[700x251]
[700x256]
[700x255]
Приверженцы приоритета России в деле создания первого в мире самолёта считают, что это был самолёт Можайского. В 1882 в присутствии представителей военного ведомства Российской Империи и Русского технического общества была предпринята попытка взлета на самолете с паровой силовой установкой, построенном по проекту русского морского офицера Александра Фёдоровича Можайского. Согласно ряду исследований, проведенных в XX веке в СССР, имеющаяся мощность двигателей также не позволяла самолёту Можайского совершать установившийся полёт, однако по утверждению очевидцев, имел место кратковременный отрыв аппарата от земли, в результате которого аппарат пролетел более 100 саженей. В России практическое развитие авиации задержалось из-за ориентации правительства на создание воздухоплавательных летательных аппаратов.
В современной академической литературе, касающейся авиастроения, наиболее распространено мнение, что первым самолётом, который смог самостоятельно совершить устойчивый управляемый горизонтальный полёт, стал «Флайер-1», построенный братьями Орвилом и Уилбуром Райт в США. Первый полёт самолёта в истории был осуществлён 17 декабря 1903 года. «Флайер» продержался в воздухе 59 секунд и пролетел 260 метров.
В 1909 году русское правительство наконец проявило интерес к самолётам. Было решено отклонить предложение братьев Райт о покупке их изобретения и строить самолёты своими силами.

1. Самолет А. Ф. Можайского. 1882 г.
О самолёте Можайского и о нём самом написан пост ранее.

2. Биплан С. В. Гризодубова "Гризодубов -Райт". 1910 г.
Степан Васильевич Гризодубов (1884-1965) был одним из первых русских авиаторов и конструкторов. Несмотря на ограниченные средства, он за три года (1909—1912 гг.) сумел построить четыре самолета и двигатель своей конструкции. Первый самолет был построен в 1910 г. в основном руками самого изобретателя. Он же сумел построить и двигатель к нему мощностью 40 л. с.. Самолет «Гризодубов-Райт № I» в общем имел сходство с бипланом «Райт», но отличался от него наличием стабилизатора и шасси с деревянными колесами, а также силовой установкой. Самолет не летал, так как постоянно рвались цепные передачи от двигателя к воздушным винтам.

3. Самолет "Россия-А" ("Фарман-IV"). 1910 г.
Самолет Анри Фармана "Фарман-IV" стал эталоном для множества конструкторов. Его выпускали по лицензии, копировали, делали по его "образу и подобию". Само его название стало нарицательным - фраза "самолет типа Фарман" обозначала любой ферменный биплан с толкающим винтом и дополнительным рулем высоты на балках перед крылом. С появлением более новых типов самолетов "Фарманы-IV" все больше применялись для обучения. Благодаря простоте пилотирования, они оказались очень подходящими для этой роли. Большинство военных летчиков Первой мировой войны учились летать именно на машинах этого типа. Самолет "Россия-А", изображённый на марке, был сделан на основе "Фармана-III" в 5 экземплярах, и внешне не значительно отличался от "Фармана-IV".

4. Самолет "Русский витязь". 1913 г.
Первый в мире четырёхмоторный самолёт, дал начало тяжёлой авиации. Создан И. И. Сикорским в качестве опытного самолёта для стратегической разведки. Первый полёт был совершён в мае 1913 года. 2 августа 1913 года был установлен мировой рекорд продолжительности полёта — 1 час 54 мин.
Игорь Иванович Сикорский (1889-1972) - российский и американский авиаконструктор и промышленник. С 1912 по 1917 года занимал должность главного конструктора Русско-Балтийского завода в Петербурге, поставлявшего аэропланы для русской армии. Сикорский стал весьма состоятельным человеком, но лишился всего, бежав из России в период революции 1917. До 1939 он создал в США более 15 типов самолетов. В дальнейшем он стал самым успешным создателем вертолётов.

5. Летающая лодка Д. П. Григоровича. 1914 г.
Дмитрий Павлович Григорович (1883-1938) - украинский и советский авиаконструктор, специалист по гидросамолётам. После постройки экспериментальных летающих лодок М-2, М-3, М-4, в 1914 году он создал летающую лодку М-5. Это был двухместный биплан деревянной конструкции. Летающая лодка поступила на вооружение российского флота в качестве разведчика и корректировщика артиллерийского огня. Гидросамолеты Григоровича производились в США, Великобритании, Италии и Франции по проектам, которые продало за границу Временное правительство России. В июле 1917 года Григорович стал владельцем завода, на котором он раньше работал. В 1918 году после национализации завода Григорович уехал в Севастополь, а в 1922 году переехал в Москву. Здесь, возглавляя КБ завода ГАЗ №1 (бывший «Дукс»), Читать далее...

