.
Пишущий Святой Иероним. 1605. Рим. Галерея Боргезе.

6. Блок Сент-Винсент.
Шулера. 1594. Форт-Уэрт (США). Музей Кимбелла.

Вся жизнь Караваджо была, как сжатая пружина: на пределе, на грани. Некогда раскачиваться, некогда примеряться. Некогда черновики каллиграфическим почерком заполнять. Даже картины писал без эскизов. Но на холстах, не замученных прелюдиями, было главное дыхание настоящего. Не эрзац, не подделка, не фальшивка. За такие не стыдно, кто бы ни призвал к ответу.
Вся жизнь и всё творчество Караваджо — это толи борьба со смертью, толи игра с ней. Его искусство — это драма света и тьмы. Хотя он породил целую школу подражателей, после его смерти итальянская живопись стала казаться чрезвычайно скучной.
[700x513]
[700x475]
[700x538]
[700x346]
[700x355]
[700x334]
[693x493]
На марках:

1. Блок Либерия:

1а. Обезглавливание Иоанна Крестителя. 1608. Валлетта (Мальта). Собор Святого Иоанна.
Сцена казни Иоанна Крестителя происходит, вероятно, в тюремном дворе, на фоне мрачного тюремного здания, в окне которого смутно виднеются две фигуры, сквозь решетку наблюдающие за экзекуцией. На полу лежит мертвый Иоанн Креститель. Алая драпировка прикрывает его ягодицы, кровавым языком «стекая» на пол, почти повторяя очертания лужи крови, образовавшейся по соседству. Голова Крестителя отрублена, рядом валяется меч, но скорее всего, экзекуция была произведена кинжалом, который полуобнаженный палач держит в заведенной за спину правой руке. Он схватил голову Иоанна за волосы, чтобы положить ее на большое блюдо, которое держит наготове молодая служанка. Девушка наблюдает за происходящим спокойно и бесстрастно. Столь же бесстрастен стоящий рядом мужчина с бородкой, который, по всей вероятности, следит за исполнением приказа царя Ирода — мужчина указывает пальцем на блюдо, приказывая палачу положить на него голову казненного святого. Пожилая служанка — единственный персонаж, проявивший в этой трагической ситуации человеческие чувства. На ее лице читается сочувствие и глубокая печаль, от избытка эмоций она обхватила руками голову.

1b. Юдифь и Олоферн. 1599. Рим. Дворец Барберини.

1с. Жертвоприношение Авраама. 1603. Флоренция. Уффици.

1d. Медуза. 1598. Флоренция. Уффици.


2. Блок Палау:

2а. Ужин в Эммаусе. 1606. Милан. Пинакотека Брера.
В 1601 году Караваджо написал картину на евангельский сюжет о явлении Христа двум ученикам на третий день после воскресения. Вторично к этому сюжету Караваджо обратился в 1606 году, находясь в изгнании.

2b. Се человек. 1600. Генуя. Палаццо Россо.
Ecce Homo («се человек») - слова Понтия Пилата об Иисусе Христе. Согласно Евангелию от Иоанна, прокуратор Иудеи Понтий Пилат показал народу Иерусалима после бичевания Иисуса Христа, одетого в багряницу и увенчанного терновым венцом, желая возбудить сострадание толпы. Выражение стало крылатым. Его употребляют, в частности, когда хотят указать на достойное сострадания положение цивилизованного человека нашего времени.

2с. Амур-победитель. 1602. Берлин. Картинная галерея.
Изображённый мальчик несомненно бог любви, так как он держит в руке стрелы — один из атрибутов Амура. Окружающие его предметы символизируют разные сферы человеческой деятельности, и юный бог торжествует над всеми. Ему покорны искусства и науки (музыкальные и геометрические инструменты, книги) , воинские доблести (части доспехов) и даже власть (корона, скипетр).

2d. Христос у колонны (Бичевание Христа). 1607. Руан. Музей изящных искусств.
Физические издевательства Иисус претерпел не только от иудеев (ПОРУГАНИЕ ХРИСТА), но также от римской власти. Именно «Пилат Читать далее...

