[700x402]
[700x380]
[700x305]
[700x302]
Леонардо, работавший при миланском дворе, написал этот портрет. Считается, что моделью была любовница миланского герцога Чечилия Галлерани.
Лоб девушки перехвачен тонкой фероньеркой, на голове у неё прозрачный чепчик, закреплённый под подбородком. На её шее ожерелье из тёмного жемчуга, окаймляющее шею и спускающееся второй, длинной, петлёй на грудь, где оно визуально теряется на фоне квадратного выреза платья. Строгость причёски и отведённый в сторону от зрителя взгляд создают ощущение неяркого, сдержанного образа. На портрете Чечилия поворачивается налево, словно прислушиваясь к кому-то невидимому. Такой портрет в три четверти был одним из изобретений Леонардо. Пальцы Чечилии с трепетной осторожностью ласково касаются шерстки пугливого зверька, горностая, расположившегося в её руках. За свой белый мех горностай считался символом чистоты и целомудрия. Он мог подчёркивать соответствие любовницы герцога официальной придворной морали: женщина должна быть с одной стороны целомудренной, с другой — быть прекрасной возлюбленной. То есть, несмотря на то, что она не состояла в браке, это не является пятном на её репутации. Существует версия, что на картине изображён не горностай, а белый домашний хорёк.
В 1798 году полотно было привезено из Италии в Краков будущим российским министром иностранных дел, князем Адамом Чарторыйским. Его мать Изабелла Чарторыйская, которой он подарил полотно, поместила картину в музей, основанный ею в своем имении Пулавы в 1802 году. Во время Польского восстания 1830 года имущество Чарторыйских было конфисковано Российской империей, но Чарторыйский отослал картину в Париж, где жил сам и размещалась его коллекция. Внук Изабеллы Владислав покинул Францию и вернул собрание в Польшу в 1876 году, где в Кракове открыл Музей Чарторыйских, частью которого стала картина. Незадолго до начала Второй мировой войны она опять была спрятана, но в сентябре 1939 года она попала в руки нацистов. Картина была вывезена в Берлин с целью в дальнейшем отправить её в музей Гитлера. В конце войны она была обнаружена польско-американской комиссией в доме Франка в Баварии и в 1946 году возвращена в Польшу. Картина является предметом национальной гордости Польши. Художественное собрание музея Чарторыйских, в котором находится картина, входит в состав Национального музея в Кракове.

[700x333]
[700x342]
[700x325]
[700x470]
[700x331]
[700x347]
[700x459]
Первое вполне зрелое произведение Леонардо – утверждает торжество нового искусства и даёт полное представление об исключительном мастерстве Леонардо. Икона была заказана монахами церкви имени св. Франциска в 1483 году. Мария в центре, сидит высоко, как на троне. Правой рукой обнимает стоящего внизу мальчика лет трех – Иоанна Крестителя. К его груди прислонен длинный тонкий крест. Ладони рук просительно протянуты к другому мальчику – Христу. Мария властным движением простирает левую руку над Христом. Ее кисть с напряженно раскинутыми пальцами спасительно раскрыта над мальчиком и передает ему свою силу, а Христос благословляющим жестом передает духовное руководство людьми Иоанну. Сзади Христа придерживает архангел Уриил (Уриель). Фон – только что рожденная земля: голые скалы, первые растения, чистые воды, еще не заселенные своими обитателями.
Название «Мадонна в гроте» (или «Мадонна в скалах») носят два варианта одной и той же картины.сюжет. Композиция имеет форму треугольника, в вершине которого помещена Дева Мария. Ранняя и более загадочная версия была заказана для церкви Сан-Франческо-Гранде в Милане. Она должна была стать центральной частью триптиха для церкви Непорочного Зачатия. На картине представлен скальный грот, в центре которого сидит Дева Мария. Возле нее расположились два младенца — Иисус и Иоанн Креститель. Уриил опустился на колени слева от нее, немного позади одного из младенцев. Считается, что ребенок, сидящий справа от Девы Марии, — это Иоанн Креститель. Мария правой рукой обнимает его за плечо. С другой стороны от нее — младенец Иисус. Он сидит, скрестив ножки и подняв правую руку, как будто благословляя второго малыша. Над его головой простерла руку Дева Мария и поднял руку с вытянутым вперед пальцем сидящий позади него архангел Уриил. Принято считать, что младенец благословляющий — это Иисус, тогда как второй Иоанн. В пользу этого говорит и второй вариант картины, на котором сидящий справа от Девы Марии младенец держит длинный крест из тростника, с каким обычно изображают Иоанна Крестителя. Однако, судя по всему, крест был пририсован позднее каким-то другим живописцем, возможно даже, вопреки воле самого Леонардо. На второй, более поздней картине фигуры персонажей немного крупнее, и им подрисованы нимбы. Архангел Уриил не указывает пальцем на младенца справа от Девы Марии, который на этот раз держит крест Иоанна Крестителя. Возникает ощущение, что художник намеренно убрал все следы символизма, дабы избежать нареканий со стороны заказчиков.

[631x454]
Это неоконченная картина, заказанная церковными властями Флоренции. Картина относится к периоду работы Леонардо да Винчи в мастерской Андреа Верроккьо. Она осталась незавершенной, поскольку художник отбыл в Милан в 1482 году.
Центральным героем композиции является кающийся Святой Иероним - церковный писатель, аскет, создатель канонического латинского текста Библии. Фигура Иеронима выразительна. В правой руке он держит камень. Перед ним лежит обычный спутник этого святого — лев. Существует легенда о том, что, когда Иероним жил в монастыре, к нему вдруг пришёл хромой лев. Все монахи разбежались, а Иероним спокойно обследовал больную лапу льва и вытащил из нее занозу. После этого благодарный лев стал его постоянным спутником.
Картина дошла до нашего времени в испорченном состоянии. Она была сильно обрезана и затем распилена на две части, из которых нижняя могла служить крышкой ларя.

