[450x267]

На сцене стройными рядами стоят женщины в одинаковых красивых платьях. За ними, поднявшись на небольшие возвышения, мужчины в строгих черных костюмах. Взмах руки дирижера, и зазвучало хоровое пение.

Словом «хор», которое произошло от греческого choros и латинского chorus, что значит толпа, собрание, называют коллективы людей, исполняющих вокальную музыку и произведения, сочиненные для этого коллектива.

Разумеется, не всякий коллектив можно назвать хором. Бывают вокальные ансамбли, состоящие из нескольких, иногда более десяти, человек. Хор отличается от них значительно большим числом исполнителей. Все участники хора разделены на несколько групп, чаще всего - на четыре. В детском хоре голоса делятся на высокие и низкие; высокие голоса - сопрано, низкие - альты. Взрослые хоры могут быть разными по составу: мужскими, женскими и смешанными. В смешанном хоре присутствуют все основные голоса: сопрано (высокие женские), альты (низкие женские), тенора (высокие мужские) и басы (низкие мужские). Иногда, если исполняемое сочинение имеет не четыре разных партии, а большее количество, каждая из групп подразделяется на первые и вторые голоса: первые и вторые сопрано, первые и вторые альты и так далее.

[показать]Моцарт. Второй скрипичный концерт. Играет Владимир Спиваков.

 "Моцарт – это молодость музыки, это вечно юный родник, несущий человечеству радость весеннего обновления и душевной гармонии. Бездонная глубина его человечнейших образов, поразительная смелость его новаторских открытий, двинувших на десятилетия вперёд музыкальное искусство, совершенная гармоничность и стройность формы – вот сила Моцарта, вот величие его искусства, не увядаемого в веках. Вот почему мы так горячо, так нежно любим этого удивительного композитора".

 

Моцарт. Концерт для скрипки с оркестром № 2 pе мажор

       Вселе́нная — фундаментальное понятие астрономии, строго не определяемое. Включает в себя весь окружающий мир. На практике под Вселенной часто понимают часть материального мира, доступную изучению естественнонаучными методами. Под возрастом Вселенной подразумевается время с начала её расширения.

[700x525]

      Астрономическая Вселенная, или Метагалактика — это часть Вселенной, доступная наблюдениям в настоящее время или в обозримом будущем.

[465x366]

Быстро, быстрее, еще быстрее – это главный принцип исполнения тарантеллы. Неистовый темп танца заставляет исполнителя выкладываться полностью, вовлекая в действо все новых и новых танцоров

     Тарантелла – это танец, появившийся на свет в 15-м столетии на юге Италии. Его название, по одной из версий, происходит от названия ядовитого паука тарантула. По другой версии, танец получил свое название от итальянского города Таранто, где, как считают, и появилась тарантелла.

   [800x534]

Читать далее

Анданте-спианато и Большой блестящий полонез 

[показать] Никогда — ни до, ни после Шопена — на его родине, Польше, не рождался музыкальный гений такого уровня. Его творчество почти целиком является пианистическим. Хотя редкий композиторский дар Шопена мог бы сделать его замечательным симфонистом, его деликатная, замкнутая натура довольствовалась рамками камерного жанра — если не считать двух фортепианных концертов.

В полонезах, балладах Шопен рассказывает о своей стране, Польше, о красотах её пейзажей и трагическом прошлом. В этих произведениях он использует лучшие черты народного эпоса. Вместе с тем Шопен исключительно самобытен. Музыка его отличается смелой изобразительностью и нигде не страдает причудливостью. После Бетховена классицизм уступил место романтизму, и Шопен стал один из главных представителей этого направления в музыке. Творчество композитора гениально. Его не зря называют поэтом фортепиано. Как и вся музыка Шопена его произведение "Andante Spianato and  Grand Polonese  Brilliant" прекрасно. Это поэтическая, красивая, выразительная и изысканная мелодия. Итак слушаем...

Andante spianato and Grande polonaise in E flat, Op.22

Анданте-спианато и большой полонез ми-бемоль мажор (соч. 22)

Сюита в музыке

[240x171]

Поклонникам, а в особенности знатокам, классической музыки понятие сюита очень хорошо известно. Это музыкальная композиция, которая чаще всего встречается в инструментальном виде и состоит из нескольких пьес, которые лаконичны по содержанию и находятся в контрасте между собой. Изначально сюита, как термин, применялся по отношению к циклам стилизованных танцев. Немногим позже им стали обозначать собрания пьес самостоятельного характера с зачастую программной основой, собрания фрагментов, входящих в состав балетов, опер, а также масштабных произведений иных жанров.

