Сегодня у нас экскурсия во всемирно известный художественный музей с лучшей коллекцией картин и статуй эпохи Возрождения – галерею Уффици во Флоренции. Слово Uffizi означает «офисы» или «канцелярии», потому что здание задумывалось как административное и строилось для флорентийского правительства. В середине 16-го века правивший тогда тосканский герцог Козимо первый Медичи пригласил художника, писателя и зодчего Джорджо Вазари дл реализации своей задумки. Было спроектировано здание в форме буквы U с портиками, лоджией, соединяющей два крыла здания, и длинным узким внутренним двором. В конце 16-го века Франческо первый Медичи распорядился убрать из Уффици канцелярии магистратуры и собрал во дворце самые ценные экспонаты семейной коллекции. На протяжении веков род Медичи покровительствовал людям искусства, заказывая картины у признанных мастеров и начинающих художников. Кроме того, коллекция постоянно пополнялась греческими и римскими артефактами, а также шедеврами, выкупленными у аббатств. Анна-Мария, последняя из рода Медичи, в середине 18-го века передала в дар городу здание Уффици и бесценные сокровища рода Медичи с условием, что они никогда не покинут Флоренцию и будут доступны для созерцания всем желающим. Галерея Уффици открыла свои двери для публики, став общественным достоянием, раньше Лувра и Британского музея.
Ну а наша группа проходит досмотр, получает наушники и в сопровождении гида начинает осмотр музея. Мы поднимаемся по великолепной монументальной лестнице Вазари. Вначале она вела только на второй этаж комплекса и заканчивалась в вестибюле придворного театра Медичи. Со временем помещения театра переоборудовали под хранилища и выставочные залы, а лестницу продолжили и создали новый вход, чтобы посетители могли пройти в музей.
Вся экспозиция галереи представлена на третьем этаже и организована в хронологическом порядке, начинаем осмотр с восточного крыла. С правой стороны коридора большие окна, выходящие во внутренний двор галереи на Piazzale degli Uffizi. С левой стороны залы галереи. В самом коридоре бюсты и портреты представителей рода Медичи, копии античных скульптур.
Потолочные перекрытия коридоров разделены балками на квадраты, расписанные гротесками – на белом фоне причудливая вязь из арабесок, цветочных гирлянд, человеческих фигур, стилизованных растительных мотивов. Этот античный стиль был популярен в Италии в 15-16 веках.





В длинных коридорах галереи под потолком идет непрерывный ряд небольших портретов обширной династии Медичи, ее ближних и дальних родственников и свойственников. На колоннах между оконными и дверными проемами большие портреты европейских монархов. Приятно было увидеть и «наших». Портрет Петра первого на фоне Гангутского сражения написал русский художник Иван Никитин. В начале 18-го века он возглавляет группу пенсионеров, отправляемых учиться "художествам" в Италию. При них было рекомендательное письмо самого Петра первого к герцогу Тосканскому Козимо третьему Медичи во Флоренцию. Там Никитин и написал этот парадный портрет со всеми наличествующими атрибутами - воронёные латы, тёмно-красная горностаевая мантия, корабельная
пушка, жезл в руке, указующий путь к победе. Заведомая театральность, расчет на эффект, но при этом сильное, молодое, исполненное удачи лицо с весёлыми глазами. Пётр торжествующий, уверенный в том, что "небывалое бывает".
Парным к портрету царя Никитин написал и портрет его супруги Екатерины первой в синей мантии и белом парике. Оба эти портрета были преподнесены герцогу Козимо и обнаружены во Флоренции сотрудниками Эрмитажа. Выполнены они по образцам европейских парадных портретов в стиле барокко.
Галерея Уффици изначально создавалась как собрание статуй, картины появились там гораздо позже. Сейчас статуи выставлены в двух-трех залах и в коридорах галереи. Дионис и сатир - римская копия 2-го века древнегреческой скульптуры. Прекрасный юноша-сатир Ампелос, возлюбленный Диониса, похвалялся перед богиней Селеной, и та послала ему смерть. Расстроившись, Дионис превратил тело Ампелоса в первую виноградную лозу и создал вино из его крови.
