-




Весьма претенциозный и уже добившийся восьми побед и 12 номинаций в разных премиях и фестивалях документальный дебют Габриэль Брэйди, чьё гражданство даже после утомительного поиска установить не удалось, "Остров голодных призраков" - австралийско-британско-немецкая копродукция, которая уже успела победить в документальной номинации прошлогоднего фестиваля Tribeca. В России внимание к Tribeca-2018 было приковано потому, что среди победителей была и короткометражка с Захаром Прилепиным в главной роли, но и в остальных номинациях фестиваля наградили исключительно дебютантов. Главная достопримечательность принадлежащего Австралии Острова Рождества в Индийском океане - сезонная миграция красных земляных крабов-эндемиков, когда 150 миллионов особей разных размеров синхронно перемещаются к морю для отложения икры. Любование деловито шагающими толпой по острову крабиками (чего уж говорить, зрелище действительно уникальное, must see) занимает половину экранного времени картины. Но это ни разу не природоохранный очерк канала National Geografic - миграция крабиков зарифмована режиссёром с миграциями биологического вида homo sapiens sapiens, чьи представители непостижимыми путями и траекториями доплывают до райского Острова Рождества и попадают в отнюдь не райские условия лагеря-накопителя для беженцев. Самого лагеря мы не увидим, а о его существовании узнаем от социального работника По Лин Ли, приехавшей на остров добровольно и работающей в штате лагеря психологом и психотерапевтом.

Казалось бы, нет более остросоциальной и злободневной проблемы для сегодняшней документалистики, чем судьба людей, вынужденных не по своей воле перемещаться по земному шару. На мой взгляд, с такой "вкусной" темой Габриэль Брэйди не справляется совершенно. В свободное от гипнотического созерцания крабиков время мы видим фрагменты пациентских приёмов психолога По Лин Ли (может, профессионалы меня поправят, но у меня сложилось ощущение, что она не дипломированный врач, а скорее, гражданская активистка, захотевшая быть полезной и допущенная администрацией лагеря к людям в состоянии фрустрации) - люди рассказывают об абстрактных физиологических и психологических ощущениях без привязки к реальной истории, источнику страхов, депрессии, психоза. Мы не знаем ни об их гражданстве, ни о том, что подтолкнуло их к бегству - можем лишь о чём-то догадываться по языку, на которых они говорят. Например, беженец, рассказывающий о том, что он и его товарищи зашили себе рот, говорит на фарси. Как можно было, убегая из Ирана, приплыть в моря Индонезии?? Если пытаться выстроить логическую цепочку - может быть, это оппозиционер, бежавший после подавления иранского восстания 2009 года (беженцы сидят в лагере годами в тщетной надежде получить убежище). А может, просто диссидент, конфликтующий с режимом аятолл. А может, какой-нибудь персидский Павленский, вместо уютной Европы попавший в переплёт. С пациентами, говорящими по-арабски, и того хуже - ни одного опознавательного намёка, а жаль: если крабики, путешествующие по острову, все одинаковые, то историю человеческих трагедий можно было бы подсветить как-то конкретнее, если уж ты замахиваешься на кино с высоким гражданским звучанием, иначе получается выстрел вхолостую. Ведь материала для репортажа-бомбы с острова предостаточно: одни безымянные могилы китайских иммигрантов-шахтёров (это и есть "голодные призраки", вынесенные в название) чего стоят. Или, например, брошенное По Лин Ли вскользь упоминание, что госслужащим острова грозит 2 года тюрьмы за распространение информации о том, что происходит в лагере. А что, чёрт возьми, там реально происходит? Может, это не лагерь, а концлагерь, а мировая общественность находится в преступном Читать далее...

Фильм «Человек, который убил Дон Кихота» (Испания, Бельгия, Франция, Великобритания, Португалия) — просто глоток свежего воздуха в легенде о Дон Кихоте, рыцаре печального образа.

