Это цитата сообщения НАТАЛИЯ_ПОЛТАВСКАЯ Оригинальное сообщение
http://www.belovol.com.ua/parts/read-Medel/part025/part025.htmlБарокко
Каждый человек — это стиль.
Бюффон.
Эти слова известного французского учёного, как нельзя лучше характеризуют основные эстетические воззрения человека эпохи барокко. Впервые в истории искусства речь пошла о целом культурном движении, потому что стиль и образ жизни людей становятся взаимосвязанными.
Барокко — (итал. barocco через исп. barruессо от португ. barroco — «причудливый, неправильный, дурной, испорченный») — один из самых трудных и многозначных терминов истории искусства. Так назвали стиль его поздние противники — классицисты XVIII века, которым формы барокко напоминали странную вычурную раковину — результат игры «неразумной природы».
Слово «барокко» используется и как метафора в смелых историко-культурных обобщениях: «эпоха Барокко», «мир Барокко», «человек Барокко», «жизнь Барокко» (итал. La vita Barocca). В каждом историческом периоде развития искусства видят свое «барокко» — пик творческого подъема, концентрации эмоций, напряжения форм. Изначально жаргонное словечко «барокко» использовалось португальскими моряками для обозначения бракованных жемчужин неправильной, искаженной формы. Но уже в середине XVI века это слово появилось в разговорном итальянском языке как синоним всего грубого, фальшивого, неуклюжего. В среде французских ювелиров слово baroquer означает «смягчать контур, делать форму мягкой, живописной». Во французских словарях слово «барокко» появляется с 1718 года и трактуется как ругательное выражение. Оно долго не могло стать названием стиля. Первым сделал слово «барокко» типологической категорией X. Вёльфлин. В книге «Ренессанс и Барокко» (1888), написанной им в Риме, и последующих работах Вёльфлин определил барокко как наивысшую, критическую стадию развития любого художественного стиля: первой стадией является архаика, второй — классика, третьей — барокко.
История стиля неразрывно связана с эпохой абсолютизма, в частности со временем правления французского Людовика XIV, «Короля-Солнце». Со временем это приводит к определенной униформизации многих сторон жизни, вплоть до одежды. Вошедшие в быт придворной аристократии пышные одежды и парики порождали неестественность поз и движений, вычурность манер. За парадной помпезностью форм во всем чувствуется нечто театральное.
Основные элементы барочного стиля, так же, как и ренессансного, восходят к античности; главное же, что отличает барокко, — это повышенная динамичность форм, беспокойный ритм кривых линий. Пышные, помпезные формы барокко находят широкое применение в первую очередь в культовом строительстве, в архитектуре и интерьере новых церквей и монастырей.
Симфония барочного изобилия (или хотя бы отделочные ее ноты) звучат в интерьерах человека уже три столетия. Причем фрагменты стиля стали проявляться на всех ступенях социальной лестнице и на всех уровнях вкуса – и во дворцах, и в хижинах.
Атмосфера барокко в его национальном понимании пропитались, начиная с XVIII века, все слои общества – от аристократии до крестьян.
Повсюду – и в мебели, и в украшении интерьеров – мы видим обилие декора, текучие и в тоже время динамичные формы, пластичные линии. Так по необходимости возникает интереснейший приём отделки мебели: деревянный мозаичный набор, когда для формирования изогнутых поверхностей склеивали кусочки фанеры. Шероховатости и неровности, неизбежно при этом возникающие, шлифовались и покрывались лаком. Отсюда — обилие в барочной мебели лаковой работы. Так из необходимости зародился интереснейший приём отделки мебели: техника деревянного набора с сопровождающей её лакировкой.
