Франсиско Гойя (1746-1828) - испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма.

Начало темы см. рубрика "Художники разных стран-8", Франсиско ГОЙЯ (1746-1828). Испания. Части 1-5.
58
[419x591]
59
[518x591]
58-2
[459x700]
60
[700x435]
60
[509x700]
61
[628x464]
62
[700x629]
На марках:

58-1. Маха одетая. 1802. Мадрид. Музей Прадо. (См. №№ 20, 40 и 49)

58-2. Портрет герцогини Альба. 1795. Мадрид. Коллекция герцогов Альба.
Мария дель Пилар Тереса Кайетана де Сильва и Альварес де Толедо — 13-я герцогиня Альба. Наиболее известна как покровительница и муза художника Франсиско Гойя. Она являлась наследницей дома Альба, одной из наиболее известных и богатых аристократических семей Испании в XVIII веке. Каэтана не только открыто показывалась с художником судя по всему, она позволила рисовать себя обнажённой – неслыханное дело в тогдашней ханжеской Испании! «Маха одетая» и «Маха обнаженная» – сколько споров было вокруг этих полотен, сколько раз гадали исследователи, кто же изображен на них! Многим почему-то не верилось, что это Каэтана. Хотя легенду эту, дошедшую до наших дней, нельзя отметать.

58-3. Девушка с кувшином. 1808-12. Будапешт. Музей изобразительных искусств. См. №№ 29 и 56)

58-4. Зонтик. 1776-78. Мадрид. Музей Прадо. (См. №№ 3 и 41)

59-1. Дон Мануэль Осорио Манрике де Суньига. 1787. Нью-Йорк. Музей Метрополитен. (См. № 10)
На полотне Гойи изображён 3-4 летний ребёнок, младший сын графини Альтамира (свояченницы герцогини Альба), забавляющийся с сорокой, которую подстерегают коты. Выражение лица и весь внешний вид серьёзен и непроницаем, что не соответствует его возрасту. Одет маленький Мануэль в модный тогда яркий красный костюм с золотым поясом. С правой стороны размещены птицы, заключённые в клетку. Сам же Мануэль Осорио скончался в 1792 году, не достигнув и 10 лет.

59(блок). Портрет Франсиско Гойя работы Висенте Лопеса (1772-1850). 1826. Мадрид. Музей Прадо. (См. №№ 48 и 55)

60. Похороны Сардинки. 1813. Мадрид. Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо.
Сюжетом картины служит шутовской обычай, исполняемый в конце трёхдневнего карнавала в Испании. Существует несколько легенд о возникновении этой странной традиции. Согласно одной из них, в XVIII веке испанский король решил угостить в честь праздника горожан сардинами, но на самом народном гулянии обнаружилось, что сардины испортились. Подвыпившие же горожане решили превратить этот казус в шутку и устроили похороны сардине. По традиции во времена Гойи шествие в Мадриде начинали шутливые персонажи: «дядюшка Чиспас», его «дочь Чуска» и «сердцеед Хуанильо». За ними следовало огромное чучело с прикреплённой ему на голову сардиной. Гуляющая толпа двигалась к берегам Мансанареса, где и «хоронили» сардину. Однако на полотне нет ни рыбы, ни чучела. Вместо них шумная толпа несёт большой стяг с улыбающейся маской.

61. Семья короля Карла IV. 1801. Мадрид. Музей Прадо. (См. № 23)
Картина представляет собой групповой портрет испанского короля Карла IV с семейством в натуральную величину, наряженных в нарочито дорогие костюмы и со множеством украшений. Картина имеет явные параллели с «Менинами» Веласкеса в естественном и правдоподобном изображении царственных особ. Однако, в отличие от тёплой атмосферы дворцового интерьера на картине Веласкеса, обстановка «Портрета» условна и служит исключительно сценой для безжалостной демонстрации персонажей, выполненных с предельной достоверностью, так что от зрителя не укрываются ни недостатки внешности, ни особенности их темперамента. Королеве Марии Луисе принадлежит почетное место в центре, что отражает истинное положение вещей — вовсе не слабовольный Карл IV, а именно Мария Луиса правила страной. Слева на переднем плане — инфант Фердинанд. За спиной инфанта, подобно кошмару, возникает на картине безобразное лицо старой королевы. Как и Веласкес в «Менинах», Гойя помещает на портрет себя, словно на миг оторвавшись от работы и обращаясь к зрителю: «Полюбуйтесь на них, и судите их сами». Парадный портрет, традиционно Читать далее...

Франсиско Гойя (1746-1828) - испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма.

Начало темы см. рубрика "Художники разных стран-8", Франсиско ГОЙЯ (1746-1828). Испания. Части 1-5.
[700x264]
50
[642x700]
51
[397x700]
52
[497x700]
53
[470x600]
[700x262]
57
[483x700]
На марках:

50. Кающийся Святой Пётр. 1820. Вашингтон. Галерея Филлипса.
Это изображение молящегося старика с наиболее выразительными религиозным экстазом, чем многие из его более ранних представлений святых (например, святого Григория). Апостол Пётр всю свою жизнь каялся в троекратном отречении от своего Учителя. И хотя Господь давно простил Петру его грех, однако Пётр никогда не мог забыть своей немощи. Есть предание, что каждый раз при крике петуха апостол Пётр горько плакал, вспоминая происшедшее и до конца своей жизни держал в памяти давно искупленную вину. Свидетельством его горячего покаяния является то, что апостол он просил распять его не как Христа, а вниз головой – как недостойного ученика.

51. Св. Григорий Великий. 1797. Мадрид. Национальный музей романтизма.
Святитель Григорий Великий, Папа Римский, называемый в православной традиции Григорий Двоеслов (ок. 540- 604) - учитель Церкви, писатель и богослов. Получил имя Двоеслов по своему самому знаменитому сочинению "Диалоги" и стал одним из самых почитаемых в России святых пап. Папа Григорий I известен также тем, что запретил чтение книг древних авторов (кроме Библии) и изучение математики, обвинив последнюю в связях с волшебством, а однажды провозгласил: "Невежество — мать истинного благочестия".

52. Заклинание (Колдовство). 1797-98. Мадрид. Государственный музей Ласаро Гальдиано.
В начале 90-х, после тяжелой болезни, сделавшей художника глухим, его мировоззрение изменилось. Случайные порождения тьмы стали частыми гостями Гойи, особенно разгулялись они на листах «Капричос». Впрочем, и в живописи им было раздолье. Ненароком этому снова поспособствовала герцогиня Осуна, заказавшая Гойе восемь картин для домашнего театра Аламеды. Художнику предстояло изобразить несколько колдовских сцен («Заклинание») или фантасмагорических эпизодов, заимствованных из испанской драматургии. Гойя с непревзойденным мастерством рисовал ведьм, гоблинов и другие фантасмагорические существа. В таких картинах, как «Заклинание» художник рисует этих страшных монстров почти с любовным отношением к ним.

53. Конный портрет герцога Веллингтона. 1810-е. Лондон. Эпсли-Хаус. Музей Веллингтона.
В годы французской оккупации Гойя сохранял свою должность придворного художника , что не помешало ему писать портреты герцога Веллингтона , смертельного врага Жозефа Бонапарта.

54. Кузнецы. 1819. Нью-Йорк. Собрание Фрик. (См. № 44)
Крупная по размерам картина «Кузнецы» представляет собой компактное изображение крепких фигур кузнецов, захваченных ритмом работы. Сочетание чёрного и серого с белым и красным рождает впечатление суровой, но в то же время торжественной красоты, а низкая линия горизонта и пластическая моделировка форм придают картине монументальную значительность.

55. Портрет Франсиско Гойя работы Висенте Лопеса (1772-1850). 1826. Мадрид. Музей Прадо. (См. № 48)
Лопес написал портрет Франсиско Гойи, когда известный мастер посетил двор в Бордо, где Лопес тогда жил. Гойе было тогда 80 лет, и через два года он умер. По свидетельствам очевидцев Гойе быстро надоело позировать коллеге, который был очень дотошен в деталях, и именно по этой причине, как считают искусствоведы, портрет Гойи уступает другим портретам Лопеса. Однако, именно портрет Гойи является самой известной работой Висенте Лопеса.

56. Девушка с кувшином. 1808-12. Будапешт. Музей изобразительных искусств. См. № 29)
На картине изображена молодая испанская девушка, преисполненная силы и свежести. Цветовая гамма выполнена в радостных светлых — от розово-желтых до оливково-коричневых — тонах, густым, сильным, коротким мазком. В отличие от ранних произведений в этой картине достигнута высокая степень художественного обобщения, а цвет, который раньше служил только для Читать далее...