Фильм начинается, как феерическая зарисовка со съемок фильма о Дон Кихоте в знойной Испании. Гламурный режиссер-самородок, суетливая съемочная группа, стареющий продюсер и его молоденькая женушка, — прекрасный расклад для блестящей комедии — но вдруг все меняется.

Гламурный режиссер, кстати бесподобно сыгранный Адамом Драйвером, когда-то снимал свой дипломный проект «Дон Кихот» в соседней деревушке. Он решает поискать там вдохновение, изрядно потасканное за годы в светской тусовке. И находит там самого Дон Кихота, с тех самых пор так и не вышедшего из роли.

Все персонажи после этой встречи словно проваливаются в гротескный мир, в котором больше нет места рыцарям, кроме самого Дон Кихота. Смешного и отчаянного оборванца-старика. Подлинного рыцаря.

Главный герой переживает нелепые злоключения, которые приводят его к поиску рыцаря в себе самом, ведь «Дон Кихот не может умереть».

Очень необычное и стильное кино, полное юмора и аллегорий. Позитивное и с большой иронией к миру кинематографа.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3333227.html

-




Крайне редко так бывает: по экрану поплыли титры, слышишь первые аккорды, в первом кадре видишь лысого дядьку, дирижирующего мужским хором, на разные голоса распевающим "I'm an asshole!" ("Я мудак!"), и сразу понимаешь - вот он, победитель конкурса документального кино. В очаровательной, одновременно до безумия смешной и пронзительно грустной зарисовке норвежцев Петера Соммера и Ю Вемунна Свендсена "Потому что мы мужики" (встречается и другой вариант перевода "Потому что мы пацаны") под залихватски-задиристым драйвом запойных мужских песен скрывается великолепный мужской хор, известный на всю Норвегию под незамысловатым названием "Мужской хор". Половину экранного времени занимают репетиции, половину - посиделки в пабе: два с половиной десятка брутальных мужиков не по-детски волнуются перед главным, наверно, культурным событием в истории их вокального коллектива - скоро им предстоит выступать на разогреве у самих "Black Sabbath". Как по мне - так всё наоборот, Black Sabbath почёл бы за большую честь постоять на одной сцене с норвежскими чуваками, высокопрофессиональным многоголосием "на серьёзных щщах" воспевающих симптомы гонореи или трудности мочеиспускания.

Небрежный русский перевод, подозреваю, не передает и пятой части сурового скандинавского юмора, игры слов, намёков, цитат, бесконечных отсылок к норвежскому культурному коду. Высшее достижение режиссуры - заставить зрителя умирать от смеха и плакать одновременно, не как при контрастном душе, когда одна эмоция сменяет другую, а именно так, когда смех сквозь слёзы: в устав Мужского хора кто-то когда-то шутки ради записал, что хористы обязаны петь на похоронах друг у друга, а теперь устав придется выполнять - дирижёр хора сгорает от рака ("А что, неплохо было бы отдать концы на концерте "Black Sabbath", а?"), а его товарищи стараются вести себя как обычно, пряча скупые мужские слёзы в преддверии неизбежного.

Соединить трагическое сопереживание чужой утрате с всепобеждающим витальным юмором - не каждому подвластное мастерство, но Соммеру и Свендсену удается нигде не пережать, ни пересолить, не утрировать, не выжимать слезу, не вызывать натужного смеха; эмоции зрителя естественны настолько же, насколько естественны и органичны в кадре норвежские завсегдатаи паба - любители прекрасного. Красота и поэзия повседневности вкупе с обаянием героев, любование высшими человеческими проявлениями в сочетании с отсутствием трескучего пафоса - всего в этой картине в меру, всего хватает, ни убавить ни прибавить. Влюбить зрителя в своего героя - та планка, которую с легкостью и изяществом берут авторы фильмов документального конкурса 41-го ММКФ, и мы с огромным удовольствием влюбляемся, доверяем, сопереживаем.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3333000.html

Посмотрела чудесный документальный фильм I Trust You To Kill Me (2006).