[700x419]
Санкт-Петербургский монетный двор основан Петром I в 1724 году на территории Петропавловской крепости. Тогда своим именным указом Пётр I повелел «золотую монету в Санкт-Петербурге делать в крепости». В этом году на рублевиках впервые появилась аббревиатура «с.п.б.», ставшая опознавательным знаком санкт-петербургского чекана до 1914 года. Чеканил общегосударственные золотые, платиновые, серебряные и медные монеты всех достоинств, а также иностранные монеты: нидерландские дукаты (1768—1869 гг.) и турецкие пиастры (1808—1809 гг.). На Монетном дворе помимо чеканки монет, выполнялись медальерные работы. В 1922 году здесь началась чеканка советской монеты. В августе 1941 года основная часть оборудования Монетного двора была эвакуирована в Краснокамск и расположена в помещениях бумажной фабрики Гознака. Краснокамский монетный двор по своей производственной мощности не удовлетворял возросшую потребность в орденах и медалях, а возможностей для его расширения не было. Поэтому Совет Народных Комиссаров СССР поручил Наркомфину СССР создать Монетный двор в Москве.
Здания Монетного двора являются архитектурными памятниками Санкт-Петербурга. Первоначально «казармы для распространения монетного дела» находились между Екатерининским (Нарышкиным) и Трубецким бастионами. В 1798—1806 гг. для Монетного двора было построено специальное здание. Сохранился чертёж архитектора Антонио Порто, позволяющий считать его автором проекта. Боковые крылья от центрального двухэтажного здания заканчиваются круглыми башнями, перекрытыми куполами. Своеобразие и выразительность композиции фасада, умелое решение плана позволяют отнести здание Монетного двора к числу лучших сооружений русской промышленной архитектуры России периода позднего классицизма (конец XVIII века).

[700x409]
[700x497]
[700x337]
[696x493]
[700x512]
1. Портрет мадам Серизиа с сыном Эмилем. 1795. Париж. Лувр.
В девичестве Эмилия Пекуль - сестра жены художника. Этот портрет относится к числу лучших работ художника. С этого времени в мастерской Давида начинает складываться то классическое направление в искусстве, которое позднее будет названо ампиром (что означает «стиль империи»).

2. Портрет мадам де Вернинак. 1799. Париж. Лувр.
Творчество Давида идет как бы двумя путями: с одной стороны, он пишет исторические полотна на античные сюжеты, где с помощью отвлеченных образов стремится донести до зрителя идеалы, волнующие предреволюционную Францию, а с другой — создает портреты, утверждающие образ реального человека, причем эти две грани его творчества не смешиваются.

3. Портрет мадам Рекамье. 1800. Париж. Лувр.
Жанна Франсуа Жюльетта Аделаида де Рекамье (1777-1849) - В пятнадцатилетнем возрасте она вышла замуж за Жака Рекамье богатого банкира, который был на тридцать лет старше ее. Её салон был модным политическим и литературным центром, постепенно объединившим людей, оппозиционно настроенных по отношению к Наполеону. Одна из немногих отвергла ухаживания Наполеона. По распоряжению Наполеона в 1811 была выслана из Парижа. Вернулась назад в 1814. В 1819 переселилась в монастырь Аббе-о-Буа, где в ее салоне собирались политические деятели, литераторы, ученые (Шатобриан, Ампер и другие).
Жюли Рекамье заказала Давиду свой портрет. Он принялся за работу, однако постоянно не был удовлетворён условиями, в которых приходилось писать. По его словам, то комната была слишком тёмной, то свет исходил из слишком высокой точки. Работа шла настолько медленно, что мадам Рекамье не выдержала и предложила Франсуа Жерару окончить портрет. Рассерженный Давид советовал Жерару принять предложение, а когда Жюли Рекамье в следующий раз пришла в Лувр, чтобы позировать Давиду, он сообщил ей: «У женщин есть свои капризы, а у художников свои. Позвольте мне удовлетворить мой каприз: я оставлю ваш портрет в его теперешнем состоянии». Давид сожалел об этом всю оставшуюся жизнь. Несмотря на эту внезапную остановку, а, возможно, и благодаря ей, «Портрет мадам Рекамье» в своей мягкой жёлто-голубой гамме является прекрасным примером мастерства Давида.

4. Портрет мадам Пасторе. 1792. Чикаго. Институт искусств.
На портретах изображено то, что живописец наблюдает в действительности. Он создает образы людей, довольных своей жизнью и богатством, которое они охотно выставляют напоказ.

5. Портрет мадам Трюден. 1792. Париж. Лувр.

[700x324]
[560x700]
[633x486]
[700x490]
[698x522]
1. Автопортрет. 1794. Париж. Лувр.
Жак-Луи Давид имел глубокую рану на лице, полученную при фехтовании. Это рана прорисована во многих автопортретах художника, она задевает некоторые ветви лицевого нерва. Эта травма привела к тому, что художник имел трудности в проговаривании некоторых звуков, движении лицевых мышц, к тому же она привела к образованию нароста на щеке. Это было препятствием в его активной социальной жизни, так как отличительной чертой социальной культуры Франции 18 века была ораторское умение.

2. Портрет барона Жерара. 1816. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.
В портретах Давид проще, чем в картинах. Портрет генерала Жерара также принадлежит к одним из лучших его портретных работ.

3. Портрет Александра Ленуара. 1817. Париж. Лувр.
Александр Ленуар - археолог, основатель французского музея исторических памятников. Выписанность деталей характеризует этот портрет.

4. Портрет Пьера Серизиа. 1795. Париж. Лувр.
Шурин Жака Луи Давида, Пьер Серизиа (1757-1847), был судьей. Он женился в 1790 году на сестре жены художника . Самый яркий из живописцев классицизма, Давид возможно более известен своими картинами, которые прославляют темы гражданского достоинства и свободы и полотнами с описаниями событий во времена правления императора Наполеона I. Однако, и этот портрет демонстрирует, как художники конца XVIII столетия отвергали легкомыслие и излишества стиля рококо времен короля Людовика XV и стремились к классическому идеалу.