В эпоху барокко архитектурные формы в мебели применяются без особой строгости и последовательности. Стремление к свободному формообразованию подчас ведёт к известному произволу, к пренебрежению спецификой материала. Результат: изогнутые, очень пластичные поверхности предметов, крученные колонны, богато профилированные карнизы и рамки. Мотивами резных и мозаичных декоративных композиций служат щиты, картуши, прихотливо вьющиеся стебли, раковины, венки, гирлянды, фестоны, валюты. Вместо дуба мебель теперь часто изготавливается из ореха, более пригодного для резьбы и полировки. В Италии мебель особенно любят покрывать яркими росписями и лаком, вводят в декор позолоту и инкрустацию зеркальными пластинками. В каркасной мебели (стулья, кресла, диваны и пр.) прямолинейные очертания тоже изгибаются; мебель становится более лёгкой и уютной. Характерная новинка барокко — гнутая ножка — на целое столетие войдёт в практику мебельщиков.
Мебель для сидения отличается скорее богатством декоративных решений, нежели разнообразием типов. Она всё чаще обивается дорогими декоративными тканями — глазетом, гобеленом и украшается бахромой
В эту же эпоху впервые появляются так называемые «гарнитуры" или "комплекты», состоящие из нескольких гармонирующих друг с другом предметов обстановки. Появляется и один из важнейших предметов мебели XVIII в. — комод с выдвижными ящиками.
Наиболее богато убранным предметом мебели является кровать, которая приобретает форму некоего шатра из пышных занавесей и драпировок, почти полностью скрывающих деревянные элементы. Традиция устраивать парадные спальни с роскошными кроватями восходит к царствованию того же Людовика XIV. Пробуждение и отход ко сну Короля-Солнца сопровождались пышными церемониями, а королевская спальня превратилась из места отдыха в торжественный зал. Постепенно спальня стала играть и роль приёмной: гостей принимали или лёжа в кровати, или во время сложной процедуры одевания.
Крупнейшим мастером-мебельщиком эпохи барокко был А. Ш. Буль (1642-1732). После смерти придворного столяра он в 1679 году возглавил мастерские в Лувре. С его именем связаны известные всему миру изделия мебели в «стиле Буль». Они фанерованы чёрным деревом и богато украшены бронзовыми накладками и маркетри, набранными пластинками черепахи, позолоченной меди, олова и т. д. Булю принадлежит также и слава создателя классического комода. Среди барочной мебели особенно хотелось бы выделить голландскую. При соблюдении всех особенностей стиля, голландских мастеров не покидает здоровое чувство реальности: их мебель целесообразна, нарядна, но никогда не перегружена элементами декора. Они стремятся оттенить естественную теплоту и красоту текстуры древесины.
Словом «барокко» называют ряд историко-региональных художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв (1600-1730). Стиль барокко появился в XVI—XVII веках в итальянских городах: Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции. Именно эпоху барокко принято считать началом триумфального шествия «Западной цивилизации». Для барокко характерны: грандиозность, пышность и динамика; патетическая приподнятость; интенсивность чувств; пристрастие к эффектными зрелищам; совмещению иллюзорного и реального; сильные контрасты масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.
«Когда неистовый Микеланжело открыл свой сикстинский потолск и занялся капитолийскими постройками, новый стиль - Барокко - был создан». Большую часть росписи плафона Сикстинской капеллы в Ватикане Микеланжело «приоткрыл», сняв леса в 1509 году - это был самый пик «Высокого Возрождения» в Италии. Великий Микеланжело мощью и экспрессией своего индивидуального стиля в один миг разрушил все привычные представления о «правилах» рисунка и композиции. Написанные им на потолке могучие фигуры зрительно «разрушили» отведенное для них изобразительное пространство; они не соответствовали ни сценарию, ни пространству самой архитектуры.
В интерьере собора Святого Петра в Риме над гробницей Апостола Петра он возвел огромный, непомерно увеличенный шатер - киворий в 29 м высотой (1624-1633). Издали шатер из черненой и позолоченной бронзы на четырех витых колоннах с «занавесями» и статуями из нефа собора кажется всего лишь игрушкой, причудой убранства интерьера. Но вблизи - ошеломляет и подавляет, оказываясь колоссом нечеловеческих масштабов, отчего и купол над ним кажется безмерным как небо. По мере продвижения человека к средокрестию и алтарю меняется, растет пространство. Витые колонны кивория ввинчиваются ввысь, купол возносится на головокружительную высоту, свет струится, статуи нависают и в определенный момент человек начинает себя чувствовать совершенно раздавленным, потерянным перед сверхчеловеческим, чудовищным масштабом увиденного.