«Прародителями» сюиты вполне можно считать сочетание пары танцев – важного и медленного и в большей мере оживленного, а спустя некоторое время подобный цикл стал 4-х частным. Модель танцевальной, инструментальной сюиты была создана композитором Иоганном Фробергером, и представляла собой сочетание умеренного темпа аллеманду и в размере двудольном последовательность из утонченной куранты, жиги и степенной сарабанды.

Полонезы в танцах и музыке

[525x372]

Возникший в Польше около 15 века ,полонез был исключительно свадебным танцем. Затем несколько видоизменившись стал народным .К концу 16 века произошло первое знакомство с полонезом в Западной Европе, а  в 17 веке он стал популярен  и во всей  Европе. В России этот танец был известен еще в допетровские времена.С середины правления Екатерины 2 популярность танца увеличивается, он получает повсеместное распространение и становится как торжественный танец- шествие в умеренном темпе. Как правило исполнялся в начале балов, подчеркивая торжественный возвышенный характер праздника.

В 18- 19 веках полонез стал существовать и в музыке, как музыкальная форма и тоже получил широкое распространение. Образцы полонеза встречаются в сюитах Баха, Генделя, в произведениях Моцарта, Бетховена и других композиторов. Широкое развитие этот музыкальный жанр получил в творчестве Ф. Шопена. Писали полонезы  Огинский, Венявский   и другие композиторы .Использовали его в своих произведениях Чайковский, Глинка. 

В этом сообщении представлены одни из лучших полонезов -  полонезы Огинского, Чайковского, Венявского и  Глинки. 

Чайковский. Полонез из балета "Лебединое озеро"

       Иоганнес Брамс ( 1833-1897)

Пока есть люди, способные всем сердцем откликаться на музыку, и пока именно такой отклик будет рождать в них музыка Брамса — она, эта музыка, будет жить.
Г. Галь

  [466x641]

Ученые всего мира уже давно трудятся в поте лица над созданием "эликсира молодости". Но пока продлевают жизнь лишь только подопытным мышам. Но как известно, все гениальное просто и лежит на поверхности. Так неужели уже найдено лекарство от старости?

Союз медиков с физиками вылился в открытие очень важного ресурса поддержания и продления жизни - микровибрации. Как оказалось, вибрации в организме так же важны, как воздух, вода и пища. Ученые выяснили, что за сутки организм человека тратит на возбуждение в тканях микровибраций столько же энергии, сколько спортсмен тратит за 3 часа интенсивной тренировки. Но с возрастом вибрационный фон становится все слабее и слабее и, возможно, отсюда вытекают многие болезни.

Многие спросят, а для чего вообще нужны микровибрации? Объясняю научно: например, эритроцит должен добраться до клетки, чтобы отдать ей свой кислород, а лимфоцит должен соединиться с вирусом, чтобы его обезвредить. И поэтому от скорости перемещения веществ в тканях, сосудах и капиллярах нашего организма напрямую зависит скорость протекания жизненных процессов. И микроколебания нам нужны для увеличения частоты контактов биокомпонентов, чтобы значительно облегчить их прохождение через мембраны клеток.

[424x600]

Академик А. А. Микулин, который написал книгу "Активное долголетие", считает, что главная причина старения организма - это засорение клеток и межклеточного пространства отходами обмена веществ.

И следовательно лекарство от старости - это очистка нашего организма от отбросов жизнедеятельности. Значит нужно просто избавиться от шлаков.

Как это сделать? Этой очистке способствует "сжатие клеток", возникающее при мышечных сокращениях, а значит полезны физические упражнения и элементарные сотрясения организма, которые способствуют движению шлаков. И если, по каким - то причинам мышечные волокна нашего организма перестают "дрожать" как это, например, происходит в зоне ишемии (сужения сосудов), то резко снижается кровоснабжение и ишемия усиливается. Получается замкнутый круг из которого выбраться без внешней микровибрации организм просто не в состоянии. В данном случае, она играет роль пускового механизма.



