[700x307]
Портрет учёного.1631. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
Приобретена в 1769 г. в Дрездене из галереи графа Брюля, саксонского министра.
"Портрет ученого" был первым заказным портретом молодого художника. Скорее всего, он был заказан каким-либо профессором университета или служащим муниципалитета. При создании этого портрета Рембрандт полостью исключает элемент позирования, в отличие от фламандских образцов. Благодаря этому портрет становится более жизненным, теряя черты помпезности и официальности.
К середине 1630-х годов Рембрандт ван Рейн признан одним из самых модных молодых портретистов Амстердама и получает множество заказов от городской знати. Он исполняет множество портретов – большие парадные, в полный рост, поясные и погрудные.
Рембрандт еще не углубляется во внутренний мир человека, но точное видение внешнего своеобразия, переданного с большой симпатией, позволяет ему многое рассказать о характере модели и о своем отношении к ней.
Желание приблизиться к жизненности изображения принуждает Рембрандта сберечь сутулую спину модели — как раз так сидят за столом в период работы,— наверняка зафиксировать положение рук, передать во взоре научного работника нетяжелое раздражение, которое абсолютно оправданно психологически: так наблюдает человек, потревоженный за возлюбленным делом.

[700x319]
Портрет старушки. 1654. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
Приобретена из собрания графа Бодуэна в Париже в 1781 году.
Творчество Рембрандта 1650-х годов отмечено прежде всего достижениями в области портрета. Внешне портреты этого периода отличаются, как правило, большим размером, монументальными формами, спокойными позами. Модели обычно сидят в глубоких креслах, положив на колени руки и повернувшись прямо к зрителю. Светом выделены лицо и кисти рук. Это всегда пожилые, умудренные долгим жизненным опытом люди — старики и старухи с печатью невеселых дум на лице и нелегкого труда на руках.
Подобные модели давали художнику блестящие возможности показать не только внешние приметы преклонного возраста, но и духовный облик человека. В собрании Эрмитажа эти работы хорошо представлены неэаказными портретами, в том числе и этой картиной.
Этот портрет тема размышлений о прожитой жизни, диалог безмолвный и неторопливый, совершенно отчетливо воспринимаемый. В этом диалоге явственнее чувствуются мотивы печали и пессимизма. За просветленной и мудрой старостью встает призрак одиночества и безысходности. Это находит свое выражение и в колорите картин — сумрачный красно-коричнево- черный аккорд придает им
торжественно-траурное звучание. Старушка эта кажется живой, со следами своих многолетних потрясений, бед и невзгод и с печатью примирения на лице.

[700x371]
[700x303]
Артаксеркс,Аман и Эсфирь.1660. Москва.ГМИИ им.Пушкина.
Картина изображает драматический момент из Книги Эсфири, иудейки, которая стала супругой персидского царя Артаксеркса. Главный советник царя Аман, жестокий и честолюбивый визирь, пользуясь доверием всесильного персидского царя, задумал за его спиной и от его имени уничтожить всех иудеев в Персии. Все уже было подготовлено; но, рискуя жизнью (ибо никто без зова царя не смел вступать в его покои), пришла к Артаксерксу юная царица Эсфирь; пригласила его вместе с вероломным Аманом на пир и за пиршественным столом смело обвинила визиря в коварных замыслах, направленных против ее народа.
Этот рассказ об иудейке Эсфири, защитившей свой народ от гибели, был воспринят Рембрандтом как победа правды и справедливости над коварством и злом. Художник запечатлел момент молчания персонажей, но это молчание – затишье перед бурей. Никто из участников сцены не смотрит друг на друга, и никто не замечает зрителя. Участники совершающегося на наших глазах психологического поединка охвачены той внезапной пассивностью, которая неминуемо наступает у человека вслед за тяжким известием. Бездействие героев скрывает напряженную интенсивность их душевного состояния.
Рембрандт строит свою картину на контрасте двух образов – уверенной в правоте своего дела вдохновенной Эсфири и застигнутого врасплох, затаившего злобу, но уже бессильного и обреченного Амана.
Сюжет, герои, композиция, цвет, свет, пластические решения образа – все это живет, взаимодействует, поддерживает, усиливает друг друга и ведет нас через предметное повествование в отвлеченно-волшебную гармонию картины.
Ослепительным, загадочным, золотым светом озарена лишь грациозная фигура изображенной в профиль молодой царственной женщины. Она окончила свою речь. и трепетно ждет царского приговора.
Ближе всех к Эсфири находится величественный Артаксеркс, от которого зависит исход событий. Артаксеркс задумался над только что услышанным. Сдерживая яростную вспышку, он жестко сомкнул губы и властно сжал сверкающий золотом царский скипетр. С величайшей трудностью он преодолевает в себе чувство жалости, чтобы принять единственное справедливое решение – покарать Амана смертью.
Особенно психологически точно раскрыт образ Амана. Он сидит в профиль к нам слева, у самого края стола, обреченный, одинокий, весь сжавшись и как бы внутренне обливаясь холодом и страхом.
Сопоставление Эсфири и Амана показывает, на чьей стороне правда, а теперь и сила, и приговор Артаксеркса кажется предрешенным.
Рембрандт придал сцене драматическую символичность: царь и Эсфирь залиты светом, тогда как злодей Аман погружен в тень. Такая театральность, возможно, оправданна: есть убедительные свидетельства того, что картина изображает сцену из пьесы "Эсфирь", которая с успехом шла в Амстердаме в те годы.
Известный биограф художника Гари Шварц высказал предположение, что возможное влияние на замысел рембрандтовского шедевра оказала театральная пьеса «Эсфирь и спасение евреев», которая в июне 1659 года была поставлена в Амстердаме. Кровавые еврейские погромы, происходившие в 1648-1649 годах в Польше, способствовали переселению большого количества евреев-ашкеназов, что придавало этой пьесе особенно трагическое звучание. Автор пьесы посвятил свое произведение Леоноре Хьюдекопер, супруге покупателя картин Рембрандта Яна Хинлопена. Именно в его коллекции, по всей видимости, первоначально и находилась картина «Артаксеркс, Аман и Эсфирь», которая хранится теперь в Музее изобразительных искусств имени А.С.Пушкина.

В Израиле по сей день празднуют Пурим в честь победы над Аманом. Естественно, герои носят те же имена, но в ивритской транскрипции: Ахашверош, Мордехай, Эстер и Аман. Особенно широко этот праздник отмечается в детских учреждениях.В этот день девочки идут на празднование в нарядах царицы Эстер. Политики вспоминают победы над всеми "аманами", к которым причисляют Гитлера, Саддама Хусейна и других, закончивших своё существование именно в праздник Пурим. В столовых и дома гостей угощают треугольными пирожками из песочного теста под названием "Уши Амана". На идиш они называются ументашн ( оменташн, гоменташн) - кошельки или кармашки Амана, там мак засунут в треугольничек, как в кармашек и немного торчит сверху.