Франсиско Гойя (1746-1828) - испанский художник и гравёр, один из первых и наиболее ярких мастеров изобразительного искусства эпохи романтизма.

Начало темы см. рубрика "Художники разных стран-8", Франсиско ГОЙЯ (1746-1828). Испания. Части 1-5.
[700x280]
[700x275]
[700x272]
[700x206]
48
[700x270]
49
[700x262]
44
[700x494]
47
[511x700]
На марках:

40. Маха одетая. 1802. Мадрид. Музей Прадо. (См. № 20)
По одной из версий, «Маха одетая» была написана в перерывах между сеансами позирования Каэтаны Альбы для «Махи обнажённой» с единственной целью остановить уже ползшую по Мадриду глухую молву, но существуют и другие мнения: якобы, для картин позировали разные женщины, а «Маха одетая» создана была раньше «Махи обнажённой».

41. Зонтик. 1776-78. Мадрид. Музей Прадо. (См. № 3)
«Зонтик» — самая красивая сцена из второй серии проектов гобеленов, которые молодой Гойя создает для королевской мануфактуры. На панно из первой серии были изображены эпизоды из охотничьей жизни. А вот вторая, предназначенная для столовой в мадридском дворце Прадо, представляла народные игры, или сцены, изображающие махо и мах на природе или в танце. Картина «Зонтик» - пример ничем не замутненного, абстрактного безоблачного счастья. В «Зонтике» всё подчеркивает радость молодости: красивый цветной наряд пары, пейзаж на заднем плане, яркое голубое небо, сочная зелень, нарядный зонт, маленькая собачка, свернувшаяся клубком на коленях у дамы.

42. Маха обнажённая. 1799-1800. Мадрид. Музей Прадо. (См. № 19)
"Махa обнажённая" — картина составляет пару с картиной "Маха одетая". На картинах изображена маха — испанская горожанка XVIII—XIX веков. Наиболее распространённым является мнение, что натурщицей была герцогиня Альба, которую связывали с Гойей продолжительные отношения. Гойя, несмотря ни на какие угрозы инквизиции, наотрез отказался называть имя этой женщины. А там, где нет ясности, зачастую появляются легенды. Так, с лёгкой руки писателя Лиона Фейхтвангера, автора романа «Гойя, или Тяжкий путь познания», по миру пошла гулять легенда о том, что обнажённая маха — это герцогиня Альба. Писатель, очевидно, основывался на распространенной в его время гипотезе о том, что голова махи неспроста кажется «чужой», как бы приклеенной к телу: Гойя не хотел, чтобы кто-нибудь узнал его подругу. Это воспринималось её аристократическим потомством в штыки. Обе картины хранились в будуаре герцогини Альбы вплоть до её смерти, а потом перешли к премьер-министру Мануэлю Годою. Они находились у него в доме до 1814 года, причём «Маха одетая» висела перед «Махой обнажённой», которая могла быть показана с помощью специального механизма. Позже картины хранились в Академии Сан-Фернандо, откуда были переданы в Прадо.
Фигура изображена на тёмном фоне, и ничто не отвлекает внимания от вызывающей обнаженности шелковистой кожи, которая становится, по сути, главной и единственной темой картины. По выражению французского писателя и историка искусства Андре Мальро, эта работа «не столько сладострастная, сколько эротическая, поэтому не может оставить равнодушным любого мало-мальски чувственного человека».

43. Пьяница. 1777. (Картон для ковра). Мадрид. Музей Прадо. (См. № 4)

44. Дикари, убивающие женщину. Обезглавливание. (1808-14). Мадрид. Музей Прадо.
По другим данным автор картины неизвестный последователь Гойи.

45. Маха обнажённая. 1799-1800. Мадрид. Музей Прадо. (См. №№ 19 и 42)

46. Донна Исабель де Порсель. 1806. Лондон. Национальная галерея. (См. № 28)
Донна Исабель на представленном холсте одета как маха. В Мадриде XVIII века этот стиль ассоциировался с женщиной из низов общества, легкого поведения. Но к концу столетия и в начале следующего он по нескольким причинам вошел в моду в аристократических кругах: как выражение национально-патриотического духа и, вероятно, поскольку подчеркивал женскую загадочность и красоту непременной чёрной мантильей и высокой талией. Такое платье оправдывает позу модели, которая Читать далее...

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
69
[656x579]
69-1
[559x700]
69-2
[551x700]
69-3
[596x700]
69-4
[499x700]
70
[700x488]
70-1
[530x700]
70-2
[511x700]
На марках:

69. Мари Элизабет Луиза Виже-Лебрен, урождённая Виже, Лебрен по мужу - французская художница.

69-1. Баронесса Анна Строганова с сыном. 1797.
В России Виже-Лебрен задержалась на 7 лет, написала множество портретов и пользовалась большой популярностью. Знатнейшие семейства заказывали ей парадные и семейные портреты. Наибольшей популярностью пользовались композиции с детьми, такие, как эта картина. На портрете изображена Анна Сергеевна Строганова (1765-1824), в девичестве Трубецкая, дочь князя Сергея Трубецкого и сестра герцогини Екатерины Самойловой, одна из красивейших женщин при дворе Екатерины Великой. Строганова была фрейлиной Екатерины II. В 1791 году она вышла замуж за барона Григория Александровича Строганова, которому родила пятерых сыновей и дочь. До 1795 года Г.А.Строганов оставался на военной службе, а затем стал дипломатом и представлял Россию в Мадриде, Стокгольме, Константинополе и Лондоне. В своих мемуарах художница упоминает, что продолжила знакомство с баронессой Строгановой в Петербурге. Без сомнения, данный портрет Баронессы Анны Сергеевны Строгановой с сыном относится к петербургскому периоду творчества Элизабет Виже-Лебрен, т.к.сын баронессы родился в 1794 году. Не представляется возможным точно установить, который их четырех сыновей Анны Строгановой изображен на полотне, т.к. они родились в период с 1794 по 1797гг., в то время как пятый сын родился в 1801 году. Возможно, это старший сын – граф Сергей Строганов (1794-1882), который стал генералом, археологом и знаменитым коллекционером произведений искусства.

69-2. Граф Чернышев надевает маску. 1794.
Граф Григорий Иванович Чернышёв (1762-1831) — обер-шенк русского императорского двора, единственный сын и наследник генерал-фельдмаршала Ивана Чернышёва, бонвиван и чудак, растративший значительную часть чернышёвского состояния. Театрал-любитель, певец-дилетант, автор литературных опытов.

69-3. Автопортрет. 1800.
Одним из значительных событий петербургского периода творчества Элизабет Виже-Лебрен стало принятие ее в почетные члены Императорской Академии Художеств в Санкт-Петербурге за год до ее отъезда из России. Вскоре после этого события Виже-Лебрен написала автопортрет в дар Академии Художеств, на котором изобразила себя во время работы с палитрой в руках. Художница изобразила себя рисующей портрет великой княгини Елизаветы Алексеевны, супруги цесаревича Александра Павловича.

69-4. Портрет барона Строганова. 1793.
Барон, затем граф Григорий Александрович Строганов (1770-1857) — русский дипломат из рода Строгановых, посол в Испании, Швеции и Османской империи. Член Верховного уголовного суда по делу декабристов. В 1827 году назначен членом Государственного совета. В 1838 году официально представлял Россию на коронации английской королевы Виктории. В дальнейшем обер камергер, обер-шенк, почетный член Академии наук. Двоюродный дядя и опекун Н. Н. Пушкиной и её детей (1837—1846). Уговорил петербургского митрополита Серафима разрешить погребение Пушкина по христианскому обряду, что тот сначала запретил, считая смерть на дуэли равносильной самоубийству. Первая жена - княжна Анна Сергеевна Трубецкая (1765—1824)— фрейлина, родная сестра генерал-адъютанта В. С. Трубецкого и графини Е. С. Самойловой.

70-1. Поль Гоген (1848-1903) — французский живописец, скульптор-керамист и график. Наряду с Сезанном и Ван Гогом был крупнейшим представителем постимпрессионизма.
Месяц Марии. 1899.
Картина, главной темой которой стало цветение весенней природы, была написана Гогеном в последние годы жизни, которые он провёл на Таити. Название картины – Месяц Марии – связано с тем, что в католической церкви все майские службы были связаны с культом девы Марии. Картина проникнута впечатлениями Читать далее...

