26.Японский сад камней Сад камней, храм Рёандзи (конец 15 века н.э.), Киото, Япония. Сад Дзен в буддийском храме рёандзи - наиболее примечательный пример так называемого японского "сада камней". С точки зрения европейца он представляет собой не более чем каменную инсталляцию на поверхности из белого песка. Сад камней - это форма японского сада, которая имеет начало в философии дзен-буддизма. Чаще всего сады камней расположены возле храмов и составляют продолжение интерьера, где пространство сада образует место умиротворенного созерцания. Считается, что первый сад камней был построен знаменитым мастером дзен-буддизма Соами (1480-1525) именно в Рёандзи. Садом является небольшая прямоугольная площадка (с востока на запад 30 метров и с юга на север10 метров). На площадке расположены 15 камней, которые собраны в пяти группах. Если смотреть на камни из храмового павильона с того места, где традиция предписывает созерцать сад, то можно обнаружить, что кажущееся беспорядочное расположение камней обладает гипнотическим воздействием на человека. Созерцание камней позволяет сосредоточиться и обрести спокойное состояние предрасполагающее к медитации. Храм Рёандзи был построен в 15 веке и с тех пор люди замечают в расположении сада некую неизвестную загадку, которая проявляется в восприятии необъяснимой и таинственной гармонии. В расположении сада видели разнообразные зрительные ассоциации, но композиция сада не может быть объяснена простыми аналогиями с предметами окружающего мира. Дзен-буддисты видели в красоте сада проявление непостижимой природы бытия, но в действительности гармония природы является законом мира и имеет объяснение в определенных геометрических закономерностях.
27. Статуя Давида, Микеланджело (1504 г.), Флоренция. Величественному идеалу мужской крастоты – статуе Давида работы Микеланджело – уже более 500 лет. Статуя, достигающая в высоту 4,3 метров, изваяна из цельного куска белого каррарского мрамора. Мастер изобразил Давида не в виде обычного для того времени хрупкого подростка, попирающего отрубленную голову Голиафа, как это делали до него. Герой скульптора - прекрасный, атлетически сложенный гигант в момент перед сражением, полный уверенности и грозной силы. Статуя является лучшим творением Микеланджело, и она была первой бронзовой статуей изображавшей обнаженного человека со времен Античности.
28.Изенхеймский алтарь, Матиас Грюневальд (1515 г. н.э.) доминиканский монастырь, Колмар, Франция.Изенгеймский алтарь — главное и самое знаменитое произведение немецкого художника Возрождения Матиаса Грюневальда. Точная дата создания алтаря неизвестна, Маттиас Грюневальд написал его предположительно в период с 1506 по 1515 г. Скульптуры и резные работы по дереву для алтаря были выполнены искусным эльзасским мастером Николасом из Ханенгау. Изенгеймский алтарь по своей форме является створчатым, то есть алтарём-складнем, и состоит из основной части — короба и двух пар подвижных живописных створок, и таким образом возможны три варианта развёртки (конфигурации) алтаря. На первой (внешней) развёртке изображена сцена распятия Христа. Представляет собой шедевр алтарного искусства: многослойные картины, скульптуры, изваяния изображены художником в религиозном экстазе. Невероятно, но факт: целых триста лет этот живописец носил чужое имя. Настоящее имя художника – Готхарт Нитхардт, а Матиасом Грюневальдом его ошибочно назвал один из биографов 17 века.
29 Ардебильский ковер (1539-1540гг. н.э.), Лондон. Самый уникальный, один из самых больших и наиболее древних азербайджанских ковров - Шейх Сафи хранится в Музее Виктории и Альберта в Лондоне . На безукоризненно сотканном гиганте ручной работы (размер – 11Х5 метров) присутствуют цветочные и абстрактные мотивы.