Самый знаменитый опус монументализации декора создал «гений Барокко» - Дж.Л. Бернини (1598-1680). Бернини гордо заявлял, что в скульптуре он подчинил себе форму, «сделав мрамор гибким, как воск и этим смог в известной мере объединить скульптуру с живописью». Этот художник то привлекает, то отталкивает, а то и совершенно раздавливает своей мощью и невыносимо грубыми эффектами. В знаменитой композиции «Экстаз Святой Терезы», в капелле церкви Санта Мария делла Витториа (1647- 1652), тяжелый мрамор фигур, пронизанный льющимися сверху потоками света, кажется парящим, невесомым. Скульптурная группа превращается в мистическое видение. Бернини - мастер художественной мистификации. Этот художник соединял мраморы разных цветов, а тяжелые детали из позолоченной бронзы - одеяния фигур - развиваются по воздуху, словно не существует силы тяжести. Происходит дематериализация форм. Это также одна из характерных черт стиля Барокко.
Одно из основных стилистических течений итальянского Барокко называется «стиль иезуитов», или трентино. Его возглавлял архитектор, живописец, скульптор и теоретик искусства, член ордена иезуитов А. Поццо (1642 год, Тренто – 1709 год, Вена). Этот художник - автор росписи плафона церкви Св. Игнатия в Риме (1684). Тема композиции - «Апофеосис» - обожествление, вознесение главы ордена иезуитов Игнатия Лойолы на небо. Роспись поражает иллюзорностью и, одновременно, мощью фантазии, религиозной экстатичностью. Это произведение Поццо считается одним из шедевров перспективной живописи, а самого художника называют “Микеланджело перспективы”. «Плафонные росписи» - излюбленный вид искусства Барокко. Потолок или поверхность купола позволяли создавать средствами живописи иллюзионистические декорации колоннад и арок, уходящих ввысь, и «открывать» небо, как в гипетралъных храмах античности, с парящими в нем фигурами Ангелов и святых, повинующихся не законам земного тяготения, а фантазии и силе религиозного чувства. Это переживание хорошо выражено в словах самого И. Лойолы: «Нет зрелища более прекрасного, чем сонмы Святых, уносящихся в бесконечность».
Поццо также расписал фресками кафедру и apse, изображающими сцены из жизни Игнатия.
На первое место выходит категория «величественного», она обозначается латинским словом «sublimis» - высокий, крупный, возвышенный. В парадных живописных портретах эпохи Барокко постоянны укрупненные, утяжеленные формы роскошных мантий, драпировок, архитектурный фон. Стандартные аксессуары: колоннады, балюстрады, летящие гении Славы, античные жертвенники, и фигуры портретируемых в рост, уподобленные монументам, породили название - «большой статуарный стиль». Известными мастерами такого стиля были А. Ван Дейк и Дж. Рейнолдс в Англии, Ш. Лебрюн и И. Риго во Франции, В. Боровиковский в России.
Идеи барочной организации больших пространств рождают колоссальные ансамбли площадей с фонтанами и египетскими обелисками, перспективами улиц, аллей садов и парков, украшенных каскадами, водоемами и статуями. Площадь перед собором Святого Петра в Риме, площадь Согласия в Париже, Версаль, Петергоф и Сан-Суси, несмотря на все различия, - порождения одной эпохи Барокко. Все эти ансамбли построены на театральном эффекте неожиданных контрастов, смены впечатлений: кулисы, «задник», внезапно открывающиеся перспективы.
«Плебейское» течение в Риме олицетворял гений Караваджо. Хотя в целом искусство самого Караваджо и его последователей - караваджистов, не тождественно стилю Барокко, сочетание мистичности с натурализмом, экспрессия и динамика, мощь и осязательность форм порождены этим стилем.
