Премьера балета «Гаянэ» состоялась в Перми в Ленинградском театре оперы и балета имени Кирова (Мариинском) 9 декабря 1942 года в постановке балетмейстера Нины Александровны Анисимовой. Балет «Гаянэ» стал балетмейстерским дебютом Анисимовой в полновечернем спектакле. В его хореографии удачно сочетались движения классического танца с национальными армянскими. 13 июня 1952 года тот же театр, уже на собственной сцене, показал новую постановку с теми же сценарием и сценографией. Вплоть до конца 70-х годов XX века балет успешно шел как на советских, так и на зарубежных сценах, а отдельные его сцены по сию пору почти ежегодно исполняются в выпускных спектаклях Академии русского балета.
Музыка Хачатуряна отличается ярким национальным колоритом, темпераментом, красочностью, ей свойственно широкое симфоническое развитие с использованием лейтмотивов. Партитура балета насыщена интонациями подлинных армянских напевов. Один из лучших номеров — проникнутая искренним чувством Колыбельная Гаянэ. Настоящим шлягером на многие десятилетия стал знаменитый Танец с саблями. Полный мужественной силы, он напоминает Половецкие пляски Бородина. Постоянный втаптывающий ритм, острые гармонии и вихревой темп помогают созданию яркого, необычного образа.

[480x360]

Дамоклов меч (лат. Damoclis gladius) — по греческому преданию, сиракузский тиран Дионисий Старший (конец V в. до н. э.) предложил своему фавориту Дамоклу, считавшему Дионисия счастливейшим из смертных, занять его престол на один день. По приказу тирана его роскошно одели, умастили душистым маслом, посадили на место правителя; все вокруг суетились, исполняя каждое его слово. В разгар веселья на пиру Дамокл внезапно увидел над головой меч без ножен, висевший на конском волосе, и понял призрачность благополучия. Так Дионисий, ставший под конец жизни болезненно подозрительным, показал ему, что тиран всегда живёт на волосок от гибели.

В переносном смысле — нависшая над кем-либо постоянная угроза при видимом благополучии.

Эта история, среди прочего, содержится в «Тускуланских беседах» Цицерона.

Об этой истории упоминает Гораций:

Кто чует меч над шеей преступною,
Тому не в радость яства Сицилии

[549x700]

Ричард Уэстолл, Дамоклов меч

В данной статье в самых общих чертах рассматривается процесс развития доспехов в Западной Европе в средневековье (VII — конец XV вв.) и в самом начале раннего Нового времени (начало XVI в.). Материал снабжен большим количеством иллюстраций для лучшего понимания темы. Большая часть текста переведена с английского.
 

[показать]

[показать]

Середина VII — IX вв. Викинг в вендельском шлеме. Использовались в основном в Северной Европе норманнами, германцами и др., хотя нередко встречались и в других частях Европы. Очень часто имеет полумаску, закрывающую верхнюю часть лица. Позднее эволюционировал в норманнский шлем. Доспех: короткая кольчуга без кольчужного капюшона, надетая поверх рубахи. Щит круглый, плоский, средних размеров, с большим умбоном — металлической выпуклой накладкой-полусферой в центре, типичный для Северной Европы этого периода. На щитах используется гьюж — ремень для ношения щита во время похода на шее или на плече. Естественно, рогатых шлемов в то время не существовало.

 К 75 -летнему юбилею Танглвудского фестиваля

Жаль, я так и не побывала в знаменитом Танглвуде, что находится в Массачуссетс в двух с половиной  часах езды от Бостона. Не побывала, не хватило на него времени и сил, зато с удовольствием посмотрела концерт оттуда на канале КУЛЬТУРА.

Предлагаю читателям блога посмотреть выступление немецкой скрипачки Анне-Софи Муттер и юношеского оркестра, прозвучавшее на юбилейном Танглвудском фестивале в 2012 году.

Любимица фон Караяна, Анне-Софи виртуозно играет попурри из знакомых нам «испанских» мелодий Сарасате и Бизе. 

[238x370]

Эдвард Армас Я́рнефельт (швед. Edvard Armas Järnefelt; 14 августа 1869, Выборг, Финляндия — 23 июня 1958, Стокгольм, Швеция) — финский композитор и дирижёр.