[700x314]
[700x308]
Портрет брата Адриана.1654. Москва.ГМИИ им.Пушкина.
Приобретена в 1769 г. в Дрездене из галереи графа Брюля, саксонского министра и находилась в составе эрмитажного собрания.
Поясной портрет Адриана написан в широкой свободной манере. Каждая черта как бы укрупнена, фигура приближена к зрителю, голова чуть наклонилась вправо от нас; благодаря этому острее воспринимается внутренняя замкнутость модели, подчеркнутая поворотом корпуса и тенью от широкого и низкого, словно вытянутого по горизонтали, берета, упавшей на старческий лоб. Плечи его ссутулились, лицо прорезали борозды морщин, а губы под аккуратно подстриженными усами и редкой седой бородкой выглядят так, словно уже навеки замкнулись. В потухшем взоре глубоко сидящих глаз, направленном вправо от зрителя, в горько сомкнутых губах, в устало повисшей правой руке можно прочесть всю меру выпавших на долю старика испытаний и суровый приговор прожитому.
Неяркий свет, падающий откуда-то сверху и слева, и просветляющий атмосферу тягостного раздумья, отражается от грубоватого лица и падает вниз, на узловатую руку.
Вглядываясь в этот образ, мы вслед за художником прочитываем в них повесть всей прожитой человеком жизни.
Биографы великого художника сообщают, что Адриан не понимал Рембрандта, часто осуждал его за расточительность, завидовал его успехам и постоянно испытывал обиду от сознания того, что судьба одарила одного чересчур щедро и умалила участь второго - сапожника, потом мельника, таскавшего мешки, зарабатывавшего флорины, на которые в юности учился Рембрандт.
Портрет был написан, по-видимому, во время посещения Рембрандтом Лейдена.

[700x332]
"Святое семейство". 1645. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
Приобретена из собрания Кроза в Париже. В Государственном Эрмитаже находится с 1772 года.
На протяжении 40-х годов Рембрандт несколько раз обращается к теме святого семейства. Одно из лучших решений этой темы — эрмитажная картина "Святое семейство".Евангельская сцена рождает у зрителя множество ассоциаций с повседневной народной жизнью, современной Рембрандту. Тишина, покой нарушаются лишь привычными звуками жизни дома. Потрескивают горящие дрова, слышится негромкий однообразный стук плотничьего топора. Комната окутана нежным полумраком; из разных источников мягко вливается свет, трепетно скользя по лицу Марии, освещая колыбель, придавая изображенному оттенок одухотворенности. Слегка пошевельнулся во сне ребенок, и женщина, повинуясь тонкому материнскому инстинкту, отрывается от чтения, приподнимает полог и
озабоченно смотрит на малыша. Она — сама чуткость, сама настороженность. По существу, большая человечность и проникновенность картины создается лишь одним ее взглядом. Светлая возвышенность запечатленного мгновения сказывается и в том, что к матери и мальчику неслышно спускаются ангелы.
В этом произведении художник как будто перекликается с мастерами голландского бытового жанра. Но в отличие от них не тихий уют обыденной жизни волнует Рембрандта в первую очередь, а великая красота простых человеческих отношений. При наблюдении за женщиной сидящей у колыбели сына, ему достаточно было увидеть лишь одно ее трепетное движение, минутный поворот головы, озабоченный взгляд, чтобы ощутить поэзию материнского чувства.
Эта картина подтверждает дар Рембрандта до такой степени смешивать божественное и земное, что уже невозможно провести грань между ними. Богоматерь прервала чтение, чтобы поправить покрывало на Младенце.На заднем плане плотничает муж Марии Иосиф. Мать, дитя, даже колыбель - чисто голландские типы XVII века. Это могла бы быть, пожалуй, любая обычная семья, если бы не
слетающие с небес ангелы-дети.

[700x313]
"Давид и Ионафан". 1642. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
С 1716 года картина находилась в собрании Яна фан Бейнингена, затем в собрании дворца Монплезир в Петергофе, а с 1882 года в Государственном Эрмитаже. Полотно было куплено на аукционе в Амстердаме в 1716 году по поручению Петра I.
Сюжетом картины является библейская легенда. Ионафан, сын царя Саула, и юноша Давид были очень дружны между собой. Но деспотичный царь Саул, позавидовав популярности Давида среди народа, воспылал страшным гневом. Поэтому, следуя совету Ионафана, Давид решается спасаться бегством.
На картине запечатлен момент прощания. Юный Давид бросается в горестном порыве на грудь друга, его волосы разметались по плечам, тело содрогается в рыданиях. Ионафан, старший по возрасту и по общественному положению, ласково поддерживает Давида и со снисходительной грустью смотрит на него, своим спокойствием умеряя бурный взрыв горестных чувств молодого друга.
В этой картине художник предстает во всеоружии своего зрелого искусства. Психологическое состояние людей обрисовано с большой выразительностью. Оба друга потрясены предстоящей разлукой и этому горячему чувству дружбы, вспыхнувшему с особой силой в минуту опасности, созвучно в картине все. Оно находит отзвук в романтичности окутанного предгрозовой атмосферой пейзажа.
Впечатление напряженной эмоциональности создается также колоритом картины. Изумительной красоты сочетание нежно-розового, золотистого, зелено-голубого в залитой светом центральной группе мягко выделяется среди окутанного тенью серовато-коричневого окружения. Одежды написаны пастозными, рельефными мазками. Фигуры как будто излучают свет, а богатые одежды представляются
по-настоящему драгоценными.
Вероятно, написанию этой скорбной картины способствовали тяжелые события в личной жизни Рембрандта, смерть Саскии. Но именно в это время в творчестве Рембрандта наступает пора зрелости. На смену эффектным драматическим сценам ранних картин художника приходит поэтизация повседневного бытия: преобладающими становятся сюжеты лирического плана, такие, как в картине "Давид и Ионафан", в которой глубина человеческих чувств покоряет удивительно тонким и сильным воплощением. Казалось бы, в простых обыденных сценах, в скупых и точно найденных жестах и движениях художник раскрывает всю сложность душевной жизни, течение мыслей героев.
Саулу Рембрандт придал свои черты. Давид же весьма напоминает своим обликом и поведением женщину. Возможно, в этой картине оживает воспоминание о прощании художника с его любимой женой, рано ушедшей из жизни Саскией.