[700x376]
В 1481г, при содействии отца, нотариуса монастыря, Леонардо получил самый большой и важный, к тому времени, заказ на большую картину для алтаря в Сан Донато Скопето, церкви монастыря Огастина. В то время, он все еще работал над "Св.Иеронимом", но новый заказ был очень важен и пришлось отложить "Св.Иеронима". Картина осталась незаконченной. В 1482 году Леонардо уехал из Флоренции в Милан. Лоренцо Великолепный, флорентийский банкир, отправил его к миланскому герцогу Лодовико Сфорца, в качестве «посланника муз»: да Винчи должен был представить в Милане изобретенную им лиру, поскольку он был единственным, кто умел на ней играть. Во Флоренцию Леонардо вернется только через 18 лет. Монахи Сан Донато посчитали его поступок бесчестным и пригласили доделать работу другого художника Фра Филиппо Липпи, чьё «Поклонение волхвов» также находится в музее Уффици. Но тот решил, что лучше все начать заново. Так что можно считать настоящим чудом то, что эта неоконченная картина Леонардо сохранилась и дошла до наших дней.
Композиция «Поклонения волхвов» Леонардо необычна и, по всей видимости, почти не имеет аналогов в итальянской живописи. На заднем плане виднеются развалины какого-то дворца (по некоторым версиям — языческого храма), всадники на конях, едва намеченные скалы вдалеке; в центре картины изображена Мария с новорожденным Иисусом, окруженная пришедшими поклониться Сыну Божию паломниками. Свободное место на переднем плане «предназначается» зрителю. Молодой человек справа, предположительно — сам Леонардо в возрасте 29 лет. Три короля, которых в Вифлеем привела звезда поклоняются Ребёнку, сидящему на коленях у матери. Первый король, Каспар(слева,считается, что он самый старый), кланяется низко Матери и Ребенку. второй король, вероятно Балтазар, прильнув к скале, в страхе, протягивает подарок. Человек, опускающийся на колени, с поднятой головой , наиболее вероятно, Мельхиор(самый молодой) из этих трех королей.(считается ,что они представляют Азию, Африку и Европу).

[700x395]
[700x315]

[700x358]
[700x417]
Над сложным многообразием одеяния, которое цветовой гаммой сочетается с причудливой горной цепью на заднем плане, возвышается благородно поднятая глава Марии. Никакое чувство не проникает наружу нарушая совершенные черты лица, только небольшое подобие улыбки играет на губах. Слегка затуманен будто нежным дымчатым покрывалом ее лик — доведенное Леонардо до совершенства в поздние годы творчества сфумато создаёт впечатление отдаления и отрешённости. В противоположность спокойной Мадонне, младенец Иисус изображен в энергичном движении. Он буквально дрожит от возбуждения, пытаясь схватить красную гвоздику, которую держит в своей грациозной руке его мать.
Полотно было куплено в 1889 году Старой пинакотекой как произведение Верроккьо. Авторство книги Дж. Вазари было быстро установлено благодаря описанию картины в книге Дж. Вазари.

[700x370]
[700x303]
[678x553]
Джиневра д’Америго де Бенчи - флорентийская поэтесса и интеллектуалка XV века, платоническая возлюбленная венецианца Бернардо Бембо, который, скорее всего, и заказал этот портрет художнику. Картина изображает молодую девушку в платье терракотового цвета с тёмно-синей шнуровкой на груди. На плечи наброшен тёмно-коричневый шарф. Вопреки обыкновению портретистов того времени, наряд девушки лишён каких-либо украшений, лишь одна маленькая жемчужина стягивает у ворота края прозрачной рубашки, выступающей из-под низкого выреза платья. У девушки характерная для данного периода флорентийской моды причёска — гладко зачёсанные волосы с прямым пробором и двумя вьющимися локонами, обрамляющими лоб. На затылке волосы закреплены белым головным убором или лентой. Нижняя часть портрета предположительно, изображавшая руки модели, утрачена, из-за чего формат картины изменился с поясного на погрудный. Бледное лицо девушки с широкими скулами и узким разрезом глаз выделяется на фоне вечернего сумеречного ландшафта с тёмным кустом можжевельника на среднем плане и прудом с бликами света на воде — на заднем. Структура её гладких волос продуманно изображена в контрасте к жёстким и колким веткам можжевельника, окружающим её лицо своеобразным нимбом, а также прозрачной, зыбкой листве деревьев заднего плана. Контуры фигуры смягчены с помощью эффекта сфумато.
На лицевой стороне при внимательном изучении видны отпечатки пальцев художника, свидетельствующие о том, что растушёвка краски проводилась пальцами. Картина является одним из самых ранних экспериментов итальянских художников с привезённой из Нидерландов манерой писать маслом, и некоторые складки на живописной поверхности показывают, что автор ещё не в совершенстве владеет этой техникой.
Новаторство Леонардо, в частности, заключается в том, что он не только с большим артистизмом написал модель в три четверти и, вероятно, по пояс (в Италии только начала появляться подобная композиция портрета), но и поместил её среди открытого пейзажа, когда женщин всё ещё писали в тщательно замкнутых помещениях, в собственных домах, где пейзаж можно было увидеть лишь через окно. Это — первый шаг на пути создания той портретной формулы пейзажного фона, которая после «Моны Лизы» с его лёгкой руки станет стандартом для портрета Высокого Возрождения.
Полотно находилось в Лихтенштейнской галерее в Вене. После аншлюса портрет был вывезен Лихтенштейнами из Вены в замок Вадуц. Картина была приобретена в 1967 году вашингтонской Национальной галереей искусства у Франца Иосифа II, владетельного князя Лихтенштейна, попавшего в весьма трудное финансовое положение после войны, за рекордную по тем временам сумму в 5 млн долларов США.
Картина выведена у Тарковского в фильме «Зеркало»: В «Зеркале» нам этот портрет понадобился для того, чтобы, с одной стороны, найти меру вечного в протекающих перед нами мгновениях, а, с другой стороны, чтобы сопоставить этот портрет с героиней: подчеркнуть, как и в ней, так и в актрисе Тереховой эту же самую способность быть обаятельной и отталкивающей одновременно. /Андрей Тарковский/

[700x284]
[700x338]
[700x321]
[700x334]
[700x315]
Сюжет «Благовещения» восходит к евангельскому тексту, повествующему о возвещении архангелом Гавриилом Деве Марии о будущем рождении Иисуса Христа. Композиция произведения проста и в определённом смысле традиционна. На переднем плане художник изобразил коленопреклоненного крылатого архангела Гавриила с белой лилией (символ непорочности Девы Марии) в левой руке. Правой рукой архангел благословляет сидящую у своего дома Марию. Одеяния архангела стелятся по ковру из цветов и трав, изображённых довольно условно. Деву Марию художник, согласно традиции, пишет с Библией, которая помещена на мраморную подставку, богато украшенную рельефом. Горизонталь композиции даёт возможность художнику поместить на задний план обширный пейзаж: резные силуэты деревьев, уходящая вдаль река с виднеющимися мачтами кораблей, башни и стены портового города, окутанные бледно-голубой дымкой вершины гор.
Создание картины относится к раннему периоду в творчестве художника, ко времени его учебы и работы в мастерской Андреа Верроккьо. Одухотворенные образы молодой женщины, ожидающей благую весть, и ангела необычайно красивы и нежны. Линии их форм выдержаны в манере да Винчи, что и позволило в свое время определить полотно как шедевр, принадлежащий кисти раннего Леонардо.