[700x392]
[700x522]
[700x455]
[700x529]
1. Любовь Париса и Елены. 1788. Париж. Лувр.
Грациозно-женственное начало, которое Давид любит противопоставлять брутально-мужскому (женско-мужские оппозиции в полотнах Клятва Горациев и Брут), всецело преобладает в жеманно-эротичном полотне Любовь Париса и Елены.
Зевс поручил Парису рассудить споривших между собой о красоте Геру, Афину и Афродиту (Суд Париса). Афродита пообещала Парису прекраснейшую из смертных женщин — Елену, жену царя Спарты Менелая. При поддержке Афродиты Парис похитил Елену, что явилось причиной Троянской войны. Две другие богини, возненавидевшие Париса, способствовали поражению Трои в этой войне.

2. Смерть Сократа . 1787. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.
На этой картине Сократ, готовый выпить по приговору суда чашу с ядом, обращается к ученикам с прощальными словами. Философ поднял руку, а другую протянул в сторону чаши. Его жест, когда рука вот-вот коснется сосуда со смертельным напитком, но все-таки не касается его, повисая в воздухе, - ключевой, потому что создает впечатление остановившегося времени. В результате, как бы ни страдали последователи Сократа, смерть побеждена, потому что о ней забыл и сам учитель, увлеченный тем, что скажет своим последователям и оставит после себя. Тема бессмертия человеческого духа подчеркнута величием изображенных людей, выраженным в их движениях и лицах, сдержанным монохромным колоритом полотна и всей композицией: расположение персонажей вдоль передней плоскости картины напоминает фриз, что придает торжественность всей сцене.

3. Портрет четы Лавуазье. 1788. Нью-Йорк. Метрополитен-музей.
Несомненен и выдающийся талант Давида-портретиста. Картина "Портрет четы Лавуазье" проникнута чутким вниманием к внутренней жизни души и утверждает Человеческое с большой буквы, при этом избегая чрезмерной идеализации. Картина с портретом Лавуазье, который был не только химиком и физиком, а также активным членом Якобинского движения, была запрещена властями к показу.

[700x383]
[700x501]
1. Сабинянки, останавливающие сражение между римлянами и сабинянами. 1799. Париж. Лувр.
Эту картину Давид начал писать в тюрьме. Оказавшись перед лицом смерти, художник обратился к теме милосердия и примирения. Говорят, что свою работу Давид посвятил жене, спасшей его от казни. Сюжет картины основан легенде, повествующей о том, что в Древнем Риме стало катастрофически мало женщин. Ромул, один из основателей Рима и первый правитель этого города, пригласил на праздник соседей-собинян и приказал римлянам по условному знаку схватить девушек-сабинянок. Спустя три года сабиняне собрали армию и пошли на Рим, чтобы вернуть своих женщин, однако те за это время успели стать женами и матерями. Чтобы предотвратить кровопролитие сабинянки вынесли детей на поле битвы. Картина Давида перекликается с полотном Пуссена «Похищение собиняннок». Центральные фигуры композиции написаны художником с сестер Беллеград, самых известных парижских красавиц того времени, а образ старой женщины – с няни его собственных детей.
[647x437]
[700x531]
2. Ликторы приносят Бруту тела его казненных сыновей. 1789. Париж. Лувр.
Эта картина продолжает тему, начатую Давидом в «Клятве Горациев», - конфликт между общественными и личными интересами. Брут – основатель Римской Республики, решил изгнать из Рима царский род, однако его сыновья приняли сторону царской власти. Брут сделал трудный выбор – осудил своих детей на смерть. В правой части картины женщины бурно оплакивают казнённых сыновей и братьев.
[700x341]
3. Леонид в Фермопилах. 1814. Париж. Лувр.
Центральным персонажем картины является царь Леонид I во время Фермопильского сражения в сентябре 480 до н. э. в ходе греко-персидской войны 480—479 гг. до н. э.. Это сражение произошло в узком ущелье Фермопилы, где героически погиб отряд из 300 спартанских гоплитов, преграждая путь персидскому войску царя Ксеркса I.

[700x540]
[700x312]
[700x312]
[700x309]
[700x314]
[700x441]
Коронация Наполеона (Посвящение императора Наполеона I и коронование императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года). 1806—1807. Париж. Лувр.
Картина была создана Давидом по заказу самого Наполеона I. Давид выбрал момент, когда Наполеон коронует Жозефину, а папа Пий VII даёт ему своё благословение. Давид создал своё полотно под впечатлением от картины «Коронация Марии Медичи» Рубенса. Давид работал над картиной 3 года и завершил работу в 1807 г. В феврале 1808 года она была выставлена на всеобщее обозрение. Матери Наполеона не было на его коронации, но когда он заказывал картину, попросил Давида нарисовать ее в самом центре.