[700x433]
Даная. 1636-1647.Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
Прославленный шедевр сменил несколько владельцев, а в 1772 году был приобретён в Париже из собрания Кроза для российской императрицы Екатерины II и занял свое почётное место в коллекции Эрмитажа.
Судьба этого произведения Рембрандта загадочна и драматична. И хоть на картине имеется авторская датировка — 1636 год, специалистам и знатокам наследия великого мастера она всегда казалась более поздней работой. Для раннего периода его творчества ещё не характерны образы такой силы и глубины проработки. Тёплая золотистая тональность красок так же появляется на полотнах художника лишь начиная с 40-х годов, когда мастер стал добавлять в краску толченый янтарь в одной лишь ему известной пропорции.
В 1966 году картину исследовали с помощью рентгеновских лучей в лаборатории Эрмитажа, и все эти сомнения разрешились. Произведение действительно было исполнено в 30-е годы, но десять лет спустя подверглось глубокой авторской переделке.
Картина оставалась с художником вплоть до распродажи его имущества в 1656 году. Известно, что мастер так дорожил этим полотном, что впоследствии выкупил его.
В древнегреческой мифологии Даная — дочь аргосского паря Акрисия, который, получив предсказание, что погибнет от руки внука, запер её в подземелье. Но бог Зевс, влюблённый в Данаю, превратился в золотой дождь и проник в её покои, после чего она родила сына Персея.
Первоначально Рембрандт написал золотой дождь в виде сверкающих капель. Однако позднее художник заменил их потоком света, который льётся из глубины, играет на атласе и парче ложа, ласково омывает тело зачарованной, еще полусонной Данаи. Её фигура также была переписана. Как показали исследования, вначале Рембрандт изобразил в облике Данаи обильно украшенную
драгоценностями и прикрытую белым покрывалом первую жену художника Саскию. В окончательном варианте внешность героини изменилась, на ней поубавилось украшений, исчезло покрывало выражение лица стало более поэтичным и естественным, а жест протянутой руки — особенно плавным. По мнению исследователей новый вариант Данаи Рембрандт писал со своей второй жены Гертье
Диркс. Черты лица Данаи на картине были изменены таким образом, что совместили в себе обеих любимых женщин художника.
Кроме того, рентгеноскопия показала, что на первоначальном изображении присутствовал золотой дождь, льющийся на Данаю, а взгляд её был направлен вверх, а не в сторону. У ангела в изголовье кровати было смеющееся лицо, а правая рука женщины была повёрнута ладонью вверх.
В 1985 году картина пострадала от нападения маньяка, который разрезал полотно в двух местах ножом и облил его серной кислотой. Почти сорок процентов поверхности полотна превратились в бурую массу. Реставраторы сделали всё возможное, чтобы возвратить Данаю зрителям. С октября 1997 года она вновь выставлена в Зале голландской и фламандской школ Государственного Эрмитажа. Для предотвращения актов вандализма в настоящее время картина защищена бронированным стеклом.

[700x262]
[700x341]
Притча о работниках на винограднике. 1637.
В Эрмитаж поступила в 1772 году из собрания Кроза в Париже.
Картина иллюстрирует евангельскую притчу. Иисус уподобил Царство Небесное хозяину дома, который вышел рано поутру нанять работников в свой виноградник и договорился с ними по динарию в день. В течение дня вплоть до самого вечера хозяин выходил еще несколько раз и нанимал стоявших праздно, обещая вознаградить за труды. Вечером он приказал управителю рассчитаться с работниками, «начав с последних до первых». Последние получили по динарию, как и все остальные, включая тех, кто перенес тягость дня и зной. Пришедшие первыми возроптали, но хозяин напомнил им об уговоре и упрекнул их: «Так будут последние первыми и первые последними». Смысл притчи в том, что даже уверовавшие последними будут спасены.
Иносказательный язык евангельской притчи повествует о справедливости поступка хозяина, одинаково заплатившего за неравный труд (перед господом богом все равны, утверждает Евангелие), по в картине Рембрандта правда на стороне работников. В энергичных жестах их рук и дышащих неподдельным возмущением лицах запечатлена не просьба, не мольба, а требование справедливости. Их настойчивость и напор заставили хозяина отпрянуть назад, па его лице, во взгляде его глаз и полуоткрытых губах появилось выражение удивления и растерянности, явно не подобающее евангельскому персонажу. Реальное содержание картины, хотел того художник или нет, не только переросло сюжетные рамки притчи, но и вступило с ней в очевидное противоречив. Толчком к подобному переосмыслению притчи послужили, может быть, события, которые имели место на родине художника, в Лейдене, в 1637 году, когда там забастовали текстильщики. Это было первое крупное выступление голландских мануфактурных рабочих в защиту своих интересов. Оно нашло широкий отклик в стране, а в следующем году произошло новое выступление амстердамских рабочих, требовавших увеличения заработной платы.
Несмотря на восхитительный колорит, картина осталась незаконченной. По всей видимости, она использовалась в качестве образца учениками Рембрандта.

[700x311]
Молодая женщина, примеряющая серьги. 1657. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
Поступила в Эрмитаж из собрания Бодуэна в Париже в 1781 г.
Рембрандт изображает молодую женщину, сидящую перед зеркалом и примеряющую серьги. Автора занимает проблема освещения, с помощью которого он выделяет интересующие его детали. Естественное кокетство жеста делает её образ предельно женственным.
Картина была создана в то время, когда имущество и коллекции объявленного банкротом художника были распроданы. Между тем это одно из наиболее счастливых и жизнерадостных произведений поздних лет, вдохновленных Хендрикье Стоффелс. Созданная на одном дыхании, картина каждым своим мазком говорит о переполняющих художника чувствах любви и восхищения. Их выдают и буйный
золотистый колорит, и горячее дыхание красных и розовых тонов.

[615x399]
Возвращение блудного сына. 1669. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
Картина поступила в Эрмитаж из парижского собрания Андре д'Ансезена, последнего герцога де Кадруса в 1766 году. По поручению Екатерины её купил князь Дмитрий Алексеевич Голицын.
Произведение написано Рембрандтом в год смерти. Забытый современниками, совсем одинокий, он создает свое последнее гениальное произведение.
В 1982 году поэт Александр Городницкий пишет стихотворение, посвященному великому художнику. В нем есть такие строки:
В доме холодно, пусто и сыро.
Дождь и вечер стучат о порог.
Возвращение Блудного Сына
Пишет Рембрандт. Кончается срок... ...
Запустение, тьма, паутина,
Шорох капель и чаячий крик,
И предсмертную пишет картину
Одинокий и скорбный старик.
Большая человеческая трагедия. После долгих скитаний во враждебном, неуютном мире с мольбой о прощении приходит к покинутому отцу блудный сын. Полный стыда и раскаяния, он стоит на коленях, оборванный, с бритой головой каторжника, в стоптанных сандалиях, демонстрируя зрителю огрубевшие пятки. Впервые за много лет ощутив тепло человеческой ласки, он прильнул к отцу, спрятал лицо у него на груди, стремясь забыться в отцовских объятиях. Ни удивления, ни возмущения не выражает старик; он давно простил сына и давно ждал этой встречи. Во взгляде его опущенных глаз можно прочесть и немой укор, и горестную смиренность. Он нежно склонился над сыном, опустив ему на спину слабые, старческие руки. Снова Рембрандт воплощает свою мысль о том, что суровые испытания судьбы сближают людей. Выше заблуждений, обид, тщеславия оказываются любовь, доверие, взаимопонимание.
Но все же в этой встрече больше горя, чем радости: трагическая ошибка сына оставила слишком глубокий след в жизни и того, и другого. Сломлен не только сын, но и отец. Достаточно обратить внимание на выражение лица, горестно наклоненную голову, сгорбленную фигуру, поникшие старческие плечи, чтобы это почувствовать.
Как всегда у Рембрандта, величавый покой исполнен скрытой одухотворенности. Из глубины темного фона выступают молчаливые человеческие фигуры. Красные и золотистые тона одежд словно вырастают из темноты, но снова начинают гаснуть. Глубокая скорбь овладела присутствующими. Горестная судьба двух людей заставляет их о многом задуматься. Круг собравшихся не замыкается в
пределах изображения, он как будто бы продолжается и вне картины. В числе свидетелей происходящего невольно оказывается и зритель.
Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не внушает столь возвышенных чувств, как эта картина. Сюжет взят из Нового Завета.
Иисус рассказывает притчу о сыне, который получает у отца свою часть имения и расточает ее в дальней стороне, живя распутно. Когда, собравшись с духом, он возвращается домой, отец сразу прощает его и принимает с радостью. Религиозный смысл притчи таков: как бы ни грешил человек, раскаяние всегда вознаградится радостным прощением. Здесь Рембрандт, по-видимому, взялся
исследовать общечеловеческое значение притчи. Коротко остриженные волосы на голове блудного сына и потрепанная одежда говорят сами за себя, а воротник хранит намек на былую роскошь. Туфли изношены, одну он обронил, став перед отцом на колени. Отец прижимает сына к груди, прощая его. Характерно, что Рембрандт избегает конфликтности притчи: там говорится о ревности послушного
сына, хотя, возможно, он стоит в тени позади отца.