[666x424]
[700x399]
Однажды Верроккьо получил заказ на картину «Крещение Христа» и поручил Леонардо написать одного из двух ангелов. Это была обычная практика художественных мастерских того времени: учитель создавал картину вместе с помощниками-учениками. Самым талантливым и старательным поручалось исполнение целого фрагмента. Два ангела, написанные Леонардо и Верроккьо, недвусмысленно продемонстрировали превосходство ученика над учителем. Как пишет Вазари, пораженный Верроккьо забросил кисть и никогда больше не возвращался к живописи.

Леонардо да Винчи (1452-1519) - великий итальянский художник, крупнейший представитель искусства Высокого Возрождения.
Его родителями были 25-летний нотариус Пьеро и его возлюбленная, крестьянка Катерина. Первые годы жизни Леонардо провёл вместе с матерью. Его отец вскоре женился на богатой и знатной девушке, но этот брак оказался бездетным, и Пьеро забрал своего трёхлетнего сына на воспитание. Жил он в это время у деда. В Италии того времени к незаконнорожденным детям относились почти как к законным наследникам. Леонардо не имел фамилии в современном смысле.«Да Винчи» означает просто «родом из городка Винчи». В мастерской Верроккьо Леонардо изучил черчение, химию, металлургию, работу с металлом, гипсом и кожей. Помимо этого юный подмастерье занимался рисованием, скульптурой и моделированием. В возрасте 20 лет Леонардо да Винчи получает квалификацию мастера в Гильдии Святого Луки. У Леонардо было много друзей и учеников. Что же касается любовных отношений, достоверных сведений на этот счёт нет, поскольку Леонардо тщательно скрывал эту сторону своей жизни. Женат он не был, о романах с женщинами достоверных сведений нет. Нашим современникам Леонардо в первую очередь известен как художник. Однако сам да Винчи в разные периоды своей жизни считал себя в первую очередь инженером или учёным. Он отдавал изобразительному искусству не очень много времени и работал достаточно медленно. Поэтому художественное наследие Леонардо количественно не велико, а ряд его работ утрачен или сильно повреждён. В 1516 году Леонардо принял приглашение французского короля и поселился в его замке Кло-Люсе. В официальном звании первого королевского художника, инженера и архитектора Леонардо получал годовую ренту. За два года до смерти у мастера онемела правая рука, и он с трудом передвигался без посторонней помощи. Третий год жизни в Амбуазе 67-летний Леонардо провел в постели. После смерти Леонардо уцелело около 7000 страниц его дневников, находящихся в разных коллекциях. Когда учёные установили авторство, выяснилось, что и амбарные книги, и искусствоведческие эссе, и анатомические зарисовки, и странные чертежи, и исследования по геологии, архитектуре, гидравлике, геометрии, боевым фортификациям, философии, оптике, технике рисунка — плод одного человека. Все записи в дневниках Леонардо сделаны в зеркальном изображении.
[700x473]
[700x312]
[700x316]
Фигура Мадонны освещена светом, идущим откуда-то спереди. Женщина смотрит на ребёнка нежно и задумчиво. Лицо Мадонны изображено в профиль, на губах нет улыбки, лишь в уголках притаился некий её образ. Младенец рассеянно смотрит на зрителя, придерживая правой рукой грудь матери. В левой руке ребёнок держит щегла.
Яркая образность, произведения раскрывается в мелких деталях, которые много рассказывают нам о матери и ребёнке. Мы видим ребёнка и мать в драматический момент отлучения от груди. На женщине красная сорочка с узкой горловиной. В ней сделаны специальные разрезы, через которые удобно, не снимая платье, кормить младенца грудью. Оба разреза были аккуратно зашиты (то есть было принято решение отлучить ребёнка от груди). Но правый разрез был торопливо разорван — верхние стежки и обрывок нити отчетливо виден. Мать по настоянию ребёнка, изменила своё решение и отложила этот нелегкий момент.
Работа была написана для правителей Милана, потом перешла к семье герцога Литта, владельца фамильной картинной галереи в Милане (современное название картины происходит от этого имени её). В 1865 году картина была приобретена Эрмитажем. Сохранность картины была такой плохой, что ее сразу пришлось переложить с дерева на холст.
Вокруг этого произведения не утихают споры. Подвергается сомнению авторство Леонардо, и хотя в его бумагах имеются эскизы к картине, некоторые считают ее плодом работы учеников маэстро(по крайней мере того, что касается одежды и интерьера; все же мало найдется людей, которые бы утверждали, что лицо Богоматери не принадлежит кисти Леонардо).

[700x363]
[700x312]
Леонардо изобразил мадонну очень молодой и миловидной, играющей с сыном, находящей в игре ту же радость, что и ребенок. Ничто не мешает их занятию. Сцена Читать далее...