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
68
[554x700]
68-1
[700x529]
68-2
[700x533]
68-3
[700x486]
68-4
[700x581]
На марках:

68-1. Бартоломе Эстебан Мурильо (1618-1682) — ведущий испанский живописец «золотого века», глава севильской школы.
Отдых святого семейства на пути в Египет. Ок. 1665.
В картинах Мурильо религиозные сцены представлены как события из народной жизни. С 1650-х гг. Мурильо насыщает свои работы золотистой светотенью, переходя к более живописной манере (особенно в пейзажных фонах). Мурильо создаёт религиозные композиции, в том числе сцены из жизни богоматери , с проникновенным лиризмом передающие национальный тип испанской женщины. Он поражает свободой, смелостью и силой, с какими его пламенное одушевление идеальными темами выливается в реалистические, национально-испанские формы. Пылкость фантазии иногда мешает ему быть стильным в композиции, но зато он всегда полон жизни и превосходен в колорите и светотени. Его колорит достигает до редкого богатства тёплых, пропитанных светом локальных красок.

68-2. Никола Пуссен (1594-1665) - французский художник, стоявший у истоков живописи классицизма.
Эсфирь перед Артаксерксом. 1650-е.
Сюжет картины художник заимствовал из Библии, повествующей о том, как царица Эсфирь, жена персидского царя Артаксеркса, пришла к царю просить о пощаде для своих соплеменников иудеев, живших в персии. Явившись в царские покои без зова, она нарушила закон двора, что, по обычаю, каралось смертью. В картине за внешней уравновешенностью и спокойствием скрываются напряжение и драматизм. Композиция картины делится на две части: справа изображены Артаксеркс и его советники, слева Эсфирь и её служанки. Торжественное чередование колонн и ниш со статуями на втором плане задает ритм всей сцене, но этот строгий порядок нарушается группой служанок, поддерживающих Эсфирь, которая от волнения теряет сознание. Одежды Артаксеркса лишены подобающих царю украшений, но благодаря насыщенному красному цвету плаща кажутся роскошным нарядом.

68-3. Якоб Хогерс (1614-1660) - голландский художник.
Слуга Авраама Элиэзер и Ребекка у колодца. 1650-е.
Картина поступила в Эрмитаж в 1915 г. из собрания П. П. Семёнова-Тян-Шанского. Сюжет взят из книги «Бытие». Авраам велит Элиэзеру взять у родственников девушку и привезти ее в жёны своему сыну Исааку. С поразительным постоянством художники выбирают момент встречи Элиэзера и Ребекки. Возможно, потому что здесь столько персонажей – и Ребекка, и Элиэзер, и погонщики, и верблюды, и горожанки, пришедшие за водой, короче – есть где развернуться художественной мысли. И композицией можно поиграть, и цветом, и фактурой.

68-4. Ламберт Якобс (1598-1636) - голландский живописец и пастор.
Пророк Елисей и Нееман.
Сюжет картины взят из 4-й книги Царств. От пленной девочки Израильтянки сирийский военачальник Нееман узнаёт, что в Израиле есть пророк, который может исцелить его от проказы. Вельможа прибыл на конях и на колеснице своей остановился у входа в дом Елисея. Пророк выслал сказать ему: «поди омойся семь раз в Иордане и обновится тело твое у тебя и будешь чист». Это показалось Нееману издевательством, так что он заявил: «разве реки Дамасские не лучше всех вод Израильских? Разве бы я не мог омыться в них и очиститься»? Но слуги его подошли к нему и сказали: «ежели бы пророк велел тебе сделать что-либо трудное, неужели бы ты не сделал? А он тебе сказал только: омойся и очистишься». По совету благоразумных слуг, Нееман отправился на Иордан, окунулся в него семь раз, и тело его сделалось совершенно чистым.

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
[700x259]
[700x342]
62
[476x700]
63
[584x700]
64
[556x700]
65
[566x700]
66
[700x572]
67
[491x640]
На марках:

62. Рембрандт ван Рейн (1606-1669) - голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.
Жертвоприношение Авраама. 1635.
История Авраама, вера которого была испытана Богом, рассказана в ветхозаветной книге "Бытие". Рембрандт создает свою картину в середине 1630-х гг. Это время отмечено в искусстве чертами общеевропейского стиля барокко. Монументальная форма, повышенный драматизм действия, бурное движение, активность света и тени свойственны и "Жертвоприношению Авраама". Обречённый Исаак со связанными за спиной руками лежит навзничь на том месте, где через минуту должен заполыхать жертвенный костер. Рука отца покрывает запрокинутое лицо сына. Этим жестом Рембрандт передает сразу отчаянную решимость Авраама и его безмерную жалость к сыну, который не должен видеть руки, его убивающей. Центральная фигура картины - Авраам, обернувшийся к ангелу-избавителю. Ангел останавливает занесенную руку отца, из которой внезапно выпадает кинжал. Основа колорита картины - спокойные холодные тона в серо-зеленой гамме. Однако напряжение вносится мерцанием переливчатых драгоценных камней на кинжале и ножнах, сильным светом, выделяющим обнаженное тело Исаака. Психологическая правда образа настолько глубока, что, кажется, сам художник испытывал необходимость пройти внутренний путь принятия этого мучительного решения. Традиционный сюжет становится для Рембрандта испытанием его мастерства, его зрелости как личности, а тема жертвенности - одной из важнейших в творчестве великого художника.

63. Рембрандт ван Рейн (1606-1669) - голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.
Давид и Ионафан. 1642.
"Прощание Давида с Ионафаном" Рембрандта (Первая книга Царств) - самая знаменитая картина из тех, которые приобретались для художественной коллекции Петра Великого. Долгие годы это полотно украшало небольшой банкетный зал петергофского Монплезира - летней резиденции русского царя. Сюжет картины на протяжении ряда лет имел различное толкование. Современные исследователи связывают замысел Рембрандта с библейской историей из Первой книги Царств. Царь Саул стремился погубить своего молодого оруженосца Давида, боясь его восшествия на престол. Предупрежденный своим другом, царевичем Ионафаном, Давид прощается с ним у камня Азель, что означает "разлука". Ионафан суров и сдержан, лицо его скорбно. Давид в отчаянии припадает к груди своего друга, он безутешен. Облик Давида нежен и светел, его белокурые волосы распущены по плечам, мерцают розоватыми тонами царские одежды, которыми одарил его Ионафан. Вдалеке, за спиной Ионафана, видны развалины древнего города. Приглушенные тона оливковой зелени обволакивают руины, размывая их очертания, и превращают город в призрак времени. Картина, написанная вскоре после смерти Саскии, любимой жены Рембрандта, возможно, несет в себе отголосок личных переживаний художника.

64. Хосе де Рибера ( 1591-1652) - испанский караваджист эпохи барокко, живший и работавший в итальянском Неаполе.
Св. Онуфрий. 1637.
Многие произведения Риберы раскрывают тему возрастных этапов человеческой жизни. Так и в этой картине в образе святого Онуфрия угадывается мысль: старость разрушительна, но она не помеха ни духовной отрешенности, ни аскетическому подвигу. Образ святого показан одухотворенными. Художника привлекли не внешние драматические коллизии, а внутренние переживания героя.

65. Тициан Вечеллио (1488-1576) - крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения.
Портрет папы Павла III. Ок. 1547.
О Тициане как о портретисте можно иметь представление по изображению Павла III Фарнезе, повторению в Читать далее...

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
[700x263]
57
[567x700]
58
[573x700]
59
[544x700]
60
[570x700]
61
[418x547]
61
[527x700]
На марках:

57. Алексис Гриму (1678-1733) - один из самых характерных французских рембрандтистов рубежа XVII—XVIII веков.
Молодая женщина в театральном костюме. 1730-е.
Картина поступила в Эрмитаж в 1905 году из Павильона Эрмитаж в Петергофе. Алексис Гриму стремился научиться у Рембрандта лепке живописных форм белилами, многослойным лессировкам и умению пользоваться эффектами, создаваемыми рельефом красок. В какой-то мере он заимствовал у Рембрандта и светотеневые решения, сильно их упрощая. Все эти элементы можно обнаружить в написанной Гриму женской головке, принадлежащей Эрмитажу.

58. Джордж Ромни (1734-1802) — английский художник-портретист.
Портрет миссис Хэрриэт Гриер. 1781.
Это один из портретов светских красавиц, которые особенно удавались художнику и пользовались большим спросом. Мастер великолепно передаёт образ юной обаятельной аристократки, подчеркивает ее нежное лицо, покрытое румянцем, оттеняя его верной широкополой шляпой с пером. Однако взгляд дамы весьма надменен, в нем нет тепла и мягкости, что подтверждают и сомкнутые губы. Модель как бы дистанцируется от зрителя, желая указать на свой статус.