Сын генерала Августа Александра (Александра Густавовича) Ярнефельта и его жены Елизаветы Константиновны, урождённой Клодт фон Юргенсбург, племянницы скульптора Петра Клодта; среди его восьми братьев и сестёр — писатель Арвид Ярнефельт, художник Эро Ярнефельт и Айно Сибелиус, жена Яна Сибелиуса. Был женат на певице Майкки Ярнефельт.

Ярнефельт учился у Ферруччо Бузони в хельсинкский период жизни последнего, затем в Берлине у Альберта Беккера (1890—1893) и в Париже у Жюля Массне (1893—1894). В 1898—1903 гг. дирижёр оркестра Выборгского музыкального общества, в 1904—1907 гг. оперный дирижёр Национального театра Финляндии, одновременно в 1906—1907 гг. директор Хельсинкского института музыки. С 1907 г. преимущественно в Швеции, в 1909 г. получил шведское гражданство. Был дирижёром, а с 1923 г. главным дирижёром Стокгольмской оперы. В 1932—1936 гг. директор Финской оперы, в 1942—1943 гг. возглавлял Хельсинкский филармонический оркестр.

Ярнефельт считался одним из главных пропагандистов творчества Рихарда Вагнера в северных странах. В 1904 г. им была осуществлена первая вагнеровская постановка в Финляндии («Тангейзер»), в дальнейшем он много ставил Вагнера в Стокгольме.

На фото: Армас Ярнефельт с дочерью Евой

Сочинения: для хора и оркестра - 12 кантат, в т. ч. цикл Лик родины (Fosterlandets anlete; 1922-40), Песнь Вуоксе (Laulu Vookselle); для opкестра - симфоническая поэма Корсхольм (Korsholm, 1894), симфоническая фантазия Звуки родины (Heimatklang, 1895), оркестровая сюита Форсферден (из музыки к кинофильму "Песня об огненно-красном цветке", 1919), программная оркестровая пьеса Происхождение финна (Suomen synty), фантазии, серенады; 20 мужских хоров a cappella; пьесы для фортепиано, около 50 романсов, музыка к спектаклям драм. т-ра и кинофильмам, в т. ч. к пьесе Аристофана "Птицы" (1928).

Pois meni merehen päivä

[показать] ТИХОН НИКОЛАЕВИЧ ХРЕННИКОВ
(10.06.1913–14.08.2007)

[600x400]

Борис Березовский родился в самом центре Москвы, на Арбате, в музыкальной семье. Учился в специальной музыкальной школе имени Гнесиных у Ирины Радзевич и Измаила Альтермана. В 1986 г. поступил и в 1990 г. окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано у Элисо Вирсаладзе. Правда, без диплома, который не получил из-за участия в конкурсе им. Чайковского, совпавшего по времени с выпускными экзаменами. В 1988 г. Борис Березовский с большим успехом дебютировал в Лондоне в Вигмор-холле. В 1989 г. состоялось его первое выступление во Франции, в Париже — в концертном зале Лувра. В 1990 г. завоевал Первую премию (Золотую медаль) на IX Международном конкурсе имени П. И. Чайковского. Уже после победы на конкурсе Чайковского брал частные уроки у Александра Саца, который помог найти свой стиль, раскрыл молодому пианисту творчество Николая Метнера и «очень многое в новой музыке». В 1991 г. уехал за границу. Долгое время жил в Лондоне, затем — в Брюсселе. Женат. Трое детей: двое дочерей и сын. Старшая дочь Эвелина Березовская — пианистка.  Один из наиболее известных и востребованных исполнителей на Западе, регулярно выступающий и в России. Борис Березовский — пианист редкого сценического обаяния. Игра Березовского отличается невероятной техникой и глубоким звуком, изумительной «летучестью» и потрясающе красивым пиано. «Бесспорно, мы имеем истинного последователя великой русской фортепианной школы», — такова оценка влиятельного журнала Gramophone. Играет с лучшими музыкальными коллективами мира. 

Википедия.

Ф.Шопен. Революционный этюд.