[700x341]
[700x511]
[700x388]
[700x289]
[700x340]
[700x291]
27. Вайрумати (Vairumati).1896. Париж. Музей д'Орсэ.
28. Предложение.1902. (Фрагмент). Цюрих. Собрание Бурле.
29. Больше никогда (О Таити).1897. Лондон. Галерея института Курто. Картина представляет собой вариацию на тему «лежащая обнаженная»: нагая таитянская красавица лежит на богатой постели и, кажется, напряженно прислушивается к чему-то. На заднем плане виднеется дверном проем, в нем — двое разговаривающих людей; в верхнем левом углу картины — надпись «Nevermore», подпись художника, а рядом — чёрная птица, вызывающая в памяти стихотворение Эдгара По «Ворон»: «…Прочь — из сердца клюв, и с двери — прочь виденье навсегда!» ‎Ворон: «Больше никогда!». Картина навевает скорее тревогу, нежели сладострастие. Женщина, лежащая на постели, выглядит встревоженной; она смотрит не то на ворона, не то на беседующих в соседней комнате. Стиль письма — густые мазки, яркие, выразительные цвета, — словно предвосхищает творчество экспрессионистов.
30. Белая лошадь.1898. Париж. Музей д'Орсэ. Один из кредиторов Гогена, Амбруаз Милло, заказал ему картину. Мсье Милло заведовал одной из двух городских аптек и, очевидно, решил, что он просто обязан поддержать своего клиента, так как предложил цену, намного превосходящую долг Гогена. Правда, зато он попросил написать «понятную и доступную картину». Видно, Гоген и впрямь старался угодить аптекарю, потому что вскоре принес ему «Белую лошадь», которая считается одной из его самых доступных и простых картин. Тем не менее мсье Милло негодующе воскликнул: — Но ведь лошадь зеленая! Таких лошадей не бывает! С большим достоинством и самообладанием Гоген ответил: — Любезный мсье Милло, вы никогда не замечали, каким зеленым все кажется, когда вы вечером удобно сидите с полузакрытыми глазами на веранде в своей качалке и любуетесь игрой света в природе? Милло едко возразил, что коли уж он тратит на картину несколько сот франков, то желает получить за эти деньги полотно, которым можно любоваться при дневном свете, не садясь в кресло и не щурясь. Сделка не состоялась.
31. Две таитянки с блюдом манго.1899. Нью-Йорк. Метрополитен.
32. Всадники на берегу моря.1902. Эссен (Германия). Музей Фольксванг. Гоген начинает ощущать приближение смерти: состояние его здоровья ухудшается с каждым днем, и художник испытывает непреодолимое искушение — впервые за долгие годы — вернуться в Европу. Но, несмотря на все это, у него еще достаточно сил для того, чтобы писать картины. Работы последних лет его жизни наполнены метафорами смерти. Особенно очевидно это в его последнем шедевре — написанной в двух вариантах картине «Всадники на побережье». В духе Дега, Гоген изображает всадников на морском побережье, которое кажется беспредельным. Вся картина пронизана ощущением печали, прощания, предчувствия собственной смерти (которая наступит несколькими месяцами позже). Всадники спокойно приближаются к морю, туда, где безжалостные волны проводят границу между землей и водой — или между жизнью и смертью — и откуда появляются два таинственных духа, одетых в яркие одеяния, которые, наверное, должны сопровождать живых в их последнем путешествии — путешествии в смерть. Роскошные цвета, яркость, сочность данной работы является, своего рода, завещанием Гогена и его последним восторженным гимном жизни на Полинезии.
33. Девушка с веером.1902. Эссен (Германия). Музей Фольксванг. Судьба привела Гогена на остров Доминик.У него обнаружился сифилис. Все тело у него покрылось сифилитическими язвами, особенно раны на ноге. Хотя людоедство исчезло почти повсеместно - варварские обычаи на острове сохранились. Продажа алкогольных напитков туземцам была запрещена. Но островитяне гнали самогон из кокосовых орехов и апельсинов, а потом пили его сообща. А потом, раздевшись догола, пели и танцевали, спариваясь без разбору. Алкоголь и сифилис, завезенный европейцами, привели к тому, что население островов уменьшилось в восемь раз. Некоторые из них еще помнили вкус человеческого мяса. Читать далее...

[700x315]
[700x369]
[700x341]
[700x368]
[700x378]
[700x336]
17. Две таитянки на берегу моря.1891. Париж. Музей д'Орсэ.
18. Таитянка-купальщица.1891-92. Нью-Йорк. Метрополитен.
19. Не пойдём сегодня на базар.1892. Базель (Швейцария). Музей изобразительных искусств.
20. Дух умерших бодрствует. 1892. Буффало (шт. Нью-Йорк). Художественная галерея Олбрайта Нокса. Поводом к написанию полотна послужил случай, когда Гоген, уехав по делам в Папеэте, вернулся поздно ночью. К тому времени масло в лампе исчерпалось, и дом был окутан мраком. Поль чиркнул спичкой и увидел: юная девочка-женщина, оцепенев от ужаса, дрожит, вцепившись в кровать. Туземцы очень боялись привидений и в своих хижинах всю ночь не гасили свет...
21. Автопортрет с палитрой.1891. Нью-Йорк. Частное собрание. Этот автопортрет можно причислить к самым глубоким, хотя в основе его, как убедительно показали исследователи, лежит фотография . Гоген точно повторяет жест правой руки, сжимающей кисть, в правом нижнем углу так же находится палитра. Барашковая шапка и наброшенное на плечи пальто, в которых Гоген представлен на фотографии, сменились на картине клобуком и каким-то тяжелым одеянием вроде монашеской рясы. Фон нейтральный; ничто не отвлекает от образа человека. Гоген суров, сосредоточен. Портрет написан в тот период, когда художник принял решение покинуть цивилизованную Европу.
22. Две таитянки на берегу моря.1892. Дрезден. Картинная галерея.
23. Otahi (Одинокая).1893. Частное собрание.
24. У моря (Рок).1892. Вашингтон. Национальная галерея.
25. Королева.1892. Нью-Йорк. Музей современного искусства.
26. Идолы Луны и Земли.1893. Нью-Йорк. Музей современного искусства.

Ниже представлены остальные марки с картинами (или фрагментами картин) Гогена, которые я приобрёл до 2000 года. К сожалению, ввиду большого объёма материала нет возможности поместить репродукции картин, как это обычно я стараюсь делать.
[700x315]
[700x369]
[700x303]
[700x328]
[700x256]
[700x350]
4. Сбор плодов манго.1887. Амстердам. Музей Ван-Гога.
5. Сенокос в Бретани.1888. Париж. Музей д'Орсэ.
6. Аллея в Арле.1888. Париж. Музей д'Орсэ.
7. Девочки из Польду.1888 Париж. Частное собрание.
8. Видение после проповеди (Яков борется с ангелом).1888. Эдинбург. Национальная галерея. На фоне цвета киновари борются двое, а на первом плане бретонки в белых чепцах смотрят на них. В этой картине сочетаются реальное и фантастическое. Эта картина ознаменовала разрыв художника с импрессионизмом. Изображенная на полотне сцена выполнена Гогеном в синтетическом стиле. Фигуры упрощены и написаны без соблюдения пропорций, а декоративные изогнутые линии напоминают о японских гравюрах. Неестественный красный цвет фона подчеркивает, что все происходящее - фантазия, рожденная воображением крестьянок. Женщины "как бы" видят библейскую сцену борьбы Иакова с ангелом, символизирующую духовную брань на земле. Позы борцов заимствованы Гогеном с японских гравюр Хокусаи.
9. Автопортрет с нимбом.1889. Вашингтон. Национальная галерея.
10. Девочки у моря.1889. Токио. Музей западного искусства.
11. Прекрасная Анжела.1889. Париж. Музей д'Орсэ. Этим портретом Гоген хотел выразить свою признательность молодой чете Сатр за их доброжелательство, за кредит, который мать Анжелы Сатр предоставила ему в своем маленьком кафе рядом с пансионом Глоанек. Анжеле Сатр, вышедшей замуж восемнадцати лет, теперь было двадцать один год. Ее считали самой красивой женщиной в Понт-Авене. Гоген решил подарить ей свою картину. Но если прекрасная Анжела воображала, что художник постарается, передав на портрете сходство, изобразить хорошенькую женщину, она ошиблась. Гоген написал Анжелу в бретонском праздничном наряде, во всей ее монументальности и тяжеловесной невозмутимости. Есть нечто извечное в этом образе женщины без возраста, полукругом отделенной от декоративного заднего плана, на котором неожиданно возникает перуанская статуэтка "Дух умерших бодрствует". Можно себе представить, какие вопли поднялись в семействе Сатр,когда художник открыл перед ним свое полотно! Пока Анжела позировала, Гоген категорически отказывался показать незаконченную работу, отговариваясь тем, что хочет сделать сюрприз. Но среди художников, врагов Гогена, поползли недоброжелательные слухи. Муж Анжелы, Фредерик, пришел в ярость: Гоген хотел посмеяться над его женой, да и над самим Фредериком тоже, поместив рядом с изуродованной Анжелой гримасничающую статуэтку (Фредерик был мал ростом и некрасив). Растерянный Гоген пытался защищаться. "Ты ошибаешься, Фредерик. Я вложил в эту картину все, что мог". Но Фредерик и прекрасная Анжела были так же непоколебимы, как низонский кюре. Пришлось Гогену оставить картину себе..."
12. Чёрные свиньи.1891. Будапешт. Музей изобразительных искусств.
13. Семья Шуффенкер в студии.1889. Париж. Музей д'Орсэ. Эмиль Шуффенкер - художник, друг Гогена.
14. Arearea (Времяпровождение).1892. Париж. Музей д'Орсэ.
15. Таитянская Ева (акварель).1891. Гренобль (Франция). Музей изобразительных искусств. "Не обладая истинной красотой, эта таитянская Ева производит на нас какое-то невыразимо волнующее и таинственное впечатление",-писал Гоген.
16. Орана Мария (Мы приветствуем тебя, Мария).1891. Нью-Йорк. Метрополитен.