Эту скульптуру я, к сожалению, не смогла идентифицировать. Не помню, что было написано на табличке, и была ли она вообще. Явно какой-то древнегреческий бог или герой со своей воздыхательницей :unknw:





Одним из первых экспонатов музея стала скульптурная группа Геракл и кентавр (Геркулес и Несс), она появилась в восточном коридоре галерее в самом конце 16-го века и с тех пор уже не меняла своего места. Это воссозданный шедевр 3-го века до нашей эры, полуразрушенную скульптуру восстановил в 16-ом веке флорентийский скульптор Джованни Каччини. Согласно древнегреческому мифу,
кентавр Несс был перевозчиком на реке Эвен. Геракл попросил Несса переправить свою жену Деяниру на другой берег, а сам пустился вплавь. Кентавр же соблазнился прелестями Деяниры и решил ее похитить. Разгневанный Геракл ранил Несса стрелой, смазанной ядом лернейской гидры, и поборол обидчика (в скульптуре как раз и отражен этот момент). Но это стало началом его конца… Умирая, Несс убедил Деяниру собрать его кровь в качестве приворотного зелья, и когда Геракл на старости лет сбежал с молоденькой, жена пропитала этой кровью хитон (а в крови-то был смертельный яд лернейской гидры...) и послала его в дар супругу. Так закончил свои дни прославленный герой, а безутешная Деянира, терзаемая муками совести, заколола себя мечом. В общем все умерли, такие дела…
Скульптура Амур и Психея рассказывает о великой повести любви. Психея - в греческой мифологии образ, олицетворяющий душу, ее представляли себе в образе нежной девушки с крыльями бабочки. Она была так прекрасна, что люди принимали ее за Афродиту и поклонялись ей. Богиня задумала месть и приказала Амуру пробудить в Психее любовь к какому-нибудь жалкому и недостойному человеку, но увидев Психею, Амур сам полюбил девушку. Потом там было много перипетий, напоминающих нашу сказку Аленький цветочек, но пройдя сквозь множество испытаний, посланных свекровью Афродитой, Психея воссоединилась с Амуром, чтоб никогда не разлучаться.
Эту скульптуру мне тоже не удалось найти – кто это, на чем это? :unknw: Похоже, что это Нереида (морская нимфа) на Гиппокампе (морской конь из упряжки Нептуна) – персонажи древнегреческой мифологии.
Скульптура Триумф Диониса. Дионис – это древнегреческий бог, олицетворяющий страсть, буйство, опьянение, производительные силы природы, плотскую любовь. Рядом с ним Пан – божество из свиты Диониса, получеловек-полукозел. В руке у Диониса флейта Пана, выглядит он довольно грустно и неприступно, а Пан явно от него чего-то хочет и, как мне кажется, не флейту… :d333:





Начинаем осматривать залы галереи. Войдя в восточный коридор, поворачиваем направо, там угловой зал №1 – зал археологии. Спящий гермафродит - прекрасная римская копия 1-го века с греческого оригинала 2-го века до нашей эры. У Овидия в Метаморфозах описано, как сына Гермеса и Афродиты, прекрасного Гермафродита, полюбила и возжелала нимфа Самалкида, но скромного юношу только напугали страстные притязания. И тогда нимфа, обвив его, стала молить богов о вечном слиянии с любимым. Боги вняли мольбам и слили нимфу и Гермафродита в одно двуполое существо. Вот такая романтическая история о слиянии двух начал в образ целостной личности, объединяющий противоположности, в символ изначального совершенства и независимости, несмотря на его двойственность. О как! :t:
Мраморная группа Лаокоон и его сыновья - копия 16-го века с ватиканского древнегреческого оригинала 1-го века до нашей эры Баччо Бандинелли. Из поэмы Вергилия Энеида мы знаем о Троянском коне, так вот, жрец Аполлона Лаокоон предостерегал троянцев заводить в город оставленного данайцами огромного деревянного коня. Бог Посейдон, бывший на стороне данайцев, разгневался и наслал на жреца и его сыновей две огромные змеи. В скульптуре удивительно тонко переданы ужасающая физическая боль и безмерная скорбь души, надрыв, мощь, бессилие, душераздирающие эмоции.
Геракл Фарнезе – римская копия из мрамора скульптуры Геракла 2-го века нашей эры с бронзового оригинала конца 4-го века до нашей эры, ныне утраченного, приписываемого Лисиппу. Геракл изображен в момент отдыха от своих подвигов. Он стоит, опираясь на палицу, с которой свисает львиная шкура, в правой руке, отведенной за спину, яблоки из сада Гесперид. На этот сюжет была сделана не одна скульптура, а копий и того больше, каждая из них имеет свои отличия. Они есть и в Лувре, и в Эрмитаже, и в Ватикане, да много еще где. Эта же копия нашла свое место во Флоренции, в Уффици.