Джованни Легренци (итал. Giovanni Legrenzi; 1626 год, Клузоне, республика Венеция — 27 мая 1690 года, Венеция, республика Венеция) — итальянский композитор и органист, сыгравший важную роль в развитии стиля барокко в музыке на севере Италии.

Джованни Легренци родился в августе 1626 года в Клузоне, недалеко от Бергамо, в республике Венеция в семье скрипача Джованни Марии Легренци и Анджелы Рицци. Начальное музыкальное образование получил у отца. С 1639 по 1643 год обучался в Академии мариан в Бергамо, где его учителем был Джованни Баттиста Кривелли.

 30 августа 1645 года был принят на место органиста в церковь Санта Мария Маджоре в Бергамо. Здесь познакомился с Маурицио Каццати. В 1651 году был рукоположен в сан священника, а в мае того же года избран в капелланы хора церкви, где служил органистом до 30 декабря 1654 года, когда был уволен по неизвестной причине, но восстановлен 23 февраля 1655 года.

[497x600]

В 1654—1656 годах Джованни Легренци опубликовал свои первые четыре сборника, два из которых содержали церковные песнопения для нескольких голосов — Опус I. «Церковные концерты» (итал. Concerti per uso di chiesa; издан в Венеции в 1654 году, с посвящением Карло Нембрини) и Опус III. «Гармония божественного почитания» (итал. Harmonia di affetti devoti; издан в Венеции в 1655 году, с посвящением Алессандро Фарнезе), а два других сборника содержали инструментальные сочинения — Опус II. «Сонаты для двух и трёх» (итал. Sonate a due e tre; издан в Венеции в 1655 году, c посвящением Джованни Карло Саворньяну) и Опус IV. «Церковные и камерные сонаты, концерты, былеты, алеманы и сарабанды для трёх: двух скрипок и виолончели» (итал. Sonate da chiesa, da camera, correnti, balletti, alemane e sarabande a tre, due violini e violone; издан в Венеции в 1656 году, с посвящением Георгу Вильгельму и Эрнесту Августу Брауншвейгским).

[показать]
[показать]

«Времена года» по замыслу директора императорских театров Всеволожского должен был стать спектаклем в духе французских придворных балетов XVI—XVII веков. Либретто балета тщательно разработал знаменитый постановщик М. Петипа (1818—1910), лучший русский балетмейстер, к тому времени проработавший на петербургской сцене более шестидесяти лет. В сценарии нет последовательного сюжета, как нет и связанного драматического действия. Этот балет — своего рода сюита танцев. Однако у композитора родилась своя концепция произведения — его «захватила мысль, столь близкая его таланту и столь естественная для младшего соратника Чайковского, Римского-Корсакова, Бородина, — мысль воплотить в музыкально-хореографическом представлении один из любимых мифов человечества: миф о вечном воскрешении природы от зимнего сна, о животворящей силе солнца». Не случайно после одной из репетиций будущего спектакля побывавший на ней Римский-Корсаков сказал: «Вот одна из лучших в русской музыке зим».
Премьера балета состоялась в Петербурге, в Эрмитажном театре 7 (20) февраля 1900 года. На сцене Мариинского театра балет был показан 13 февраля.

[показать]

[показать] Немецкий композитор Йозеф Шустер родился 11 августа 1748 года. Учился у Иоганна Георга Шюрера, в 1765-1768 вместе с Францем Зайдельманом и Иоганном Готлибом Науманом отправлен в счет стипендии курфюрста в Италию, где занимался у Джироламо Перы.
В 1773 Йозеф Шустер поставил в Дрездене свою первую оперу буффа «Верность в любви». В 1774-1777 годах вновь предпринял поездку в Италию, и в 1776 первая опера-сериа Шустера «Покинутая Дидона» на либретто Метастазио была поставлена в Неаполе и имела большой успех, который Шустер в том же году дополнил следующей оперой – «Демофонт». Наконец, в 1778-1781 годах Шустер в третий раз жил и работал в Италии, после чего уже практически не покидал Дрездена, возглавляя вместе с Зайдельманом придворный оперный театр.
Помимо опер Шустер писал церковную и камерную музыку.
Ему принадлежат струнные квартеты, на протяжении полутора столетий приписывавшиеся Моцарту (так называемые «Миланские квартеты»), – их авторство установил только в 1966 Людвиг Финшер.
Умер Йозеф Шустер 24 июля 1812 года.
 