Кифер Сазерленд едет в турне с малоизвестной на тот момент группой музыкантов "Rocco DeLuca & The Burden", которую он продюсирует, выступая в качестве роуд-менеджера. В фильме показаны интервью с музыкантами, организация выступлений, сборы и тусовки, и параллельно - мысли самого Кифера о том, чем он занимается, и зачем ему это нужно. Лидер группы Рокко говорит про Кифера: "он хочет путешествовать с тобой на край ночи". Кифер не делает это ради заработка, организация - не часть его профессиональных умений (можно увидеть бесконечную череду накладок с залом, временем, аппаратурой и т.д.), он хочет путешествовать с музыкантами, проникнуться духом рок-н-ролла и делать то, что может, чтобы его поддержать.

Параллельно фильм следит за образом самого Кифера, за его несколькими публичными персонами. Как актера, его знают везде и многие любят. Как роад-менеджера неизвестной группы, его оттесняют за кулисы, на задний план, к чему он явно не привык. Его имя играет огромную роль, служит пропуском на ТВ и радиостанции (одно из интервью он дает с телефона на улице). Но кроме имени и образа известного актера, в фильме есть еще одна персона- за кулисами, с друзьями, в пабе после концерта, в лобби гостиницы, где он прыгает на рождественскую елку и падает на пол вместе с ней...

Фильм хорошо показывает этот переход от личного к публичному и обратно. К примеру, в какой-то момент он решает выйти на улицу, раздать флаеры концерта (который из-за накладок с организацией проходит бесплатно), и с удивлением констатирует: "Когда ты раздаешь флаеры на бесплатный концерт, никто не верит, что ты -это ты". На самом деле его имя и тот образ, который известен многим - это только часть его самого, только одна часть. Причем не обязательно подлинная - она может быть приукрашена, идеализирована (когда им восхищаются фанаты), или наоборот, принижена в ситуации, когда газеты публикуют многочисленные сплетни о его попойках. Фильм очень хорошо показывает, что публичный образ часто бывает одномерным, тогда как реальный человек намного сложнее и глубже.

Лидер группы Рокко пишет музыку, которая не всем понятна, и не у всех вызывает отклик - но зрители видят, как искренне он ее исполняет, и как музыканты вкладываются в исполнение. Это еще одно одна вариация темы личного и публичного- играть ли ради публики или ради себя самого? Насколько стоит подстраиваться под публику, под ее восприятие? Рокко пишет музыку, чтобы выразить самого себя, выплеснуть боль и горечь. Для него это тоже путешествие на край ночи, туда и обратно, и ему удается это сделать. Хоть и с многочисленными накладками, турне в итоге проходит успешно, музыканты выступили во многих пабах, дали интервью - их путешествие, как внешнее, так и внутреннее, было разнообразным, глубоким и насыщенным.

Путешествие на край ночи самого Кифера прошло успешно, личное и публичное приходит к общему балансу. По ходу фильма его спрашивают: "Почему ты позволяешь снимать себя в пабах и на тусовках? Ведь селебрити обычно этого избегают,", и он отвечает, что еще этого не понял. Но в конце фильма он делает себе татуировку на руке исландскими рунами - цитату из песни "I Trust You To Kill Me", и объясняет, что примирился с тем, что его снимают в не-публичных обстоятельствах. Попойки и гулянки- это тоже часть его, такое же его "Я", как и отлакированная публичная персона. Татуировка на его руке говорит об этом очень красноречиво. И обе эти персоны имеют право на существование.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3332810.html

-



Американец советского происхождения Гейб Польски верен себе: пять лет назад ММКФ открывался его "Красной армией" - одой советской хоккейной школе. В этом году в документальном конкурсе участвует его новый фильм, также о спортсменах - "В поисках величия". Если "Красная армия" была скорее сравнением спортивных систем, советской и американской, то сейчас Польски интересует чемпион как личность - в чем секрет успеха, каково соотношение таланта, везения и труда, почему при равных стартовых условиях одни становятся Гретцки и Пеле, а другие ничего не достигают?