Поль Гоген (1848-1903) - французский живописец, крупнейший представитель постимпрессионизма.
Родился в Париже. Его отец был журналистом и умер по дороге в эмиграцию в 1849 году. До семилетнего возраста Поль жил в Перу и воспитывался в семье матери в поместье дяди в Лиме. В 1855 году, когда Полю было 7 лет, он с матерью возвращается во Францию и селится в Орлеане со своим дедом. В 20 лет он на 2 года уходит служить во флот. В 1871 году Гоген возвращается в Париж, где получает должность биржевого брокера. В 1873 году Гоген женился. Его избранницей оказалась датчанка Мэтт-Софи Гад. У него появился комфортабельный дом в пригороде Парижа, любимая жена родила ему пятерых детей. В свободное время Гоген много времени уделяет своему хобби — живописи. В 1881 и 1882 годах он начал выставляться на выставках импрессионистов. В 1884 году Гоген переехал с семьёй в Копенгаген, где продолжал работать брокером. Однако став заниматься живописью всё своё время, Поль оставляет жену и пятерых детей в Дании и возвращается в Париж в 1885 году. Остров Мартиника, куда Гоген уехал в 1887 году вместе с художником Лавалем помог совершить в творчестве мастера эволюцию, сделав заметными в его работах японские влияния. В 1887—1888 годах посетил Панаму. В 1888 году некоторое время жил у Ван Гога в Арле и работал с ним. Пребывание закончилось ссорой, связанной с одним из первых приступов помешательства у Ван Гога. Испытывая с детства, проведённого в Перу (на родине матери), тягу к экзотическим местам и считая цивилизацию «болезнью», Гоген, жаждущий «слиться с природой», в 1891 году уезжает на Таити, где пишет целых 80 полотен. После кратковременного (1893—1895) возвращения во Францию, из-за болезни и отсутствия средств он навсегда уезжает в Океанию — сначала на Таити, а с 1901 года на остров Хива-Оа (Маркизские острова), где берёт себе в жены молодую таитянку и работает в полную силу: пишет пейзажи, рассказы, работает журналистом. На этом острове он и умирает. Несмотря на болезни (в т.ч. проказу), бедность и депрессию, приведшую его к попытке самоубийства, лучшие свои работы Гоген написал именно там. Наблюдение над реальной жизнью и бытом народов Океании сплетаются в них с местными мифами. Слава пришла к художнику после смерти, когда в 1906 году в Париже было выставлено 227 его работ. Влияние творчества Гогена на искусство XX века бесспорно.

Картины из музеев России:
[700x367]
Маорийское название картины — Eu haere ia oe — переводится как «Куда ты идёшь?». Присвоение полотнам «вопрошающих» названий тоже было одной из особенностей художника. События, которые запечатлел художник, разворачиваются в таитянском селении: перед зрителем предстают две простые хижины, крытые травой. На переднем плане картины изображена молодая таитянская женщина, держащая в руках зеленовато-лимонный плод манго, по форме напоминающий сосуд для воды. По иной версии героиня полотна держит за верёвочку специальный сосуд, вырезанный в полости тыквы, и собирается идти по воду. Лицо таитянки серьёзно и выразительно, взгляд — внимателен. Существует версия, что моделью для центрального персонажа картины послужила юная невенчанная жена Гогена, таитянка Техура. Загорелое, смуглое тело женщины, само по себе напоминающее спелый фрукт, написано красивым золотисто-коричневым тоном и передано намеренно плоскостно. Таитянский пейзаж на фоне трактован достаточно обобщённо: на картине нет солнечных лучей или вибрации воздуха, однако зной тропического солнца ощущается и в цвете кожи женщины, и в синеве неба, и в неподвижности ветвей, и в насыщенно-красных пятнах одежды. Первоначально приобретённое московским купцом И. А. Морозовым это полотно входило в его собрание живописи. Полотна Гогена, выставлявшиеся в особняке коллекционера (а их было 8), вызывали у гостей дома неоднозначную реакцию: некоторые из них восхищались творчеством художника, у других оно вызывало возмущение. В декабре 1918 года коллекция Морозова была национализирована большевиками и спустя несколько месяцев реорганизована в собрание «Второго музея новой западной живописи».

[700x312]
Гоген решил окружить свое искусство ореолом тайны, скрытой символикой. Туземцы представлялись художнику прекрасными, гармоничными существами, живущими единой жизнью с окружающей природой. Воспевание «тихоокеанского рая» составляет содержание творчества Гогена.
Этой картине художник дает идиллическое, хотя и несколько манерное название «Таитянские пасторали». Гоген совершенно отказывается от передачи освещения; цвет у него становится локальным и неподвижным. Одновременно он стремится к лаконичному упрощению формы и сокращению перспективной глубины. Картина Читать далее...