[700x325]
[700x284]
"Флора". 1634. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.
В Эрмитаже картина находится с 1770 года. До этого, вероятно, была в собрании Хармена Арентса в Амстердаме.
Образ первой жены художника, Саскии ван Эйленбурх (1612—1642), вдохновил его на создание ряда значительных произведений, к одним из лучших из них принадлежит "Флора".
В 1630-е годы судьба, как никогда, улыбалась Рембрандту. Переселение в Амстердам (1631 г.) принесло ему и большие заказы, и славу, и личное счастье. В 1633 году состоялось обручение Рембрандта с дочерью леуварденского бургомистра Ромбертуса ван Эйленбурха, а через год — свадьба.
Оба эти события в личной жизни художника нашли отражение в его творчестве. Через три дня после обручения, 8 июня 1633 года, Рембрандт делает рисунок: Саския изображена на нем в широкополой, украшенной цветами шляпе и с цветком в руке (Берлин, Кабинет графики). Этим же годом помечен и ее замечательный погрудный портрет (Дрезден, галерея). В 1634 году художник пишет "Флору".
Замысел берлинского рисунка и поза дрезденского портрета как бы объединились в картине Эрмитажа. Саския предстала перед зрителем в образе античной богини весны и цветов. Еще через год, сохранив общий замысел и позу фигуры, Рембрандт создает новый вариант "Флоры" (Лондон, Национальная галерея).
Принято считать, что в эти годы внутренняя, духовная жизнь модели не вызывала глубокого интереса художника. Действительно, Рембрандт не сосредотачивает на ней все свое внимание. Он с удовольствием углубляется в детали костюма и аксессуаров, которые написаны, может быть, даже более внимательно и, уж во всяком случае, более старательно, чем лицо. Но достаточно сопоставить
эрмитажный и лондонский варианты "Флоры", чтобы увидеть, сколь тонко отмечает художник и внутреннюю структуру образа. "Флора" из Эрмитажа — юная Саския, еще почти девочка, которая стесняется своего пышного наряда. "Флора" из Национальной галереи старше ее всего на год, однако это уже сознающая свою силу молодая женщина, которая легко и свободно исполняет роль богини. Эти
превращения мог отметить только Рембрандт — будущий гениальный мастер психологического раскрытия образа человека.
Портрет юной Саскии в наряде Флоры является немым, но красноречивым свидетелем этой "поры весны и любви" живописца. Наряд богини написан с удивительным мастерством, но подлинное величие таланта Рембрандта проявляется в выражении нежности, которое художник придал ее лицу. Саския была не только гением-вдохновителем мужа, его утешением среди неудач и забот, но оказалась еще и великолепной моделью. Рембрандт много раз изображал ее: цветущую и веселую, элегантно одетую - как на дрезденском портрете, чопорную и подтянутую - как на официальном портрете из Кассельского музея, или же в наряде Флоры - особенно любимый в то время сюжет, трижды воплощенный Рембрандтом.

[546x353]
Автопортрет в велюровом берете. 1634. Берлин.Муниципальная картинная галерея.
К 1634 году Рембрандт уже написал несколько автопортретов, а предстояло создать много больше. Ни один художник не изучал себя столь пытливо на протяжении всей своей жизни, размышляя о старости, накопленном опыте, успехах и неудачах. Здесь упор, похоже, делается на успехе. Облаченный в черный бархат и дорогие меха молодой модный художник уверенно смотрит на зрителя. И все же это едва ли прославление богатства и самодовольство. Взгляд Рембрандта уже пытается постичь тайну бытия. Духовное родство всех автопортретов Рембрандта особенно впечатляет.На этом портрете Рембрандт еще не достиг вершины успеха и только собирается жениться, не сознавая, какие испытания уготованы ему в будущем.
В настоящее время известны 90 автопортретов Рембрандта – это живопись, гравюры или рисунки. 20 из них уже отвергнуто.

[700x308]
[700x364]
[700x500]
[700x319]
[700x329]
[700x318]
[700x288]
Рембрандт Харменс ван Рейн (1606-1669) - великий голландский художник.
Родился в Лейдене в большой семье богатого хозяина мельницы. Там же он ходил в латинскую школу при местном университете и уже тогда очень интересовался живописью. В 13 лет он начал учится искусству живописи у лейденского живописца Якоба ван Сваненбурха. В 1623 году юный Рембрандт посещает уроки Питера Ластмана. Этот этап его жизни в дальнейшем имел большое влияние на его работы в молодости. Если их сравнивать с более поздними работами, то вначале картины Рембрандта были красочнее, отличались просто невообразимым вниманием к деталям.
В 1627 году Рембрандт вернулся в Лейден и открывает свою мастерскую вместе с другом Яном Ливенсом. Знаковый момент в его жизни то, что его заметил и высоко оценил друг принца Оранского Константин Гюйгенс, который впоследствии организовал ему полезные связи и сам заказал для принца Оранского религиозные полотна. Именно Гюйгенсу Рембрандт в последствии подарит свою знаменитую "Данаю".
В 1931 году последовал переезд в Амстердам, где он имел небывалый успех. Начало ему положил групповой портрет "Урок анатомии доктора Тульпа". Он был обласкан клиентами, заказов было весьма много. Он живет у торговца картинами Хендрика ван Эйленбюрха, который покровительствует ему, устраивает заказы на портреты, что создает молодому художнику репутацию модного преуспевающего мастера. В 1634 году Рембрандт удачно женился на племяннице Хендрика Саскии, а к 1639 году вместе с женой приобрел в столице великолепный дом. До начала 1640-х гг. он пользуется большим успехом у
заказчиков, это время его личного благополучия. В знаменитом шедевре этого периода - «Автопортрете с Саскией на коленях» (около 1635, Картинная галерея, Дрезден) Рембрандт изобразил себя с молодой женой за праздничным столом. Нежные переливы золотистых тонов, потоки света, пронизывающие картину, передают радостное настроение молодого и преуспевающего художника и его жены, полных надежд и мечтаний. Но - трое его детей умерли во младенчестве, и только сына Титуса, родившегося в 1641 году, не постигла сия участь. Однако в следующем году умерла Саския. Тем не менее, именно в эту пору Рембрандт пишет самую знаменитую свою картину «Ночной дозор» и достигает вершины славы.
После 1640-х годов личная жизнь Рембрандта становится запутанной, хотя дошедшие до нас свидетельства чрезвычайно трудно интерпретировать. В 1642 году он нанял няню для Титуса — вдову Гертье Диркс. В 1649 году она подала на Рембрандта в суд за нарушение договора, а спустя год оказалась в тюрьме, причем на содержании художника. Была ли то щедрость с его стороны или,
напротив, он нарочно упрятал Гертье за решетку, этого нам не суждено узнать. Свидетельница судебной распри — молодая служанка Хендрикье Стоффельс, поступившая в работницы к Рембрандту около 1647 года. Она вполне могла стать причиной его разрыва с Гертье. Во всяком случае, до самой смерти художника она оставалась его экономкой и возлюбленной. С нежностью выписанное лицо
на картине «Вирсавия» и на многих других не менее известных работах 50-х годов, несомненно, лицо Хендрикье. Есть основания полагать, что она была верной спутницей Рембрандта и пользовалась его Читать далее...