30.Диана и Актеон (1556-1559 гг.н.э.), шотландская национальная галерея, Эдинбург. Ничто не может так точно передать оттенки кожи, как масляные краски. Тициан был истинным певцом плоти: он поднял до новых высот традиционное для венецианских живописцев искусство колорита. Тициан в совершенстве владел масляной живописью и был первым мастером, наиболее полно использовавшим её художественные возможности; последние работы Тициана отличает поразительно свободная манера письма. Поздняя живопись Тициана - это новый взлет творчества мастера. Его мазок становится объемней, цвет насыщенней, а градации цвета более сложными и тонкими. Это одна из семи мифологических картин, написана Тицианом по заказу Филиппа II Испанского в период между 1550 и 1562 годами. Сюжеты для них взяты из поэмы Овидия «Метаморфозы». Одна из метаморфоз произошла со страстным охотником Актеоном. Отправившись однажды на охоту, он неожиданно вышел к реке, где, окруженная нимфами, купалась богиня Диана. Диана, разгневанная тем, простой смертный посмел увидеть ее обнажененной превратила несчастного в оленя, которого разорвали на куски собственные собаки Актеона. Это полотно фиксирует момент всеобщего замешательства неожиданной встречи. У Тициана есть и "вторая серия" этой истории. На его картине, хранящейся ныне в Национальной галерее в Лондоне, Актеон, уже в оленьем обличий, пытается спастись от собственных псов. Диана написана Тицианом столь красочно и чувственно, что, по мнению большинства искусствоведов, должна возглавлять вереницу многочисленных женских образов художника. Лорелея
31. Якопо Тинторетто, Распятие (1565-1587), Венеция. "Не поддающаяся анализу, и превыше всех похвал", - так отозвался об этой картине Тинторетто знаменитый теоретик искусства XIX века Джон Рескин. "Распятие" входит в цикл произведений, созданных художником для Скуола ди Сан-Рокко. Оно насыщено персонажами и отличается гигантскими размерами, что, к сожалению, затрудняет его восприятие в репродукции. Композиционным и духовным центром шедевра является распятый Христос, окруженный группами фигур. Оплакивающие Христа, размещенные у подножия креста, образуют пирамидальную структуру, придающую динамическую стабильность всей композиции, которая строится на пересекающихся диагоналях. В толпе мы видим как людей, охваченных благоговейным ужасом, так и обычных зевак. Фигура Христа, озаренная мерцающим светом, отделена от человеческой массы. "Распятие" Тинторетто отличается композиционной сложностью и драматизмом. Все элементы картины привязаны к центральной фигуре распятого на кресте Христа, определяющей центральную ось и оси симметрии композиции и не позволяющей изображению рассыпаться на отдельные фрагменты. Куда бы мы ни смотрели, наш взгляд неизменно будет возвращаться к центральной фигуре. Художник тщательно продумал наклон головы Христа, а вытянутые руки Спасителя расположил параллельно верхнему краю картины. У ног Христа написан стоящий на лестнице человека, который наклонился, чтобы смочить в уксусе привязанную к палке губку (этот эпизод зафиксирован в Евангелии). Отставленная назад нога балансирующего в воздухе персонажа с губкой почти касается (на картине) руки мускулистого человека, распинающего нераскаявшегося грешника на еще лежащем на земле кресте. Эта рука является направляющим вектором, "ведущим" зрителя к фигуре размещенного на заднем плане всадника, показывающего на Христа. Таким образом, зритель, "освоив" пространство картины, возвращается к ее центральной фигуре, в которой сосредоточен весь смысл описанных здесь драматичных событий.
32.Питер Брейгель Старший, "Охотники на снегу" (1565 г.) Художественно-исторический музей, Вена. В картине "Охотники на снегу" изображен мир, скованный зимней стужей. В композиции картины использован типичный для живописи Брейгеля прием – высокий передний план, с которого открывается вид на простирающуюся внизу равнину. Диагонали линий деревьев, крыш и холмов направляют взгляд зрителя строго внутрь пространства картины, туда, где люди работают и развлекаются. Вся их деятельность происходит в тишине морозного воздуха. Деревья и фигуры изображены как застывшие силуэты на фоне серого зимнего пейзажа, а пики островерхих крыш вторят зубцам гор вдали. Эта картина – гимн типичной северо-европейской зиме. Кажется, что можно почувствовать морозный ветер и запах дыма, исходящий от полотна. Художник так же проявил новаторство в изображении пейзажа: панорамный вид словно находится у зрителя под ногами.