[510x368]
[700x376]
[700x322]
[521x365]
57. Автопортрет.1899. Уильямстон (США, штат Массачусетс). Собрание Кларк.
58. Автопортрет в белой панаме.1910. Париж. Собрание Дюран Рюэль.
59. Спящая на берегу моря.1897. Винтертур (Швейцария). Собрание О.Рейнхарт. Колорит Ренуара приобретает особую светозарность, этот период называют «перламутровым».
60. Купальщица (Деде у родника).1906. Цюрих. Собрание Бурле.
61. Женщина у источника.1910. Нью-Йорк. Собрание Розенберг.
62. Купальщица.1910. Сан-Пауло. Музей изобразительных искусств.
63. Грациэлла.1910. Детройт (США). Музей изобразительных искусств.
64. Сидящая купальщица (рис.).1897. София. Национальная галерея.

[700x310]
[700x294]
[700x314]
[700x363]
[700x335]
46. Юная купальщица. Нью-Йорк. Метрополитен.
47. Голова девочки (бумага,пастель).1890. Париж. Частное собрание.
48. Джерси.Бухта Мулен.1888. Лондон. Национальная галерея.
49. После купания.1888. Токио. Собрание Райнхарт.
50. Купальщица.1896. Частное собрание.
51. Купальщица,сидящая на берегу.1892. Париж. Собрание Дюран Рюэль.
52. Обнаженная в кресле.1900. Цюрих. Кюнст-хауз.
53. Букет роз.1890. (на марке блока слева). Париж. Музей д'Орсэ.
54. Клод. 1905. Частная коллекция.
55. Две девушки в саду.1890. Лондон. Собрание Нирчес.
56. За фортепьяно. 1892. Нью-Йорк. Метрополитен. Обе девушки внимательно и увлечённо смотрят на ноты, по-видимому, подбирая какую-то мелодию. Спокойная, идиллическая картина была выставлена на выставке Ренуара 1892 года, и в том же году была куплена Музеем в Люксембургском саду. Это была первая картина художника, закупленная для государственного собрания.

[700x304]
[700x317]
[700x377]
[700x300]
[700x306]
35. Джерси. Холмы Мулен Хает.1883. Нью-Йорк. Метрополитен. Как и все импрессионисты, Ренуар работал на пленэре, передавая сиюминутное состояние натуры.
36. Женщина, лежащая на кушетке. (Фрагмент). Париж. Музей Оранжери.
37. Купальщица. 1893. Частная коллекция.
38. Мадмуазели Каэн (Розовая и голубая).1881. Сан-Паулу. Музей изобразительных искусств. Немногие художники писали детей с такой искренней любовью и симпатией, как Ренуар. Он умел передать исходящее от любого ребенка очарование, не впадая при этом в слезливую сентиментальность. Добиться успеха на этом нелегком поприще во многом помогал мягкий характер Ренуара, да еще отчасти та невероятная скорость, с которой он писал: его маленькие модели не успевали устать, а картина уже была закончена, как это случилось с девочками, изображенными на этой картине.
39. Жан Ренуар (сын художника).1901. Виржиния (США). Музей изобразительных искусств. Жан Ренуар стал знаменитым кинорежиссёром.
40. Натюрморт с персиками.1881. (На марке справа). Нью-Йорк. Метрополитен. Ренуар был достаточно честен, чтобы признать простую вещь: натюрморты легко пишутся и при этом могут приносить хороший доход. "Если бы я продавал только хорошие картины, - замечал он, - я бы умер с голоду". Разумеется, нельзя все натюрморты Ренуара причислять к его первоклассным работам, однако лучшие из них великолепны по цвету, и изысканные по стилю. Натюрморты в целом, и особенно цветы, всегда позволяли, как он говорил, "отдохнуть его мозгам".
41. У моря.1883. Нью-Йорк. Метрополитен.
42. Обнаженная девушка.1880. Париж. Музей Родена.
43 Пейзаж с фигурами. Бухарест. Музей изобразительных искусств.
44. Ребёнок с кнутиком.1885. Санкт-Петербург. Эрмитаж.
45. Девочка с медвежонком. (Данные по картине не найдены).

[700x296]
[700x326]
[700x335]
[700x379]
[700x407]
23. Девочка в соломенной шляпе.1884. Нью-Йорк. Собрание Фогель. В очень сложном жанре детского портрета Ренуар не знает себе равных среди своих современников.
24. Белокурая купальщица.1881. Уильямстон (США, штат Массачусетс). Собрание Кларк. Полны неповторимого изящества и грациозности ренуаровские образы обнаженных женщин. Модели Ренуара далеки от классического идеала красоты; он отдавал предпочтение круглолицым миловидным женщинам с пышными формами и крепкими руками.
25. Девочка с голубой лентой в волосах (Мадмуазель Гримпель).1880. Париж. Собрание Жеваль. В течение своей долгой творческой жизни Ренуар написал множество детских портретов. В них чувствуется удивительная теплота и симпатия, которую художник испытывал к своим маленьким моделям. Будучи сам счастливым отцом троих детей, он неоднократно писал и рисовал их, наполняя детские портреты личными чувствами и эмоциями. Природное, почти детское простодушие, которым, по воспоминаниям его близких, отличался сам художник, позволило ему проникнуть в тайну детской души. Удивительная непринужденность детских образов особенно поражает еще и потому, что ребенка очень трудно заставить сидеть или стоять неподвижно.
26. Большие купальщицы.1884-87. (Фрагмент). Филадельфия. Музей изобразительных искусств. В 1881—82 гг. Ренуар совершил путешествие по Италии, где с большим интересом изучал работы итальянских мастеров. По возвращении во Францию художник резко меняет свою живописную манеру: рисунок становится точнее, контуры четче, все элементы художественной формы начинают тяготеть к «классичности». Кульминацией и шедевром этого стиля живописи (получившего название «сухого») стала картина «Большие купальщицы». Для картины Ренуару позировали Алина Шариго, будущая жена Ренуара, и Сюзанна Валадон (на марке), впоследствии ставшая известной художницей.
27. Мадемуазель Ирэн Каэн.1880. Цюрих. Собрание Бурле. Ирэн Каэн д'Анверс - дочь богатого финансиста и банкира. Этот портрет выделяется среди заказных работ Ренуара. Фоном ему служит густая зелень, которая еще больше подчеркивает нежный овал лица и густые длинные темно-рыжие волосы, рассыпанные по плечам и опускающиеся до линии талии на светлом голубом платье. Выражение лица и глаз Ирэн передает нам ощущение душевной сосредоточенности и даже печали, так редко встречающейся в творчестве Ренуара. Что-то взволновало художника, и он под влиянием настроения и своего понимания настроения девушки создал портрет, построенный на плавных и спокойных ритмах, передающих расположение густой зеленой листвы вокруг фигуры и головы девушки, оттеняющих прекрасные длинные нити ее пышных волос, спокойно лежащие на широком подоле платья руки. Большие серые глаза Ирэн особенно поражают вдумчивым и спокойным выражением. Прекрасная гармония цветов, четкий рисунок композиции, психологическая содержательность образа выделяют этот портрет в богатом творческом наследии Ренуара.
28. В Люксембургском саду.1883. Сан-Прекс (Франция). Частное собрание.
29. В саду (Столик под деревьями в Мулен де ла Галетт).1876. Москва. ГМИИ им.Пушкина. Для картин 1870-х гг. характерен интерес О.Ренуара к выразительной, как бы случайно подсмотренной жизненной ситуации и обращение его в связи с этим к композиционному приему срезывания рамой персонажей картины.
30. Дама в чёрном (Мадам Артманн). Санкт-Петербург. Эрмитаж. В портрете создан лирический образ женщины "ренуаровского типа", покоряющий естественной гармонией и женственностью. Исполненное в период расцвета импрессионизма, произведение демонстрирует сложные цветовые нюансы, прежде всего, в изображении черного платья. Черный цвет, меняющийся в оттенках под воздействием световоздушной среды, передан красочными отношениями широкого диапазона, и лишь в самых глубоких тенях использована черная краска. Столь же виртуозно показана игра цветовых рефлексов на белых манжетах и воротнике. Лицо написано более гладко и более детально. Этот прием, характерный для портретов кисти Ренуара, сочетается со свободным вибрирующим мазком. По одной из версий, портрет изображает госпожу Артманн, жену известного Читать далее...