В Венеции XVIII в. свой «живописный театр», не без влияния Барокко, создавали Дж. Гисланди, Дж.- Б. Тьеполо, Ф. Гварди, Каналетто. Многие из живописных идей стиля Барокко по-своему решал гениальный одиночка Рембрандт.
Под влиянием Испании стиль Барокко развивался во Фландрии, с 1609 года оказавшейся под властью испанской короны. Центром своеобразного фламандского барокко стал г. Антверпен, а его олицетворением - гений П. Рубенса. Другие фламандские живописцы - Д. Тенирс, Ф. Снейдерс, Я. Иордане, Ф. Хале, - хотя и были связаны с малыми голландцами, демонстрировали отличный от голландского стиль пышной, стихийно- материалистичной, сочной живописи.
Рубенс, как и положено гению, стоял особняком и демонстрировал более изысканный, аристократически-утонченный стилью. Показательным памятником стиля фламандского барокко в оформлении интерьера является дом Рубенса в Антверпене, построенный им по своему проекту и любовно восстановленный жителями города.
Шедевром иллюзионизма в стиле католического Барокко является архитектурно-скульптурная композиция Успение Богоматери в алтаре монастырской церкви в Pope, созданная в 1717- 1725 гг. братьями Асам, Космасом и Эгидием. В Вюрцбурге, где находилась резиденция католического епископа, с 1711 года работал архитектор Б. Нойманн. Он создал пышный и бурный, насыщенный декором стиль немецкого барокко с элементами орнаментики, близкой французскому Рококо. Плафон вестибюля епископской резиденции в Вюрцбурге, возведенной по проекту Нойманна, расписал известнейший мастер фрески Джованни Батиста Тьеполо (5 марта 1696, Венеция - 27 марта 1770, Мадрид).
Архитектор М. Пёппельманн и скульптор Б. Пермозер были главными создателями выдающегося памятника искусства немецкого барокко - дворца Цвингер в Дрездене (1710- 1728). Пёппельманн - также автор проектов замка Морицбург и дворца Пильнитц. В Берлине А. Шлютер возвел королевский дворец (1698- 1706) в стиле более сдержанного северного Барокко (во время второй мировой войны дворец разрушен). Барокко в Пруссии - более рациональное и конструктивное, отчасти под влиянием Франции, эволюционировало в сторону Рококо, как это видно на примере дворца и парка Сан-Суси в Потсдаме, творения Г. В. фон Кнобельсдорффа (1744- 1753).
Английским барокко считают искусство периода правления Якова I Стюарта, стили «Реставрации Стюартов» и «Марии» (времени правления Вильгельма Оранского и королевы Мэри), т. е. почти все семнадцатое столетие. Английский стиль был эклектичным, включал в себя элементы Классицизма и традиционной английской готики. В этом отношении показательно творчество архитектора К. Рена, создателя грандиозного собора Святого Павла в Лондоне (1675- 1710), и его ученика Н. Хоуксмура, завершавшего строительство Госпиталя в Гринвиче (1664- 1728).
[993x432]
Замок Хауэрд, Великобритания. Начатый в 1699 году Касл Хауэрд считается одним из самых утонченных частных особняков в стиле барокко. Он был выстроен по инициативе Чарльза Хауэрда, третьего эрла Карлайля, двумя архитекторами - сэром Джоном Ванбру и Николасом Хоксмуром.
Новое архитектурное великолепие требовало не менее эффектной обстановки. С точки зрения формы итальянская мебель XVII века отличалась скульптурными и архитектурными принципами. Она была крупной по масштабу, ее в изобилии украшала объемная резьба с листвой и человеческими фигурами, созданными под прямым влиянием скульптуры. Большой кабинет, или stippone, был продукцией в основном мастерских великого герцога во Флоренции. Кабинеты украшались дорогими материалами, вроде эбенового дерева, pietra dura и позолоченной бронзы. Кабинет, сделанный в 1677 году для великой герцогини Тосканской, является законченным выражением итальянского барокко. Мода на архитектурные детали не замедлила сказаться на внимании к колоннам и балюстрадам, а миниатюрные скульптурки отражают превалирующий интерес к классическим формам. Натуралистические фигуры и картины свидетельствуют об угасании интереса к позднеренессансному стилю маньеризма.