[700x307]
[700x316]
Бенджамин Франклин (1706-1790) - учёный, журналист, издатель, дипломат, политический деятель, масон. Один из лидеров войны за независимость США.
Был 15-м ребёнком в семье (всего 17 детей) эмигранта из Англии, ремесленника, занимающегося изготовлением мыла и свечей. Образование получил самостоятельно. С 12-ти лет Бенджамин начал работать подмастерьем в типографии своего брата. В 1727 году основал в Филадельфии собственную типографию и дискуссионный кружок ремесленников и торговцев «Клуб кожаных фартуков» («Джунто»), превратившийся в 1743 году в Американское философское общество. Основал в 1731 первую в Америке публичную библиотеку, в 1751 Филадельфийскую академию, ставшую основой Пенсильванского университета.
В 1776 году был направлен в качестве посла во Францию с целью добиться союза с нею против Англии, а также займа. Был избран членом академий многих стран, в том числе и Российской академии наук. Один из авторов американской Конституции (1787 г.).
Автор многих употребляемых и ныне афоризмов: Время — деньги... Не откладывай на завтра то, что можешь сделать сегодня.
В 1730 году Франклин стал гражданским мужем Деборы Рид (он был постояльцем в доме её семьи). Во время его пребывания в Англии Дебора вышла замуж, но вскоре ее муж сбежал от своих должников и обвинений в полигамии в Вест-Индию (у него была еще одна женщина, которую он называл своей женой и открыто жил с ней). Дебора осталась соломенной вдовой, никуда не выходила из дома, не
показывалась на люди. После того как она получила сообщение о смерти супруга (так никем официально и не подтвержденное), брак с Франклином, который уделял ей внимание и всячески поощрял к повторному, пусть и несколько спорному, замужеству, стал реальным. Дебора стала преданной матерью внебрачному сыну Франклина (кстати, усыновление им мальчика, которого родила одна из его любовниц, скорее всего, служанка, стало еще одним мотивом для скорейшей женитьбы). Дебора родила мужу двоих детей.
В основе политических воззрений Бенджамина Франклина лежала концепция прав человека, к которым он относил жизнь, свободу, собственность, был решительным противником рабства. Его научные и изобретательские интересы были многогранны: от изучения электричества до штормовых ветров и течения Гольфстрим, название которому дал Бенджамин Франклин. Изобрёл громоотвод и
отказался его патентовать.
Франклин и Гамильтон - государственные деятели США, изображённые на денежных купюрах, но которые при этом не были президентами.
Он часто говорил дочери, что не одобряет то, что символом страны в гербе Америки стала такая «злобная и непорядочная птица», как орел. Он лично предпочел бы веселую, добрую и преданную индейку. В своем огромном доме на Маркет-стрит Бенджамин провел последние годы жизни, окруженный вниманием и заботой дочери Сары и ее семьи — мужа и шестерых детей. Сара была почтенной матроной — преданной женой, дочерью и матерью. Она мало чем напоминала отцу его французских дам и тех женщин, которые ему всегда нравились — живых, образованных, остроумных, светских, умеющих вести интересную беседу наравне с мужчинами и вместе с тем не скрывающих свои женские чары. Но к дочери он относился с уважением и искренне ценил ее любовь и добродетели. «Ты
непременно поправишься», — говорила ему Сара за несколько дней до смерти. «Надеюсь, что нет», — улыбался в ответ Франклин.
На его похороны пришли двадцать тысяч. Были приспущены флаги, а на кораблях моряки по приказу своих капитанов звонко ударили в колокола, а члены конгресса целый месяц носили на рукавах траурные повязки. На мраморной могильной плите согласно воле усопшего были выгравированы только его фамилия и дата смерти.