[700x338]
[700x322]
[700x344]
[700x328]
[700x320]
12. Этюд к портрету актрисы Самари.1877. Москва. ГМИ им.Пушкина.
13. Купальщица с собачкой.1870. Сан-Паулу. Музей изобразительных искусств.
14. Букет цветов перед зеркалом.1876. Париж. Частное собрание.
15. Нагая женщина, сидящая на кушетке.1876. (М-ль Анна).Москва. ГМИИ им.Пушкина. Современный тип женской красоты Ренуар утверждает и в изображении обнажённой натуры, достигая редкой изысканности, построенной на сочетании основного золотистого тона и зеленовато-голубых рефлексов, мягкой и гибкой пластичности в трактовке нагого тела.
16. Зонтики.1879. Лондон. Национальная галерея. Над этой картиной Ренуар работал на протяжении ряда лет, как раз в то время, когда произошли кардинальные перемены в его манере письма. Платья на женщинах, изображенных в правой части картины, соответствуют моде 1881 года, а платье на женщине слева - моде 1886 года. Имеются также различия в цветовом решении этих частей картины. Фигуры двух девочек, стоящих с правой стороны картины, написаны мягкими, воздушными мазками, характерными для Ренуара-импрессиониста, а фигуры в левой части полотна выполнены уже другим стилем, более конкретным. Несмотря на эти различия, картина смотрится очень цельно и считается одной из самых известных работ Ренуара - оригинальной по замыслу и наполненной живыми, яркими деталями.
17. Мадам Шарпантье с детьми.1878. (Фрагмент). Нью-Йорк. Метрополитен. Мадам Шарпантье немало хлопотала за своего любимого художника, заказывала ему картины членов своей семьи, но главное, и она и её муж верили, что импрессионизм имеет большое будущее.
18. Прогулка (Качели).1876. Париж. Музей д'Орсэ. (в части 1 п.5 представлена ещё одна марка с фрагментом этой картины).
19. Портрет модели (Марго Легран).1878-80. Париж. Музей д'Орсэ. После связи с Лизой Трео Ренуар лишь однажды пережил любовное приключение, сладостное и трагическое, с юной натурщицей Маргерит Легран, прозванной на Монмартре Малышкой Марго. Далеко не ангелочек, эта развязная уличная девчонка водила знакомство с подозрительными личностями, что приводило Ренуара в отчаяние. Но ему нравилась безудержная веселость и свежая прелесть девушки. В конце 1878 Малышка Марго заболела оспой, её самочувствие быстро ухудшалось. Она умерла в конце февраля 1979, оставив Ренуара в полной растерянности.
20. Девушка с веером (М-ль Фурнез).1881. Санкт-Петербург. Эрмитаж.
21. Обнажённая на пленере.1883. Париж. Музей д'Орсэ.
22 Обнажённая на пленере. Бухарест. Музей изобразительных искусств.