Самые большие, парадные комнаты в домах аристократии имели пристенные столы, почти всегда предназначенные для показа дорогих вещей. Самые изысканные образцы получали столешницы с pietra dura и резные, позолоченные скульптурные основания.
Немецкий «серебряный» стол, изготовленный Альбрехтом Биллером в Аугсбурге для дрезденского двора (около 1715 года), сделан из ореха, покрытого серебряными пластинами с чеканкой и позолотой. Это один из немногих сохранившихся примеров невероятно дорогой серебряной мебели того времени.
Прогресс стеклоделия означал, что зеркала могли быть больше по размеру, и вошло в моду располагать одинаковые зеркала над каждым пристенным столом в комнате. Элементы дизайна зеркал и столов повторялись в архитектурных чертах помещения, таких как архитравы дверей, окон и оформление каминов, что создавало единый стиль дизайна. Парные жирандоли и подсвечники размещались напротив зеркал, так что в них отражались их огни, усиливая степень освещенности помещения.
Главной в Версальском дворце является Зеркальная галерея - Galerie des Glaces, призванная отразить весь блеск и великолепие французской монархии времен Людовика XIV. Ее роскошь первоначально еще больше усиливали сказочная серебряная мебель, 41 сверкающая люстра и позолоченные канделябры. Архитектором галереи был Шарль Лебрен, который был автором убранства многих залов дворца в Версале.
Около 1667 года Леонардо Ван дер Вине, краснодеревщик из Нидерландов, стал начальником в мастерских великого герцога Тосканского и, вероятно, ввел в употребление технику цветочного маркетри.
Самый ранний из известных образцов так называемого бюро Мазарини был сделан в 1669 году Пьером Голлем, краснодеревщиком Людовика XIV. Это изделие выполнено из местных фруктовых пород, инкрустированных цветочным маркетри и проработанных гравировкой.
Флорентийские столы и кабинеты, с их роскошной, многоцветной инкрустацией полудрагоценными камнями (pietra dura, что означает «твердый камень» - предполагает владение техникой мозаичной кладки из твердых и полудрагоценных камней), высоко ценились в XVII веке богатыми заказчиками. Флорентийские мастерские великого герцога, располагавшиеся в галереях дворца Уффици, были лидером в развитии техники pietra dura в мебели. Другие мастерские порой переманивали флорентийских умельцев, чтобы те могли научить своим приемам кого-то на стороне. В 1588 году Фердинанд I Медичи дал мастерским статус придворных, где надлежало делать и мебель, и мозаики. Заказы поступали на вещи как для резиденций великого герцога, так и для влиятельных европейских домов. Ассортимент включал как кабинеты и столешницы, так и шкатулки или архитектурный декор. В Париже Генрих IV и Людовик XIII основали собственные королевские мастерские при Лувре.
Типичным декором мебели барокко была резьба. В Генуе славились произведения скульптора Филиппо Пароди. Фантастически тонкой резьбой прославился венецианский мастер Андреа Брустолон (1662-1732), который был учеником Филиппо Пародии. Его изделия как бы завершают эволюцию форм итальянской мебели стиля барокко. Исполненная им мебель - большие кресла, столы, консоли, украшенные пышной резьбой, отличаются массивностью, величественными пропорциями. Больше всего он известен как создатель стульев с экстравагантной резьбой, выполненных скорее как произведения искусства, нежели удобные, функциональные предметы. Творчество Андреа Брустолоне во многом определило характер итальянской мебели первой половины ХVIII века.