[700x290]
[700x419]
[700x235]
Бернард Шоу (1856-1950) - британский писатель, романист, драматург, лауреат Нобелевской премии в области литературы.
Родился в простой дублинской семье. Его мать давала частные уроки музыки, а отец к моменту появления сына на свет уже промотал своё состояние и был пьющим человеком.
Учёба у него не заладилась: он сменил четыре школы и везде отставал по программе. Но после уроков Бернард отправлялся добывать собственные знания — в библиотеки, где читал Шекспира и Диккенса. В пятнадцать лет он всё же бросил школу, и приятели отца устроили юного Шоу в торговую фирму «клерком» — мальчиком на побегушках. Уже через год его «повысили»: Бернард стал кассиром,
и у него появилось много свободного времени, в которое можно было... конечно, читать книжки!
(Из афоризмов писателя: Сколько бы я всего узнал, если бы не ходил в школу! ...Учебник можно определить как книгу, непригодную для чтения).
В 1875 году родители Бернарда развелись, и мать со старшими дочерьми уехала в Лондон, а Бернард на время остался с отцом. Через год юноша получил письмо от матери: умирала его сестра Агнесс, дни её были сочтены. Бернард торопился попрощаться с сестрой. Из Дублина он уезжал с твёрдой уверенностью, что больше туда никогда не вернётся.
Ему едва исполнилось двадцать. Он не ждал от себя грандиозных успехов, не считал себя талантливым, поэтому стал усердно работать — писал романы и статьи. Но почти восемь лет Шоу никто не «слышал»: из издательств приходили лишь отказы, а редакции не присылали даже их. Правда, одна лондонская газета опубликовала его статью, за которую он получил пятнадцать шиллингов. Это всё, что удалось заработать в молодые годы.
Для самокритичного молодого человека десять лет, которые он находился на иждивении у стареющей матушки, были непростым временем. Он экономил буквально на всём: ходил в бесплатные музеи, записывался в бесплатные библиотеки, доставал контрамарки на спектакли. А ещё он совсем не общался с девушками, невероятно стесняясь своей бедности.
В 1884 году в руки Бернарду попал «Капитал» Карла Маркса. Бедный трудяга, Шоу объявил себя социалистом и в том же году вступил в «Фабианское общество», распространявшее социалистические идеи. Целых двадцать семь лет три раза в неделю он будет выступать с лекциями о социализме, не получая за это ни пенса. Лекции, однако же, пользовались популярностью, ведь речь в них шла о
разумных вещах: доступном жилье, достойной старости...
После одной из лекций к Бернарду подошёл молодой человек. «Уильям Арчер, писатель, — представился он. — Я часто вижу вас в читальном зале Британского музея. Вы готовите какую-то статью?» Узнав, что Шоу не пишет статей, Арчер изумился: «На что же вы, прости Господи, живёте?!» На следующий же день, будучи человеком напористым, он договорился с главным редактором «Пэлл-Мэлл газет» (где работал), что мистер Шоу «попробует себя в качестве театрального критика». Шоу пообещали платить сорок фунтов в неделю — он в жизни не держал в руках такой суммы.
Подписчики с удовольствием читали уморительные заметки молодого критика, а театральная общественность очень скоро приняла Бернарда Шоу за своего. Обратить на себя его внимание для актёров и драматургов теперь было настоящей честью.
В 1898 году Бернард Шоу оформил брак с Шарлоттой Пейн-Таунзенд, очень богатой девушкой, своим литературным секретарём. По Лондону, как это часто бывает, поползли слухи, что Шоу женился по расчёту, что брак с Шарлоттой, которая была его намного младше, он заключил, надеясь заполучить её миллионы. Шарлотту огорчала несправедливость этих сплетен: чем-чем, а деньгами её муж
интересовался в последнюю очередь!
Шарлотта и Бернард прожили вместе сорок пять лет. Детей у них не было, и все свои материнские чувства Шарлотта отдала мужу. Она спокойно воспринимала его шутки, смущавшие светских дам. А он обладал лёгким нравом и во время размолвок с женой любил повторять: «Женщины вообще не понимают, что за слабые, пугливые создания мужчины». И посмеивался в бороду.
С женитьбой на Шарлотте жизнь круто изменилась. В чём-то лондонские сплетники оказались правы: Шоу больше не приходилось думать о том, как заработать на кусок хлеба. Он смог полностью сосредоточиться на литературном творчестве.
В 1914 году в Читать далее...

[700x424]
[700x296]
Генрих Гейне (1797-1856) - немецкий поэт и прозаик, критик и публицист, которого ставят в один ряд с Гёте, Шиллером.
Родился в Дюссельдорфе в еврейской семье. После частной еврейской школы он учился в лицее, где уроки велись на французском языке. Безуспешными оказались попытки Генриха Гейне заняться коммерцией. В дальнейшем он учился в Бонне (1819), Гёттингене (1820) и Берлине (1821-1823), где испытал сильное влияние Гегеля. В 1825 году получил звание доктора права.
После того как Пруссия в 1823 году отняла у евреев гражданские права, Гейне сделался заклятым врагом прусского режима. По примеру многих современников, принял лютеранство (1825). Перемена вероисповедания не дала ему никаких преимуществ, ибо его сочинения раздражали власти куда больше, чем его религия. Сложности с цензурой преследовали его всю жизнь.
Первые свои стихи Гейне опубликовал в 1817 году. Первый из четырех томов его "Путевых картин" (1826) о пешем странствии в горах Гарца принес ему широкую известность, и впредь он зарабатывал на жизнь литературным трудом. Гейне много разъезжает, проводит 3-4 месяца в Англии (1827), затем в Италии (1828). Эти поездки послужили материалом для следующих томов "Путевых картин" (1829,
1831). Одновременно он перерабатывал свои стихи и составил "Книгу песен", снискавшую широкое признание. Многие стихи были положены на музыку Шубертом и Шуманом.
В мае 1831 года он уезжает из Германии и навсегда поселяется в Париже. Париж круто изменил его жизнь, он поднялся на новую ступень как прозаик и публицист.
В 1834 году Генрих Гейне познакомился с молоденькой продавщицей Кресанс Эжени Мира, которую увековечит в стихах под именем Матильды. В 1841 году они поженились.
Ещё в 1846 году у него начался прогрессирующий паралич, а в 1848 году болезнь приковала Гейне к постели. Это несчастье, однако, не положило конец его литературной деятельности. Хотя болезнь превратила его жизнь в сплошное страдание, творческая энергия Гейне даже возросла. Умер он в Париже и был похоронен на Монмартрском кладбище.
Произведения Гейне легко читаются - отчасти потому, что он умел о многом сказать просто и коротко. Он был не только прирожденным поэтом, но и блестящим прозаиком. Острый ум, едкая ирония, сатирический дар видны в его произведениях. Как поэт-лирик он достиг непревзойденного мастерства.
В гитлеровской Германии произведения Гейне были запрещены, а книги публично сжигались.
Гейне был дальним родственником Карла Маркса по материнской линии. Познакомившись в 1843 году в Париже, они не подозревали о своём родстве. Поэт был очарован умом этого молодого философа. Маркс призывал Гейне поставить свой поэтический гений на службу свободе: «Оставьте эти вечные любовные серенады и покажите поэтам, как орудовать хлыстом».
Произведения Гейне переведены почти на все языки мира. На русском языке вышел ряд изданий полных собраний его сочинений. Среди переводчиков стихов Гейне — М. Лермонтов, Ф. Тютчев, А. Блок, Ю. Тынянов, С. Маршак.