Удивительная конкретность и материальность форм отличают заказные религиозные произведения художника, принесшие ему скандальную известность необычной жизненностью и демократизмом. Смело трактует Караваджо религиозные образы, не боясь грубости и резкости, сообщая им черты сходства с простонародьем. Суровый реализм творчества Караваджо не был понят его современниками, приверженцами «высокого искусства». Обращение к натуре, которую Караваджо сделал непосредственным объектом изображения в своих произведениях, и правдивость ее трактовки вызвали множество нападок на художника со стороны духовенства и официальных лиц. Вспыльчивый нрав Караваджо и постоянные столкновения с окружающими усугубляли жизненные трудности. Убив во время игры в мяч своего партнера, он был вынужден бежать из Рима. Последние годы его жизни прошли в скитаниях.
[700x535]
[700x339]
[700x320]
[700x513]
[640x475]
На марках:

1. Блок Гамбия:
На полях блока: Портрет Караваджо работы Оттавио Леони (в зеркальном изображении). 1621. Флоренция. Библиотека Маруселлиана.

1а. Семь деяний милосердия. 1607. Неаполь. Церковь Пио-Монте-делла-Мизерикордия.
Семь деяний милосердия — христианская традиция, восходящая к Библии. В соответствии с Евангелием католическая церковь перечисляет шесть деяний милосердия: 1. Накормить голодного. 2. Напоить жаждущего. 3. Дать приют страннику. 4. Одеть нагого. 5. Посетить больного. 6. Посетить заключённого в темницу. 7. Похоронить мёртвого. Караваджо впервые создал сложную композицию, разместив все деяния на одной картине. Работа произвела сильное впечатление на заказчиков, и они поклялись, что впредь это творение ни за какие деньги не должно покидать главный алтарь церкви Пио Монте делла Мизерикордия. Ими был также наложен строгий запрет на его копирование.

1b. Обращение Савла. 1601. Рим. Капелла Черази церкви Санта-Мария дель Пополо.
Святой Павел (до обращения его звали Савлом) был поначалу ярым гонителем христиан, но во время своего путешествия в Дамаск пережил встречу с самим Христом. Ослепительный свет пролился с неба, и раздался голос, вопрошавший: "Савл, Савл, зачем ты гонишь Меня?" Хотя в самой Библии не указывается, каким образом путешествовал Савл, традиция предписывала изображать его упавшим при виде божественного явления со своей лошади. Этот сюжет живописцы часто использовали и до Караваджо, но никогда еще он не показывался столь реалистично и драматично.

1с. Портрет Алофа де Виньянкура. 1608. Париж. Лувр.
Караваджо написал не слишком много портретов - сохранившиеся до наших дней можно пересчитать по пальцам. Единственный известный женский портрет его кисти погиб в Берлине во время Второй мировой войны. Наиболее удавшимся считается "Портрет Алофа де Виньякура". Виньякур, Великий Магистр Мальтийского ордена и фактический правитель Мальты, изображен на нем в полный рост, в латах и с оружием. Караваджо создал этот портрет во время своего пребывания на острове в 1607-08 годах.

1d. Давид и Голиаф. 1599. Мадрид. Прадо.
Караваджо создал несколько вариаций на эту тему. На этой картине юный Давид готовится с триумфом продемонстрировать голову врага народу.

1е. Успение Богоматери. 1601-06. Париж. Лувр.
Это полотно Караваджо было отвергнуто священнослужителями по причине "недостойного изображения". Мария здесь показана действительно умершим человеком, а не прекрасной женщиной, как бы уснувшей перед тем как переместиться на небо (именно такого изображения требовали существовавшие каноны). На этот раз критика в адрес Караваджо была особенно яростной, что отмечено всеми биографами художника. Д. Манчини в своей книге приводит и вовсе невероятный факт - будто бы Караваджо писал фигуру Богородицы с трупа проститутки, утонувшей в Тибре (и этот факт подтверждают другие источники).

1f. Воскрешение Лазаря. 1609. Мессина. Региональный музей.
Луч света прорезает пространство. Свет, который, как прожектор, высвечивает действующих персонажей, который противопоставлен тьме и пустоте и сам является Читать далее...