Выдающийся мастер Даниэль Маро (1661-1752), гугенот, архитектор, рисовальщик-орнаменталист, гравер и декоратор «Большого стиля». Даниэль Маро оформлял интерьеры дворца Хетт Ло, распланировал в регулярном французском стиле парк дворца Хэмптон Корт, оформлял интерьеры дворца, делал рисунки мебели, каминов, тканых обивок, резных деревянных панелей. Наиболее характерный прием художника - соединение мотивов маскарона, гирлянд и трельяжной сетки с картушами и барочным обрамлением. Стиль, созданный Д. Маро, в Англии в дальнейшем иногда называли «стилем Маро», или «Большим Маро».
В Германии и скандинавских странах на протяжении всего столетия в зажиточных бюргерских домах оставались популярными Schranke - массивные, с тяжелыми карнизами гардеробы, напоминающие архитектуру малых форм. Они имели две створки над двумя ящиками. На севере их обычно делали из дуба, часто снабжая тяжеловесной резьбой; на юге, судя по всему, шли в ход прежде всего местные фруктовые породы и грецкий орех
К концу правления Людовика XIII стулья стали более удобными, сиденья - ниже и шире, а спинки стульев - выше. В мебели этого периода сделан большой акцент на тканях, несмотря на то, что мягкая мебель тогда была очень дорогой и только самые изысканные образцы имели тканевую обивку. Для дополнительного комфорта на деревянных сиденьях использовались подушки, и стулья, изготовленные для высшего класса, часто имели модную обивку, причем употреблялись бархат, дамаск, шитье и кожа. Ткань фиксировалась с помощью рядов латунных гвоздиков со шляпками, которые выполняли и декоративную роль. Под задней планкой сиденья и вдоль проножек стула добавлялась бахрома, предел декоративности. Подлокотники обычно были криволинейной формы, иногда снабженные мягким валиком. Ножки стульев выполнялись токарной резьбой, порой весьма сложной.
Обеденный стул Людовика XIII, входит во внушительный комплект из 12 стульев, сопровождаемых двумя креслами.
Мебель Людовика XVI служила выражению богатства и власти короля. Использовались роскошные материалы, вроде экзотических пород дерева, серебра и позолоты, панелей pietra dura, ввозимых образцов лаковых изделий и инкрустации по методу Буля. Маркетри «Буль» - это техника, предполагающая латунные вставки в поверхность черепаховых пластинок или эбенового дерева, или же наоборот, названа по имени Андре Шарля Буля, краснодеревщика Людовика XIV.
В XVI-XVII веках огромные суммы денег расходуются на отделку интерьеров домов тканями и бахромой. Стены украшаются роскошными шелковыми и бархатными панелями, с вышивкой или серебряной и золотой бахромой по краям, а кровати и стулья обиваются богатейшими тканями. Римские интерьеры второй половины XVI века украшаются гарнитурами вместе со шторами. Квадратная форма дворцовой кровати остается в моде до 1800 года. В интерьерах эпохи Барокко огромные кровати с балдахинами на точеных колоннах, с занавесями и балюстрадами, как саркофаги стоят в центре комнаты перпендикулярно стене и занимают почти все свободное место. Во Франции придумывают более усложненные формы для приватных апартаментов или садовых павильонов, подобных Trianon de Porcelaine. Даниель Маро находит вдохновение в них, создавая парадные постели для английских королевских дворцов в 1700 году. Навершия в форме гребней и резные подголовники покрываются великолепными тканями с рисунками, схожими с работами Жана Берена.
Мануфактуры Гобеленов и Бове во Франции изготавливают огромные, во всю стену шпалеры и гобеленовую обивку для мебели, в том числе глазет. Ковер фирмы Гобеленов (фрагмент), композиция представляет короля Людовика XIV, принимающего посетителей в своей парадной спальне, около 1670 года.
Глиняная посуда, как неглазурованная красная, подражающая китайской глине Йиксинг, так и с глазурью, очень распространена в 17-м веке. Джон Дуайт (1635-1703) в Лондоне, работая с красной глиной и пытаясь раскрыть секрет фарфора, создает изысканную глазурованную белую глину, которая используется для изготовления столовой посуды, бюстов и фигур в стиле Барокко.