[700x272]
Ибсен Генрик Юхан (1828-1906) - норвежский драматург и театральный деятель.
Генрик Ибсен происходит из древней и богатой датской семьи судохозяев, переселившихся в Норвегию около 1720 г.
В 1836 г. отец Генрика обанкротился, и жизнь богатой, хорошо поставленной семьи, круто изменилась. Прежние друзья и знакомые мало по малу стали отдаляться, пошли сплетни, насмешки, всякого рода лишения. Людская жестокость отразилась очень тяжело на будущем драматурге. И так уже от природы необщительный и дикий, он теперь стал еще более искать уединения в ожесточился.
На 16-м году жизни пришлось Ибсену. поступить в ученики в аптеку близлежащего городка Гримштадта. В аптеке, где он пробыл 5 лет, юноша мечтал о дальнейшем образовании и получении докторского диплома.
Революционные идеи 1848 г. нашли в нем горячего приверженца. В первом стихотворении своем, восторженной оде, он воспел венгерских патриотов-мучеников. Жизнь Ибсена в Гримштадте становилась для него все более и более невыносимой. Он возбудил против себя общественное мнение городка своими революционными теориями, вольнодумством и резкостью.
Ибсен. решил бросить аптеку и отправился в Христианию, где ему пришлось вести первое время жизнь полную всяких лишений.
Ибсен основал в 1851 г. еженедельную газету, просуществовавшую несколько месяцев, и поместил в ней несколько поэм и драматическое сатирическое произведение "Норма". Тогда же он познакомился с основателем народного театра в Бергене, Ола-Булем, который предоставил ему должность режиссера и директора этого театра. В Бергене он пробыл 5 лет и в 1857 г. вернулся в Христианию, тоже на должность директора театра. Здесь он оставался до 1863 г.
Женился Ибсен. в 1858 г. и брак его можно назвать счастливым, хотя Ибсен был очень стеснительным и в то же время очень влюбчиывым человеком. В 1864 г., после долгих хлопот, Ибсен получил писательскую пенсию и воспользовался ею, чтобы поехать на юг. Сначала он поселился в Риме, где жил в полном уединении, потом переехал в Триест, затем в Дрезден и Мюнхен, откуда ездил в
Берлин, а также присутствовал при открытии Суэцкого канала.
Наиболее известны его романтические драмы на сюжеты скандинавских саг и исторические пьесы, драматические поэмы «Бранд» (1866) и «Пер Гюнт» (1867), острокритические социальные реалистические драмы «Кукольный дом» («Нора», 1879), «Привидения» (1881), «Враг народа» (1882).
В России Ибсен был одним из "властителей дум" передовой молодежи начиная с 90-х годов, но особенно в начале 1900-х годов. Пьесы и драмы Ибсена не сходят со сцен театров и сегодня.

[700x237]
[700x265]
[700x262]
[700x264]
[700x275]
[700x251]
"По моему глубокому убеждению, Моцарт есть высшая, кульминационная точка, до которой красота досягала в сфере музыки."
Пётр Ильич Чайковский

Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) - австрийский композитор.
Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз , скрипач, органист, дирижер, блестяще импровизировал.Его отец Леопольд был одним из ведущих европейских музыкальных педагогов. Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трёх лет.
В 1762 году отец Моцарта предпринял с сыном и дочерью Анной, также замечательной исполнительницей на клавесине, артистическое путешествие в Мюнхен и Вену, а затем и во многие другие города Германии, Париж, Лондон, Голландию, Швейцарию. Всюду Моцарт возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из труднейших испытаний.
Недолгий жизненный путь Моцарта был полон контрастов. Вундеркинд, в четыре года сочинивший свой первый концерт для клавесина; владевший, кроме того, скрипкой и органом, он еще в раннем детстве завоевал всеевропейскую славу, выступая с гастролями по всей Европе. В зрелые же годы Моцарт жестоко страдал от непризнанности. Находясь в почти крепостной зависимости от деспотичного
архиепископа Зальцбургского, он, порвав эти путы, испытал недоброжелательство и зависть, сгибался под гнетом отчаянной нужды и, несмотря на это, сочинял музыку яркую, жизнеутверждающую, полную оптимистической силы.
Гениальный оперный композитор, оставивший в своем наследии такие шедевры, как «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта», Моцарт создал особую эпоху и в жанре симфонии. За двадцать лет он написал около пятидесяти симфонических циклов.
Первые симфонии, созданные им в шестилетнем возрасте, были подражанием стилю Иоганна Христиана Баха, последние же оказали воздействие на поздние симфонии Гайдна и предвосхитили появление симфоний Бетховена и Шуберта. К глубочайшим по мысли и выражению чувств творениям относится и его церковная музыка, в первую очередь непревзойденный шедевр — Реквием.
Причина смерти Моцарта до сих пор является предметом споров. Знаменитая легенда об отравлении Моцарта композитором Сальери и сейчас поддерживается несколькими музыковедами. Но документальные доказательства этой версии отсутствуют.
Тело Моцарта было привезено к Собору Святого Стефана. Здесь в маленькой часовне состоялась скромная религиозная церемония. Кто из друзей и близких присутствовал при этом, остаётся неизвестным. Потрясенная смертью мужа, Констанца не присутствовала на церемонии из-за болезни и боязни осложнить беременность (второй сын Моцарта, Франц Ксавер, родился после смерти отца. Катафалк отправился на кладбище после шести вечера, то есть уже в темноте. Провожавшие гроб не последовали за ним за городские ворота. Местом погребения Моцарта было Кладбище Святого Марка. Похороны Моцарта проходили по третьему разряду. Погребенными в отдельной могиле с надгробием или памятником могли быть только очень богатые люди и представители знати. По третьему же разряду
общие могилы были рассчитаны на 5-6 человек. В похоронах Моцарта не было ничего необычного для того времени. Это не были «похороны нищего». Впечатляющие (хотя и по второму разряду) похороны Бетховена в 1827 году проходили уже в другой эпохе и, кроме того, отражали резко возросший социальный статус музыкантов, за что всю жизнь боролся сам Моцарт.
В последние годы Моцарт далеко ушел от вкусов современников. Для Читать далее...

[700x217]
История всех времен и народов не знает примера, чтобы две супружеские пары в двух последовательных поколениях внесли столь большой вклад в науку, как семья Кюри.(Профессор В. В. Алпатов).

Пьер Кюри (1859-1906) родился в Париже в семье врача. Вместе с братом Жаком занимался в Сорбонне научными исследованиями. Два юных физика открыли очень важное явление – пьезоэлектричество и изобрели новый прибор – кварцевый пьезометр, используемый для преобразования электрических процессов в механические и наоборот. Затем Пьер Кюри возглавлял практические научные работы
студентов в Парижской школе физики и химии. Эти работы заканчиваются изложением “принципа симметрии”, который станет одной из основ современной науки. Ученый конструирует для научных целей ультра чувствительные весы, так называемые весы Кюри, затем предпринимает исследования по магнетизму и достигает блестящего результата, открыв основной закон – Кюри.
В 1894 г. на одном из заседаний Физического общества Пьер Кюри знакомится с Марией Склодовской. Он был пленен ее красотой, ясным и развитым умом, преданным науке сердцем.

Мария Кюри (1867-1934) – физик и химик, одна из создателей учения о радиоактивности, первая женщина дважды лауреат Нобелевской премии, почетный член ста шести различных научных учреждений, академий и научных обществ. Вместе с мужем Пьером Кюри она открыла полоний и радий, исследовала радиоактивное излучение, ввела термин радиоактивность.
Родилась Мария в большой и дружной польской семье Склодовских. Ее отец и мать посвятили себя школьному образованию, что не могло не сказаться положительно на их детях. С ранних лет Мария хорошо училась и была исключительно упорной и честолюбивой. Гимназию она окончила с золотой медалью. Однако ей рано пришлось задуматься о самостоятельных заработках с помощью
репетиторства и даже быть некоторое время гувернанткой в одной из богатых польских семей. Накопив определенную сумму денег, Мария в 1891 году в возрасте 24 лет отправилась в Париж в Сорбонну на факультет естествознания для получения высшего образования. Ведя жизнь затворницы, Мария упорно и целеустремленно училась. Она вычеркнула из планов своей жизни всякие развлечения и дружеские вечеринки и жила исключительно скромно, без всякого комфорта. Шаг за шагом она накапливала знания в области математики, физики и химии, освоила в одной из лабораторий основы экспериментальной техники. Ей очень нравился лабораторный климат, которому она не изменит на протяжении всей своей творческой жизни.

