Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
18 МАЯ -МЕЖДУНАРОДНЫЙ ДЕНЬ МУЗЕЕВ
[показать] День музеев как праздник появился благодаря заседанию Международного совета музеев в 1977 году, когда было принято постановление об учреждении новой немаловажной и культурной даты для населения. А уже с 1978 года День музеев стали отмечать более чем в 150 страна по всему миру, чтобы обогатить культуры, развить взаимопонимание сотрудничества у современных ценителей искусства и поспособствовать культурному обмену между разными народами. В этот день проводятся различные экскурсии, лекции, научные занятия.
[показать]«Экспомузыка» – это цикл радиопрограмм о сокровищах музыкальных музеев.
Большинство музеев находятся в регионах, зачастую в небольших городах и сельской местности. Многие даже не подозревают о том, что они представляют собой подлинные культурные центры.
Вы побываете в неведомых прежде уголках, познакомитесь с яркими моментами из истории музыки и исполнительского искусства и, несомненно, по-новому откроете для себя величие и широту музыкального наследия!
| [показать] О музее главного музыкального театра страны – Государственного Академического Большого театра – рассказывает его директор Лидия Глебовна Харина… |
Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
Любимые советские оперетты...(часть первая)
[показать] В год победы СССР в Великой Отечественной войне Ленинградский театр музыкальной комедии, проработавший всю блокаду в осаждённом Ленинграде, выпускает премьеру — оперетту композитора Юрия Милютина, не перестававшего писать музыку во время прифронтовых выступлений с концертными бригадами.
[показать]Юрий Сергеевич Милютин (1903-1968)
Либретто оперетты «Девичий переполох» основывалось на одноимённой комедии русского драматурга конца XIX века В. А. Крылова, ставившейся в Александринском и Малом театрах. Этому своему «происхождению» оперетта обязана мелодичностью и русской народной напевностью, которые отличают её от других произведений подобного жанра в СССР 1930-х — 1940-х годов. Задор и тонкий юмор, заложенный в либретто его авторами — поэтом Михаилом Гальпериным и драматургом Виктором Типотом, сделали оперетту по настоящему весёлой и искристой.
В основу оперетты «Девичий переполох» была положена одноимённая комедия В. Крылова, шедшая в Александринском и Малом театрах в 1890 году, которую М. Гальперин и В. Типот превратили в хорошее, весёлое либретто. Действие происходит в России в XVII веке. Царь повелел выбрать себе невесту – самую пригожую, благовоспитанную и хозяйственную девицу из всех дворянских дочек на Руси.
В том же, 1945 году, премьера оперетты проходит в Челябинске и Свердловске. Московский театр оперетты впервые поставил её на своей сцене в сентябре 1950 года. Затем она начинает своё триумфальное шествие по театрам музыкальной комедии всей страны. Включают эту оперетту в свой репертуар и театры XXI века.
В 1975 году по сценарию одного из авторов либретто оперетты Виктора Типота режиссёром Георгием Ансимовым был создан одноимённый фильм-спектакль.
[показать]
Иоганн Филипп Кирнбергер (нем. Johann Philipp Kirnberger; крещён 24 апреля 1721, Заальфельд — 27 июля 1783, Берлин) — немецкий теоретик музыки, композитор и педагог.
По утверждению Ф. В. Марпурга, Кирнбергер в 1739—41 годах учился в Лейпциге у И. С. Баха, которого считал крупнейшим немецким композитором. Добивался публикации хоральных обработок Баха, о которых в письме лейпцигскому издателю Брейткопфу писал так:
По поводу хоралов Баха числом более 400, которые собрал К. Ф. Э. Бах и многие из которых переписаны его собственной рукой, мне исключительно важно, чтобы эти хоралы, которые ныне находятся в моем распоряжении, сохранились для будущих музыкантов, композиторов и ценителей музыки.
Эта публикация хоралов в четырёх томах под редакцией Кирнбергера (с предисловием, написанным К. Ф. Э. Бахом) была осуществлена после его смерти, в 1784-87 годах.
Собрание баховских хоральных обработок для органа BWV 690-713a ныне известно как «кирнбергерово».
Автор 8 научных и музыкально-педагогических трактатов, а также многих музыкальных статей в знаменитом словаре И. Г. Зульцера «Общая теория изящных искусств». Основной труд Кирнбергера, двухтомный «Kunst des reinen Satzes in der Musik», посвящён технике современной музыкальной композиции. В центре внимания автора гармония и контрапункт; в книге также рассматриваются виды фактуры, типы развёртывания мелодии, основы музыкального метра, обсуждаются проблемы строя и темперации. Разработал 3 темперации, из которых наибольшую известность приобрела третья (так называемая «кирнбергерова»).