"В поисках величия" скроен по классическим лекалам документалистики: фрагменты интервью с чемпионами (Пеле, Уэйн Гретцки, Джерри Райс, Мухаммед Али, Серена Уильямс, Майкл Джордан), нарезка кинохроники соревнований, тут же мнение экспертов, тренеров, спортивной общественности, куски из телепередач, обильные информативные субтитры, - скрупулёзная, добротная режиссёрская работа. Если смотреть "В поисках величия" вместе с "Красной армией", то складывается ощущение, что Польски хочет понять, чему всё-таки больше обязаны спортивные достижения - социальному или индивидуальному. "Красная армия" отдавала приоритет первому, "В поисках величия" больше склоняются к личным заслугам спортсмена, его почерку, особости, уникальности. Пеле, например, говорит: "Я никогда не слушал тренера. Он говорил: "Не возись с мячом, бей по нему!" Но я всё равно с ним возился". Уэйн Гретцки подчёркивает - он из самой простой семьи, из рабочего класса, но достиг всего сам: "Самые великие атлеты - те, кто много учится и много мечтает".

Главный вывод, который делает Польски - успехов достигает тот, кто не прогибается под изменчивый мир, а пытается прогнуть его под себя: кумир Пеле, бразильский футболист Гарринча, родился с таким букетом болезней, что в детстве его не брали ни в одну спортивную секцию; регбист Джерри Райс воплощал в жизнь не те приёмы владения мячом, о которых ему говорили тренеры, а те, которые он увидел во сне, а хиловатый Гретцки научился избегать столкновений и подавать из-за ворот ("Когда меня раскусили, я уже закончил карьеру").

Многие отмечают, что Польски - что в "Красной армии", что в "В поисках величия" - свойственен наивно-восторженный взгляд на спорт, он видит лишь successstory, тогда как путь к наградам отнюдь не всегда выстлан розами. Обратная, тёмная сторона большого спорта явно находится на периферии внимания автора, что делает его работы плосковатыми. Тем не менее, режиссёр вполне имеет право на идеализацию того, о чём снимает, поэтому оставим эти дискуссии профессионалам спорта.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3332396.html

-




Единство и борьба человека и природы, поведение человека, вписанного в природный ландшафт и его меняющего, стали в этом году сквозными темами документальных программ фестиваля. Норвежские документалисты Стурла Пильског и Сидсе Торстхольм Ларсен в своем киноочерке "Зимние терзания" показывают, как в этот диалог человека с природой вмешиваются капиталистические отношения, как они ставят людей в зависимость от политики крупных компаний и насколько противоречивое влияние оказывают на антропогенный ландшафт и на социальную среду. Ларсен, профессионально изучавшая инуитов (эскимосов) в Гренландии, вместе со своим коллегой рассказывает о гренландском размеренном житье-бытье, периодически взрываемом очередными слухами о грядущем "гренландском экономическом чуде". Авторы настолько увлечены своими героями и их ожиданиями, что времени на поэтизацию природы практически совсем не остаётся - фильм ни разу не этнографически-видовой, а именно остросоциальный, поскольку вся жизнь гренландцев завязана на взаимоотношения с бывшей метрополией - Данией и империалистическими гигантами, обещающими вкладываться в развитие острова, но не идущими дальше обещаний.