Античная мраморная скульптура Вепрь, найденная во время раскопок на Эсквилинском холме в Риме и подаренная во Флоренцию. В середине 16-го века ее поместили в Уффици, а бронзовую копию поставили неподалеку на Новом рынке в качестве фонтана. Туристы любят тереть пятачок кабана, засовывать в его пасть монетки – считается, что от этого исполняются желания, а флорентийцы ласково называют его порчеллино (кабанчик)





Идем в зал №2, где выставлены картины 13-14 веков - периода дученто, положившего начало искусству Проторенессанса в истории итальянской культуры. На фото слева Маэста (так называли в 13-ом веке в Италии изображения Богоматери, ударение на последнем слоге) Дуччо ди Буонинсенья – алтарный образ, написанный по заказу Дуомо Сиены, негласного центра поклонения Деве Марии в то время. Это самая масштабная картина, дошедшая до нас с 13-го века, ее еще называют Мадонна Ручелаи по имени первого владельца. Справа на фото Маэста работы Джотто ди Бондоне, ее второе название Мадонна Оньиссанти - единственная дошедшая до нас живописная работа Джотто. Этот алтарный образ написан в начале 14-го века для готической францисканской церкви Оньисанти (Всех Святых) во Флоренции, в нем все черты, присущие творчеству Джотто - яркие краски, очеловеченный облик Марии. Рядом с Маэстой полиптих Джотто из флорентийской церкви Бадиа, на нем Мадонна с младенцем, святые Николай, Петр, Бенедикт и Иоанн Богослов.
Третий алтарный образ в зале - Маэста Чимабуэ, написанный для церкви Святой Троицы во Флоренции. Во всех трех образах прослеживается отход от строгих канонов, переход от иконного стиля к более живой живописи, отражающей материальность мира, пафос земного, осязаемого – отсюда берет свое начало искусство эпохи Возрождения, первым этапом которого стал Проторенессанс.
Зал №7 посвящен шедеврам раннего Возрождения (середина 15-го века), когда пространство уже изображается в соответствии с законами перспективы. Фигуры приобретают физическую массу и пропорции, использование светотени придает им объемность. Центральная панель триптиха Паоло Учелло Битва при Сан-Романо изображает сражение между флорентийцами и сиенцами, две других панели в Национальной галерее Лондона и в парижском Лувре. Именно Учелло стал создателем научной теории перспективы в живописи, его фантастический стиль имеет черты сказочности, красочности.
Работа Доменико Венециано Мадонна и младенец со святыми Франческо, Джованни Батиста, Зеноби и Люсией – новый тип алтарного образа. Три арки, поддерживаемые колоннами, напоминают о традиционной форме полиптихов. Утренний прозрачный свет, придающий фигурам объемность, отсутствие золотого фона отражают современные веяния.





Зал №8 посвящен творчеству Филиппо Липпи (вторая половина 15-го века), называемому отцом флорентийского Возрождения, предтечей Сандро Ботичелли. Это художник необычной судьбы – осиротев, он в 15 лет стал монахом, через 10 лет бросил монастырскую жизнь, полюбил монахиню Лукрецию Бути и похитил ее из женского монастыря в Прато. Покровитель художника Козимо Медичи ходатайствовал перед папой об освобождении их от монашеского обета и признании их брака законным. Картины Липпи наполнены любовью к земным радостям, восхищением красотой, страстностью, чувственностью и пылкостью. Великолепный алтарный образ Коронование Богоматери, известный также как Коронование Мариньи, был написан для флорентийской церкви Сан-Амброджо.
Мадонна с младенцем и двумя ангелами - самая известная из работ Филиппо Липпи, абсолютный шедевр, который сразу был воспринят художниками-современниками как иконографическая модель. Пейзаж на заднем плане передает атмосферный эффект, позже этот прием часто будет использовать в своих картинах Леонардо да Винчи. Эту картину можно назвать первой светской интерпретацией религиозной темы. В прекрасном образе Мадонны художник запечатлел свою жену Лукрецию Бути, а ребенок на ее руках - его сын Филиппино. По этой картине видно, какое огромное влияние оказал Липпи на творчество своего ученика Сандро Боттичелли, картины
которого мы увидим в следующем зале.
Картина Липпи Поклонение Младенцу со святыми Иосифом, Иеронимом, Марией Магдалиной и Илларионом написана по заказу монастыря Анналены. Работа принадлежит к периоду, когда художник еще был подвержен влиянию готического искусства – об этом говорят композиция, тяжелые плотные нимбы, подобие перспективы.