33. Караваджо, "Сцены из жизни св. Матфея" 1598-1602 гг., Капелла Контарелли в церкви Сан-Луиджи деи Франчези, Рим, Италия. Один из крупнейших мастеров барокко, Караваджо сыграл большую роль в развитии западноевропейского искусства. Его творчество оказало влияние не только на итальянских художников, но и на многих живописцев других стран Европы. По имени Караваджо это реалистическое направление конца XVI – начала XVII века получило название "караваджизма". Первый большой заказ Караваджо удалось получить с помощью своего покровителя кардинала дель Монте. Художнику предстояло выполнить серию картин из жизни св. Матфея для капеллы Контарелли в церкви Сан-Луиджи деи Франчези в Риме. До 1600 года он пишет четыре полотна – "Св. Матфей" (два варианта), "Призвание св. Матфея" и "Мучение св. Матфея". "Призвание Матфея" занимает особое место в наследии Караваджо. С этим произведением, более чем с каким-либо другим, связана мировая слава мастера, оно ранее всего приходит на ум при звуках его имени. Впечатление откровения, вызванное этим полотном при его появлении, было связано и с тем, что оно оказалось в числе первых работ Караваджо публичного назначения, было созданием монументальной формы, и с тем, что в нем впервые со зрелой полнотой выявились основные завоевания нового искусства, его смелость и художественная мощь. Работы, выполненные для капеллы Контарелли, принесли ему славу, хотя и весьма противоречивую. Одних привлекала необычность его живописной манеры, смелость и большое мастерство, других возмущала «грубость» его типажей.
34 Бернини, "Экстаз святой Терезы" 1647-1652 гг., церковь Санта Мария дела Виттория, Рим, Италия.Бернини, скульптор эпохи барокко, бросил вызов камню и победил. Мрамор в его руках, под его резцом оживал, теряя по прихоти художника свою материальность, обретая невесомость и легкость, которые, казалось бы, для него невозможны. Камень становился воском в его руках. Мягкость шелка и трепет волос, теплоту тела и шелест листьев мог передать он в нем. Самое знаменитое произведение мастера, которое и сам Бернини считал лучшим из того, что ему удалось создать, является квинтэссенцией стиля барокко. Мастер изваял ее для римской церкви Санта Мария делла Виттория. Тех, кто прийдет сюда ждет встреча с настоящим чудом - алтарем, посвященным Святой Терезе (1645 - 1652) Святую скульптор изобразил в момент мистического озарения.
35. Диего Веласкес, "Менины" 1656 г., Прадо, Мадрид. В 1656 году Веласкес пишет свои знаменитые «Менины» — картину, которая вот уже четвертое столетие представляет миру неразрешимую загадку, рождающую различные логические доказательства и интуитивно-образные толкования того, что же находится вне изображения, что пишет художник, и что видят другие картинные персонажи, что обусловило мотивацию их взглядов и совершенство композиционных линий полотна, но не явлено зрителю. ХХ век открыл шедевру Веласкеса новые ракурсы интерпретации и перспективы осуществления. Образы «Менин» неоднократно «животворятся» в художественных цитатах, репликах, которыми столь богата культура последнего столетия (спектр рефлексий грандиозен: от работ Пикассо разных периодов творчества до «мотивов» современных русских художников). Это и своеобразная музейная инсценировка в Прадо, где сейчас хранится картина (напротив полотна, под углом к нему поставлено зеркало — так как, возможно, оно стояло перед художником во время работы), — виртуальная игра, совместное действо зрителей, оживших героев и самого автора, будто срежиссировавшего данную ситуацию несколько столетий назад.