В начале XVIII века, благодаря экспериментам алхимика Иоганна Фридриха Бютгера (1682-1719) и его учителя Эренфрида Вальтера фон Тширнхауза (1651-1708) получена прекрасная красная керамика. Это произошло в Мейсене, в Саксонии, под покровительством Августа Сильного, короля Польши и электора Саксонии. Вещи украшались барочными мотивами по рисункам Жана Берена (1637-1711). Другие копировали современные серебряные и золотые изделия. Бенджамен Томе создавал небольшие бюсты и барельефы под влиянием изделий из слоновой кости и фигурок Комедии дель Арте.
В результате дальнейших экспериментов, в январе 1710 года, на мейсенской фарфоровой мануфактуре создается фарфор из твердой пасты, то есть настоящий фарфор. Мейсенский белый прозрачный фарфор поступает на рынок в 1713 году. Его делают из белой обожженной глины из Колдица с добавкой полевого шпата, подобного китайскому петунце. Его обжигают, а затем покрывают тонкой глазурью из полевого шпата. Из фарфора производят чайную и кофейную посуду, делают небольшие гротескные фигурки по рисункам Жака Калло (1592-1635), создают подражания китайским образцам blanc-de-Chine.
И.Г. Хорольд (1695-1775) изобретает на основе металлических окислов яркие эмалевые краски в 1720 году. Их используют для изображения на посуде и вазах китайских сюжетов, экзотических цветов, созданных под влиянием востока, и сцен в гавани. С японских оригиналов копируют рисунки в стиле Какиемон. Многие из них создаются на цветном фоне.
В 1727 году Август поручает И. Г. Киршнеру (род. 1706) сделать фигурки птиц и животных в натуральную величину. Ему помогает И.И. Кендлер (1706-75), поступивший на мейсенскую мануфактуру в 1731 году.
Два мейсенских мастера уезжают в 1719 году в Вену; Клаудиус Инносентиус дю Пакье создает там конкурирующую мануфактуру. Изделия имеют форму металлических предметов Ближнего Востока, другие созданы в архитектурном стиле с расписным барочным декором.
Королевское покровительство, оказываемое мануфактуре Гобеленов с 1663 года Людовиком XIV, приводит к однородности декоративного искусства. Цветочный стиль, отражающий интерес того времени к ботанике и прекрасно подошедший к полихромному маркетри на предметах мебели, применяется также в чеканных украшениях высокого рельефа на серебре, широко распространенном в третьей четверти века в большей части Северной Европы. Природа была источником вдохновения этого стиля; он менее других располагает печатными образцами; хотя его вариант, включающий путти и животных среди завитков листвы, стал популярен благодаря гравюрам Стефано Делла Белла и его имитаторов.
Одно из достижений стиля - декор из полихромной эмали, поднявшийся на небывалую высоту в Блуа и других центрах в третьей четверти XVII века. В основном этот вид искусства используется для футляров часов, но в XVII веке меняется технология изготовления часов, и футляры становятся круглыми, но их художественный уровень ценится настолько высоко, что многие из них сохраняются, переделанные в золотые табакерки в середине 18-го века.
В последней четверти XVII века во Франции вырабатывается классический стиль, в основном благодаря влиянию Шарля Лебрена, назначенного руководителем мастерских Гобеленов. Небольшое количество предметов королевского серебра того времени как бы конспективно предстает перед нами в строгой точности кувшина (1697), исполненного Николя Делоне, где орнамент сведен к классическим архитектурным и двухмерным геометрическим мотивам.
Распространению этого стиля за рубежом способствовала деятельность гугенота Даниеля Маро. Его задача облегчалась одновременным приездом в Британию тысячи беженцев - гугенотов, обладающих мастерством и навыками для применения радикально нового стиля и декора.