Написал 10 флейтовых сонат (наиболее популярна соната es-moll), 10 трио-сонат и другую камерную музыку. Автор ряда сочинений для органа, в том числе прелюдий, вариаций и других обработок хоралов. Среди учеников Кирнбергера, в частности, Даниэль Штейбельт.
J.PH. KIRNBERGER, Concerto for Harpsichord, Strings and B.C. in C minor
Концерт для клавесина и струнных до минор
Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
МУЗЫКА ВОЙНЫ И ПОБЕДЫ
[850x65]
В войну музыка помогала жить, и это не красивая метафора.
Фильм посвящен музыкальной культуре, начиная с 1940, предвоенного, года, и заканчивая 1945-м. Когда грохотали пушки Второй мировой войны, музы отнюдь не молчали...
О документальном фильме "Музыка мира и войны"(три серии) рассказывает его автор, заслуженный деятель искусств РФ Валентин Тернявский:
"Фильмов о войне, как художественных, так и документальных, создано достаточно много, есть среди них и замечательные работы. Наш фильм рассказывает о музыке времен Великой Отечественной войны. Однако тема решена шире – это новый взгляд на то уникальное время, жестокое, страшное, но именно тогда вопреки войне были созданы великие музыкальные произведения. В фильме речь пойдет не только об отечественной музыке, но и о музыке союзников и поверженной Германии. Мне захотелось доказать теорему, что между 1940-м и 1945 годом в нашей стране было создано очень много музыкальных произведений, которые стали подлинным украшением русской культуры. Если говорить о симфонической музыке, то именно тогда Дмитрий Шостакович пишет свои грандиозные полотна-фрески: Седьмую и Восьмую симфонии. У композитора творческий подъем. К нему лояльно относятся власти предержащие. Достаточно сказать, что в эти годы его трижды награждают Сталинской премией.
1 фильм. "Пограничная полоса".
Первый фильм посвящен музыкальной культуре в последний предвоенный год и в первый год войны.
Документальный фильм (Россия, ГТРК "Культура", 2005), 3 части.
Автор сценария и фортепианных импровизаций Валентин Тернявский.
Режиссер Сергей Сидоренко.
Оператор-постановщик Алексей Смирнов.
Операторы Татьяна Александрова, Евгений Авдеев, Владимир Деревянкин, Владимир Иванов, Владимир Кузаков, Олег Маликов.
Текст читает Юрий Яковлев.
Участвуют: Галина Вишневская, Тихон Хренников, Александра Пахмутова, Владимир Зельдин, Андрей Эшпай, Родион Щедрин, Виктор Мержанов, Николай Добронравов.
Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
Кирилл Молчанов. Опера «Зори здесь тихие»
[600x150]Песня и пролог "А зори здесь тихие"
  |
Имя Кирилла Владимировича Молчанова сегодня немного скажет широкой аудитории слушателей – разве что профессиональным музыкантам, да и то скорее старшего поколения. Но стоит только вспомнить две-три песни: «Вот солдаты идут по степи опаленной…», или «От людей на деревне не спрятаться…», или «Парней так много холостых, А я люблю женатого…» – как тотчас вы, улыбнувшись, запоете знакомую мелодию. Не лучшая ли это награда композитору – его песни стали частью жизни людей, их поют и со сцены, и во время застолья, и у костра под гитару!
Сам же автор признавался, что война и борьба против фашизма стали главной темой его творчества.
[показать] Кирилл Владимирович Молчанов (1922–1982) – автор восьми опер (среди них «Каменный цветок» по Павлу Бажову, «Ромео, Джульетта и тьма» по повести Яна Отченашека, «Неизвестный солдат»…), балетов «Три карты» и «Макбет», фортепианных пьес, вокальных циклов, музыки к десятку фильмов (в их числе «Дело было в Пенькове», «На семи ветрах», «Доживем до понедельника»), к тридцати драматическим спектаклям… В Саратове, на местном пешеходном «Арбате», даже поставили памятник его песне, а башенные часы на набережной Волги отбивают «Огней так много золотых // На улицах Саратова…».
[350x233]Опера «Зори здесь тихие» занимает в творчестве Молчанова особое место. Кирилл Владимирович создал ее в 1973 году, то есть через год после триумфального успеха картины Станислава Ростоцкого, музыку к которому написал тоже он.
Пронзительная повесть Бориса Васильева «А зори здесь тихие» о подвиге девушек-зенитчиц стала сюжетом последней оперы Молчанова. Одаренный оперный композитор и драматург (автор либретто большинства своих опер), Молчанов замечательно ощущает специфику музыкального театра, но при этом, не изменяя песенной природе своего дара, широко пользуется приемами сопредельных искусств. Он прибегает к кинематографическим «наплывам», к перебивающим линейное повествование кадрам из прошлого своих героинь, кадрам-воспоминаниям, к монтажной драматургии.