36. Вермеер, "Вид Делфта" 1660-1661 гг, Маурицхейс, Гаага. Ян Вермеер прожил недолгую жизнь, по завершении которой был немедленно забыт. Его возвращение состоялось в конце ХIХ века, когда 35 уцелевших полотен, собранных воедино, открыли ценителям живописи мастера небывалого уровня.Живописная техника Вермеера уникальна даже для его времени, когда мастерство держания кисти голландскими умельцами было доведено до совершенства. Композиция вермееровских полотен, его владение ненавязчивым колоритом, тончайшее портретирование, а главное – знаменитый вермееровский невесомый воздух, физическое чувство открывающегося перед зрителем пространства полотна – аналогов не имеют. Насколько известно историкам искусства, иных пейзажей, кроме этого, в наследии Яна Вермеера нет. Вполне вероятно, что "Вид Делфта" - единственный случай обращения мастера к жанру пейзажа. Тем не менее, эта картина по праву считается одним из шедевров пейзажной живописи. Автор отважился здесь на очень опасный шаг - он погрузил в тень передний план пейзажа. На ближний к зрителю ряд домов падает тень от свинцовых облаков, плывущих по небу. Только художник, в совершенстве владеющий искусством создавать эффекты освещения, может заставить такую композицию "заиграть". Вермеер уверенно ведет взгляд зрителя к шпилю Новой церкви, на которую падает пробивающийся сквозь облака солнечный луч. Интересно решены также и отражения зданий в воде. Они слишком велики (невозможно представить, чтобы отражение двух башенок ворот, расположенных в правой части полотна, могло растянуться на всю ширину канала), но это-то и требовалось мастеру. Без этих отражений передний план оказался бы изолированным от остального пространства картины.
37. Рембрандт, "Еврейская невеста" ("Исаак и Ревека") 1662 г, Рейксмюсеум, Государственный музей, Амстердам. На картине "Еврейская невеста (Исаак и Ревекка)" (1667), возможно, изображен сын Рембрандта Титус и его жена. Название появилось только в 1825 году, оно произвольно, хотя и закрепилось в истории искусства. Поздняя работа Рембрандта раскрывает талант художника с ранее неизвестной стороны.
38.Джованни Батиста Тьеполо, "Аполлон и континенты"1753 г., Вюрцбург, Германия Фреска вестибюля архиепископской резиденции в Вюрцбурге. Архиепископ был весьма доволен декорацией тронного зала, и в следующем, 1752 г. пригласил художника расписать плафон над парадной лестницей. Здесь, на площади около 650 квадратных метров, художник поместил композицию «Олимп и четыре части света».
Эта крупнейшая в мире фреска демонстрирует картины четырех континентов: Европы , Америки , Азии и Африки., Каждый континент представлен типичным ландшафтом и животными (или взглядом этих животных художником) и аллегорической фигурой женщины. Европа держит в руках скипетр, символизирует быка, а мальчик играет с пушкой. В Америке есть туземцы с перьями, практикующие каннибализм заключенных, и крокодил. В Азии есть тигр и слон, на заднем плане видны кресты Голгофы. У африканцев есть верблюд и караван с тюрбанами волхвов. В его трудах Тьеполо помогали его сын Джандоменико и штукатур Антонио Босси. Есть также изображение принца-епископа с Меркурием, приближающимся с Олимпа, в то время как Аполлонвыпускает солнечных лошадей, окруженных воплощениями звезд. На фреске также изображены сам Тьеполо (в юго-западном углу) и Нейман в центре южного фронта, опирающиеся на пушку.
Готовясь к представлению большой фрески, Тьеполо набросал уменьшенную версию произведения; этот эскиз выставлен в музее Метрополитен . Композиция огромного плафона построена с учетом того, что посетитель, поднимающийся по лестнице к тронному залу, несколько раз меняет направление взгляда, и всякий раз ему открывается лишь часть изображенных на плафоне сцен и образов.