[700x328]
[647x560]
1. Наполеон в рабочем кабинете. 1812. Вашингтон. Национальная галерея.
В годы правления Наполеона Давид стал первым официальным художником императора. В своих портретах мастер находил для каждой модели особые выразительные средства. Этот портрет благодаря плавности линий, законченности форм, величию образа отличается классическим совершенством. В 1812г. Давид писал императора в последний раз. Портрет Наполеона в рабочем кабинете замечателен неожиданной трактовкой образа. Император предстаёт здесь как рачительный и заботливый хозяин Европы: он проработал всю ночь свеча над его бумагами догорает, а часы уже напоминают о следующем пункте расписания — пора ехать на военный смотр. Прежде чем пристегнуть шпагу, Наполеон бросает на зрителя значительный взгляд — жизнь вашего императора нелегка...
[700x323]
2. Генерал Бонапарт. 1797. Париж. Лувр.
Это подготовительный этюд, написанный в 1797-1798 гг. для большой картины, которая должна была представлять Бонапарта смотрящим на Альпы с плато Риволи. Большой холст не был исполнен Давидом, полуфигура Наполеона позднее была вырезана из него и сейчас находится в экспозиции Лувра. Прекрасно понимая, что вряд ли ему удастся получить еще один столь продолжительный сеанс, Давид написал голову и наметил синюю генеральскую форму с розово-красным отворотом воротника. Остальная часть фигуры только обозначена контурной линией. В лице Бонапарта с презрительно оттопыренной нижней губой, волевым подбородком, напряженными скулами и особенно выразительным, направленным в сторону и вверх взглядом удивительно точно выявлены его энергия, решимость, вспыльчивость и надменность, холодный расчет, умение взвешивать и обдумывать свои поступки. Серо-коричневые тени на бледном лице и намеченные почти сухой кистью разметавшиеся пряди волос усиливают впечатление нервной приподнятости, взволнованности. Из всех созданных Давидом портретов Наполеона луврский эскиз наиболее правдив. Последующие отмечены все усиливающейся идеализацией образа.
[700x318]
3. Наполеон в 1814 году. 1814. Корсика. Борго. Коллекция герцога Поццо.
С 1804 года Жак Луи Давид был "первым художником" Наполеона. Он оказался необыкновенно плодовит, сделал множество портретов императора. Как первый художник Наполеона, весь свой талант он тратит во славу нового хозяина.

[700x326]
[700x315]
[700x314]
[700x313]
[700x421]
[700x415]
Наполеон на перевале Сен-Бернар. 1800 и 1801. Версаль. Музей дворца, Руэль-Мальмезон. Музей Наполеона, Вена. Верхний Бельведер.
Смелый портрет Жака-Луи Давида "Наполеон на перевале Сен-Бернар" не сразу получил одобрение императора, с подозрением смотревшего на достаточно новый стиль, в котором написана картина. Бонапарт изображен на вздыбленном коне среди снегов и непогоды. Неподвижная, как монумент, фигура полководца на вздыбленном коне возвышается на фоне безжизненных линий горных хребтов: кажется, что весь мир замер, послушный властному жесту победителя. Камни под ногами коня — своеобразный пьедестал: на них выбиты имена трёх великих завоевателей, прошедших этой дорогой, — Ганнибала, Карла Великого и самого Наполеона.

[700x399]
[700x450]
1. Клятва в зале для игры в мяч 20 июня 1789 г. (Ученики Давида по его эскизу).1790-е. Париж. Музей Карнавале. Оригинальный эскиз находится в дворцовом музее Версаля.
Наиболее радикальная группа депутатов, представляющая третье сословие, 17 июня 1789 года стала именовать себя Учредительным собранием. Через три дня, явившись в зал заседаний, депутаты обнаружили его дверь запертой, с приставленным к ней караулом, — по королевскому приказу (не связанному, впрочем, с политикой: у короля был траур по сыну, умершему 4 июня в возрасте семи с половиной лет от туберкулёза). Не зная причин запрета и опасаясь начала репрессий, 577 депутатов во главе с Бальи собрались в близлежащем зале для игры в мяч. Там они принесли торжественную присягу не расходиться до тех пор, пока не будет создана и утверждена конституция королевства. В следующем году «художнику Революции» Давиду предложили заказать монументальное полотно с изображением этого знаменательного события. Намереваясь изобразить на холсте размерами 10 на 6 метров сотни депутатов, Давид выполнил множество подготовительных портретных эскизов. Картина во дворе Версаля должна была стать наиболее грандиозным проектом молодой республики в области искусства. Финансирование, однако, быстро иссякло. По мере радикализации революции многие из запечатлённых на полотне депутатов были казнены и из героев превратились в предателей. По этим причинам Давид в 1794 году прекратил работать над полотном. Оно так и осталось незавершённым.
[700x455]
2. Смерть Марата. 1783. Брюссель. Королевские музеи изящных искусств.
Картина повествует о судьбе Жана Поля Марата, журналиста радикальной газеты «Друг народа», лидера якобинцев. Марат был одним из наиболее ярых сторонников якобинского террора. Заболев кожной болезнью, Марат не выходил из дома и, чтобы облегчить свои страдания, принимал ванны. 13 июля 1793 года он был заколот ножом в своей квартире дворянкой Шарлоттой Корде. Надпись на деревянной тумбе – не более чем авторское посвящение: «МАРАТУ, Давид».
[700x450]
[700x450]
[700x542]
3. Клятва Горациев.1784. Париж. Лувр.
Картина написана художником в Риме. В следующем году картина была выставлена в Париже и принесла ему небывалый успех. «Клятва Горациев» стала образцом формировавшейся в то время школы французского неоклассицизма. В основе картины лежит рассказ римского историка Тита Ливия, согласно которому трое братьев из рода Горациев были выбраны, чтобы сразиться с тремя лучшими воинами враждебного Риму города Альба-Лонга — братьями Куриациями. Давид запечатлел момент, когда трое братьев, подняв руки в римском приветствии, клянутся победить или умереть, а их отец протягивает им боевые мечи. Справа изображена группа скорбящих женщин: вдали мать Горациев склонилась над двумя внуками, ближе сестра Камилла, невеста одного из Куриациев, и Сабина, сестра Куриациев и жена одного из Горациев. Давид тщательно продумал композицию картины, «хореографию» персонажей и игру света, что концентрирует внимание зрителя в центре картины, раскрывая моральную атмосферу такой необычайной силы, что страдание отступает перед ней.