Столь же своеобразен и музыкальный язык оперы, уснащенный цитатами, – тут и «бытовая» песня, и эстрада, и музыка барокко. Как символ мирной жизни в хрустальном тембре челесты звучит «Колыбельная» Дунаевского, и тут же – хорал Генделя.
Композитор «портретирует» героинь оперы сообразно их характеру и пользуясь близким им музыкальным «словарем». К примеру, Лиза Бричкина, крестьянская девушка, обрисована протяжной песней и частушкой, а Соня Гурвич, влюбленная в поэзию Блока, – интонациями русского романса и мелодией Генделя. Женя Комелькова предстает поначалу в нехитром вальсе, словно перенесенном с городской танцплощадки; она же с гитарой в руках на глазах зрителей «слагает» простую куплетную песню на ставшие легендарными стихи Константина Симонова «Жди меня» – обобщенный образ женской верности, оберегающей солдата. Рита Осянина, вспоминая с болью оставленного дома маленького сына, поет трогательную «Колыбельную» Дунаевского из «Цирка»…
К своему командиру старшине Васкову девушки поначалу относятся с немалой иронией. Он охарактеризован маршем на приписываемые чуть ли не Александру Васильевичу Суворову слова:
«О, воин, службою живущий!
Читай Устав на сон грядущий.
А утром, ото сна восстав,
Читай усиленно Устав».
Пожилой старшина по-отечески опекает девушек, сочувствуя им, переживая их трагическую гибель… В его интонациях – понемногу от каждой из девушек, но более всего – близкого к народным истокам, к русским корням. Так, в сцене с Лизой Бричкиной вдруг появляются нотки лирических «страданий».
Оркестр экономными, скупыми средствами передает атмосферу действия, подогревает эмоциональную «температуру» оперы. «Трубный» лейтмотив, открывающий оперу, потом оживет в слегка варьированном виде в обращении Риты Осяниной «Нас не надо жалеть!» на стихи поэта-фронтовика Семена Гудзенко. Поддержанный струнными и солирующей трубой, он звучит как слово от автора.
Пролог и эпилог, контрастно обрамляющие оперу, рисуют нынешние мирные дни – они завоеваны для нас теми, кто отдал свои жизни, сражаясь с врагом. В этом ощущении преемственности поколений, в неостывающей памяти о воинском подвиге – залог нашего нравственного и духовного здоровья.
Иосиф Райскин
Концертный зал Мариинского театра 8 февраля 2015
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
Софроницкий Владимир Владимирович (1901-1961)
[показать] Софроницкий Владимир Владимирович, выдающийся музыкант, пианист. Владимир Софроницкий родился 8 мая 1901 года в Петербурге в семье педагога - физика, мать была из рода известных деятелей культуры прошлых веков - живописца В. Л. Боровиковского и поэта Л. И. Боровиковского.
В 1903 семья переезжает в Варшаву, где мальчик стал заниматься музыкой, брать уроки у серьезных педагогов, которые оканчивали консерваторию по классу фортепиано у Николая Рубинштейна.
В 1910 состоялось первое выступление маленького пианиста публично, его исполнение было отмечено критикой. По совету Глазунова Владимир Софроницкий начинает заниматься у пианиста Михалковского, славившегося своим исполнением Шопена. После переезда в Петербург в 1913 Софроницкий продолжает заниматься у этого педагога, ежемесячно ездит в Варшаву. В 1916 поступает в Петроградскую консерваторию, где занимается у Николаева по классу фортепиано и композиции у Штейнберга, ученика Римского- Корсакова.
В 1919 Софроницкий даёт свой первый самостоятельный концерт, а в 1921 оканчивает консерваторию. С этого времени пришла слава к пианисту, сделала его имя легендой как уникального исполнителя произведений Скрябина, Шопена.... "Многие считают Софроницкого по преимуществу лириком... вероятно, музыка целиком по преимуществу "Лирика", - слова пианиста Генриха Нейгауза.
Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
- Иоганнес Брамс - Идеальный выразитель времени -
[показать]ИОГАННЕС БРАМС
7 мая 1833— 3 апреля 1897
Имя Иоганнеса Брамса олицетворяется в немецкой музыке с направлением, выступавшим против «музыки будущего», как иронично называли сторонников программной музыки Листа и музыкальной драмы Вагнера.
Идя путями, отличными от листовских и вагнеровских, Брамс создал уникальные симфонические, камерные, фортепианные и вокальные произведения, основанные на традициях народной музыки и национальной немецкой классики. Эти сочинения заняли достойное место в классическом музыкальном наследии.