59. Генрих Фридрих Фюгер (1751−1818) - немецкий и австрийский художник, один из крупнейших представителей классицизма в Германии.
Портрет князя Николая Юсупова. 1783.
В образе изображённого в испанском костюме русского дипломата, любителя искусств, занимавшегося в Риме подбором коллекции Екатерины II, князя Юсупова художнику удалось передать романтический ореол времени. В театральной позе и внутренне взволнованном настроении портретируемого ощущается характер человека эпохи Просвещения, склонного к путешествиям, влюбленного в итальянскую культуру.

60. Джон Хоппнер (1758–1810) - английский художник немецкого происхождения, придворный художник короля Георга IV.
Портрет Ричарда Бринсли Шеридана (?). 1790-е.
Кисть Хоппнера запечатлела простоватое лицо с энергично и вдумчиво сжатым ртом. Взгляд умных глаз сосредоточен. Шеридан погружён в себя и мало внимания уделяет окружающему. Образ его идеализирован, как и во многих картинах Хоппнера - портретах государственных деятелей и дам высшего света, пользовавшихся известностью у современников. Хоппер так же, как и иные последователи Неллера, отдает предпочтение мазку перед гладкой поверхностию холста и добивается выразительности, энергии, динамики. Колорит на его работах всегда сочен и богат, манера разнообразна. В своих лучших картинах он не уступает Рейнолдсу. Одна из лучших его работ "Портрет Ричарда Бринсли Шеридана".

61. Никола Пуссен (1594-1665) - французский художник, стоявший у истоков живописи классицизма.
Святое Семейство со св. Елизаветой и св. Иоанном Крестителем. 1655.
Основой решения сцены является мотив встречи Марии и Елизаветы и их младенцев. Картина поражает уравновешенностью и величием. Крупные тяжеловесные фигуры заполняют всю поверхность холста, почти не оставляя места пространству и фону. Исследователи считают работу характерной для позднего стиля Пуссена, сложившегося к середине 1650-х гг., когда художник начал отдаляться от влияния Рафаэля и искать более монументальные способы выражения.

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
[700x259]
52
[554x699]
53
[562x700]
54/55
[700x606]
56
[700x525]
56(блок)
[567x700]
На марках:

52. Антонис Ван Дейк (1599–1641) – знаменитый фламандский живописец, мастер портрета, мифологической, религиозной картины, офорта.
Автопортрет. 1622-23.
«Автопортрет», который написал Ван Дейк, после того как вернулся из Италии, является жемчужиной эрмитажного собрания. Он принадлежит к числу лучших произведений художника в своем жанре. Портрет передает изящество облика и своеобразие натуры «баловня судьбы», как называли живописца современники. Именно таким, похожим на светского кавалера с тонкими чертами лица и белыми холеными руками хотели видеть своего любимца европейские аристократы. Работу Ван Дейка отличает присущая его зрелому творчеству утонченность. Сочетанием ограниченного числа цветов - коричнево-розового, черного, серо-белого - мастеру удалось сохранить свежесть натурного этюда и достичь мощного живописного эффекта.

53. Михаэль Свертс (1618-1664) — южнонидерландский (фламандский) живописец и гравёр.
Портрет молодого мужчины (Автопортрет). 1656.
У стола, захламлённого книгами доходов и расчетов, сидит юноша и откровенно скучает. Дела или закончены, или ещё не начаты. Он напоминает и бухгалтера, и управителя богатого имения, которому надоела работа, а душа просит музыки, отдыха в весёлом обществе. По последним предположениям, это очередной автопортрет художника Михаэля Свертса, необычный, неожиданный по композиции.

54. Антонис Ван Дейк (1599–1641) – знаменитый фламандский живописец, мастер портрета, мифологической, религиозной картины, офорта.
Портрет Анны Далькит (фрагмент). 1630-е.
В коллекции Эрмитажа характерным примером позднего периода творчества ван Дейка является «Портрет Анны Далькит и Анны Керк», придворных дам королевы Генриетты-Марии. Одна из них, Анна Керк, была сестрой поэтов и драматургов Томаса и Уильяма Киллигрю. Сохраняя традиционную для заказного портрета идеализацию, ван Дейк продолжает реалистическую традицию национальной портретной живописи. Типичные для парадных портретов репрезентативные позы, нарядные туалеты и эффектный антураж в виде пейзажа и парчового занавеса сочетаются с объективной характеристикой моделей. Виртуозное живописное мастерство ван Дейка проявилось как в передаче фактуры тканей и драгоценностей, так и в колористическом решении портрета. Звучная цветовая гамма картины отличается редкой по красоте гармонией нежных серебристо-белых и светло-сиреневых тонов с вишнёво-красными, черными и золотистыми.

55. Антонис Ван Дейк (1599–1641) – знаменитый фламандский живописец, мастер портрета, мифологической, религиозной картины, офорта.
Портрет Анны Керк (фрагмент). 1630-е.

56. Нэцкэ «Зевающий сеннин». Найто Тоёмаса, конец XVIII—середина XIX века.
На поле блока:
Поль Сезанн (1839-1906) - французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма.
Дама в голубом. 1900-1902.
Картина из собрания С.И. Щукина. Сезанн использовал своё "фирменное" сочетание тонов - сизо-голубого и оранжево-желтого. Стол, изображённый в обратной перспективе, придаёт композиции монументальность. Женщина выглядит уставшей, настороженной и отрешённой.

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
[700x272]
[700x329]
47
[581x700]
48
[700x565]
49
[700x612]
50
[537x700]
51
[633x700]
На марках:

47. Жан-Батист Лепренс (1734-1781) - французский живописец и гравёр.
У хироманта. Ок. 1775.
Лепренс был любимым учеником великого живописца Франсуа Буше (1703-1770), и стиль его повторяет стиль учителя. Его картины из русской жизни проникнуты симпатией к изображаемому быту, что было явлением для того времени далеко необычным. В данной картине весьма колоритна фигура хироманта. С 1758 по 1762 г. Лепренс жил в России. Участвовал в росписи плафонов Зимнего Дворца. Совершил несколько поездок по России и, по словам его биографов, посетил даже Сибирь. Но работы Лепренса не содержат следов такого его путешествия.

48. Луи Ленен (1593-1648) - французский живописец, мастер групповых портретов из жизни крестьян.
Посещение бабушки. 1640.
Помимо традиционного названия картины - "Посещение бабушки" - существуют другие определения ее сюжета: "Сельские музыканты" или "Интерьер крестьянского дома с мальчиком, играющим на флейте". Изображена обычная для французской деревни сцена: юные музыканты и певцы обходят дома, зарабатывая на жизнь незамысловатой игрой на музыкальных инструментах и пением. В картине Ленена звучит распространенная в искусстве XVII в. тема различных возрастов человеческой жизни: дети, молодая женщина с ребенком на руках и старуха воспринимаются как символ единения поколений. Картине Ленена присущи торжественная строгость композиции, скульптурная объемность фигур и сдержанная цветовая гамма. Реалистическая трактовка бытовых подробностей сочетается с тонкой психологической характеристикой персонажей.

49. Дирк Халс (1591–1656) - голландский живописец и график фламандского происхождения, прославившийся жизнерадостными жанровыми композициями.
Музыканты. 1623.
Халс любит многофигурные, но компактные группы. Интерьер в картине проработан мало, всё внимание автора сосредоточено на фигурах, расположенных фронтально, в неглубоком пространственном слое, на переднем плане. Художник стремится к выразительности и естественности в компоновке персонажей, в передаче их мимики, поз, модных одежд. Лица, улыбки, жесты, манера выражения чувств героев объединяет повышенный тонус мироощущения, жизнерадостность. Автор явно симпатизирует весёлым героям, но при всей внешней легкомысленности и беззаботности картины она всё же не лишена определённых моральных установок: она предостерегает против чрезмерного погружения в чувственные удовольствия.

50. Франк ван Мирис Старший (1635-1681) - нидерландский художник, мастер портретной, исторической и жанровой живописи.
Утро молодой дамы. Ок. 1659.
В картине есть некий подтекст. В её лежит поговорка – какова хозяйка, такова и её собачка. Мы видим письмо, ваза – эротический символ, на верхней ступеньке туфли намекают на того кто покинул эту комнату, носами друг к другу. Намёк на двойной скрытый смысл.

51. Вигилиус Эриксен (1722-1772) - датский художник, придворный портретист, долгое время работавший в России.
Конный портрет Екатерины II в гвардейской униформе. 1778.
Получив в 1762 г., по восшествии императрицы Екатерины II на престол звание придворного живописца, Эриксен изображал государыню в разных костюмах, позах и размерах множество раз, и её портреты его работы раскупались чрезвычайно быстро. Он никогда не состоял на жалованье, а заставлял оплачивать каждую картину особо и с избытком.