39. Франсиско Гойя, "Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808"1808-1814 гг., музей Прадо, Мадрид, Испания. В Мадриде вспыхнуло восстание против наполеоновской армии, захватившей город за полтора месяца до этого события. Оно было быстро и с редкой жестокостью подавлено оккупантами, зверства которых с огромной эмоциональной силой запечатлел современник тех событий — испанский художник Франсиско Гойя. Его полотна “Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде” (на фото) и “Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года” сегодня находятся в мадридском музее Прадо.
40. Теодор Жерико, "Плот "Медузы"1819 г., Лувр, Париж, Франция . Ранняя смерть не дала развить Теодору Жерико всех его гениальных способностей. Он прожил недолгую жизнь, и все его творчество уложилось всего в десять лет. И тем не менее ему, одному из основателей французского романтизма, удалось не только самому многое сделать, но и сильно повлиять на всю живопись XIX века.В середине 1810-х годов художника не покидала мысль о создании монументального полотна. Одно событие, глубоко взволновавшее французское общество, стало основой будущего шедевра. Этим событием стали гибель фрегата "Медуза". Утром 17 июня 1816 года во французскую колонию Сенегал отправилась экспедиция, состоящая из четырех кораблей, в числе которых был и фрегат "Медуза". Эти корабли везли колониальных служащих, а также нового губернатора колонии и чиновников с их семьями.Бездарное командование капитана корабля Шомарея привели к тому, что между Канарскими островами и Зеленым Мысом "Медуза" села на мель.Шомарей, губернатор со свитой и высший офицерский состав разместились в шлюпках, а 150 матросов и женщин перешли на плот, построенный корабельным плотником.Испугавшись наступления бури, командиры шлюпок решили покинуть плот и предательски перерубили буксирные канаты. Люди были оставлены на волю волн на маленьком, заливаемом водой плоту, которым почти невозможно было управлять.Книга "Гибель фрегата "Медуза" взбудоражила все французское общество, которое было просто потрясено столь ужасающей драмой. Гибель "Медузы" овладела и воображением Жерико, стала тем толчком, который возбудил колоссальную энергию живописцаНа своем полотне Жерико создает художественный вариант событий, однако очень близкий к действительному. Он развернул на плоту, захлестываемом волнами, сложную гамму психологических состояний и переживаний людей, терпящих бедствие.
41.Джон Констебл, "Собор Солсбери из епископского сада "1831 г., Национальная галерея, Лондон, Великобритания. Летом 1820 г. Констебл вместе с семьей гостил у своего друга архидиакона Джона Фишера в Солсбери, где, наряду со многими набросками и этюдами видов Солсбери, художником были исполнены несколько картин с изображением знаменитого готического собора. В последующие несколько лет Констебл неоднократно возвращался к этому мотиву, изображая собор с разных ракурсов. Удивительная вариативность этих произведений красноречиво свидетельствует о таланте мастера, о его умении улавливать ускользающую красоту момента, нюансы настроения. Констебла занимает изображение одного и того же объекта в разную погоду и при разном освещении. Многократное повторение вида собора в Солсбери, как и создание вариаций на другие темы, свидетельствует о желании художника запечатлеть нечто мимолетное, зафиксировать изменчивость окружающего мира.
42. Ван Гог, "Стул Винсента с трубкой"1 888 г., Национальная галерея, Лондон, Великобритания. Ни один шедевр мирового искусства так впечатляюще не демонстрирует умение этого самого искусства придавать особый смысл самому обычному предмету, как это полотно Ван Гога. На картине зритель видит стул самого художника – дешевый и невзрачный. И в то же время картина полна силы, жизни и несет в себе отпечаток личности художника.