И как оказалось, самой простой микровибрацией оказалась виброакустическая терапия. О ней знали много веков наши предки. Если вспомнить наши фильмы про старину, то всегда во время работ люди затягивали какую - нибудь песню, или взять к примеру, церковное пение, или колокольный звон. Даже если постоять в храме во время службы, то все равно положительный эффект нам обеспечен. Когда в старые времена случались эпидемии холеры или чумы - звонили во все колокола во всех городах на протяжении длительного времени. Колокольный звон - та же микровибрация, которая разрушала губительную микрофлору.

Многие из нас замечали, что если положить мурчащего кота на больное место, то боль ослабевала или совсем пропадала - та же самая вибрация. Но как найти лекарство от старости, если нет кота и не слышен колокольный звон. Все очень просто.

Наш голос - это уникальнейший музыкальный инструмент, который ему дала сама природа. Человеческий голос вибрирует всегда. Когда человек поет или говорит (другим словом просто "звучит"), то 2/3 всех звуковых вибраций его голоса идет во внутренние органы и только 1/3- во внешний мир. Недаром все хорошие оперные певцы - люди здоровые и, как правило, долгожители. Так как искусство пения - это правильное дыхание, которое является одним из важнейших факторов здоровья.

Проведите один пример: закройте рот, слегка сомкните зубы и затяните "грудное мычание". Вы сразу почувствуете на зубах вибрацию. И чем ниже будет голос, тем сильнее будет вибрация.

Проведенные многочисленные исследования показали, что самым благотворным воздействием на наш организм обладают церковные песнопения и индийская классическая музыка. Затем идут по степени благодати европейская классическая музыка, особенно Моцарт, потом русская народная песня.

Как ни странно, но рок - музыка ужасающе действует на все живое: растения ложатся в сторону от динамиков, коровы перестают доиться, рыба в аквариумах разбегается прочь.

Кстати, эффект знаменитого пояса "Вибратон" для похудения основан именно на вибрации - встроенный в него моторчик заставляет мышцы сокращаться до 50 раз в секунду, тем самым сжигается жир и выводятся шлаки.

Очень хорошо зарекомендовал себя такой метод вибрации, как массаж ног - во время просмотра телевизора

О Николе Тесла ходит огромное количество легенд. До сих пор неизвестно на 100%, что именно правда, а что — выдумка от одного из самых великих ученых и мистификаторов XIX — XX столетий. Ученые до сих пор спорят между собой. Чего только стоит поиск по запросу «Работы Николы Теслы». Но одно известно точно — Тесла был великим ученым, давно обогнавшим своё время. Его принципы работы завораживают многих. Он мог практически не спать и при этом его продуктивность не падала. Для того чтобы понять, будет новое изобретение работать или нет, Тесле было достаточно лишь визуализировать всё это перед своим внутренним взором. Теория неизменно подтверждалась практикой.

О том, что его подход к работе действительно является образцом продуктивности, красноречиво говорит длинный список изобретений, которыми мы успешно пользуемся и по сей день.

Были ли у него какие-либо особенные секреты? Возможно. Но он оставил их при себе. А я делюсь тем, что смогла найти в разнообразных источниках.

«Действие даже самого крохотного существа приводит к изменениям во всей вселенной.»
Никола Тесла

Никола Тесла обладал невероятным воображением. После прочтения довольно большого количества его изречений и научных статей, у меня сложилось впечатление, что он просто не представлял границ. То есть для него не существовало ничего невозможного. Ему достаточно было просто закрыть глаза для того, чтобы сначала в уме, а потом и на деле воссоздать то, что пришло на ум. При этом он говорил, что все идеи не являются его детищем — он просто черпает знания из огромной библиотеки Вселенной. Но эту мистическую сторону я, пожалуй, оставлю для обсуждения с друзьями. Вернёмся к практике.

Детали

«В тот момент, когда изобретатель конструирует какое-либо устройство, чтобы осуществить незрелую идею, то неизбежно оказывается в полной власти своих мыслей о деталях и несовершенствах механизма. Пока занимается исправлениями и переделками, он отвлекается, и из его поля зрения уходит важнейшая идея, заложенная первоначально. Результат может быть достигнут, но всегда ценой потери качества.