"Падуанские квартеты"(Sei quartetti padovani)
(ранее приписываемые В.А. Моцарту как «Миланские квартеты» )


исполнение -квартет Joseph Joachim
[показать]

Приятного ознакомления!

источник

[600x40]

Мааткара Хатшепсут Хенеметамон (1490/1489—1468 до н. э., 1479—1458 до н. э. или 1504—1482 до н. э.) — женщина-фараон Нового царства Древнего Египта из XVIII династии. До воцарения носила то же имя (Хатшепсут, то есть «Находящаяся впереди благородных дам»), которое не было изменено при восшествии на престол.

[451x640]

Худ. Михаил Потапов. Портрет Хатшепсут

  Пятая симфонии Глазунова принадлежат к ярчайшим и наиболее широко известным образцам симфонизма композитора. Она выделяется глубоко-оптимистическим строем, музыка симфонии пронизана радостью жизни, праздничностью, жанрово-танцевальной характерностью.

Глазунов редкостный гармонист по изобретательности и новизне гармонии, не впадающей, однако, никогда в вычурную изысканность, а как знаток оркестра, он - достойный преемник Римского-Корсакова. Но его оркестр в ином роде: он больше любит густые краски, чем тонкие штрихи. Оркестровый стиль Глазунова отличается богатством полифонии. Но при всей ее нередкой сложности оркестровая ткань не теряет ясной пластики своих узоров.

Кавати́на (итал. cavatina, уменьшительное от итал. cavata) — небольшая лирическая оперная ария. Произошла от каваты. С конца XVIII века часто - выходная ария в опере (каватина Фигаро в опере «Севильский цирюльник», каватины Князя, Алеко). Небольшая и несложная песенная форма в небыстром темпе в духе арии с одной нежной темой. В XIX—XX вв. наряду с виртуозной (каватина Розины и др.) распространена каватина созерцательного плана в умеренно-медленном темпе, с песенной мелодикой (две каватины в оратории «Времена года» Й. Гайдна; каватины Агаты, Антониды; каватина Невесты в симфонии-кантате «На поле Куликовом» Шапорина; каватина Тома в опере «Похождения повесы» Стравинского). Некоторые каватины являются развёрнутыми ариями (каватины Людмилы, Кончаковны, Владимира Игоревича). Каватинами иногда называют певучие инструментальные пьесы.

Rossini The Barber of Seville - Rosina's Cavatina

barucaba.livejournal.com

"Суздаль стародавний"

Во время нашего пребывания в Суздале там проходил V военно-исторический фестиваль. Наконец-то нам повезло побывать на таком замечательном мероприятии. Место проведения фестиваля окружали старинные стены суздальских монастырей, служившие прекрасными декорациями. Так что исторические костюмы, доспехи, оружие, утварь смотрелись здесь вполне правдоподобно. Хотя и заметно было смешение различных стилей и эпох.

[показать]

Клавесин был изобретен ещё в древнейшие времена, а первые упоминания об инструменте были найдены в 1390 году, в записях, которые вёл один известный итальянский мастер. Ранее клавесин представлял собой короткий небольшой инструмент с очень увесистым корпусом. На сегодняшний день, клавесин – клавишный струнно-щипковый музыкальный инструмент, который имеет форму треугольника. Клавесин преимущественно использовался как один из солирующих инструментов в операх в качестве музыкального сопровождения. Однако, в начале 19 века инструмент потерял свою востребованность и вышел из моды. На смену клавесину пришли иные струнно-клавишные, такие как рояль и фортепиано.
Это произошло в результате коренной смены эстетических предпочтений. Эстетика барокко, в основе которой лежит либо ясно сформулированная, либо отчетливо ощущаемая концепция теории аффектов (кратко самая суть: одно настроение, аффект — одна звуковая краска), для которой клавесин был идеальным средством выражения, уступила место сначала мирочувствованию сентиментализма, затем более сильному направлению — классицизму и, наконец, романтизму. Во всех этих стилях самой привлекательной и культивируемой стала, наоборот, идея переменчивости — чувств, образов, настроений. И выразить это смогло фортепиано. Всего этого клавесин не мог сделать в принципе — в силу особенностей своей конструкции.