Ещё один шедевр в этом зале — прославленный Урбинский диптих с портретами герцога и герцогини Урбино, написанный Пьеро делла Франческа. Диптих был привезен во Флоренцию невестой Фердинандо второго Медичи Викторией делла Ровере, последней представительницей рода правителей Урбино. На портретах изображены герцог Федериго да Монтефельтро и его жена Баттиста Сфорца. Жизненность изображенных персонажей, которые доминируют на фоне великолепного ландшафта, делают это произведение самым значительным из всего, что было создано итальянскими портретистами Раннего Возрождения.





В зале №10-14 когда-то располагался театр Медичи, в конце 20-го века здесь, в серии объединенных комнат, собрали крупнейшую в мире коллекцию произведений Сандро Боттичелли. В детстве Сандро отправили учиться ювелирному мастерству, но ювелиром он так и не стал, увлекшись живописью. Однако полученные в результате обучения навыки, четкость линий, чувство стиля остались с ним и в новой сфере. Дальнейшее обучение Боттичели проходил у Липпи и Верокьо. Картина Сандро Боттичелли Мадонна в розарии или Мадонна дель Розето – одна из первых картин, где художнику удается отойти от влияния учителей, это типичная ранняя Мадонна Боттичелли, она пронизана задумчивостью и лиризмом. За спиной Мадонны виден сад с цветущими розами, одним из символов Богородицы.
Картина Боттичелли Мадонна с Младенцем и шестью святыми или Алтарь Сант Амброджио – тоже ранняя работа художника. Этот алтарный образ на деревянной доске долгое время находился во флорентийском монастыре Сант-Амброджио, а в начале 19-го века был передан в галерею Уффици. Многофигурная композиция изображает Мадонну с Младенцем на троне в окружении шести святых. Уже здесь виден почерк Боттичелли - вытянутые вверх фигуры, непропорционально крупные туловища, удлиненные кисти, узкие плечи, в поздних работах эти черты усилятся, приобретут трагические настроения.
Картина Мадонна во славе – еще одна из ранних Мадонн художника. Богоматерь здесь восседает на облаках во славе печальных скорбных серафимов, образующих вокруг нее арку, ореол. Очень эмоциональная картина – во взглядах и фигурах читаются грусть и предвидение неизбежного.
Поклонение волхвов – картина создана во второй половине 15-го века по заказу банкира Гаспаре ди Дзанобе дель Ламы для его часовни в базилике Санта-Мария-Новелла. Мария восседает посреди руин древнего Рима, что символизирует конец старого, отжившего свое мира и начало нового, христианского. В качестве персонажей картины Боттичелли выписал известных горожан - практически вся семья Медичи прибыла на поклон к младенцу, изображены философы, поэты, писатели, видные деятели, а также сам автор картины (крайний справа). Эта работа даровала мастеру славу и благоволение правящей династии Флоренции.





Мадонна на троне, четыре ангела и святые - алтарная композиция для церкви Святого Варнавы во Флоренции. Эта картина написана спустя десятилетие от предыдущих – видно как изменились лики Марии и младенца, композиция и объемность персонажей. Некоторые образы выглядят поистине великолепными – святая Екатерина полна затаенной страсти, святой Варнава с лицом мученика, а изображение Иоанна Крестителя одно из наиболее глубоких и человечных в искусстве того времени.
Картина Сандро Боттичелли Клевета (конец 15-го века) - на троне восседает царь Мидас, прислушивающийся к Подозрительности и Неведению, что шепчут что-то ему в уши. Злоба (фигура в темной одежде) ведет под руку Клевету, красивую девушку в обличье невинности, тянущую свою нагую, умоляющую о помиловании жертву, а косу ей плетут Зависть с Ложью. В левой части картины оголенная фигура Истины указывает в небо, однако же определить правду под силу одному лишь Раскаянию – оно изображено художником в виде сгорбленной старухи, подобной плакальщице. Одни увидели в этой картине наговор, от которого мучился сам художник, а другие - потаенную аллегорию суда над Савонаролой.