Мы привыкли к документалистике, обличающей разрушительное воздействие акул капитализма на девственную природу и бытие аборигенов, а здесь наоборот - томящиеся от безработицы и стагнации аборигены призывают инвесторов к освоению Гренландии, к созданию рабочих мест и перспективным проектам, однако чуда не наступает: в 2006 г. компания ALCOA широко анонсировала строительство алюминиевого завода в Гренландии (нехитрая гренландская экономика по сей день складывается из экспорта рыбы и датских дотаций, причем ещё непонятно, что нужно ставить на первое место), а воз и ныне там. Свою версию событий рассказывают разные персонажи, от экс-премьер-министра Гренландии Куупика Клейста (выступавшего, кстати, за полную независимость острова от Дании), до деревенских алкашей из посёлка Маниитсок, посещающих занятия клуба анонимных алкоголиков (слово "анонимный" уже само по себе воспринимается юмористически в посёлке из 3 тысяч человек, где друг друга знает каждая собака). Если для бывшего премьер-министра американский алюминиевый завод - шаг к независимости (а на самом деле, конечно, переход из одной зависимости в другую), то для простых гренландцев это прежде всего перспектива получения работы, смысла жизни, возможность приостановить бегство островитян на материк - как образно выражается закадровый рассказчик, "романтики грезят о независимости, прагматики уезжают в Данию".

Пильскогу и Ларсен устами и глазами своих героев удается показать противоречивый характер несамостоятельной, фактически полуколониальной экономики, когда почти всё, от школы и дороги до завода и клуба, построено на датские деньги, и при этом перспектива сменить зависимость от Дании на зависимость от США воспринимается чуть ли не как "финальная битва с датчанами". Агрессивно-воинственная риторика потерянных, невостребованных, а зачастую и опустившихся, не выдержавших скудных монотонных будней людей, выглядит и комически, и трагически одновременно.

Все три главных рассказчика в свое время восприняли новость о строительстве завода с воодушевлением, в кадре они появляются попеременно, говорят на разных диалектах. Местный нарколог, ведущий занятия с нарко- и алкозависимыми соотечественниками, сетует на то, что к двум главным болезням в последнее время добавилась ещё и повальная игромания. Молодая работница рыбозавода Кирстен - сама начинающий алкоголик, встающий на путь исправления. Металлург Петер Ольсен - первый в Гренландии, получивший магистерскую степень, и именно поэтому избранный координатором по металлургии в проекте Читать далее...

-




Не обошёл стороной документальный конкурс 41-го ММКФ и биографический жанр. Велика и многолика Россия, и населяют её разные люди: для одних лидер группы "Чёрный обелиск" Анатолий Крупнов ("Крупский") - культовый персонаж 90-х, другие его фамилию впервые услышали сегодня, в дни премьеры полнометражного дебюта Дарьи Иванковой "Анатолий Крупнов. Он был". Как бы там ни было, - с тем, что рок-идол Крупнов был блестящим и харизматичным басистом, вокалистом, композитором и ярким символом эпохи, трудно поспорить, и его документальная биография - не только эмоциональный портрет человека и художника, но и точный, хотя и слегка размашистый, портрет времени, эпохи переломных 90-х - лихих и трагических, весёлых и страшных. Жанр ленты можно определить как "апологетический байопик" - Иванкова не пытается скрыть, что искренне и горячо влюблена в своего героя, которого она никак не может помнить при его яркой, но короткой жизни: когда Крупнов в 1997 году умер, режиссёру было шесть лет.

Композиционно фильм собран из архивных съёмок, записей концертов всех коллективов, в которых успел потрудиться неуёмный, не доживший до 32-х лет Крупский ("Черный обелиск", "Крупский сотоварищи", "Неприкасаемые", "ДДТ", "Воскресение", "Шах"), интервью с двумя его жёнами и сыном, воспоминаний соратников по рок-сцене (в фильме говорят Гарик Сукачёв, Дмитрий Варшавчик, Юрий Шевчук, Сергей Воронов, Андрей Пастернак, Юрий Алексеев, Константин Кинчев), а также отрывков из немногочисленных телепередач - даже в 90-е лучшие образцы русского рока были неформатны для телевидения, оставаясь по сути андеграундным культурным явлением. По злой иронии судьбы, единственное полноформатное ТВ-интервью, данное Крупновым "Акулам пера" в феврале 1997 года, станет для музыканта последним - он умрет через несколько дней после его записи. Иванкова нарезает несколько знаковых фрагментов передачи, где Крупнов излагает свое кредо, по-гамлетовски философствует, пророчествует, со спокойной улыбкой рассуждая о смерти, с которой ему совсем скоро предстоит встретиться. "Он был" - слова, вынесенные автором фильма в название - это придуманная самим Крупновым формулировка собственной эпитафии, шутливый ответ на журналистский вопрос.