43.Пабло Пикассо, "Авиньонские девицы"1907 г., Музей современного искусства, Нью-Йорк, США . С этой картины началось целое направление в живописи. С написанием П. Пикассо в 1907 году картины "Авиньонские девицы" связывают зарождение кубизма. Пять обнаженных женских фигур, изображенных в разных ракурсах, запоминающих почти всю поверхность холста, как бы грубо вытесаны из твердого дерева или камня. Тела предельно обобщены, лица лишены выражения. Складки драпировок, составляющих фон картины, создают ощущения распада и дисгармонии. Если зритель смотрит на верхний правый угол картины, он с большим трудом может обнаружить плоскости, разграничивающие объемы предметов и пустое пространство.
44. Анри Матисс, "Танец"1910 г., музей Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия. В отличие от современного ему кубизма, творчество Матисса не было умозрительным, а основывалось на скрупулезном изучении натуры и законов живописи. Его полотна, изображающие женские фигуры, натюрморты и пейзажи, могут показаться незначительными по теме, однако являются результатом долгого изучения природных форм и их смелого упрощения. Матиссу удавалось гармонично выражать непосредственное эмоциональное ощущение действительности в самой строгой художественной форме. Прекрасный рисовальщик, Матисс был по преимуществу колористом, добивавшимся эффекта согласованного звучания в композиции многих интенсивных цветов. Основное выразительное средство полотна "Танец (II)" — сочетание лаконичности живописных средств с его огромным размером. «Танец» написан всего тремя красками. Синим цветом передано небо, розовым— тела танцоров, а зеленым цветом изображен холм. На картине изображен танец, хоровод пяти обнаженных людей на вершине холма.
45.Клод Моне, "Водяные лилии" 1926 г., Париж. В начале девяностых годов XIX столетия Клод Моне приобрел часть луговины ниже своего дома в Живерни. Этот клочок земли около 7500 квадратных метров, отделенный дорожной колеей от его участка, с помощью небольшого канала он превратил в роскошный водный сад. Чуть позднее в саду был возведен небольшой арочный мостик. Моне обрел здесь покой и место для размышлений. Художник обращается к водяным лилиям в пруду, запечатлевая их в разное время дня и года. В 1915 году Моне предпринял работу над серией картин с мотивами кувшинок, создавая холсты большого формата. Пруд, подернутый легкой рябью и освещенный солнцем, заросший травой и водорослями, окруженный бурно разросшимися ирисами, камышом и плакучими ивами и покрытый большими колониями белых кувшинок, переливающихся на солнце, как жемчуг, стал главенствующей темой картин Моне в последние тридцать лет его жизни. Небо появлялось теперь всего лишь как отражение в воде и никогда в верхней части картины. Его водные пейзажи - пейзажи без горизонта. Но и в малом фрагменте присутствует весь пейзаж - деревья, небо и облака. Сам Моне называл их пейзажами-отражениями.
46.Константин Брынкуши, "Бесконечная колонна"1937 г., Тыргу-Жиу, Румыния. "Бесконечная колонна" - цикл скульптур румынского скульптора Константина Брынкуши, над которым он периодически работал в течение 19 лет. Самая известная Бесконечная колонна была построена в румынском городе Тыргу-Жиу. В румынском народном творчестве «небесная колонна» представляла собой архаическое, дохристианское верование. Брынкуши выбрал не традиционную форму колонны, которая означает только небесную опору, а форму, состоящую из повторяющихся ромбов, передающую символизм восхождения. Ромбовидная форма напоминает декоративный стиль колонн в крестьянской архитектуре. Брынкуши назвал колонну Бесконечной, так как по его замыслу она направлена не просто на небо, а в беспредельное пространство за пределами человеческого мира.