[показать]ТРИ СОНАТЫ ДЛЯ СКРИПКИ И ФОРТЕПИАНО
Соната для скрипки и фортепиано № 1 соль мажор создавалась под впечатлением известия о смерти Феликса Шумана – сына композитора Роберта Шумана, с семьей которого Брамса связывала многолетняя дружба. Автобиографическую направленность сонаты выявляет включение тем брамсовских песен, созданных на слова Феликса Шумана и Клауса Грота – поэта, чьи стихи наиболее соответствовали мировосприятию композитора. В основе замысла произведения – столкновение юной жизни и смерти. Содержание песен определяет «программу» сочинения: Брамс цитирует мотивы из цикла «Песни юности»; тему «Песни дождя», связанной с воспоминаниями о навсегда утраченном детстве, вызываемыми стучащими в окно дождевыми каплями – в песне «Эхо» эти капли сравниваются со слезами… «Слезная» символика гармонирует с движением траурной процессии в первой части, контрастом к которой выступает состояние просветленного покоя во второй. Тема второй части появляется и в заключении необычного для мажорной сонаты скорбного финала, принося с собой успокоение.
Violinsonate Nr.1 G-dur, Op.78
I. Vivace ma non troppo
II. Adagio
III. Allegro malto moderato
исп.Ицхак Перлман и Даниэль Баренбойм
[показать]
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
Памяти Мстислава Ростроповича
Но для успешного окончания консерватории Ростроповичу нужно еще было сдать государственный экзамен по истории коммунистической партии.
Слава утешал преподавателей:
- Не волнуйтесь. Я зайду в комиссию, сделаю шаг вперед, два шага назад и спрошу: "Что делать?"
( Он обыграл Ленинское выражение "НЭП следует рассматривать как временную передышку, как шаг назад, для того, чтобы сделать два шага вперёд".
Всесоюзное признание пришло к Мстиславу Леопольдовичу в 1950 году после того, как он победил в Праге на конкурсе имени Гануша Вигана. Ростропович стал преподавателем Московской консерватории, где работал в течение 26 лет. В Ленинградской консерватории Ростропович преподавал 7 лет. С 1959 по 1974 годы Ростропович работал профессором Московской консерватории. Звание почётного профессора Московской консерватории он получил в 1993 году.
Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
Живые люди в сказочной оправе, или Чего мы не знали о «Золушке»
[показать]
«Золушка» – чудесная история о великих чувствах и, пожалуй, ярчайший феномен мировой культуры. Прославляя вечные ценности и основополагающие добродетели, эта сказка с древнейших времен фигурирует в преданиях почти всех народов мира. Да и кто из нас не был очарован ею хоть однажды?..
И, конечно, на свете нет более популярного и актуального сюжета для воплощения на сцене. Поэтому не будет преувеличением сказать, что программа «Бал»(на радио "Орфей") на этот раз подошла к важнейшему из своих экскурсов, а в сопровождающие взяла, пожалуй, три наиболее известных шедевра мировой музыкальной культуры на тему Золушки –
лирико-комическую оперу итальянского композитора Джоаккино Россини,
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Любовь, разочарование и восторг в музыке Михаила Ивановича Глинки.
14 фортепианных пьес.
Имя Михаила Ивановича Глинки не случайно стоит в истории русского искусства рядом с именем Пушкина. Они были современниками, почти ровесниками (Глинка на пять лет моложе), композитор не раз обращался к творчеству поэта, писал романсы на его стихи, создал оперу «Руслан и Людмила».
Но к Пушкину обращались многие и до Глинки, и после него. Важно то, что у обоих гениальных художников была единая задача, блистательно ими решенная: найти дорогу, по которой русские художники выйдут в один ряд с классиками мирового искусства. Это сделали, прежде всего, они сами — Пушкин и Глинка, став основоположниками русской литературной и музыкальной классики. Пушкина и Глинку сближает и ясный, светлый и оптимистический взгляд на мир, вопреки всем его несовершенствам и противоречиям. Отсюда такая стройность и ясность их собственных произведений.
Глинка осознал свое призвание очень рано. В помещичьем доме села Новоспасского, близ города Ельни, где он родился и провел детские годы, музыка звучала постоянно: играл крепостной оркестр, музицировали приезжавшие в гости любители музыки. Миша Глинка учился играть на фортепиано, немного на скрипке, но более всего любил слушать музыку.
«Музыка — душа моя»,— сказал однажды мальчик учителю, упрекавшему его за то, что на другой день после одного из домашних музыкальных вечеров он был необычно рассеян и думал вовсе не об уроках.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Чарующая музыка арфы
Много веков насчитывает история арфы - одного из древнейших
музыкальных инструментов. Появилась она еще на заре человеческой
цивилизации и стала прародительницей всех струнных инструментов.