Ни несколько старомодная манера съемки и монтажа, ни отсутствие у Иванковой новомодных кинематографических приёмов и технологий, ни практически полное единодушие в восприятии героя у рассказывающих о нем современников не мешает зрителю, впервые узнающему о существовании рок-музыканта Крупнова с первыми кадрами фильма, к моменту финальных титров искренне влюбиться и в экранный образ, и в Крупнова-человека - именно так нужно снимать киноапологии. Нежные и трепетные интонации рассказчиков, безусловно, попадают в абсолютный резонанс с влюбленностью режиссёра Иванковой. Прекрасен сам Крупский, прекрасны и все любящие его - умело выставленный свет превращает заброшенную квартиру, в которую Иванкова приводит поностальгировать первую жену героя и его сына Владимира, с выражением читающего стихи и письма отца, в волшебное пространство, в святилище. Из Сукачёва, Шевчука и Варшавчика, со слезами обожания вспоминающих своего друга, исходит волшебный внутренний свет. Волшебно всё, связанное с героем, - его джинсы, гитары, усилители, рваные ботинки, вокруг него крутится мир, и на всё важное, актуальное, злободневное мы смотрим его глазами.

Исторические события, определившие облик эпохи, со всей их драматичностью и трагизмом проходят у Иванковой как бы фоном к портрету, служа инструментом и материалом для её импрессионизма, но без них фильма бы не получилось - ведь ни один художник не живет и не творит в безвоздушном пространстве, вне исторического контекста. Вот молодые и зелёные русские рокеры сопереживают грузинам на митинге за отделение Грузии 1988 г. в Тбилиси (трагедии русского рока и его деятелей, от души поучаствовавших в вакханалии разрушения собственной страны, никто не отменял…). Вот следующий, уже внутрироссийский этап саморазрушения - акция "Рок на баррикадах" в августе 1991-го - в кадре молодые и глубоко нетрезвые Кинчев, Крупнов и Гарик Сукачёв кричат "Мы победили!", и тут же архивные кинокадры перебиваются крупным планом сегодняшнего Сукачёва, Читать далее...

Нам 16 лет

https://drugoe-kino.livejournal.com/3331838.html

-




Наша соотечественница Ольга Львова, бывшая журналистка радио "Свобода" и телеканала "Культура", ныне живущая и работающая в США, сняла "Людно внутри" - чрезвычайно простую и сдержанную по форме, но при этом пугающую и леденящую кровь ленту о психотерапевте и социальном работнике Карен Маршалл, изучающей диссоциативное расстройство личности. При том, что это психическое расстройство встречается крайне редко, складывается ощущение, что у Карен отбою нет от пациентов разных полов и возрастов. Фильм состоит из монологов самой Карен и её диалогов с пациентами во время сеансов психотерапии. Один и тот же человек у тебя на глазах в течение нескольких минут называет себя разными именами, разговаривает разными голосами, меняет гендерную самоидентификацию, говорит о себе в третьем лице и множественном числе, преображается внешне. Неподготовленному зрителю поначалу кажется, что это какая-то идиотская игра, и вообще "дурят нашего брата". Потом начинаешь потихоньку привыкать к переключению личностей в одном физическом теле и лихорадочно вспоминать, есть ли у тебя самого подобные знакомые: каждому из нас хотя бы раз в жизни приходилось говорить о ком-то "как два разных человека", имея в виду не психические расстройства, а присущую homo sapienssapiens способность меняться под влиянием обстоятельств, внешних или внутренних потрясений, длительной эволюции взглядов и поведения, полного перерождения в результате деградации или, наоборот, катарсиса. В психиатрическом киноисследовании Львовой мы видим людей, в оболочке которых уживаются сразу несколько особей, и несмотря на то, что они абсолютно спокойны, шутят перед камерой, ведут неспешные беседы, спина покрывается липким потом от ощущения абсурда происходящего на экране. Противоречие между скупыми средствами художественной выразительности (их, собственно, практически и нет вовсе - в кадре только говорящий человек) и силой эмоционального воздействия и давления на психику зрителя пугающе велико.