Благодаря изобилию печатных работ по орнаменту, относящихся к этому периоду Барокко, стиль, вдохновленный архитектурой, проявился и в других сферах работы с металлом. Рисунками Маро пользовались не только мастера-серебряники, но и часовщики, мастера по работе с бронзой. Поэтому декор, присущий английскому и французскому серебру, мы видим в часах на консолях, осветительных приборах из золоченой бронзы и в парковых оградах. Как златокузнецы, так и другие мастера пользовались декорами и мотивами, созданными для других целей. Одной из самых популярных публикаций орнаментов конца XVII века стала серия рисунков кованых железных оград художника гугенота Жана Тижу (прибл. 1689-1712). Его самой знаменитой работой стали ворота Хемптон Корта; детали его рисунков широко используются в начале XVIII века, как в двухмерном, так и в трехмерном вариантах.
Русское барокко конца XVII - начала XVIII веков – первый большой европейский стиль, легко вписавшийся в нашу национальную традицию. Вместе с тем это было время первого вторжения европейской культуры в русскую жизнь. В конце XVII века в боярском быту, также как и в Европе, впервые происходит деление по функциям – на помещения, в которых спят, принимают гостей и т.п. До эпохи Петра I даже в кремле не было, трапезных, приемных и спален. В этот период, происходит полная меблировка помещений. И к концу XVIII века архитекторы начинают проектировать внутреннее строение здания одновременно с внешним, а также включать в проект обстановку и меблировку помещений. При Петре в России родился первый, наиболее скромный вариант национального барокко. Он был близок одновременно и к народному варианту стиля, и к североевропейскому (в частности, голландскому). Известна любовь Петра к немцам, а они отличались от французов и итальянцев как раз сдержанностью оформления быта. Домик Петра в Коломенском – по сути, деревянная изба с низкими потолками и небольшими дверными проемами связь с народными вариациями стиля проявилась в декоре и резьбе мебели, скажем в расписных вставках и украшении кровати. В росписях использовались популярные мотивы вазонов и незатейливых гирлянд. Несравнимо фешенебельней и нарядней одна из более поздних резиденций Петра – дворец Монплезир в Петергофе. В меблировке появляются кресла – бержер, мягкие и глубокие.
Елизаветинское барокко можно назвать высшей точкой проявления стиля в России. Образ «золотого роя» воплотился в строительстве Екатерининского дворца в Царском Селе, названного в честь жены Петра императрицы Екатерины I. Для осуществления замысла был приглашен великий Растрелли. Красота неописуемая; огромные шикарные залы с высокими потолками, но ужасный холод, ужасные сквозняки. Если вспомнить шутливые стихи графа А. Толстого, «веселая царица была Елисавет. Поет и веселится, порядка ж нет как нет!» порядка и правда было не слишком много. Скажем мебельного гарнитура в современном понимании не существовало, в одной комнате находились по происхождению и назначению предметы обстановки. Разностильные столы и стулья. В наборах производили только мебель для сидения, куда входили канапе и несколько кресел.
Кресла в эпоху Елизаветинского барокко делали широкие, с сиденьями трапециевидной формы, очень подходящие для необъятных дамских парадных платьев с фижмами. Искусство мебельного декора включало золочение по левкасу рельефную резьбу, фанеровки, росписи с сюжетами композициями. В отделке мебели часто применяли также весьма изысканный прием инверсии – чередования светлых и темных деталей изображения и фона одного и того же рисунка. В эпоху великого отца Елизаветы Петровны в обивочных тканях, гобеленах преобладали бессюжетные орнаментальные композиции, то теперь возникла мода на «поучительные и занимательные картинки из греческой или римской мифологии».
Эпоха блистательного рококо оказалась очень скоротечной. Уже в 1730-х годах, одновременно с сооружением самого выразительного из стилей рококо – салона принцессы в отеле «Субиз», стала раздаваться резкая критика стиля роскоши и богатства. Коллекционер и гравер граф А. Кейлюс нападал на мелочность и плохой вкус рококо. Крайне негативные оценки подготовили почву для радикальных перемен и в искусстве. Даже маркиза де Помпадур, фаворитка Людовика XV, ощутив новые веяния, ввела в моду стиль A la grecdue.