Жак Луи Давид (1748-1825) - французский живописец
Его отцом был состоятельный парижский коммерсант. Отец вскоре погиб на дуэли, и его воспитывала мать. Стремясь получить хорошее профессиональное образование, в 1766 году Давид поступает учеником в Королевскую Академию живописи и скульптуры. В мае 1782 года женился на Шарлотте Пекуль. Она родила ему четверых детей. В 1783 избран членом Академии живописи. Активно участвовал в революционном движении, в 1792 избран депутатом Национального Конвента. После нового переворота в июле 1794 Давид, как видный якобинец, был арестован и помещен в тюрьму. Однако он сумел доказать свою непричастность к массовым казням 1793—1794 и был освобождён в августе 1795. С 1797 он становится пылким сторонником Наполеона. После поражения Бонапарта при Ватерлоо (1815) бежал в Швейцарию, затем переехал в Брюссель, где прожил до конца жизни.
Художник жил в эпоху перемен и был их непосредственным участником. Жак-Луи Давид стал крупнейшим представителем французского классицизма, главной целью которого было выразить идеалы свободы через образы античности.
[700x467]
В настоящее время эта картина в ГМИИ им А. С. Пушкина определена как "Портрет художника Жак-Луи Давида" работы Антуана Гро.

[692x528]
1. Портрет Мадлен Софи Арну. 1773. Лондон. Собрание Уоллес.
Мадлен Софи Арну (1740-1802) - французская актриса и певица, считавшаяся лучшим сопрано своего времени.
[700x538]
2. Прислушивающаяся девушка. 1780. Лондон. Собрание Уоллес.
[700x518]
3. Разбитое зеркало. 1763. Лондон. Собрание Уоллес.
Увы и ах! - не в нашей власти... Платок подаренный - к слезам. Разбито зеркало - к несчастью... /Элла Султанова/
[700x504]
4. Портрет Мадлен Софи Арну. 1786. Лондон. Собрание Уоллес.
Софи Арну любила, и была любима. Ее необыкновенные романы не обсуждал только ленивый, а дуэль ради ее красивых глаз или роскошные подарки стало обычным делом. Но наиболее драгоценным подарком для Арну стало появление на свет дочери, унаследовавшей у матери не только красоту и обаяние, но и чувство юмора. Когда у нее спросили, сколько же лет ее матушке, девочка отвечала: " На каждый день рождения она сбавляет себе по одному году, так что скоро я стану старше своей мамы"!

[700x508]
1. Гитарист.1757. Варшава. Национальный музей.
Картина зрелого периода творчества живописца Жана Батиста Грёза "Гитарист" 1757. Молодой человек, одетый в театрализованный костюм, настраивает гитару, внимательно прислушиваясь к звукам. Его усталые широко раскрытые глаза и мутный взгляд намекают на беспорядочный образ жизни. Сочно написанная картина изобилует деталями, характерными для фламандских жанристов XVII века, манеру которых Грез стремился превзойти.
[684x519]
2. Девочка у стола. 1760-е. Петродворец. Дворцово-парковый музей-заповедник.
В детских портретах Грёза живописная техника становится особенно разнообразной и тонкой, а колорит — богатым и выразительным. Изображение детей на портретах 1760-х годов естественны и привлекательны.
[700x486]
3. Портрет девушки. Гавана. Национальный музей изящных искусств.
Поздние портреты Грёза столь же великолепны, как и работы 1760-х годов и свидетельствуют о том, что мастерство Грёза-портретиста с годами все возрастало.
[623x526]
[559x525]
4. Ребёнок с яблоком. 1776. (на марке справа). Лондон. Национальная галерея.
Грёз одним из первых начал писать детей так, как они выглядели в действительности, не пытаясь (в отличие от художников рококо) превратить их в «маленьких взрослых». Возможно, дети были для живописца неким идеалом так называемого естественного человека, внутренне гармоничного и просветлённого, о котором так много писал выдающийся философ XVIII в. Жан Жак Руссо.

Жан Батист Грез (1725-1805) - французский живописец.
Популярность Грёза основывалась на вкусах, распространенных во второй половине 18 в. Морализаторство и сентиментальность Грёза связаны с идеями Руссо и Дидро. Обычно он изображал драматический сюжет в виде компактного фриза фигур на почти нейтральном фоне, заботливо разнообразя позы, чтобы выразить чувства и реакции персонажей.
Став в 1769 году академиком, Грёз задумал посвятить себя исторической живописи и с этой целью отправился в Рим. По возвращении в Париж выставил картину «Север и Каракалла», которая не имела никакого успеха. Возвратившись к бытовому жанру, Грёз вскоре завоевал себе одно из первых мест. Во время французской революции Грёз жил уединённо и не вмешивался в политику. К концу жизни он имел довольно значительное состояние, но утратил его в рискованных предприятиях. Когда конвент решил предоставить заслуженным писателям и художникам даровые квартиры, Грёз получил помещение в Лувре; там он и умер почти в нищете, забытый своими современниками, вкусом которых овладел в ту пору Давид.
[700x348]
[573x700]