Мари и Пьер ничего не сделали для украшения трех маленьких комнат в которых жили. Даже отказались от меблировки, предложенной им доктором Кюри. Каждый диван, каждое кресло – только лишний предмет для вытирания пыли по утрам и наведения лоска в дни общей уборки. У Мари нет ни сил, ни времени для этого. Да и к чему все эти диваны, кресла, раз молодые Кюри с обоюдного согласия
отменили у себя прием гостей и вечеринки? Главным для них было служение науке. Являясь авторами уникальной технологии извлечения радия из уран содержащих пород, Мария и Пьер отказались от ее патентования, которое открыло бы им путь к получению больших личных денежных средств. Они считали свое открытие не личным достоянием, а достоянием всего человечества и охотно делились со всеми своими технологическими достижениями. Есть определенные доказательства того, что в этом прославленном союзе мужчины с женщиной их вклад был равным. Они пишут: “мы нашли…”, “мы наблюдали…”, – и только изредка вынуждены употреблять такой трогательный оборот, как: “один из нас обнаружил” (Кюри Е. Мария Кюри).
В 1897 г. у супругов Кюри рождается первая дочь Ирен, будущая обладательница Нобелевской премии. Но рождение ребенка не отвлекло Мари от работы. В один и тот же год, с промежутком в три месяца, она дала миру своего первого ребенка и результат своих первых изысканий (о магнитных свойствах закаленных сталей).
Четыре года в тяжелейших условиях ученые работали над выделением радия – без денег, лаборатории и помощи. Местом их опытов был старый сарай, куда они приходили после основной работы, где зарабатывали скудные гроши. Они вынуждены были откладывать средства из своей зарплаты для покупки огромного количества переработанной урановой руды, чтобы выделить из нее то таинственное
вещество, которое позже назовут радием. Опыты не прекращались ни в жару, ни в дождь, хотя потолки сарая протекали, ни в зимнюю стужу, которая делала пальцы непослушными. В любой свободный миг ученые бежали к своему детищу, где царствовал дух истинного сотрудничества, великого самопожертвования во имя идеи и любви к науке.
В 1903 г. супруги Кюри удостаиваются Нобелевской премии по физике, а в 1904 г. у Марии рождается вторая дочь – Ева.
19 апреля 1906 г. произошла трагедия – Читать далее...

[700x290]
[700x322]
[700x315]
Фёдор Михайлович Достоевский (1821—1881) - один из самых значительных и известных в мире русских писателей и мыслителей.
Родился в Москве. Отец - дворянин, работал лекарем в больнице для бедных. Приобретя в 1831—1832 годах небольшое имение в Тульской губернии, жестоко обращался с крестьянами. Мать происходила из купеческого рода. Фёдор был вторым из 7 детей.
Когда Достоевскому было 15 лет, его мать умерла от чахотки, и отец отправил старших сыновей, Фёдора и Михаила (впоследствии также ставшего писателем), в пансион Костомарова в Петербурге. В 1837 году он поступил в Главное инженерное училище. В 1839 году получает известие об убийстве отца крепостными крестьянами.
Достоевский участвует в работе кружка Белинского. За год до увольнения с военной службы Достоевский впервые переводит и издаёт «Евгению Гранде» Бальзака (1843). Год спустя выходит в свет его первое произведение «Бедные люди», и он сразу становится знаменитым.
Вскоре после публикации «Белых ночей» писатель был арестован (1849) в связи с «делом Петрашевского». Хотя Достоевский отрицал предъявленные ему обвинения, суд признал его «одним из важнейших преступников».
Суд и суровый приговор к смертной казни на Семёновском плацу был обставлен как инсценировка казни. В последний момент осуждённым объявили о помиловании, назначив наказание в виде каторжных работ. Один из приговорённых к казни, Григорьев, сошёл с ума. Ощущения, которые он мог испытывать перед казнью, Достоевский передал словами князя Мышкина в одном из монологов в романе «Идиот». Следующие четыре года Достоевский провёл на каторге в Омске. В 1854 году он был освобождён из каторги и отправлен рядовым в седьмой линейный сибирский батальон. Здесь у него начался роман с Марией Дмитриевной Исаевой, которая была замужем за учителем гимназии, горьким пьяницей. Через некоторое время муж Исаевой скончался и Достоевский венчается с ней.
В 1855 году умирает император Николай I. Достоевский пишет верноподданническое стихотворение, посвящённое его вдове, императрице Александре Фёдоровне, и в результате становится унтер-офицером, а затем и прапорщиком.
Период заключения и военной службы был поворотным в жизни Достоевского: из «искателя правды в человеке» он превратился в глубоко религиозного человека.
В 1860 году Достоевский с женой и приёмным сыном Павлом вернулся в Петербург, но негласное наблюдение за ним не прекращалось до середины 1870-х годов. С начала 1861 года Фёдор Михайлович помогает брату Михаилу издавать собственный журнал «Время», после закрытия которого в 1863 году братья начинают выпускать журнал «Эпоха». На страницах этих журналов появляются такие
произведения Достоевского, как «Униженные и оскорблённые», «Записки из мёртвого дома». Писатель пропагандировал теорию почвенничества. Он полагал, что особый путь исторического развития России поможет ей избежать революционных потрясений.
Достоевский предпринимает поездку за границу с молодой эмансипированной особой Аполлинарией Сусловой, в Баден-Бадене увлекается разорительной игрой в рулетку, испытывает постоянную нужду в деньгах и в это же время (1864 год) теряет жену и брата.
Непривычный уклад европейской жизни довершает разрушение социалистических иллюзий юности, формирует критическое восприятие буржуазных ценностей и неприятие Запада.
В безвыходном материальном положении Достоевский пишет главы «Преступления и наказания». В это же время под угрозой потери прав на свои издания на 9 лет в пользу издателя Стелловского он обязался написать ему роман, на что у него не хватает физических сил. По совету друзей Достоевский нанимает молодую стенографистку Анну Сниткину, которая помогает ему справиться с этой задачей. Роман «Преступление и наказание» был закончен и оплачен очень хорошо, но чтобы эти деньги у него не отобрали кредиторы, писатель уезжает за границу со своей новой женой, Анной Григорьевной Сниткиной. Сниткина обустроила жизнь писателя, взяла на себя все экономические вопросы его деятельности, а с 1871 года Достоевский навсегда бросил рулетку. В октябре 1866 года за двадцать один день им был написан роман «Игрок» для Стелловского.
Последние 8 лет писатель прожил в городе Старая Русса Новгородской губернии. Эти годы жизни были очень плодотворными: 1872 — Читать далее...