[475x354]

Возрождение клавесина, проходившие в Европе с конца XIX века, в нашей стране было фактически остановлено в середине 1930-х годов. Новый этап начался в послевоенный период. Он был связан с поставкой клавесинов немецких фирм, с гастролями зарубежных клавесинистов и с появлением отечественных ансамблей старинной музыки и исполнителей на клавесине. 

Д.Чимароза. Рондо для клавесина.

Славный подвиг героини французского народа Иоанны (Жанны) д’Арк, как сюжет для оперы, заинтересовал Чайковского в 1878 году. Такой интерес возник не случайно.
Романтическая драма Шиллера «Орлеанская дева», впервые с огромным успехом поставленная в Лейпциге в 1831 году, пользовалась, благодаря переводу Жуковского  большой популярностью в прогрессивных кругах России. Популярность эта еще более возросла в годы общественного подъема 70-х—80-х годов. Но пьеса Шиллера была в то время запрещена к сценическому представлению. Тем не менее великая русская трагическая актриса М. Н. Ермолова нередко читала на вечерах, устраиваемых студенческой молодежью, монологи из «Орлеанской девы». Образ девушки-героини, беззаветно проникнутой идеей освобождения родины, воспламенял сердца демократической аудитории.
Народно-патриотическое содержание трагедии прежде всего привлекло к ней внимание композитора: крестьяне и рыцари Франции, одушевленные личной отвагой и пламенным призывом крестьянской девушки, побеждают англичан в так называемой Столетней войне. Решающая битва произошла у Орлеана; отсюда название Жанны — Орлеанская дева. Оклеветанная, она по приговору католического суда предается сожжению на костре.
Образ Жанны (Иоанны) д'Арк, национальной героини Франции, привлекал внимание многих на протяжении ряда столетий. Не одно поколение историков стремилось внести свой вклад в дело изучения феномена простой крестьянки, сумевшей подчинить себе королевскую власть и выступившей для спасения Франции. Известны самые разноречивые оценки этого загадочного явления. Уже среди ее современников раздавались насмешливые голоса, и при изначальном преклонении перед ней народных масс в этих же массах ее считали колдуньей, а в высших слоях — обманщицей и обманутой.
«Орлеанская дева» — одно из самых величественных оперных творений П.И.Чайковского. В ней много монументальных хоровых сцен и развернутых ансамблей и вместе с тем выразительных лирико-психологических эпизодов.


[510x331]

Сопрано

Знаете ли вы сказку о Снегурочке? Ее написал русский драматург А. Н. Островский, а композитор Н. А. Римский-Корсаков создал на ее основе оперу. Партию Снегурочки -- хрупкой, нежной дочери Мороза и Весны, он поручил высокому, светлому и серебристому, словно колокольчик, голосу -- колоратурному сопрано. Колоратурное сопрано -- самый высокий и подвижный женский голос. Колоратурным он называется потому, что легко исполняет разные вокальные украшения -- колоратуры. Тонкий орнамент мелодии чудесно передает сказочный образ. Колоратуры в партии Снегурочки ассоциируются с пением птиц -- спутниц весны, с веселой мартовской капелью, с журчанием веселых ручейков. Для колоратурного сопрано написано много разных партий. Раньше композиторов привлекали в нем блеск и виртуозность, возможность исполнять блестящие пассажи. Потом, в XIX веке, стали обращать больше внимания на выразительность пения. Характер звучания колоратурного сопрано позволяет создавать шаловливые, своенравные образы, такие как Людмила в «Руслане и Людмиле» Глинки, Церлина в «Дон-Жуане» Моцарта. Часто колоратурному сопрано поручают партии сказочных персонажей -- Царевны-лебеди в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова. Шемаханской царицы в его же «Золотом петушке». Иногда большим количеством колоратурных украшений композитор хочет приблизить звучание голоса к тембру инструмента, подчеркнуть его холодный блеск.

[445x517]