Первые годы жизни художника в Риме, куда он прибыл около 1590 года, не имея от кого-либо протекции, были суровыми. Для заработка Караваджо писал цветы и фрукты на картинах других художников, а затем стал самостоятельно создавать своеобразные жанровые сцены и натюрморты. Изображая уличных мальчишек, цыганок, посетителей кабачков, гадалок, корзин с фруктами, Караваджо одним из первых утвердил право на существование этих жанров. Главное в произведениях Караваджо конца 16 столетия — не повествование, а характерный типаж. Историографы Караваджо отмечают, что живописец с пренебрежением относился к творчеству великих мастеров прошлого и даже к античному искусству.
[578x457]
[640x463]
[700x488]
[700x307]
[700x531]
[700x327]
На марках:

1. Блок Афганистана:
На полях блока: Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
1а. Гадалка. 1597. Париж. Лувр.
По мнению Д. Беллори, этим полотном Караваджо хотел доказать, что можно вдохновляться и сюжетами, взятыми из реальной жизни, а не только древними мраморными статуями или работами Рафаэля. «Для этого, – продолжает Д. Манчини, – Караваджо пригласил уличную гадалку и предложил ей показать, как она предсказывает судьбу. Кроме нее, он изобразил и юношу – одна его, обтянутая перчаткой, рука, лежит на эфесе шпаги, а вторая, обнаженная, протянута к гадалке. Эти две поясные фигуры помогли художнику достичь небывалого реализма». Юноша явно неопытен в житейских делах; выражение лица и взгляд гадалки — выдают даму опытную, расчетливую и искушенную.
1b. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.

2. Блок Доминика:
На полях блока: Корзина с фруктами. 1596. Милан. Амброзианская библиотека.
2а. Кающаяся Магдалина. 1597. Рим. Галерея Дориа-Памфили.
2b. Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
2с. Вакх. 1596. Флоренция. Уффици.
2d. Святой Матфей и ангел. 1602. Рим. Сан-Луиджи-деи-Франчези.

3. Блок Сан-Томе и Принсипи:
3а. Распятие Святого Петра. 1602. Рим. Капелла Черази церкви Санта-Мария дель Пополо.
Трое палачей, изображенные в довольно непривлекательных позах, с лицами, либо повернутыми в сторону, либо скрытыми в тени, —пытаются поднять массивный деревянный крест, к которому за ноги приколочен апостол Петр — то есть вниз головой. У Караваджо святой мало похож на героя-стоика; это обыкновенный старик, на лице которого читается страдание и страх смерти. Вся сцена производит на зрителя мрачное и отталкивающее впечатление, напоминая, что смерть апостола — это не героическая драма, а гнусная, подлая, отвратительная казнь.
3b. Юдифь и Олоферн. 1598. Рим. Палаццо Барберини.
3с. Шулера. 1594. Форт-Уэрт (США). Музей Кимбелла.

Караваджо приобретал с каждым днем все большую известность, - писал о нем биограф Джованни Пьетро Беллори, - главным образом благодаря колориту, - уже не мягкому и светлому, как раньше, а насыщенному, с сильными тенями, причем применял он часто много чёрного цвета, чтобы придать формам рельефность. И до того он увлекся этой манерой, что ни одной из своих фигур не выпускал более на солнце, но помещал их в закрытую комнату... используя луч света, вертикально падающий на основные части фигуры, оставляя все остальное в тени, дабы светотень давала резкий эффект. Тогдашние римские живописцы были в восторге от этого новшества, в особенности молодые...
[700x514]
[700x277]
[537x700]
[640x656]
[578x700]
[700x272]
[640x482]
[640x464]
На марках:

1. Больной Вакх. 1593. Рим. Галерея Боргезе.
Это шедевр раннего периода творчества Караваджо на мифологическую тему. Название картины возникло позже, когда в лице выздоравливающего от болезни юноши, изображённом на полотне, признали бога виноделия Вакха. Не имея возможности заплатить натурщику, художник срисовал для картины своё зеркальное отражение.