Благовещение Честелло - Сандро Боттичелли изобразил момент, когда спустившийся с небес ангел сообщает деве Марии, что она ожидает ребенка, зачатого промыслом Божьим от Духа Святого, и ее будущему сыну суждено стать спасителем мира. Ангел преклонил колени, Дева смиренно склонила голову и протягивает руки в невольно протестующем жесте – она удивлена и испугана. Картина написана для церкви Санта-Мария Маддалена деи Пацци в монастыре Честелло. Впечатляют глубина, воздушность, продуманность цветовой гаммы, оттененная пейзажем.
Фреска Сандро Боттичелли Благовещение была написана во Флоренции на стене лоджии госпиталя Сан Мартино делла Скала. В то время в городе завершилась страшная эпидемия чумы, унесшая множество жизней, и работа была заказана Боттичелли в знак победы над болезнью. В связи с ремонтом больницы фреске был нанесен значительный ущерб, и только в начале 20-го века она была передана в галерею Уффици и там отреставрирована. Пространство гигантской фрески разбито на две части колоннами, справа спальня Марии, она в состоянии глубокого транса, лицо абсолютно неподвижно. В левой открытой части архангел Гавриил - он только прилетел, замер в воздухе. Вся картина пронизана божественными лучами света. В перспективе пейзаж с горой Фавор.





Картина Сандро Боттичелли Мадонна Магнификат - самая известная из картин Боттичелли на религиозный сюжет, написанных для частных капелл. Название она получила по первому слову молитвы Богоматери, текст которой хорошо виден на развороте раскрытой книги. Эта картина типичное флорентийское тондо, круглая форма дает художнику возможность проводить оптические эксперименты - благодаря особому изгибу кривых линий и общему круговому ритму остается впечатление картины, написанной на выпуклой поверхности. Вся картина пронизана атмосферой задумчивой меланхолии, лицо Мадонны отмечено всеми качествами, входившими в культивируемый Боттичелли идеал красоты - тонкая светлая кожа и твердое, но изящное строение лица.
Картину Мадонна с гранатом заказали представители налогового ведомства для Зала заседаний суда палаццо Синьории. Она тоже представляет собой флорентийское тондо, но в отличие от предыдущей картины, здесь использован обратный прием, создающий эффект вогнутой поверхности. Картина получила свое название благодаря гранату, который держит в руке Младенец. В христианстве гранат символизирует вечную жизнь, множество в единстве, духовную плодовитость, церковь с множеством членов. Во времена Боттичелли гранат также рассматривали как олицетворение страданий Христа.
Картина Боттичелли Весна - неоспоримый шедевр, исполненный в готическом стиле раннего Средневековья. Полотно со сложным философским содержанием, изысканное и самобытное, полное философского смысла, с множеством явных и скрытых нюансов. Это ода идеальной женщине и любви. В центре богиня любви Венера, напоминающая Мадонну, она объединяет героев правой части изображения, которые символизируют плотскую любовь и земные ценности, с героями левой части, воплощающих моральные ценности и непорочную любовь. Справа бог ветра Зефир преследует прекрасную нимфу Хлорис, чтобы заставить ту стать его женой. Этот союз превращает нимфу в богиню природы Флору, которая в роскошных одеждах величественно шествует по цветущему саду. Слева Меркурий, символ разума и красноречия, он охраняет этот сад. Рядом с ним Грации, возвышенные спутницы Венеры, символизирующие
целомудрие, платоническую любовь и возвышенное наслаждение. Венера в центре олицетворяет собой как духовные чувства, так и земные, а сын ее Амур уже готов выстрелить в одну из прелестных Граций. Весну Боттичелли связывают с культурой Италии эпохи Возрождения. Все символы и аллегории картины были хорошо понятны людям того времени.
Картина Рождение Венеры Сандро Боттичелли — одно из самых выдающихся произведений эпохи Возрождения. Обнажённая богиня, стоя на раковине, подгоняемой по волнам западным ветром Зефиром в объятиях своей жены Флоры, подплывает к берегу и выходит на сушу. Одна из Ор (богинь времён года) стоит наготове с алой мантией как знаком божественной власти, которой обладает красота над миром. Это, пожалуй, первое в истории живописи изображение обнаженной женщины вне контекста первородного греха. В этой работе сквозь античную тему звучит христианская, а соединение античного гуманизма и христианства и дало феномен итальянского Возрождения. Моделью для Венеры послужила Симонетта Веспуччи, возлюбленная Джулиано Медичи, первая красавица Флоренции. Симонетта умерла в 23 года от чахотки, но благодаря Боттичелли, который повторял ее лицо из картины в картину и при ее жизни, и уже после ее смерти, Симонетта стала лицом флорентийского Ренессанса.