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
42
[700x615]
42-1
[640x700]
42-2
[546x700]
42-3
[470x700]
42-4
[679x700]
[700x321]
43
[588x700]
44
[510x700]
45
[447x600]
[700x303]
На марках:

42-1. Бернардо Строцци (1581-1644) - итальянский живописец эпохи барокко.
Аллегория искусств. Ок. 1640.
Аллегорическая тематика занимала в искусстве XVII-XVIII вв. исключительно большое место. Среди картин такого рода особую группу составляют аллегории Живописи, Скульптуры и Архитектуры. Наряду с женскими образами, их олицетворявшими, в некоторых случаях рядом изображали старца Гомера — воплощение Поэзии. Три женские фигуры размещены тесной группой вокруг мраморного бюста. Их обнаженные плечи, грудь, полные руки почти касаются мрамора, зеленоватый оттенок которого подчеркивает живую теплоту тел. Эти женщины не отличаются классической красотой, не блещут первой молодостью, волосы их растрепаны, но они полны сил, энергии, великолепны в своей роскошной весомости. Живописная манера мастера чрезвычайно эффектна. Крупным пастозным мазком буквально «вылеплены» складки белых тканей и розово-желтого полосатого шарфа Живописи. В передаче тел переходы цвета становятся мягкими, но это нисколько не умаляет его сочности.

42-2. Лука Джордано (1632-1705) - итальянский художник эпохи барокко.
Кузница Вулкана. Ок. 1660.
Это раннее произведение Джордано своеобразно сочетает мифологическую тематику с жанровой трактовкой. Изображена кузница бога огня Вулкана, в которой его помощники Циклопы куют молнии для громовержца Юпитера. Сюжет послужил художнику лишь предлогом для изображения могучих мускулистых тел в сложных поворотах и необычных эффектов освещения. Мастер почти не показывает лица Циклопов, сосредоточивая внимание на передаче крепких торсов и напряженных мышц. Отличное знание анатомии позволяет ему справляться с труднейшими ракурсами. Выразительность пластики усиливается благодаря контрасту красноватого света и глубоких теней, а также широкой, обобщающей формы, манере письма. Это не мешает мастеру великолепно передавать фактуру предметов, прежде всего железных заготовок и инструментов.

42-3. Шарль Лебрен (1619-1690) - французский художник и теоретик искусства, глава французской художественной школы эпохи Людовика XIV.
Дедал и Икар. Ок. 1645.
Сюжет картины заимствован из "Метаморфоз" Овидия. Афинский зодчий и скульптор Дедал построил для царя Миноса на острове Крит знаменитый дворец-лабиринт. Впоследствии он впал в немилость и был заточен вместе с сыном Икаром в башню на скале. Однако изобретательный Дедал придумал способ освободиться из плена, сделав себе и сыну крылья из птичьих перьев, скрепленных воском. Перед полетом Дедал предупредил сына, чтобы он не поднимался слишком высоко, но Икар пренебрег советами отца и солнце растопило воск. Юноша упал в море и утонул. Лебрен показал момент подготовки к полёту, когда Дедал укрепляет крылья за спиной сына. Озабоченное выражение лица и напряженность тела Дедала рождают чувство тревоги. Картина написана в ранний период творчества Лебрена, когда он находился в Италии.

42-4. Джошуа Рейнольдс (1723-1792) - английский исторический и портретный живописец, представитель английской школы портретной живописи XVIII века и теоретик искусства.
Младенец Геракл, удушающий змей, подосланных Герой. 1786-88.
Эта картина - кульминация в творчестве Д. Рейнольдса. В 1785 г. он получил заказ от русской императрицы Екатерины II на историческую картину. Выбор сюжета был предоставлен художнику. Рейнольдс отказался от изображения конкретных исторических событий, предпочитая универсальный язык античного мифа. Он выбрал "I Немейскую песню" греческого поэта Читать далее...

Начало темы см. рубрика "Музеи мира-1/2", Эрмитаж на марках разных стран. Части 1-11.
[700x206]
[700x304]
36
[700x586]
37
[650x677]
38
[700x574]
39
[540x696]
40
[700x519]
41
[501x700]
На марках:

36. Лоран де Ла Гир (1583-1643) - французский художник.
Меркурий передаёт Вакха нимфам на воспитание. 1638.
Вакх, бог виноградарства и виноделия, был сыном громовержца Зевса и фиванской царицы Семелы. Семела пожелала увидеть Зевса в его истинном обличье, и когда он явился ей в сверкании молний, она сгорела в их пламени, преждевременно произведя на свет сына. Зевс зашил младенца себе в бедро и через некоторое время Вакх родился вторично. Тогда Зевс велел Меркурию, посланнику богов, отнести ребенка в убежище нимф, которые вскормили и воспитали его. Именно этот момент и запечатлен художником (Овидий, Метаморфозы, III, 314-315).

37. Ангелика Кауфман (1741-1807) - немецкая художница.
Прощание Абеляра и Элоизы. Ок. 1780.
Тема композиции навеяна знаменитой "Историей моих бедствий" Абеляра (1079-1142). Изображён момент расставания великого философа с его ученицей и возлюбленной Элоизой. Такой сюжет не мог не трогать зрителя. Хотя в картине нет подлинного эмоционального переживания, это не смущало публику, видевшую предназначение искусства лишь в удовлетворении чувства прекрасного. Сцена напоминает разыгранное на театральных подмостках действие, где красиво страдающие герои сохраняют условность движений и поз. Кауфман основывается на античных канонах, но создает образы рафинированные, овеянные легкой сентиментальной грустью. В одежде персонажей есть элементы моды XVIII века, ибо буквальное следование изображаемой эпохе не признавалось обязательным.

38. Франсуа Буше (1703–1770) - французский художник.
Пастушеская сцена. 1730-е.
Картина даёт представление о пасторалях Буше, занимательных и игривых, исполненных иронии.

39. Никола Пуссен (1594-1665) - французский художник.
Сатир и вакханка. Ок. 1630.
Сатиры — в греческой мифологии лесные божества, демоны плодородия, жизнерадостные козлоногие существа, населявшие греческие острова. Вакханки («безумствующие») — в древнегреческой мифологии спутницы и почитательницы Диониса - бога растительности, виноградарства, виноделия, производительных сил природы, вдохновения и религиозного экстаза.

40. Хендрик ван Бален (1575-1632), Ян Брейгель Младший (1601-1678) - нидерландские (фламандские) художники.
Аллегория добродетельной жизни. (, 1625—1626, Санкт-Петербург, Государственный Эрмитаж).
Картина характерна для этой эпохи. Каждая фигура имеет свое значение. Жанр аллегорий любили в эту эпоху. Мужская фигура – справедливость, взвешивает на весах деяния человека – на одной чаше весов головы волка, лисы, кабана и павлина – символы зависти, жадности, гордыни. На другой – узда, уровень, линейка – говорит о мере. Рядом с человеком – аллегория изобилия, аллегория правосудия с мечом – все имеет аллегорическое значение. Кисти Брейгеля, как установлено специалистами, принадлежит на этой картине пейзажный фон и изображение цветов, плодов, животных и птиц.

41. Питер Пауль Рубенс (1577-1640) - крупнейший южнонидерландский (фламандский) живописец.
Статуя Цереры. Ок. 1615.
Главным мотивом картины является античный памятник - эллинистическая статуя Цереры, богини растительности и земного плодородия. В Эрмитаже находится первый вариант картины. Она была написана Рубенсом совместно с Франсом Снейдерсом, автором гирлянды фруктов. Эта небольшая «кабинетная» картина относится к периоду так называемого «классицизма» в творчестве знаменитого фламандца, когда его произведения отличают ясная композиционная структура и необыкновенная пластичность фигур, чистые, сияющие краски. Сделав центральным образом картины конкретный исторический памятник, Рубенс ищет в нем живую модель, послужившую прообразом, немного меняет очертания и позу мраморной богини, наполняя статичную форму движением. В этом плане еще дальше он идет в изображении фигурок маленьких Читать далее...

Рауль Дюфи (1877-1953) - французский художник, представитель фовизма, позднее кубизма.
Начало темы см. рубрика "Художники разных стран-7", Рауль Дюфи (1877-1953). Франция. Часть 1
6
[649x475]
6-1
[700x559]
6-2
[700x545]
6-3
[700x569]
6-4
[700x581]
[700x274]
[700x329]
7
[700x575]
8
[543x700]
9
[600x487]
10
[690x586]
11
[700x553]
На марках:

6-1. Пляж и пирс в Трувиль. 1905. Частная коллекция.

6-2. Порт с парусником, посвящение Клоду Лоррену. 1935. Париж. Музей современного искусства де ла Виль де Пари.