1.Балованное дитя. 1765. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.
Под влиянием культа чувствительности, свойственного сентиментализму, Грёз наделяет своих героев трогательными побуждениями, проявляющимися с преувеличенным пафосом. Идеализация натуры в произведениях Грёза приводит к слащавости образа. Его картины часто наивно сентиментальны.
[700x513]
2. Белокурый ребёнок. Монпелье (Франция). Музей Фабра.
Работам Грёза свойственны сочетание чувствительности с преувеличенным пафосом, идеализация натуры, порой довольно известная слащавость. особенно в многочисленных изображениях детских и женских головок.
[700x440]
3. Молочница.1780-84. Париж. Лувр.
То не молочница, о нет – Лукавой дамочки портрет, По всем приметам горожанки, А не обыденной крестьянки. /Эрнст Саприцкий, автор многих стихов о картинах/
Картина поступила в Лувр по завещанию баронессы Натаниелы Ротшильд в 1899 году. Картина отражает типичные противоречия эпохи Просвещения: поиски добродетели и результаты этих поисков. Действительно, когда видишь на портрете молочницы ее вызывающую позу, подмигивающие глаза и чувственный вырез ее платья, кажется, что она пытается соблазнить наивного зрителя.

Габриель Метсю (1629-1667) - голландский художник, мастер жанровой, портретной и исторической живописи.
Первые уроки рисования получил от родителей, которые были художниками. До 1657 г. почти без перерыва проживает в Лейдене, где становится в 1648 г. одним из основателей гильдии святого Луки, затем переезжает в Амстердам. В его ранних работах на исторические темы отражены в основном мифологические, аллегорические и библейские сюжеты и чувствуется влияние школы Рембрандта. В работах после 1650 г. Метсю обращается к городским и жанровым сценам из повседневной жизни голландских обывателей. Большое значение придаёт мастерству деталировки, особенно в изображении роскошных тканей, которые при этом должны были выглядеть гладкими и блестящими.
Метсю умирает очень молодым, но его искусство последних лет уже обнаруживает черты если не увядания, то, во всяком случае, усталости.
[700x349]
[532x700]
1. Девушка за работой. 1647. Государственный музей им. А.С. Пушкина.
Метсю в своих жанровых картинах избегал многолюдных сцен и ограничивался одной – двумя фигурами. Его персонажи всегда заняты делом: музицируют, рукодельничают. При этом картины Метсю не лишены нравоучительного подтекста: девушка, плетущая кружева олицетворяет женскую добродетель, в то время как клетка с вылетевшим оттуда попугаем намекает на неумеренную болтливость и «сладостный плен любви».
В ГМИИ с 1924 г. из Эрмитажа. Ранее – до 1776 г. в собрании Хейберт Керелар, Амстердам; до 1794 г. собрание Детуш, Париж; до 1862 г. в собрании графа Н.А. Кушелева-Безбородко, с 1862 г. музей Академии художеств в Петербурге, с 1922 г. – Эрмитаж.
[700x466]
2. Больной ребёнок. 1660. Амстердам. Рийксмузей.
Жанровые картины художника Габриеля Метсю отмечены естественностью композиции, живой непосредственностью и интимной человечностью образов. Повседневная жизнь голландских бюргеров любовно воссоздается в них с помощью тёплой тональной гаммы с изысканными контрастами световых пятен, тонко разработанных светотеневых эффектов, виртуозной передачи фактуры предметов и тканей. В картине "Больной ребенок" свойственный Метсю повествовательный психологизм достиг особой глубины и проникновенности.
[700x454]
3. Офицер, пишущий письмо. 1660-е. Монпелье (Франция). Музей Фабра.
В этом шедевре Габриеля Метсю «Офицер, пишущий письмо» (Монпелье, музей Фабра) особо можно отметить замечательный эффект света свечи.
[700x513]
4. Кружевница (Дама за рукоделием). Дрезден. Картинная галерея.
Для произведений художника характерны затененный интерьер, на фоне которого мягко выступают освещенные равномерным, неярким светом фигуры, плавные, неторопливые движения, спокойные, полные достоинства жесты и насыщенные, но сдерживаемые рамками тонального колорита цвета. Эти особенности выявляют ту гармонию внутреннего мира героев Метсю и окружающей их среды, выражения которой художник добивался в своих произведениях.