Мой метод иной. Я не спешу приступить к практической работе. Когда у меня рождается идея, сразу же начинаю развивать её в своем воображении: меняю конструкцию, вношу улучшения и мысленно привожу механизм в движение. Для меня абсолютно неважно, управляю я своей турбиной в мыслях или испытываю её в мастерской. Я даже замечаю, что нарушилась её балансировка. Не имеет никакого значения тип механизма, результат будет тот же. Таким образом, я могу быстро развивать и совершенствовать концепцию, не прикасаясь ни к чему.

Когда учтены все возможные и мыслимые усовершенствования изобретения и не видно никаких слабых мест, придаю этому конечному продукту моей мыслительной деятельности конкретную форму. Изобретенное мной устройство неизменно работает так, как, по моим представлениям, ему надлежит работать, и опыт проходит точно так, как я планировал. За двадцать лет не было ни одного исключения. Почему должно быть по-другому?»

Тесла считал, что нельзя начинать воплощать идею до тех пор, пока проект не будет продуман до мельчайших деталей. Это совсем не означает, что нужно зацикливаться на мелочах, доводя до совершенства форму. Но основные принципы должны быть продуманы до мелочей. Представьте себе, что вы — физик-практик и работаете над новым изобретением или проверяете теорию. Сразу станете более внимательным и все действия будете просчитывать на несколько ходов вперед. Всё-таки физика — наука серьезная и является не самым лучшим вариантом для проб и ошибок. Почему же с вашим проектом всё должно быть по-другому? Зачем запускать то, что продумано лишь в общих чертах? Остальное подскажет практика?

Интуиция

«Интуиция – это нечто такое, что опережает точное знание. Наш мозг обладает, без сомнения, очень чувствительными нервными клетками, что позволяет ощущать истину, даже когда она ещё недоступна логическим выводам или другим умственным усилиям.»

Тесла считал, что природная чувствительность человека к окружающему его пространству играет очень важную роль. Просто в век технологий мы привыкли забывать её, перестали слышать и прислушиваться к внутреннему голосу.

Конечно, в своих экспериментах учёный полагался исключительно на проверенные факты и данные. Но интуиция подсказывала ему, насколько удачным будет изобретение и что ещё нужно подправить для того, чтоб всё стало на свои места. Интуиция подсказала ученому, что Филадельфийский Эксперимент не готов для того, чтобы в испытания принимали участие «биологические объекты» — то есть люди. И он был прав.

Тангейзер:Сегодня исполнилось бы 69 лет  пианисту,педагогу Владимиру Всеволодовичу Крайневу...Я включил в страницу,посвящённую его памяти несколько видео...Все ролики пропитаны любовью к выдающемуся музыканту и просто замечательному человеку...Посмотрим вместе,послушаем самого Владимира Всеволодовича...Как говорит,как исполняет великую музыку...До встречи...

[640x480]

[248x319]

Крайнев Владимир Всеволодович родился 1 апреля 1944 года в Красноярске. С 1951 г. учился в Харьковской специальной музыкальной школе, а в 1959 г. перешёл в ЦМШ при Московской государственной консерватории, в класс Анаиды Сумбатян.

[354x197]

В 1962 году поступил в консерваторию в класс Генриха Нейгауза, а после его смерти учился у его сына Станислава Нейгауза, у которого в 1969 г. закончил и аспирантуру. Еще студентом стал лауреатом международных конкурсов в Лидсе (Великобритания, 1963; 2 премия), имени Ж. Виана да Моты в Лиссабоне (Португалия, 1964; 1 премия). С 1966 г. был солистом Московской государственной филармонии. В 1970 году получил первую премию на IV Международном конкурсе им. Чайковского. С 1987 – профессор Московской консерватории. С 1992 г. – профессор Высшей школы музыки и театра в Ганновере (Германия).

Бела Барток (1881-1945)

[620x388]

     Если люди будущего когда-нибудь захотят узнать, как боролся и страдал человек нашей эпохи и как наконец нашел он путь к духовному освобождению, гармонии и миру, обрел веру в себя и в жизнь, то, обратись к примеру Бартока, они найдут идеал незыблемого постоянства и образец героического становления человеческой души.
Б. Сабольчи

[288x398]
Дмитрий Горбатов

Мой дар убог, и голос мой негромок,
Но я живу и на земле мое
Кому-нибудь любезно бытие:
Его найдёт далёкий мой потомок
В моих стихах; как знать? душа моя
Окажется с душой его в сношеньи,
И как нашёл я друга в поколеньи,
Читателя найду в потомстве я.