Картина Сандро Ботичелли Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи Старшего уникальна по своему исполнению, аналогичных ей работ эпохи Возрождения просто нет. В то время портреты всегда писали в профиль, фон отсутствовал, Боттичелли же развернул юношу почти в анфас, написал фоном пасторальный пейзаж. Чей это портрет, кто был его заказчиком, до сих пор доподлинно неизвестно.
И последняя в нашем описании картина Ботичелли - Паллада и кентавр. Она была написана для Джованни Пьерфранческо Медичи и находилась на его вилле Кастелло вместе с картинами Весна и Рождение Венеры. Кентавр на картине воплощает соединение в человеке низменного и высокого, лук и стрелы в его руках указывают на животные страсти, но лицу Кентавра художник придал выражение глубокого страдания, свойственное святым на его картинах. Вместо Афины-воительницы Боттичелли изобразил Афину-пацифику, алебарда, оливковые ветви и венок которой символизируют добродетель. Эта аллегория победы мудрости над страстями, победы сил мира над силами разрушения.
В этом же зале выставлена картина Франческо Боттичини Три архангела и Товий, написанная по заказу Братства Архангела Рафаила. В центре архангел Рафаил ведёт Товия, в руке у которого пойманная рыба, с ними архангелы Михаил с мечом и Гавриил с цветком лилии в руке.
Завершает экспозицию этого зала триптих мастера северного Возрождения Хуго ван дер Гуса Алтарь Портинари (конец 15-го века). Итальянец Томазо Портинари, возглавлявший представительство банка Медичи в бельгийском Брюгге, заказал этот алтарь для церкви Сант Эджидио во Флоренции. Триптих посвящен поклонению пастухов младенцу Христу, он вызывает умиление и выполнен в отличной от итальянского Возрождения манере. Когда алтарь был переправлен морем во Флоренцию, он поразил увидевших его и оказал большое влияние на итальянскую живопись. На меня в этом зале произвели самое большое впечатление, как ни странно, не Весна, не Рождение Венеры, не тондо, а ранние Мадонны Боттичелли, портрет юноши и Алтарь Портинари class::





Зал №15 посвящен Леонардо да Винчи – самому загадочному творцу в истории, яркому представителю универсального человека, идеалу итальянского Возрождения. Он создал новую живописную технику, применил прием сфумато - дымку между зрителем и изображением, смягчающую цветовые контрасты и линии, в итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. Картина Верроккьо Крещение Христа – первый дошедший до нас живописный опыт Леонардо. Ему, как своему ученику, Андреа дель Верроккьо поручил написать крайнего слева ангела и фоновый пейзаж. Впервые примененная техника сфумато и мастерство ученика
настолько поразили учителя, что он признал превосходство Леонардо.
Не оконченная картина Леонардо да Винчи Поклонение волхвов – удивительная и загадочная работа мастера. В конце 15-го века он начал писать ее для алтаря монастыря Сан-Донато в Скопето, где служил его отец. Так и не закончив картину, Леонардо переехал в Милан, завершить работу пытались другие художники, но только исказили первоначальный замысел. В наши дни после долгой реставрации ее восстановили. Композиция картины необычна и почти не имеет аналогов в итальянской живописи. Каждый фрагмент
картины несет смысловую нагрузку. Темный всадник среди развалин олицетворяет зло, всадник ближе к Марии и сама Богородица с младенцем олицетворяют добро, на заднем плане картины идет битва. Основная часть людей вокруг Девы Марии и маленького Христа олицетворяет добро, которое торжествует над злом - это главная идея произведения .
Еще одна ранняя картина Леонардо – Благовещение. Он написал ее еще будучи учеником, вернее переписал поверх неудачных набросков други учеников. Очень реалистично выписаны крылья архангела, пейзаж на заднем плане, цветущий луг. Картина написана необыкновенно мягко и чисто по цвету, с ощущением простора и свободы перспективы.
В этом зале выставлены картины многих художников того периода времени, Пьета Пьетро Перуджино одна из них. Пьета в переводе означает сострадание, жалость, так в то время называли картины с изображением скорби Богоматери над мертвым Иисусом, лежащим у нее на коленях. Перуджино, учитель Рафаэля,создавал картины, в которых царит какая-то особенная тишина. Золотистый прозрачный воздух, светлая печаль на лицах, приглушенные цвета одежд, уходящие в перспективу арки – все это завораживает, умиротворяет, примиряет с трагедией сюжета.