Чувство тревоги и дискомфорта у зрителя идут по нарастающей и достигают кульминации в тот момент, когда понимаешь, что сама психотерапевт Карен Маршалл точно так же страдает диссоциативным расстройством личности, как и её пациенты - на протяжении часового фильма она называет себя разными именами и гораздо чаще употребляет по отношению к себе местоимение "мы", нежели "я". Бывший директор центра секс-меньшинств в Сан-Диего, человек со сбитой гендерной самоидентификацией, неопределённой сексуальной ориентацией (в кадре появляется и "супруга" Карен), сообщающая о себе совершенно взаимоисключающие сведения, становится привлекательным собеседником для себе подобных, но вот целительный эффект от подобного общения под большим вопросом. На ММКФ-овской пресс-конференции перед приехавшей в Москву Карен стояла табличка с несколькими именами: Karen Marshall, Rosalee, Three, One - к вящему удивлению журналистов. "У нас просто недостаток жилплощади, поэтому пришлось все эти личности запихнуть в одно тело", - попыталась объяснить природу своего состояния Карен, которой хочется посоветовать бессмертное "Врачу, исцелися сам!"

https://drugoe-kino.livejournal.com/3331543.html

Мини-сериал «Малыш Кенкен» 1 сезон 2014 года (режиссер Брюно Дюмон) — зарисовка Французской деревни через театр абсурда. Несмотря на гротескный сюжет, все персонажи потрясают своей точностью и глубиной. Они немногословны, но очень колоритны и выразительны.

Фильм беспощаден к своим провинциальным героям, но вместе с тем он очень добрый. А уж как прекрасны виды Французской деревня, она — центральный персонаж!

Отдельных слов восхищения заслуживают актеры-дети. Это нечто невероятное! Обычно крупные планы хороши только у маститых актеров, а здесь — дети, на которых смотришь, раскрыв рот.

Вообще в сериале все герои сыграны, что называется, без комплексов, завидная самоирония!

Сюжет детективный, но не стоит забывать, что это — артхаус. Так что обычные законы детективного жанра здесь с презрением отброшены и заодно высмеяны.

Смотреть тем, кто любит «другое кино», и не только, — это отличный фильм! Повеселитесь от души! Детям не предлагать.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3331302.html

Во всех статьях про фильм Безумный секс /Sessomatto обязательно упоминается, что через три года после участия в разухабистой комедии Дино Ризи, Джаннини и Антонелли сыграли про жизнь итальянских аристократов в конце 19-го века аж у самого Висконти в вольной экранизации романа Габриеле Д’Аннунцио. (Того самого Д’Аннунцио, который сбил с пути истинного Божественную маркизу и она, растеряв свои миллионы, закончила жизнь в нищей лондонской квартирке.)
Хотя сначала Висконти мечтал пригласить Алена Делона с Шарлоттой Рэмплинг, но к счастью не срослось.