На марках, которые я приобрёл до 2000 года, представленных ниже, изображено 65 картин (или фрагментов картин) Ренуара. К сожалению, ввиду большого объёма материала нет возможности поместить репродукции картин, как это обычно я стараюсь делать.
[700x312]
[700x297]
[700x311]
[700x306]
1.Портрет мадемуазель Ромен Ланко.1864. Кливленд (США, штат Огайо). Музей изобразительных искусств.
2. Художник в осеннем лесу.1866. (На марке слева). Сан-Паулу. Музей изобразительных искусств.
3. Мадемуазель Жоржетта Шарпантье.1876. Токио. Бриджестон-музей.
4. Розы в синей вазе.1870-72. Лондон. Собрание Лефевр. В творчестве Ренуара цветы занимают большое место. Во-первых, он часто изображал их сами по себе. А во-вторых, художник любил рисовать женщин, которые по моде того времени любили украшаться цветами. Вероятно, эти две любимые темы — цветы и женщины — и делают творения Ренуара такими яркими, оптимистичными и жизнеутверждающими.
5. Прогулка (Качели).1876. Париж. Музей д'Орсэ. Художник сделал сюжетом своего большого холста случайный эпизод обыденной жизни. Такой подход к выбору тем для своих картин стал отличительной особенностью живописи импрессионистов. В 1875 году Ренуар знакомится с Маргаритой Легран, которая на четыре года, вплоть до своей ранней смерти в 1879 году, становится любимейшей моделью Ренуара. По-видимому, именно она качается на качелях, позируя художнику. В левой нижней части картины "Качели" Ренуар поместил очаровательную детскую фигурку. Взрослые радуются жизни, расположившись в тени деревьев, сквозь листву которых пробиваются на землю, на фигуры, на их одежды и шляпы солнечные лучи. Эти лучи яркими пятнами легли на желтую шляпку девочки, залили ярким светом ее плечо, край платья, розовыми отсветами легли на обнаженные руки. Девочка подняла голову и восторженно смотрит на очаровательную девушку, раскачивающуюся на качелях. Этот непосредственный и чистый восторг ребенка придает всей сцене неизъяснимую прелесть, и мы как бы видим весь сюжет ее глазами. Ренуар искусно и щедро расцветил красками всю картину, где в общем синем и голубом колорите торжественно сияют зеленые, желтые, розовые и белые краски.
6. Верховая прогулка в Булонском лесу.1873. Гамбург (Германия). Кюнстхалле.
7. Ложа.1874. Лондон. Галерея института Курто. На картине изображены женщина и мужчина, сидящие в ложе оперного театра. Для этой картины позировал родной брат Ренуара — журналист Эдмон Ренуар и монмартрская натурщица Нини Лопес. Картина полна свежести и лишена какой-либо наигранности. Она была выставлена на первой выставке импрессионистов и стала одним из символов импрессионизма.
8. На террасе (Две сестры).1875. Чикаго. Галерея Художественного института. Картина была написана на террасе Дома Фурнез — ресторана, расположенного на острове на реке Сена, который находился в Шату, западном предместье Парижа. В качестве «старшей сестры» Ренуару позировала Жанна Дарло, будущая актриса, которой на тот момент было 18 лет. Неизвестно, кто позировал в качестве «младшей сестры».
9. Девочка с лейкой.1876. Вашингтон. Национальная галерея.
10. Купальщица, освещенная солнцем.1875-76. Париж. Музей д'Орсэ. Ренуар был одним из величайших мастеров изображения ню за всю историю живописи. Он любил женское тело и умел живо передать его на холсте. Одна из знаменитых шуток Ренуара : «Я продолжаю работать над обнаженной натурой до тех пор, пока мне не захочется ущипнуть холст». Впрочем, ведущей темой в творчестве Ренуара обнаженная натура стала не раньше середины 1880-х годов.
11. Мадам Моне, читающая "Ле Фигаро".1872. Лиссабон. Музей Калост Гульбенкиан.

Пьер Oгюст Ренуар (1841-1919) - французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма. Его искусство радостно и лучезарно, поэтому его прозвали «певцом счастья».
Ренуар был шестым ребёнком небогатого портного в городе Лиможе. В 1844 году Ренуары переезжают в Париж, и здесь Огюст поступает в церковный хор. У него оказался такой голос, что регент хора пытался убедить родителей мальчика отдать его учиться музыке. Однако помимо этого у Огюста проявился дар художника, и когда ему исполнилось 13 лет, он начал помогать семье, устроившись к мастеру, у которого научился расписывать фарфоровые тарелки и другую посуду. По вечерам Огюст посещал школу живописи. В 1865 году он познакомился с 16-летней девушкой Лизой Трео, которая вскоре стала возлюбленной Ренуара и его любимой моделью. Их связь продолжалась до 1872 года, когда Лиза оставила Ренуара и вышла замуж за другого. Творческая карьера Ренуара прерывалась в 1870—1871 годах, когда он был призван в армию во время франко-прусской войны, закончившейся сокрушительным поражением Франции. В 1872 году Ренуар с друзьями создал «Анонимное кооперативное товарищество». Первая выставка товарищества открылась 15 апреля 1874 года. Ренуар представил пастель и шесть живописных полотен, среди которых были «Танцовщица» и «Ложа» (обе — 1874). Выставка закончилась провалом, а члены товарищества получили оскорбительную кличку — «импрессионисты». Несмотря на бедность, именно в эти годы художник создал свои главные шедевры. Постепенно он перестаёт участвовать в выставках импрессионистов. В 1890 году Ренуар женился на Алине Шариго, с которой познакомился десятью годами раньше, когда та была 21-летней белошвейкой. У них уже был сын, Пьер, родившийся в 1885 году, а после свадьбы у них появились ещё два сына — Жан, родившийся в 1894 году, и Клод (известный как «Коко»), родившийся в 1901 и ставший одной из самых любимых моделей отца. К тому времени, когда окончательно сложилась его семья, Ренуар достиг успеха и славы, был признан одним из ведущих художников Франции и успел получить от государства звание кавалера Ордена Почётного легиона.
Личное счастье и профессиональный успех Ренуара были омрачены его болезнью. После приступа паралича, случившегося в 1912 году, Ренуар был прикован к инвалидному креслу, однако продолжал писать кистью, которую вкладывала ему между пальцев сиделка. Однажды, наблюдая за тем, с какой болью даётся ему каждый мазок кисти, его ближайший друг Матисс не выдержал и спросил: «Огюст, почему вы не оставите живопись, вы же так страдаете?» Ренуар ограничился лишь ответом: «La douleur passe, la beauté reste» (Боль проходит, а красота остаётся). И в этом был весь Ренуар, творивший до последнего вздоха.
В последние годы жизни Ренуар снискал славу и всеобщее признание. Скончался художник в Кане от воспаления лёгких в возрасте 78 лет. Похоронен в Эссуа.
[700x462]
С известной французской артисткой театра "Комеди Франсез" художник познакомился в 1876 году в доме писателя Альфонса Доде. Ренуар признавался, что едва ли видел актрису на сцене. Но он написал ее портрет, и вряд ли найдется в мировой живописи много портретов, где бы так естественно сочетались мысль и чувство, румянец жизни и обаяние человеческого разума. Этюд к портрету был создан в те счастливые минуты, когда вдохновленный моделью художник, не ограниченный необходимостью угождать вкусам заказчика, работал в полном согласии с собой. Он любил рисовать детей и женщин, в них острее чувствовал цветение красоты и молодости жизни. Розовый фон определяет общее состояние всего портрета. Белый холст, просвечивая через тонкий красочный слой, придает розовому цвету особую светоносность и подвижность. На розовом фоне горят золотистые волосы Жанны Самари, подвижные мазки кисти художника намечают ее плечи. Чётко прорисованы глаза и губы Жанны Самари. Они будто рождаются из розового цвета, который становится частью ее существа.

[687x481]
Девушка с веером" - это Альфонсин Фурнез, дочь владельца кабачка "Лягушатник", неоднократно позировавшая Ренуару. В этом кабачке девушку называли красавицей Альфонсин. Красота ее не в классических чертах, а в очаровании молодости, живых красках лица, блеске глаз. Образ исполнен обаяния, которое мастер воспевает в своих героинях. Тщательная проработка лица позволяет разглядеть детали, тогда как руки, платье, веер переданы более обобщенно. Великолепно раскрыты молодость, красота, здоровье, свежесть и то, еще бездумное, наслаждение жизнью, которое свойственно лишь очень Читать далее...