[700x490]
1. Офицер, читающий письмо. 1657. Дрезден. Картинная галерея.
Терборх особенно охотно писал сцены из жизни военных — так называемые "Караульни". "Караульни" писали и предшественники Терборха. Однако произведения Терборха на эту тему отмечены привлекательными и составляющими его персональную творческую особенность чертами: мастерским построением композиции, тонкостью живописной фактуры и, наконец, мечтательным, созерцательным отношением к изображаемому миру.
[700x513]
2. Женщина, чистящая яблоко. 1650. Вена. Художественно-Исторический музей.
Терборх изображал людей из низов в скромной будничной обстановке, занятых самыми прозаическими делами. Однако мягкая кисть живописца, его плавный, гибкий рисунок неизменно сообщают сцене особый поэтический оттенок, а нередко и придают налет легкой меланхолии.
В подобных произведениях у Терборха несколько постоянных любимых героев. Особенно часто он изображает немолодую, довольно некрасивую, но, несомненно, очень хозяйственную женщину. С замечательным мастерством Терборх передает естественность ее жестов, когда она чистит яблоко или шьет. Возле нее нередко находится мальчик. Сохранилось даже его имя — Ян Фобус.
Художник обладал безошибочным художественным вкусом, позволяющем ему представить незамысловатую жизненную сцену как событие, исполненное тайной прелести и утонченной красоты. В его картинах мы видим особый мир человеческих отношений, чуждый грубых страстей. Венская картина «Женщина, чистящая яблоко» — одна из лучших работ голландского мастера. Своим очарованием она обязана той серьезности, с которой все действующие лица, в том числе и сам художник, относятся к занятию молодой женщины. Ее лицо трогает выражением нежной озабоченности. Но более всего в картине привлекает к себе внимание лицо ее маленького сына. Благодаря ему раскрываются глубокие внутренние нежные связи любви матери и сына, беспомощность ребенка и вечная готовность матери помочь своему сокровищу. Оттого-то очистка яблока и приобретает для нее, и это поймет каждая мать, такой важный смысл, как и все, что она для него делала и сделает. Нежные цвета желтого, серого, синего в своих отношениях образуют гармоническую живописную гамму, объединенную общим серебристым тоном.
[700x501]
3. Мальчик с собакой (Мальчик ищущий блох у собаки). 1656. Мюнхен. Старая Пинакотека.
В Голландии XVII века жанровая живопись всегда имела потаённый смысл, скрытый за видимостью интерьера буржуазного дома, народной сцены или обычного портрета, как на этом полотне. Мальчик полностью поглощен своим занятием. Находящиеся рядом с ним на грубом деревянном столе тетрадь и перо говорят о прилежании, порядке и аккуратности, которые его отец хотел бы ему преподать. Терборх проявляет себя замечательным портретистом, ему удается изобразить, как из бедного и простого фона возникают нежные фигуры мальчика и собаки, очень сосредоточенной и покорно послушной. Свет распространяется по всей комнате, обрисовывая мягкие постепенные переходы теней на курточке мальчика и на деталях, составляющих сцену (большая шляпа на первом плане, маленький стул или угол стены), а затем, как бы но привычке, концентрируется на проборе в волосах мальчика. Терборх был мастером описаний этих молчаливых домашних сцен, в которых обнаруживается уникальная тонкость исполнения и легкие, деликатные и почти незаметные психологические наблюдения. Тетрадь и чернильница изображены для композиционного равновесия и призывают к благородному делу, в противовес никчемному занятию ухода за собакой, которым увлечен юноша. Эти предметы становятся также символами моральной строгости кальвинистской Голландии XVII века."

Герард Терборх (1617-1681) - нидерландский живописец. Считается одним из главных мастеров голландской жанровой живописи. Свои первые шаги в искусстве он сделал под руководством своего отца, Герарда Терборха Старшего. К 1632 году относятся упоминания о пребывании Герарда Терборха в Амстердаме. В 1633 году Герард Терборх отправился учиться в Харлем к пейзажисту Питеру де Молину. Двумя годами позже он получил должность мастера и соответственно право подписи собственных работ. Жил в Англии, Италии, Испании. С 1640 по 1645 год он проживал в Голландии, преимущественно в Амстердаме. В Амстердаме проснулся его интерес к жанровой живописи и стал наиболее значительным представителем жанра. Он был также популярным портретистом. С 1660 года он всё больше тяготел к портретной живописи, в это время Терборхом было создано лишь несколько жанровых картин.
[700x349]
[407x500]
1. Бокал лимонада. 1664. Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж.
Это небольшая картина могла бы носить название «У сводни». Однако автор не акцентирует внимание на этой теме. На переднем плане сидят нарядно одетая девушка и придвинувшийся к ней молодой человек. Оба они заняты приготовлением лимонада: девушка держит бокал в руке, юноша, придерживая его, размешивает содержимое ложечкой, но приготовление напитка является лишь предлогом для их близости. Придерживая бокал, юноша не столько заботится о его целости, сколько о возможности коснуться рукой пухлых пальчиков девушки. Его очень красноречивые и настойчивые взгляды, так же как и ее легкое смущение, говорят о переживаниях, еще, может быть, не получивших своего словесного выражения. Третье лицо, изображенное на картине, - старуха, положившая руку на плечо молодой девушки, как будто молчаливо советует ей решиться на что-то определенное.
Художник не стремится идеализировать своих персонажей: девушка имеет очень обыкновенное лицо с несколько заплывшими глазками и вздернутым носиком, рыжеватый же юноша в нахлобученной набок шляпе даже несколько комичен в роли ухаживающего кавалера. Большое внимание Терборх уделил костюмам и обстановке. Прекрасно выписаны столик с посудой, стоящий справа от юноши, интерьер с кроватью под пологом, богатая, шуршащая белым атласом юбка девушки, золотистый шелк кофточки, пушистая меховая оторочка.
Александр Бенуа иначе трактует сюжет этой картины. Молодой даме, нехорошо себя чувствующей, поклонник ее готовит лимонад под участливым взором почтенной маменьки. Изображение действительно можно принять за галантную сцену в благородном семействе. В этом почти окончательно убеждаешься, когда узнаешь в героях ближайших родственников Терборха: в молодой даме — сестру художника, Гезину, в поклоннике — младшего брата, Мозеса. К узкому семейному кругу Терборхов принадлежит, по-видимому, и «почтенная маменька».
[700x343]
[507x700]
2. Женщина, пишущая письмо. 1665. Гаага. Маурицхейс.
Письма были важной частью жизни в Нидерландах. И жанровые сюжеты на эту тему были очень популярны. В подобных картинах голландские бюргеры видели и себя, и свою жизнь, и все предметы, их окружающие. Не мудрено, что подобные этому живописные произведения были понятны и пользовались большой любовью и спросом в Голландии середины XVII столетия. Жанровые картины Терборха отличаются строгим изяществом образов, сдержанной, холодной красочной гаммой, тонкостью светотеневой моделировки, виртуозной передачей фактуры шелковистых одежд.
[700x492]
3. Женщина,читающая письмо.1662. Частное собрание.