Было это, возможно, так: однажды, натягивая тетиву лука, охотник заметил,
что она издает нежный мелодичный звук.
Он проверил свое впечатление, и звук
понравился еще больше. Тогда он решил натянуть рядом еще одну тетиву,
покороче, -- и получилось уже два музыкальных звука различной высоты.
Стало возможным сыграть простенькую мелодию. Это было великое
открытие: возник первый струнный щипковый инструмент.
Шли годы, десятилетия, века. К прежним струнам прибавлялись все новые и
новые; но музыкальный инструмент продолжал иметь форму лука. Его
держали в руках и играли, перебирая пальцами струны. Арфу любили в
Древнем Египте, Финикии и Ассирии. в Древней Греции и Риме. В Средние
века арфа получила огромное распространение в Европе. Особенно славились ирландские арфисты,
которые исполняли свои сказания -- саги -- под аккомпанемент маленькой
переносной арфы. Ее изображение даже вошло в национальный герб
Ирландии. Но постепенно арфа стала аристократическим инструментом.
На арфе играет лишь тот,
Кто свободен и знатен,
Она никогда не звучит
Под рукою раба...
так говорили поэты.
[показать]
Арфу богато украшали -- золотом, перламутром, мозаикой. Играли на ней, как
правило, женщины. "Волшебным инструментом" называли арфу поэты,
восхищенные ее нежными звуками.
В XIX веке считалось, что каждая благовоспитанная девица из "порядочного
общества" должна уметь играть на арфе. Лев Толстой в "Войне и мире"
рассказывает, как играла на арфе Наташа
Ростова. Сейчас арфа используется и как солирующий инструмент, и как один из
инструментов оркестра. Конечно, она очень сильно отличается от своих
средневековых предков. У нее сорок пять -- сорок семь струн, натянутых на
треугольную металлическую раму изящной формы, украшенную резьбой.
При помощи семи педалей, укорачивающих струны, когда это необходимо, на
арфе можно извлечь все звуки от ре контроктавы до фа четвертой октавы.
Это цитата сообщения Оригинальное сообщение
Ламара Чкония - первые творческие успехи
1963 год, 17 сентября, г. Киев
Киевский оперный театр по уровню и по официальной государственной категории уравнен с московским Большим и ленинградскими театрами. Таких театров в Советском Союзе только три. Когда говорю о категории этих театров, то подразумеваю огромные материальные ресурсы, возможности и большие зарплаты. Киевский театр десятилетиями украшала певица мирового уровня, народная артистка СССР, любимица украинского народа Зоя Михайловна Гайдай. Я не имела счастья слушать ее со сцены, так как за два года до моего приезда в Киев она оставила сцену и всю свою энергию отдавала воспитанию молодых певцов в консерватории. И вот через полтора месяца после моего приема в театр был назначен мой дебют в роли Татьяны в опере «Евгений Онегин» П. Чайковского.
Зоя Гайдай
Роль Татьяны для дебюта я избрала потому, что она у меня еще в Тбилиси была готова, но тогдашнее тбилисское руководство театра приложило все усилия, чтобы не допустить меня к этой роли. И вообще, после того как в опере «Даиси» роль Маро я спела успешно и в музыкальном мире города, а также в прессе появились положительные отзывы, руководство театра вместо того, чтобы поощрить начинающую артистку, в течение четырех лет, все силы приложило, чтобы я оставила театр.
В киевском театре на первых репетициях я почувствовала, что все вокруг буквально дышит воспоминаниями о Зое Гайдай: «Вот, наша Зоя это место так исполняла!.. Вот наша Зоя эту фразу так пела!.. Вот, наша Зоя эту фразу с таким подтекстом мыслила!». Дирижер, Режиссер и партнеры – все стремились как-то помочь мне достойно спеть спектакль. И я старалась учитывать их советы одновременно не потерять свою индивидуальность. Тем более, что в детстве в Батуми во время занятий в русской школе я всего «Евгения Онегина» знала наизусть. И даже имела свое индивидуальное видение образа Татьяны.
Генеральные оркестровые репетиции уже закончились, и мой дебют в роли Татьяны хорошо прошел. В зале был полный аншлаг. Люди стояли в проходах. Спектакль дирекция театра хорошо разрекламировала – по всему Киеву расклеены были огромные афиши. К этому добавились интервью директора театра по радио, телевидению и прессе.
После спектакля многие поздравляли меня с успехом. В переполненную людьми гримерную заглянул радостный директор Виктор Петрович Гонтарь и с порога громогласно заявил: «Вот, только сейчас можете считать, что вас приняли в театр, а не два месяца назад, когда зарплату назначили!».