2. Медуза Горгона. 1597. Флоренция. Уффици.
Голова Медузы окаменяла всех, кто на неё смотрел или до неё дотрагивался. Изобразительное искусство долгое время изображало её в отвратительном виде, но позднее художники стали изображать ее прекрасной, хотя и внушающей ужас, обыкновенно — с крыльями над висками и змеями в волосах. Внешне ужасное страшилище, изображаемое художниками в позднее средневековье и в эпоху возрождения, постепенно сменилось изображениями ужасного выражения красивого лица. Лучшей картиной, изображающей Медузу Горгону, считается работа Микеланджело Меризи да Караваджо.

3. Нарцисс. 1599. Флоренция. Национальная галерея старинного искусства.
Согласно легенде во время охоты Нарцисс увидел в реке своё отражение, влюбился в самого себя, не смог с ним расстаться и умер от голода или страдания. Когда пришли за его телом, его там не было, но на том месте, где оно должно было быть, вырос цветок нарцисс. Сюжет картины минимален: Нарцисс и его отражение. Нарцисс Караваджо будто загипнотизирован собственным отражением, будто склоняется все ниже и ниже, приближая собственную гибель, и одна его рука уже воды касается, но другой он еще устойчиво опирается о берег, а значит остается надежда, что благоразумие возьмет верх и вернет человека в устойчивое положение на суше. Однако нет никаких явных указаний на то, что исход будет именно таким.

4. Музыканты. 1595. Нью-Йорк. Метрополитен.
Трое юношей в условно-театральных костюмах сидят и готовятся к репетиции. В центре музыкант подтягивает струны лютни, скрипач внимательно вглядывается в ноты, между ними, третьим с рожком Караваджо поместил себя. Слева изображён Амур со стрелами за спиной, занятый виноградом.

5. Ужин в Эммаусе. 1602. Лондон. Национальная галерея.

6. Пишущий Святой Иероним. 1605. Рим. Галерея Боргезе.
В этой картине, написанной Караваджо специально для Шипионе Боргезе, художник изобразил святого Иеронима за его учеными трудами. Льющийся сквозь невидимое окно свет выхватывает из полумрака красное одеяние святого, его голову с крутым, выпуклым лбом мыслителя, книги, лежащий на столе череп.

Редко какому художнику удалось создать стиль, который бы стал носить его имя. Это удалось итальянскому художнику Микеланджело Меризи да Караваджо (1573–1610). Караваджизм — это стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником его считается Караваджо. Он один из первых применил манеру письма «кьяроскуро» — резкое противопоставление света и тени. В караваджизме характерен интерес к точной передаче особенностей натуры, подчёркнутый реализм в изображении предметов. Важная роль уделяется объёму, а именно свету и тени в картине — контрастному освещению фигур, выдвинутых на передний план. Искусство Караваджо оказало огромное влияние на творчество не только многих итальянских, но и ведущих западноевропейских мастеров XVII века. Через этап караваджизма прошли П. П. Рубенс, Д. Веласкес, Рембрандт, Ж. де Латур.
[700x518]
[700x205]
[640x497]
[640x469]
[640x472]
[700x207]
[640x491]
[640x495]
[700x559]
[700x207]
[700x495]
[640x492]
[545x388]
1. Давид с головой Голиафа. 1606-1607. Вена. Музей истории искусств.
Караваджо в бегах. У него снова проблемы з законом. Но в этот раз все иначе – он разыскивается по обвинению в убийстве. И он делает то же, что обычно, то что умеет лучше всего – пишет картины, в том числе и эту. Самое поразительное то, что безжизненная голова гиганта с текущей из перерезанного горла кровью, - это автопортрет художника. Существует объяснение необычного решения - Караваджо отослал картину в Рим вместе с просьбой о помиловании, и отрубленная голова грешника-автора - это жест покаяния.

2. Юдифь и Олоферн. 1598. Рим. Палаццо Барберини.
Согласно легенде, Олоферн был полководцем армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею. Вавилоняне осадили город Ветилую, в котором жила целомудренная и богобоязненная молодая вдова Юдифь. Надежды для горожан не было никакой. Надев красивые одежды и взяв с собой служанку, она отправилась в стан врага и сделала так, что Олоферн проникся к ней доверием. Когда в один из вечеров он заснул пьяным, она отрезала ему голову и вернулась в родной город. Вражеская армия, оказавшись без начальника, в панике разбежалась. Юдифь вернулась к своей прежней жизни и до конца соблюдала Читать далее...