6-3. Чёрный фрегат. 1950. Париж. Музей современного искусства де ла Виль де Пари.

6-4. Бухта Ангелов в Ницце. 1926. Частная коллекция.

7. Лодки в Мартиге. 1908. Лондон. Институт искусства Курто.

8. Большая купальщица. 1913. Частная коллекция.

9. Парусные лодки в порту Гавра. 1925. Париж. Музей современного искусства де ла Виль де Пари.

10. Молотьба с синей машиной. 1948. Частная коллекция. (См. № 5 подобную картину).

11. Интерьер с открытым окном. 1928. Частная коллекция.

[611x591]
1.1
[542x700]
1.2
[700x519]
2
[489x611]
3.1
[700x602]
3.2
[700x584]
4
[491x700]
5.1
[553x700]
5.2
[700x617]
6.2
[700x555]
На марках:

1. Константин Алексеевич Коровин (1861-1939) — русский живописец, театральный художник, педагог и писатель.

1.1. Портрет К. А. Коровина работы Валентина Серова. 1891. Москва. Государственная Третьяковская галерея на Крымском Валу.

1.2. Пристань в Гурзуфе. 1914. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей.
Всё на картине переливается, складывается в удивительно красивые красочные сочетания. А в целом - это мажорный гимн южной природе. По композиции картина напоминает театральные декорации.


2. Портрет А. И. Герцена работы Николая Ге. 1867. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Портрет был написан во Флоренции и доставлен в Россию тайно, под видом библейского пророка Моисея в 1869 году. Жандармы при переезде художника через границу могли бы уничтожить портрет, узнав в нем изображение крамольного бунтаря. Поэтому художник предусмотрительно заклеил портрет слоем тонкой бумаги с изображением библейского пророка и благополучно доставил его на родину.
Герцен изображён на темно-коричневом фоне. Только лицо, словно выхваченное ярким лучом света, выделяется на нём. Художник в образе писателя подчеркивает духовную мощь, могучий интеллект. Огромный высокий лоб пересечен энергичной складкой; взгляд умных, немного грустных глаз сосредоточенный, пристальный; седоватая борода не скрывает твердой линии рта. Темный костюм почти сливается с общим фоном портрета, и поэтому внимание зрителя концентрируется на лице, которое привлекает своим обаянием, душевной красотой, богатством внутренней жизни.


3. Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) — русский и советский художник, живописец, участник товарищества передвижных выставок и Мира искусства.

3.1. Автопортрет. 1915. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей.

3.2. Лисичка. 1914. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Картина была написана под впечатлением русского Севера, суровой природы и соловецких монахов. В своих работах на «монастырские» темы Нестеров никогда не изображал ни архиереев, ни великолепных служений с их пышными обрядами, ни истекающих золотом церковных интерьеров. Отмечая характерные особенности религиозных полотен Нестерова, Дурылин писал: «Своих монахов-простецов Нестеров всегда выводит из келий, из церквей, из монастырских стен — уводит их в лесную глушь и оставляет там одних с их молитвой, лицом к лицу с животворящей природой, наедине с ёлочками да берёзами, а в собеседники даёт им птицу да зверей… Тема эта была постоянной, неотлучной от Нестерова темой — блаженного общения верующего человека с природой».


4. Портрет И. А. Гончарова работы Николая Ярошенко. 1888. Алупка. Государственный дворцово-парковый музей-заповедник. Воронцовский дворец.


5. Иван Николаевич Крамской (1837-1887) — русский живописец и рисовальщик, мастер жанровой, исторической и портретной живописи; художественный критик.

5.1. Автопортрет. 1864. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Крамской – это русский художник, известный тем, что в 1863 году стал руководителем известного «бунта 14-ти», когда 14 молодых художников демонстративно покинули художественную школу, отказавшись рисовать то, что им было положено. В 1870 году он организовал Товарищество передвижных художественных выставок, тем самым еще больше укрепив веру в силу искусства, а точнее – в его способность преобразовывать всё, к чему оно прикасается. Эти личностные характеристики, а также эмоциональное состояние художника, было передано им же самим в «Автопортрете».

5.2. Христос в пустыне. 1872. Москва. Читать далее...

Михаил Васильевич Нестеров (1862-1942) — русский и советский художник, живописец, участник товарищества передвижных выставок и Мира искусства.
[700x578]
[528x700]
[700x602]
[700x437]
[700x434]
[509x700]
На марке:

Автопортрет. 1928. Москва. Государственная Третьяковская галерея.


На поле блока:

_ Автопортрет. 1915. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей.

_ Святая Русь. 1901-05. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей.
Действие происходит на Соловках. Этюды, написанные художником, взяты из этих мест. Изображение Христа, которого окружили особо чтимые на Руси угодники. Они напоминают лики старых икон, на которых изображены: Николай Чудотворец, Сергий Радонежский, Георгий Победоносец. Странников, монахов, девушек, детей, Нестеров писал с реальных лиц. Здесь есть даже сестра и его мать. Он их изобразил поддерживающими больную девушку. Произведение рассказывает о временах, когда христианство только начинало зарождаться. Поэтому храмом здесь отображена вся земля, в снежном убранстве лесов и полей, а не раззолоченная церковь. Критики обрушились на художника с огромной яростью. По их мнению, в картине образ Христа и святых несут полное несоответствие официальной церкви. Так как Христос изображен в образе обычного человека. Даже, по словам Льва Толстого образ Христа схож с итальянским тенором.

_ Молчание. 1903. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Под впечатлением увиденного в Соловках была написана эта картина. Залив у подножия Рапирной горы. Таинственный свет белой ночи. В неподвижных водах отражается тёмная, поросшая лесом гора. Словно эхо, повторяют друг друга фигурки монахов в лодках, седобородого старца и юноши, занятые уженьем рыбы и молчащие каждый о своем. Состояние природы чутко уловлено художником, но он не следует за натурой пассивно. Нестеровское мастерство композиции здесь проявляется в ее лаконизме, выборе крупных планов, скупости обобщающих линий. Почти буквальное повторение силуэтов монахов использовано Нестеровым как ритм в музыке.

_ Портрет Екатерины Петровны Нестеровой, жены художника. 1906. Уфа. Башкирский государственный художественный музей имени М. В. Нестерова.
В 1883 году в момент раздумий о будущем жизненном пути, судьба преподносит Нестерову подарок - в Уфе он знакомится, а затем и влюбляется. Счастливую взаимную любовь с Марией Ивановной Мартыновской омрачало лишь неодобрение родителей. Поженившись в 1885 году против их воли, они отправились в Москву, рассчитывая только на свои силы. Казалось, удача сопутствовала им: они вместе, у них вся жизнь впереди. Горе буквально сбило с ног Нестерова: спустя год внезапно после родов умирает его юная жена, оставив ему дочь Ольгу. В состоянии глубокой депрессии, Нестеров был готов спрятаться от суетного мира в монастырское затворничество и посвятить себя служению Богу. «Любовь к искусству и любовь к женщине» - это две великие страсти, которые господствовали всю жизнь над Нестеровым. Но быть художником оказалось самой сильной страстью, которая и помогла превозмочь отчаяние от потери любимой и укрепить свой дух для продолжения своего пути в искусстве. В 1902 году в Киеве выставлялась его картина «Святая Русь». Любопытно, одна из женщин, которые пришли посмотреть эту картину, стала вскоре второй женой Нестерова. Эта женщина, подарившая ему двоих детей — сына и дочь, — была духовной опорой Нестерова в период сомнений и разочарований. Нестеров достиг возраста сорока лет, когда Екатерина Петровна Васильева вышла за него замуж.

Василий Григорьевич Перов (1833-1882) — русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.
[566x565]
[700x515]
[700x611]
На марке:
Тройка (Ученики мастеровые везут воду). 1866. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Долгое время художник писал работы, посвящённые социальной тематике, считая, что картина должна рассказывать о трудностях крестьянской жизни. В этой картине Василий Перов обращается к теме детского труда. Трое уставших и замёрзших детей тащат по зимней улице сани с бочкой, полной воды. Выливающаяся вода замерзает сосульками на поверхности бочки, что еще раз даёт понять, насколько холодно должно быть детям. Сзади повозку толкает взрослый мужчина. Ледяной ветер дует в лицо детям. Повозку сопровождает собака, бегущая справа перед детьми. Перов использовал мрачные, неяркие, тёмные, серые цвета, чтобы передать трагичность сцены. Дополнительно нагнетает обстановку и мрачная пустынная улица города.
Если для крайнего мальчика и девочки художник нашёл натурщиков быстро, то для фигуры центрального мальчика его найти не мог. Большая часть работы уже была написана, а главная фигура, которая должна была являться композиционным центром, так и оставалась нетронутой. Но к счастью, Перов встретил на улице крестьянку с сыном и сразу понял, что именно такой мальчик нужен для его картины. Перову удалось уговорить женщину разрешить написать портрет её сына, во время работы художник узнал, что мальчика зовут Васей, что он — последняя надежда и радость вдовы, похоронившей других своих детей. Вскоре картина была закончена и куплена Третьяковым. А через несколько лет к художнику пришла бедная женщина, в которой художник с трудом узнал мать Васи. Она рассказала, что её сын заболел и умер в прошлом году, и попросила купить у Перова картину, на которую хотела потратить последние свои сбережения. Художник объяснил, что картина уже давно продана и отвел в галерею бедную женщину, где та упала на колени перед картиной и стала молиться. Увидев эту сцену, Перов специально написал портрет Васеньки и подарил его женщине.