Ламара Чкония - работа художника А. Отрешко
Это цитата сообщения liudmila_leto_-Stella_Polaris Оригинальное сообщение
"Бриллиантовый" голос Елизаветы Шумской
[показать]Елизавета Владимировна Шумская
(12 апреля 1905 - 5 марта 1988)
«Чтобы петь вдохновенно, надо беззаветно любить свою профессию и неустанно работать над собой».
Эти слова народной артистки РСФСР Елизаветы Владимировны Шумской можно поставить эпиграфом ко всей ее творческой жизни, исполненной непрерывного труда, целеустремленного, освещенного преданной любовью к своему делу.
Творческий путь Е. В. Шумской начался в 1928 году на сцене только что организованной Ивановской самодеятельной рабочей оперы. Это было время, когда молодая советская интеллигенция активно претворяла в жизнь выдвинутый партией лозунг; «искусство в массы». Студентка Ивановского музыкального техникума Елизавета Шумская со всей присущей молодости энергией выступала вечерами в рабочих клубах, днем — прямо в цехах ткацкой фабрики; с такими же, как и она, студентами выезжала на концерты в Ивановскую область. Репертуар диктовался наличием аккомпанемента: под фортепиано пела оперные арии и романсы, под баян — русские народные песни. Эти концерты давали хорошую творческую практику, способствовали созданию репертуара, а главное — рождали непосредственное ощущение того, как нужно искусство самым широким массам молодой Республика Советов.
На сцене Ивановской оперы Е. В. Шумская впервые спела партии Микаэлы («Кармен» Бизе), Маргариты («Фауст» Гуно), Чио-Чио-Сан.
.
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Классика исполнительского искусства. Фильм-концерт "Горовиц в Москве 1986 г".
Чудесный фильм. В нем все прекрасно, и музыка, и исполнительское искусство пианиста, и, конечно же, прекрасен сам музыкант. А с каким восторгом принимает его публика, это все надо видеть.
В ряду великих пианистов XX века: Артура Рубинштейна, Артура Шнабеля, Эмиля Гилельса, Святослава Рихтера имя Владимира Горовица знаменовало величайшую веху в истории пианистического искусства. Жизнь В.Горовица, это большой путь, пройденный артистом в России, в Европе и Америке.
Вольтер писал: «Чтобы иметь успех в области искусства, нужно иметь «чертика» в сердце». Присутствием «чертика» объясняли современники игру великого скрипача Н.Паганини. Успех В.Горовица — в какой-то мере следствие его «чертика».
[показать]Задолго до выступления, еще до прикосновения к роялю им овладевал ни с чем не сравнимый трепет, но за первым звуком, когда робость оставляла его, Горовиц преобразовывался до неузнаваемости, у него появлялась огромная энергия, и он исполнял произведение с азартом.
В 1925 году пианист эмигрировал за границу. Хотя на первых концертах В.Горовица в Берлине, Гамбурге и Париже слушателей было мало, так как его имя еще не было известно, в последующие дни билеты брались с боя.
Шумная слава Горовица началась следующим эпизодом. В Гамбурге в его номер гостиницы вбежал запыхавшийся антрепренер и попросил заменить заболевшего солиста в Первом концерте Чайковского. Выступать надо было через полчаса. Горовиц бросился в зал, где дирижер сказал ему:
- Следите за моей палочкой, и, бог даст, ничего страшного не случится.
Уже через несколько тактов ошеломленный дирижер сам следил за игрой солиста, и когда концерт окончился, восхищенная публика за полтора часа раскупила билеты на его последующие сольные концерты.
В.Горовиц триумфально входил в музыкальную жизнь Европы.
В 1928 году новые овации принесли Горовицу выступления на американском континенте. «После исполнения в Карнеги-холле концерта Чайковского с оркестром и сольной программы, ему была устроена самая бурная встреча, на которую может расчитывать пианист», — писала пресса. В дальнейшем, после перерыва на несколько лет из-за болезни, по настоянию своего друга Рахманинова и дирижера А.Тосканини (на дочери которого он был женат)
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
Франко Корелли (1921 - 2003)
"Голос героической силы и необычайной красоты, исполненный мрачной чувственности и таинственной грусти, но прежде всего голос грома и молнии, огня и крови..."
Герберт фон Караян о Франко Корелли
[819x1009]
Франко Дарио Корелли практически всю свою исполнительскую жизнь посвятил выступлениям на оперной сцене. Сольные концерты Корелли были редкими. Он не получал систематического музыкального образования, многие знания он черпал от друзей, учившихся в консерватории. Учился Корелли на родине Россини, в Пезаро. Для развития верхнего регистра некоторое время стажировался у Лаури-Вольпи.