В 1907 году 26-летний Мясковский издал своё сочинение, обозначенное «опус 1». Это был цикл романсов — «Семь размышлений» на стихи Евгения Боратынского: приведённое выше стихотворение открывает цикл. Это же стихотворение можно рассматривать и как эпиграф ко всему творчеству Николая Яковлевича Мясковского — одного из самых удивительных русских композиторов.

Здесь каждая строка — предсказание. «Мой дар убог, и голос мой негромок». Боратынский ясно понимал: оказавшись в поэтическом окружении Пушкина и Лермонтова, его голос, такой отчётливо непохожий на другие голоса той эпохи, вряд ли будет внятно расслышан и по достоинству оценён современниками. С Мясковским, увы, произойдёт то же самое: на фоне Прокофьева и Шостаковича, его дар действительно покажется (и многим кажется до сих пор) «убогим».

«Его найдёт далёкий мой потомок». Боратынский понимал также и то, что, хотя и не будучи «первым среди равных», его негромкий голос будет привлекать внимание благодарных потомков. То же произойдёт и с Мясковским. Его по-настоящему полюбят лишь подлинные ценители русской музыки, и вокруг его имени никогда не будет той низкой суеты, что до сих пор досадно омрачает имена двух его великих современников. Недостаточно широкая посмертная популярность Мясковского обернулась для него сегодня одним важным преимуществом: те, кому непонятна и неинтересна его музыка, ни за что не станут притворяться понимающими и заинтересованными. Здесь необходимо именно родство душ автора и его далёкого потомка — «душа моя окажется с душой его в сношеньи», и потому сегодня любовь к музыке Мясковского не омрачена ни глупо-никчемной модой, ни малейшим оттенком лицемерия. Потомки — немногие — действительно глубоко благодарны ему за это.

«И как нашёл я друга в поколеньи…» Всю жизнь самым близким другом Мясковского был Сергей Прокофьев. Трудно представить себе более глубоких творческих антиподов — но так же трудно представить себе людей, более близких духовно: их почти полувековая дружба окончилась 8 августа 1950 года — в день смерти Мясковского. И нельзя забыть, что именно Прокофьев — один из самых одарённых европейских музыкантов, беспощадный критик современной музыки (брюзжавший по поводу Стравинского и почти вообще не замечавший Шостаковича), — столь упорно искал расположения Мясковского, а затем всю жизнь был самым активным и преданным пропагандистом его музыки на Западе. Изданная четверть века тому назад переписка Мясковского и Прокофьева — одна из самых ярких страниц русской эпистолярики, блещущая пленительным юмором и утончённым интеллектом.

Мясковский — не просто один из русских композиторов (каких было очень много в то время). Он — неотъемлемая часть и, одновременно, достойнейший представитель той культурной среды, которая обусловила звёздный час всей русской культуры на рубеже прошлого и позапрошлого веков. Мясковский — эталон того, что именуется термином «школа» в его самом почётном толковании: школа — как синоним высочайшей дисциплины творческого труда. Мясковский принадлежал к поколению людей, которые, встречая и провожая гостя, подавали ему пальто, — без различия пола и возраста. (Композитор Моисей Вайнберг, юношей чудом спасшийся из польского гетто перед самой Войной, вспоминая свой первый визит на квартиру к Мясковскому, утверждал, что именно это потрясло его больше всего: «Вы представляете, он подал мне пальто! Мне, 20-летнему мальчишке!»)

[показать]В этом сообщении я хочу рассказать о композиторе Жане Батисте Люлли. Его музыка характерна для музыки первой половины 17 века, т.е. эпохи Барокко, она какая-то немного монотонная, спокойная, без всяких сильных эмоций, очень нежная. И ее очень приятно слушать. Особенно мне нравится то, что когда слушаешь эту музыку, то как будто переносишься в те далекие времена, особенно, если ролик с видео.  Его волшебная музыка, костюмы артистов, сцена - все располагает к этому. А теперь немного о самом композиторе. 