47. Джексон Полок, "Один: номер 31" 1950 г., Музей современного искусства, Нью-Йорк, США. Знаменитый американский художник Джексон Полок был представителем так называемого абстрактного экспрессионизма – направления в искусстве, оказавшего значительное влияние на развитие живописи 20-го века. В 1947 году Поллок изобретает новую технику, он начинает работать на холстах огромного размера, расстилая их прямо на полу, и разбрызгивает краску с кистей, не прикасаясь ими к поверхности. Впоследствие такую технику стали называть капанием или разбрызгиванием, хотя сам художник предпочитал термин льющаяся техника. Поллок не признавал существования случая, у него обычно были конкретные идеи создания картины. Это воплощалось в движениях его тела, которые он полностью контролировал, в сочетании с густым потоком краски, силой гравитации и тем, как впитывалась краска в холст. Бросая, швыряя, брызгая, он энергично перемещался вокруг холста, как будто танцуя, и не останавливался, пока не видел того, чего хотел увидеть.
48. Рой Лихтенштейн, 'Whaam!' 1963 г., галерея Тейт, Лондон, Великобритания. Знаменитый представитель направления поп-арт стилизовал свои картины под увеличенные картинки из комиксов, придавая персонажам черты иронии и сарказма. Художник выбирал понравившуюся ему картинку, вручную увеличивал её и выполнял в большом формате, используя трафаретную печать и шелкографию. Извлеченное из банального контекста банальное изображение становится значительным и непонятным, и в то же время приобретает декоративное качество. Оно теперь может быть пригодно и для глубоких толкований и для широкого использования в оформительском искусстве и дизайне. На полотне появляются симметричные точки, воспроизводящие укрупненный полиграфический растр. Эти точки (а иногда еще и косые фоновые штрихи, похожие на телевизионные помехи) становятся узнаваемой маркой Лихтенштейна.
49.Роберт Смитсон, "Спиральный Мол" ("Спираль Джетти")1970 г., штат Юта, США. Лэнд-арт (от англ. land art - земляное искусство), направление в изоискусстве последней трети XX в., основанное на использовании реального пейзажа в качестве главного художественного материала и объекта. Художники прорывают траншеи, создают причудливые нагромождения камней, раскрашивают скалы, избирая для своих акций обычно безлюдные места - первозданные и дикие ландшафты, тем самым как бы стремясь вернуть искусство в природу. Уникальность данного направления в том, что большинство публики может созерцать их лишь в сериях фотографий. На Большом Солёном озере в штате Юта (США) американский художник Роберт Смитсон возвёл из чёрных камней, земли и соли насыпь-мол в виде спирали длиной 1500 футов. Природа сама раскрасила его в голубые и розовые цвета (голубые - соли меди, выпавшие в осадок на камни, розовые - микроорганизмы, населившие залив). Так земля стала объектом и субъектом искусства. Когда Смитсон увидел озеро с воздуха, он нашел, что извилистой формой оно напоминает одно из гигантских полотен Джексона Поллока. В настоящее время могучая каменная плотина, или волнолом, почти не видна, потому фото.
50. Дональд Джадд, Без Названия (1982-1986), Техас. В начале 1960-х гг. в качестве альтернативы господствовавшему на арт-сцене того времени абстрактному экспрессионизму развернулось движение минимализма. Минималисты, одним из теоретиков и ярких представителей которых являлся Дональд Джадд (1928-1994), обращались в своем творчестве непосредственно к материалу и его расположению в пространстве, заменив интуитивное выражение чувств анализом. В 1962 году философские, искусствоведческие и эстетические изыскания Джадда завершились созданием серии произведений, получивших название "Особые объекты". В этих композициях, состоящих из таких простых форм как квадраты, блоки и треугольники, в качестве изобразительных средств Джадд использовал разнообразные комбинация необычных материалов - от плексигласа и алюминия до железа и дерева. Описание этой композиционной инсталляции (ряды из. металлических коробок, выставленных в двух огромных помещениях) звучит скупо и неинтересно. Однако критики единодушны – безукоризненный шедевр. Только представьте, как изменчивый свет пустынных ландшафтов Техаса вливается в помещение и запутывается в металлических ловушках, отражаясь и создавая то резкие тени, то мягкий полумрак. На закате в закрытом выставочном помещении словно бушует золотистый пожар.