Корелли внимательно изучил записи и технику Дель Монако, начав с простой имитации его пения. Эта техника заинтересовала его, несмотря на то, что голосовые связки подвергались чрезмерному напряжению. Корелли смог приспособить ее для себя, выработав технику «плавающей гортани», что позволило ему сделать звучание голоса менее одноцветным, чем у Дель Монако и петь мецца воче и свои легендарные диминуэндо на высоких нотах.
Это цитата сообщения Barucaba Оригинальное сообщение
Бетховен. Увертюра "Кориолан"
[показать]С именем Бетховена связано рождение нового симфонического жанра - программной увертюры, которая в свою очередь дала жизнь большой разветвленной семье одночастных программных произведений, получивших в дальнейшем наименование поэм, фантазий, картин и т.п. Созданные первоначально как музыкальные вступления к театральным спектаклям, увертюры Бетховена превратились в самостоятельные симфонические произведения, своего рода лаконичные инструментальные драмы.
Увертюра "Кориолан" была написана Бетховеном в 1807 году под впечатлением одноимённой трагедии австрийского драматурга Генриха-Иозефа Коллина (1772-1811). В её основу была положена история жившего в V веке до н.э. римского полководца Гая Марция, прозванного Кориоланом. Она была изложена знаменитым греческим историком Плутархом в "Сравнительных жизнеописаниях" - книге, которой Бетховен восхищался.
Бетховен был, бесспорно, увлечён трагической фигурой Кориолана, этого изгоя, заставившего трепетать перед собой родной Рим. Изгнанный из города и охваченный жаждой мести, он приводит под римские стены огромное войско. Кориолан непреклонен к мольбам сограждан, но не в силах противостоять просьбам матери и жены. Гордый и непримиримый, Кориолан не находит иного выхода, кроме самоубийства. Эта острая психологическая коллизия стала исходным моментом инструментальной "драмы".
Противоречия, раздирающие душу Кориолана, нашли выражение в первой же теме, сочетающей порывистое движение вперед и пересекающие его резкие, как сабельный удар, аккорды оркестра. Стремление и непреодолимая преграда - таков смысл этого музыкального образа. Начало увертюры вводит слушателя в мир мучительных противоречий, полных драматизма переживаний. Их острота оттенена второй темой, певучей и женственной, содержащей интонацию мольбы, мягкой, но настойчивой просьбы. Строение увертюры отмечено особой слитностью разделов. Вся она пронизана единой линией музыкального развития, колеблющегося между смятением и вспышками гнева, отчаяния. Эмоциональная напряженность музыки достигает высшего предела в репризе. Вновь возникают могучие звучания начала увертюры, но постепенно они утихают. Порывистый лейтмотив героя замедляет свой "бег" и словно обессиленный "умирает". Увертюра заканчивается едва слышным pizzicato струнных...
Увертюра "Кориолан" до минор, соч. 62
Vienna Philharmonic Orchestra
Christian Thielemann, conductor
26 марта - День памяти великого композитора
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Ференц Лист. Три "Сонета Петрарки".
Для истории музыки огромное значение имели стихи итальянского поэта Франческо Петрарки (1304-1374) — мадригалы, секстины, канцоны, сонеты. Впервые их положили в основу своих светских сочинений, преимущественно мадригалов, уже композиторы XIV века. Особенно интенсивно стихи Петрарки озвучивали мадригалисты XVI — начала XVII веков, среди которых был Клаудио Монтеверди. Мировая слава Петрарки, как поэта, основана исключительно на его итальянских стихах и они имеют больше историческое значение. Сам Петрарка относился к ним с пренебрежением, как к «пустякам», «безделкам», которые он писал не для публики, а для себя, стремясь «как-нибудь, не ради славы, облегчить скорбное сердце». Непосредственность, глубокая искренность итальянских стихов Петрарки обусловила их громадное влияние на современников и позднейшие поколения. С окончанием эпохи Возрождения интерес музыкантов к Петрарке угас, но с новой силой разгорелся у романтиков XIX века (песни Ф. Шуберта, фортепианные «Сонеты Петрарки» Ф. Листа). Изредка к ним обращались композиторы и в XX веке (А. Шёнберг. Серенада, op. 24: iv-sonett von petrarca).
Это цитата сообщения Томаовсянка Оригинальное сообщение
II Всероссийский конкурс молодых исполнителей "Русский балет"
Конкурс молодых танцовщиков балета проходит раз в два года, первый состоялся в 2013. Цель: поддержка молодых исполнителей балета из разных регионов России.