[700x406]
[516x700]
Питер Питерс (1540-1603) - нидерландский художник, сын, ученик и продолжатель художника Питера Артсена.
В экономическом и культурном отношении Нидерланды XV-XVI веков - одно из наиболее развитых европейских государств. В эту эпоху нидерландские мастера выдвигают и разрабатывают новые принципы жизненно достоверного изображения. Во второй половине XVI века в Нидерландах произошла первая в истории буржуазная революция, во многом определившая дальнейшее развитие искусства. Демократизм устремлений нидерландского искусства этого времени отразился в формировании крестьянского жанра и натюрморта. Так называемый рыночный или кухонный натюрморт занял важное место в творчестве Питера Питерса. Его картина "Торговка рыбой" ("Продавщица рыбы") изображает часть лавки или кухни, где на столе разложена рыба, а хозяйка греет руки о теплый горшок.
Картина, сохраняющая элементы бытового жанра, являет образец «кухонного» натюрморта. Изображение имеет аллегорический подтекст: содержит намек на одно из пяти чувств – осязание (торговка касается горшка), а также олицетворяет зиму и символизирует стихии – огонь и воду (женщина греет руки, прикасаясь к теплому горшку, рыбы живут в воде).
Художник любуется красотой простых людей и окружающими их простыми предметами. Обыденная действительность приобретает самостоятельную эстетическую ценность.

Иоахим Бейкелар (ок. 1530. Антверпен - 1573/1574. Антверпен) — нидерландский художник эпохи позднего Возрождения.
Иоахим Бейкелар изучал живопись в мастерской своего дяди, Питера Артсена. Здесь он начинает свой творческий путь, в котором пишет преимущественно жанровые сценки на кухне и на рынке, горы снеди, имеющие, как правило, особый подтекст и аллегорическое значение. И. Бейкелар был также автором картин на религиозные сюжеты.Племянник Артсена – Иоахим Бекелар был не только одним из его учеников, но и верным последователем. Искусствоведы отмечают, что Бейкелар, при этом, не был пассивным имитатором стиля учителя, он доказал свою способность к новаторству и продемонстрировал высокий уровень мастерства. В 1560 году Иоахим Бейкелар становится членом антверпенской гильдии художников св. Луки.
Биограф многих голландских художников Карел ван Мандер утверждал, что Иоахиму Бейкелару приходилось продавать свои картины по низким ценам, и что творчество художника стало популярным только после его смерти. Но современные исследователи утверждают обратное, поскольку большие размеры поздних работ художника и варианты копий некоторых картин выступают, как раз, свидетельством успешности и востребованности Бейкелара хотя бы к концу жизни.
[700x261]
[700x462]
Картина "На рынке" находится в ГМИИ с 1924 года. Поступила из Румянцевского музея. Ранее была в собрании Н.П. Колюпанова.
Демократизм устремлений нидерландского искусства второй половины XVI века способствовал формированию крестьянского жанра, в выборе национальных пейзажных мотивов. Иоахим Бейкелар, принадлежавший к художникам-романистам, обратился в своей картине «На рынке» к изображению бытовой сцены и сделал героями крестьян. Художник стремится придать их облику значительность, пишет крупные, полные достоинства медлительные фигуры, выдвигает их на передний план, типизирует лица. Интерес, который Бейкелар проявил к изображению нехитрой снеди, привезенной крестьянами на рынок, свидетельствует о рождении так называемого «рыночного» или «кухонного» натюрморта.

[700x261]
[700x333]
[700x334]
[700x335]
[700x334]
[700x333]
[461x618]
Серия марок "Зарубежная живопись в музеях СССР". 1974, третий выпуск:
1. Йоахим Бейкелар (Joachim Beuckelaer, ок. 1533 - ок. 1573) ”На рынке” (1564, Государственный музей им. А.С. Пушкина.)
2. Питер Питерс (Pieters Pieter, 1540 - 1603) ”Продавщица рыбы” (конец XVI в., Государственный музей им. А.С. Пушкина.)
3. Герард Терборх (Gerard ter Borch, 1617 - 1681) ”Бокал лимонада” (ок. 1664, Государственный Эрмитаж).
4. Габриель Метсю (Gabriel Metsu, 1629 - 1667) ”Девушка за работой” (ок. 1647, Государственный музей им. А.С. Пушкина).
5. Жан Батист Шарден (Jean-Baptiste-Simeon Chardin, 1699—1779) ”Молитва перед обедом” (1744, Государственный Эрмитаж).
6. Жан Батист Грез (Jean-Baptiste Greuze, 1725—1805) ”Балованное дитя” (1765, Государственный Эрмитаж).
7. Жак Луи Давид (Jacques Louis David, 1748—1825) ”Автопортрет” (1794, Государственный музей им. А.С. Пушкина),