На поле блока:
Спящие дети. 1870. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Нет задачи для художника сложнее, чем писать детей. Автор выбрал самую подходящую ситуацию - глубокий сон. Это позволило мастеру выполнить работу с необыкновенной тщательностью, скрупулезностью и необыкновенною любовью. Солнечный свет, просочившийся сквозь щели стен старого сарая, освещает двух спящих на соломе детей. В этой обычной на первый взгляд ситуации, автор сумел найти множество нюансов и тонкостей, вызывающих у зрителя множество самых положительных эмоций. Сложный ракурс, игра света и тени, подмеченные детали - все наполняет работу трогательной нежностью. Детские ножки, непривычные к обуви, простенькие бусики на шейке девочки, плохонькая одежонка, рогожка, укрывающая мальчика - эти детали расскажут гораздо больше о героях, чем десятки страниц текста.

[700x464]
1
[566x700]
2
[547x700]
3
[697x700]
4
[612x700]
Блок
[700x430]
На марках:

1. Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) - русский художник, график и театральный художник.
Портрет поэта Максимилиана Волошина. 1924. Москва. Государственный центральный литературный музей.
Поэт сидит на фоне горного пейзажа, который зрители воспринимают как вид Коктебеля, где Волошин жил затворником с 1916 г. Волошина Кустодиев изображает с книгой стихов в руках, что ставит эту работу в ряд с другими картинами, рассказывающими об увлечениях и деятельности людей, изображённых на портретах. Через свои полотна Кустодиев сказал об исторической значимости конкретных личностей, изображенных им на холстах.

2. Павел Андреевич Федотов (1815-1852) — русский живописец и график, академик живописи, родоначальник критического реализма в русской живописи.
Вдовушка. 1852. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Это чисто драматическая картина. Писалась она неоднократно, сохранилось несколько вариантов этой картины. На выставке в Третьяковке в честь 200-летия рождения художника одновременно выставляясь целых три «Вдовушки». «Вдовушку» общество принять не захотело, и это очень расстроило художника. Расстроило потому, что картина рассказывала о реальной жизненной драме в семье живописца – сестра художника Люба ждала второго ребенка, но внезапно потеряла мужа и лишилась средств к существованию. Художник месяцы напролет просиживал перед картиною, писал ее снова и снова, но картина не получалась такой, как хотелось. Как следствие – неизлечимая душевная болезнь, сумасшедшие дома и скорая смерть в ноябре 1852г. На марке и репродукции 3-й незаконченный вариант.

3. Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) - русский художник, график и театральный художник.
Купчиха за чаем. 1918. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей.
Картина «Купчиха за чаем» уникальна по своей впечатляющей силе и гармонической цельности. В сидящей на балконе за столом, уставленным яствами, дебелой, необъятной толщины русской красавице, образ купчихи приобретает подлинно символическое звучание. Большую смысловую нагрузку несут в полотне детали: трущийся о плечо хозяйки толстый ленивый кот, купеческая чета, пьющая чай на соседнем балконе, изображённый на заднем плане город с церквами и торговыми рядами и, в особенности, великолепный «гастрономический» натюрморт. Спелый красный арбуз с чёрными косточками, жирный кекс, булочки, фрукты, фарфор, большой самовар — всё это написано необыкновенно вещно и осязаемо и в то же время не иллюзорно, а нарочито упрощенно, как на лавочных вывесках. В голодный 1918 год, в холод и разруху больной художник мечтал о красоте, полнокровной яркой жизни, обилии. Однако смакование сытого, бездумного существования сопровождается здесь, как и в других произведениях Кустодиева, лёгкой иронией и беззлобной усмешкой.

4. Александр Евгеньевич Яковлев (1887-1938) — русский живописец и график, представитель неоклассического течения внутри модерна.
Автопортрет. 1917. Москва. Государственная Третьяковская галерея на Крымском Валу.
Театральности портрета как нельзя лучше соответствуют средства из арсенала старого искусства: точный рисунок, почти скульптурная лепка формы, локальный цвет, некоторый примитивизм, идущий от русского лубка.

На поле блока:
Иван Иванович Шишкин (1832-1898) — русский художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравёр-аквафортист.
Дождь в дубовом лесу. 1891. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
В сыром воздухе леса, сквозь сизую прозрачную клубящуюся пелену пробивается солнечный луч, он будто стремительно расталкивает ветви, листья, разбивается тысячей бликов в лужах, внезапно красит бронзой стволы деревьев. Шишкин в этом холсте показал себя как виртуоз станковой живописи. Тончайшие нюансы цвета, тона, света пронизывают всю картину. Фигуры людей, которые написал Константин Савицкий, наполняют пейзаж жизнью.

[700x700]
1
[700x448]
2
[700x484]
3
[700x521]
4
[700x542]
5
[700x450]
6
[700x481]
На марках:

1. Василий Григорьевич Перов (1833-1882) — русский живописец, один из членов-учредителей Товарищества передвижных художественных выставок.
Утопленница. 1867. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Трагедия загубленной молодой жизни - так можно обозначить сюжет картины. Мастера возмущает равнодушие и безразличие, воплощенное в фигуре курящего жандарма. Художник искренне переживает смерть молодой девушки. Фоном картины выступает панорама Московского кремля в утреннем тумане. Вот-вот взойдет солнце. Проснулись птицы, вода на реке тиха, практически неподвижна. Картина полна деталей, раскрывающих всю трагичность сюжета. Здесь и обрывок веревки, багор, деревянные мостки пристани, старая лодка - все создает атмосферу безысходности, уныния, тоски. Черная одежда героини, мокрые волосы на голой мостовой, а также миниатюрная ручка утопленницы заставляют сжиматься сердце зрителя от жалости. А приближающаяся стая ворон выглядит зловеще. Обычное, ничем не примечательное событие для большого города, в глазах автора поднимается до уровня высокой трагедии.

2. Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905) — русский художник, мастер символических изображений «дворянских гнёзд».
Весна. 1898-1901. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей.
На картине изображена девушка, прогуливающаяся по саду. Ключевой особенностью этой картины является полное отсутствие повествовательности. Художник сумел тонко передать состояние весны с цветущими деревьями и «пушистыми» одуванчиками, выразив через состояние природы настроение.

3. Иван Фомич Хруцкий (1810-1885) — белорусский художник. Известен своими натюрмортами и групповыми портретами.
Цветы и плоды. 1836. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
В композиции картины «Цветы и плоды» художник выделяет роскошный букет цветов, состоящий из крупнолепестковых пионов, тюльпанов, роз, гиацинтов, стеблей и колосков злаков, ирисов. Цветы с вазой заполняют всю центральную часть холста, почти достигая его верхнего края. И. Хруцкий заботливо объединяет вокруг букета цветов фрукты, ягоды и плоды, наполняя ими корзину. Рядом стоит стакан, наполненный до половины водой с опущенным в него ломтиком лимона, подчеркивая при этом прозрачную плотность керамического изделия. Долька лимона у края столешницы вносит необходимое оживление и усиливает ощущение присутствия человека.

4. Тарас Григорьевич Шевченко (1814-1861) - украинский поэт, художник, прозаик, этнограф и революционер-демократ.
Одалиска. Бумага, акварель, бронза. 1840. Киев. Национальный музей Тараса Шевченко.
Произведение впервые упомянуто в 1911 г. с названием «Спящая женщина». В «Одалиске» Шевченко раскрепощённость, подвижность, жизненность, реализм, позитивность, большая энергетика, сила, глубокая гармоничность, поэтика, звучание, талант, величие. Это не салонная постановка, не античный, не мифологический сюжет, не эфемерность и в то же время не натурная студия — это самостоятельное произведение, картина сцены из жизни, жизненно написанная. Её тело движется (тело, рука, шея и голова, — девушка словно удобнее укладывается во сне), в её жилах течет кровь. Женственность, чувственность, богатый духовный мир заметны и через позу, в которой спит девушка, — поворот тела, головы, рука на плече.