В состав жюри под председательством Юрия Николаевича Григоровича вошли выдающиеся мастера отечественного балетного искусства:
-
Алексей Мирошниченко - главный балетмейстер Пермского Академического
театра оперы и балета им. Чайковского; - Михаил Лавровский - педагог-репетитор ГАБТ;
- Николай Цискаридзе - ректор Академии Русского Балета им. Вагановой;
-
Игорь Зеленский - худ. рук. балета МАМТ им. Станиславского и
Немировича-Данченко и Новосибирского Государственного Академического
театра оперы и балета; -
Борис Эйфман - художественный руководитель и директор
"Театра Балета Бориса Эйфмана"; - Галина Степаненко - зав. балетной труппой ГАБТ;
- Вячеслав Гордеев - художественный руководитель театра "Русский Балет";
- Андрей Петров - президент театра "Русский Балет";
- Марина Леонова - ректор Московской Государственной Академии хореографии
- Юрий Фатеев - зав. балетной труппой Мариинского театра
Это цитата сообщения Нина-Ник Оригинальное сообщение
Антон Рубинштейн. Симфония №2 "Океан"
[показать]Антон Рубинштейн (1829 - 1894), русский композитор, пианист, дирижер, педагог, музыкально-общественный деятель. Многогранный талант Рубинштейна — пианиста, дирижера, композитора, педагога, организатора музыкальной жизни страны — сделал его имя легендарным. Тем обиднее, что он не мог быть вполне счастлив, так как постоянно при жизни его творчество, безосновательно, считали не совсем русским. По этому поводу Рубинштейн с горечью восклицал: «Для евреев я — христианин, для христиан — еврей, для русских я — немец, для немцев — русский, для классиков я — новатор, для новаторов — ретроград». Именно А.Г.Рубинштейн создал первые в России многочастные симфонические циклы, до того в отечественном музыкальном творчестве отсутствовавшие. Многое в них было "по немецким образцам", но Рубинштейн точно уловил потребность своей культуры в симфонии как в жанре, воплощающем картину мира - ведь именно в это время возник и русский психологический роман.
Новое качество явила Вторая симфония Рубинштейна "Океан." Она обладала несомненными художественными достоинствами, постоянно исполнялась и завоевала признание во многих странах Европы и в США. Известно, что ее любил Чайковский. Петр Ильич не утратил по отношению к ней свежести восприятия, в письме к Н. Ф. фон Мекк, утверждал, что тема новая и красивая. «А какая прелестная свежая мысль первой части "Океана" Рубинштейна!» – и выписывает по памяти тему главной партии. В критической статье 1873 года Чайковский называет Вторую симфонию кульминационным пунктом композиторской деятельности Рубинштейна, произведением "кипучего, молодого, но вполне сложившегося таланта".
Это цитата сообщения Сэр_42 Оригинальное сообщение
Фильм-опера "Катерина Измайлова" Д.Шостаковича.
[показать]«Леди Макбет Мценского уезда» — опера в 4 действиях Д. Д. Шостаковича на либретто Д. Д. Шостаковича и А. Г. Прейса по мотивам одноимённой повести Н. С. Лескова. Либретто Д. Д. Шостаковича — А. Прейса следует фабульной канве повести, но все же несколько отличается от неё. По ходу постановок либретто подвергалось значительному изменению; в 1932—1935 годах сложилось три литературно-сценических версии произведения. Отчасти изменение было связано со смягчением языка и натурализма в изображении сцен. Опера послужила поводом к осуждению композитора руководством коммунистической партии и запрещена к постановке во второй половине 1930-х — 1950-х годах. В 1962 году поставлена в автоцензурированном виде под названием «Катерина Измайлова», в 1966 году снят фильм под тем же названием В целом опера была хорошо принята публикой, критикой и тогдашним советским музыкальным начальством. Однако заметна была и критика, касавшаяся, в основном, экспрессии и изобразительного натурализма, усмотренного в музыке, например, композитором С. С. Прокофьевым и критиком американской «Нью-Йорк Сан».
Тематика оперы актуальна как для того времени, так и сейчас: падение женщины на самое дно. Но ради чего? Ради любви. В театре опера воспринимается прекрасно, на одном дыхании, но и экранизация сделана не менее талантливо! Дмитрий Шостакович писал партию Катерины специально для Галины Павловны Вишневской. Вместе они сотворили настоящий шедевр. В фильме принимает участие хор и оркестр Киевского академического театра оперы и балета им. Шевченко. Дирижёр Константин Симеонов. Почётный диплом на XXI международном кинофестивале в Эдинбурге, Шотландия (1967).
В ролях: Галина Вишневская, Артем Иноземцев, Николай Боярский, Александр Соколов, Роман Ткачук, Татьяна Гаврилова, Вера Титова, Любовь Малиновская, Константин Адашевский, Игорь Боголюбов, Константин Тягунов, Марк Решетин