Жан-Бати́ст Люлли́ (фр. Jean-Baptiste Lully 28 ноября, 1632, Флоренция — 22 марта, 1687, Париж) — французский композитор, скрипач, танцор, дирижёр и педагог итальянского происхождения (Джова́нни Батти́ста Лу́лли, итал. Giovanni Battista Lulli); создатель французской национальной оперы. Крупнейшая фигура музыкальной жизни Франции при Людовике XIV.

В 1652 году Люлли был приглашен ко двору Людовика XIV, вначале в качестве скрипача; позднее он стал руководителем созданного им оркестра "16 скрипок короля". Одновременно Люлли выступал при дворе в качестве танцора, что отчасти предопределило его склонность к балетному жанру. Он писал музыку для руководимого им оркестра, а также сочинял танцевальные дивертисменты к спектаклям. С 1653 года Люлли - придворный композитор. В 1650 - 60-е годы Люлли выступал преимущественно как автор балетной музыки. Люлли создавал комедии-балеты, оперы-балеты ("Триумф любви", 1681; "Храм мира", 1685). К 1662 году относится начало творческого содружества Люлли с Мольером. Ими созданы совместно более 10 комедий-балетов: "Версальский экспромт" (1663), "Брак поневоле" (1664), "Мещанин во дворянстве" (1670) и др. Впоследствии Люлли обращается к оперному жанру. К одной из его опер, "Ксеркс", Люлли в 1660 году написал танцевальный дивертисмент. В 1672 году Люлли стал директором "Королевской академии музыки", получив преимущественное право постановки своих произведений. В оперных спектаклях Люлли принимал участие не только как композитор, но и как дирижер, режиссер, балетмейстер. В содружестве с Кино Люлли создал лирические трагедии: "Альцеста" (1674), "Тезей" (1675), "Атис" (1676), "Прозерпина" (1680), "Персей" (1682), "Фаэтон" (1683), "Амадис" (1684), "Армида" (1686) и др. В отличие от современных ему итальянских композиторов Люлли стремился к органическому синтезу музыки и драмы. Балетные дивертисменты, связывая отдельные сцены, создают единство действия. Люлли по праву считается создателем классической формы французской увертюры (из трех контрастирующих частей).

Помимо опер и балетов, Люлли писал также хоровые произведения (мотеты, Te Deum).
В наше время, помимо отрывков из опер, исполняются преимущественно инструментальные пьесы Люлли, в частности в музыкальной педагогике (например, "Гавот").
Полное собрание сочинений Люлли в 10 томах издано в Париже в 1930-1939 годах под редакцией А. Прюньера.
 

Lully. Armide Ouverture

            Большо́й теа́тр — один из крупнейших в России и один из самых значительных в мире театров оперы и балета. Комплекс зданий театра расположен в центре Москвы, на Театральной площади.

[700x489]

Л. ван Бетховен

Концерт №2 для фортепиано с оркестром си-бемоль мажор

       Второй фортепианный концерт начат Бетховеном ещё в 1795 г., а закончен три года спустя, раньше первого концерта соч. 15, но был издан и исполнен позже,поэтому и получил второй порядковый номер.

        В музыке концерта ещё довольно мало "настоящего" Бетховена, в ней гораздо больше моцартовской легкости и изящества. Однако менее всего концерт является "подражательным" сочинением- мастерство формы и симфонической драматургии, импровизационная свобода партии солиста, соотношение фортепиано и оркестра выдают руку гения, главные достижения которого ещё впереди, но в музыке которого уже ощущается могучая творческая сила. Про второй концерт можно сказать словами современника Бетховена, относящимися к другому его раннему сочинению- "в нем есть вдохновение, могущее утешить мир, оплакивающий смерть Моцарта".

           Первая часть (Allegro con brio) начинается героическими фанфарами оркестровой экспозиции, которые сменяются нежными, певучими фразами в духе кантилен итальянской оперы. Героический образ главенствует, но вступление солиста меняет настроение. развитие поворачивается в лирическую струю. Побочная партия дышит светлой безмятежностью, лирический характер сохраняют  краткая разработка  и реприза. Сольная каденция- самый яркий раздел части; волевая ритмическая активность, подчеркнутая полифоническим развитием, выдает в ней истинно бетховенский дух.