5. Борис Михайлович Кустодиев (1878–1927) - русский художник, график и театральный художник.
Большевик. 1920. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Картина «Большевик» обращает на себя внимание особой прямолинейностью образа-символа. Огромный человек в шапке ушанке и телогрейке широко, семимильными шагами проходит над городом, а за его спиной развивается заполняющее даль красное революционное знамя. Перед ним есть лишь одна преграда – церковь. Именно она символизирует имперскую власть, ее последний оплот. Но великана не остановит и она – он сделает решительный шаг и переступит церковь с легкостью. А внизу бесконечная толпа народа. Символика произведения находится в сочетании с конкретным видением художника Читать далее...

Виктор Эльпидифорович Борисов-Мусатов (1870-1905) — русский художник, живописец, мастер символических изображений «дворянских гнёзд».
Родился в Саратове в семье бывших крепостных, приписавшихся к мещанскому сословию. Незаурядной личностью был дед будущего художника, Борис Александрович Мусатов — его имя впоследствии художник присоединил в качестве первой фамилии к своей родовой, отсюда двойная фамилия мастера — Борисов-Мусатов. В 1873 году, в возрасте трёх лет, Виктор, неудачно упав со скамейки, получил тяжелую травму позвоночника. В результате этого несчастного случая у него начал расти горб; проблемы со здоровьем не прекращались у художника в течение всей его жизни. В 1890-х учился изобразительному искусству в студии Саратовского общества изящных искусств, затем в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и в петербургской Академии художеств, где его учителем был Павел Петрович Чистяков. Учился также в студии Ф. Кормона в Париже. Был близок художникам «Мира искусства». В 1895 году путешествовал по Крыму и Кавказу. Борисов-Мусатов вступает в Союз русских художников. С 1898 год жил в основном в Саратове, с 1901 года — в имении Зубриловка Саратовской губернии. Уже тогда усадьба пребывала в запустении, редко посещаемая тогдашними хозяевами. В 1902 году Борисов-Мусатов вновь посетил усадьбу вместе с сестрой Еленой и художницей Еленой Владимировной Александровой — будущей женой. В декабре 1904 года в семье Мусатовых родилась дочь Марианна. С 1903 года он жил в Подольске, а с 1905 года в Тарусе, где и скончался в возрасте 35 лет.

На марке:
Водоём. 1902. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Картина «Водоём» была написана в самый счастливый период в жизни художника: критики отметили художника, его картины пользовались успехом, и девушка, в которую он долгое время был влюблён, дала ему согласие выйти замуж. Именно свою невесту Елену Владимировну Александрову (девушка, сидящая на берегу в синем платье), а также сестру Елену Борисову-Мусатову (стоящая девушка в розовом платье) художник изобразил на картине. Но при этом Борисов-Мусатов не пытался написать их портреты, а лишь передать образы двух молодых девушек. Картина поразила современников своей новизной красок и поэтичностью. Большое внимание на картине уделено природе: спокойной и безмятежной. В воде отражаются небо и деревья, и, по сути, весь пейзаж, представленный на картине, находится именно в отражении в водоёме. Фигуры двух девушек сдвинуты к правому краю. В них нет той безмятежности, которую художник отобразил в природе. В самом же сюжете нет повествовательности — нет никакого конкретного действия.

На блоке:
Агава. Этюд. 1897. Москва. Государственная Третьяковская галерея.
Этюд «Агава", написанный на пленере, занимает особое место в творчестве художника. На фоне отстраненно-мистических полотен, эта импрессионистическая работа поражает мощной экспрессией. Экзотическое растение изображено в динамичном ракурсе, совмещающем взгляд сверху и снизу. Мясистые листья расположены по наклонной оси, что создает ощущение бурного роста и вращательного движения. Динамизм композиции обусловлен смещением из её центра основного предмета изображения. Пространство за агавой представлено стремительным потоком мелькающих экспрессивных мазков. В радужных переливах цвета преобладают холодные оттенки, характерные для колористической гаммы Борисова-Мусатова. Листья, расположенные в центре, «прорывают» верхнюю границу композиции.
[700x699]
[700x603]
[700x621]

Евгения Петровна Антипова (1917-2009) — русская советский художница, график, член Санкт-Петербургского Союза художников (до 1992 года — Ленинградской организации Союза художников РСФСР).
3
[660x591]
4
[528x591]
3-2
[492x700]
3-3
[519x700]
3-4
[611x700]
5
[700x351]
6
[500x700]
5-1
[700x616]
5-3
[700x613]
6-1
[583x700]
На марках:

3-1. Шахматисты. 1980. (См. № 1-4)

3-2. Официантка. 1964.

3-3. Девушка из Переславля. 1964.

3-4. Книги на столе у окна. 1963.

4. Девушка в саду. 1964. (См. № 2(блок))

5-1. Натюрморт с клубникой. 1960 и портрет художницы по фотографии.

5-2. Виктор Кузьмич Тетерин (1922- 1991) - муж художницы. Портрет художницы Е. Антиповой. 1956. (См. № 1-1)

5-3. Мальчики в саду. 1980 и портрет мужа художницы художника В. К. Тетерина по фотографии.

6-1. Фрагменты натюрмортов "Кухонный стол". 1963 и "Натюрморт". 1964 (См. № 1-2)

6(блок). Портреты Е. П. Антиповой и её мужа художника В. К. Тетерина по фотографиям.

Евгения Петровна Антипова (1917-2009) — русская советский художница, график, член Санкт-Петербургского Союза художников (до 1992 года — Ленинградской организации Союза художников РСФСР).
Родилась в городе Торопец Тверской губернии в семье железнодорожного служащего. В 1928 году она вместе с родителями переехала в Самару. Увлечение рисованием привело её в 1934 году в изостудию П. Краснова. В 1935 году, окончив 10 классов средней школы, Евгения Антипова приехала в Ленинград поступать на подготовительные курсы при Всероссийской Академии Художеств, но не прошла по конкурсу. Через год она была допущена к экзаменам на первый курс Института живописи, скульптуры и архитектуры, но по собственному признанию, считая себя плохо подготовленной («на экзамене нужно было написать обнажённую модель, а я никогда не писала»), держать экзамены побоялась и ограничилась экзаменом на подготовительные курсы. Экзамен выдержала, но была переведена в 5-й класс Средней художественной школы, где проучилась три года. В 1939 году Антипову без экзаменов приняли на первый курс живописного факультета Института живописи, скульптуры и архитектуры. Война застала Евгению Антипову на летней практике в Закарпатье, откуда ей пришлось добираться в Ленинград с последними эшелонами. Вскоре, 28 июля 1941 года Евгения Антипова вышла замуж за Якова Лукаша, студента 4 курса монументального отделения института. Призванный в Красную Армию, он погиб на фронте в мае 1942 года. Евгения Антипова оставалась в блокадном Ленинграде до конца февраля 1942 года. 20 февраля 1942 года вместе с Академией художеств эвакуировалась по Дороге жизни через Ладогу из блокадного города на Большую землю, а затем в Новосибирск. В 1944 году была принята в члены Новосибирского отделения Союза Советских Художников. В 1945 году Евгения Антипова возвратилась в Ленинград и в 1950 окончила Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина по мастерской Б. В. Иогансона, дипломная работа — картина «А. Жданов в ленинградском Дворце Пионеров». В том же 1950 году была принята кандидатом в члены Ленинградского Союза советских художников, а в 1953 году была переведена из кандидатов в члены Союза Художников. В 1960-е годы Евгения Антипова пробует себя в серии портретов. В них своеобразно проявилась утончённая культура созерцания, присущая лучшим произведениям художницы. С конца 1960-х годов ведущими жанрами в творчестве Евгении Антиповой являются натюрморт в интерьере и экстерьере, а также пейзаж. Сложившийся стиль живописи отличают несколько условные рисунок и композиция, интерес к проблемам передачи колорита и световоздушной среды.
1
[700x547]
2
[690x530]
1-1
[553x700]
1-2
[700x577]
1-3
[700x584]
1-4
[486x600]
2-1
[700x636]
2(блок)
[582x700]
На марках:

1-1. Виктор Кузьмич Тетерин (1922- 1991) - муж художницы. Портрет художницы Е. Антиповой. 1956.

1-2. Натюрморт. 1964.

1-3. Цветущий миндаль. 1986.

1-4. Шахматисты. 1980.

2-1. Розы. 1965.

2(блок). Девушка в саду. 1964.