Поэтому я решила пересмотреть этот шедевр, примечательный не только виртуозной работой художника по костюмам Пьеро Този, подлинными историческими костюмами из коллекции Тирелли и мехами Фенди,



но и превосходящим всякие эротические комедии количеством обнаженки и откровенных сцен.
Первый раз я смотрела этот фильм еще когда он только вышел в советский прокат и естественно все откровенные сцены бдительная советская цензура аккуратно вырезала. Думаю, это сильно повредило фильму, потому что у Висконти это не просто вставные номера, во время этих сцен герои ведут важные для развития сюжета разговоры.
Наверное поэтому суть истории осталась для меня загадкой, а может конечно в силу юного возраста. Мне запомнилось только: удивительная лиловая вуалетка, обтягивающая лицо героини, секс на звериных шкурах у камина, рискованные кадры в мужской душевой (кто ж знал, что это всего лишь остатки от вырезанного), младенец и кто-то убегает в ночь.



Впечатление, что эстета Висконти меньше волновала сама история, чем дизайн: декорации, силуэты, колористика. Цвет костюмов в каждой сцене согласуется с цветом обстановки.



Джанкарло Джаннини не менее убедителен в роли аристократа из позапрошлого века, чем в роли деревенщины, не отличающего женщины от трансвестита. Вряд ли Делон был бы тут более уместен.



Такой он самовлюбленный, самонадеянный, эгоистичный, утонченный мужлан, до последнего отрицающий ответственность за свои грехи. Т.е. пытающийся отрицать.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3330905.html

-




Название фильма датского документалиста Карла Олссона "Patrimonium" организаторы фестиваля, на мой взгляд, совершенно зря перевели на русский как "Наследие" - в кадре именно патримониум, феодальное родовое имение, веками передающееся от отца к сыну, и высокопарная латынь здесь более чем к месту: она сразу настраивает на слегка иронический лад, который при переводе совершенно улетучивается. Презентуя фильм, режиссер сообщил, что в Скандинавии, гордящейся традицией киноизображения среднего класса и пролетариата, утрачен интерес к показу жизни высшего общества (в моменты таких откровений скандинавам действительно хочется позавидовать). Олссон показывает размеренную, как бы застывшую повседневную жизнь родовых поместий, которые посреди динамичной неоново-цифровой современности смотрятся не просто анахронизмом, а абсолютным слепком прошлого - складывается ощущение, что операторов Матиаса Дёкера и Йонатана Эльсборга с камерой командировали слетать на машине времени сквозь пару-тройку столетий в фамильные гнёзда североевропейской аристократии. В то время как в России с придыханием откапывают из тлена, вытаскивают на свет Божий, романтизируют и поэтизируют быт, а вслед за ним и нравы покрывшихся плесенью отечественных голицыных, юсуповых и шереметевых, в Дании такая поэтизация, безотносительно к режиссёрскому взгляду и задумке, приобретает пародийный оттенок.

Оллсон признается: для него главное - визуальная составляющая, именно вокруг картинки накручивается идея, нарратив. В "Наследии" нарратива совсем не много, зато визуальное мастерство на высоте: фильм состоит из практически статичных планов поместий, замков, парадных гостиных и столовых, парков и садов, по которым перемещаются современно одетые люди - графы, герцоги, баронеты, а также их сиятельные потомки, чада и домочадцы с планшетами, айфонами и прочими временными маркерами в руках. Вот два садовника обрезают ветки у толстенного векового дуба, ведя неспешную беседу о бренности бытия и несовершенствах мира, вот в призамковом дворе потомки знатных европейских родов, подобно членам клубов исторической реконструкции, воссоздают турниры по конной выездке и организуют псовую охоту, вот чей-то племянник с громким именем обсуждает со своим не менее родовитым родственником установку в саду солнечных батарей и программу по домашнему энергосбережению - отапливать и содержать огромные замки нынче накладно даже небедным отпрыскам знатных фамилий…. Если что в картине Оллсона и вызывает восхищение, так это блестящая операторская работа: благодаря мертвенной статике камеры, минимуму монтажных склеек и высокоточной цифровой передаче деталей фильм кажется чередованием живописных полотен эпохи классицизма с его возведенной в абсолют симметрией. Не случайно предыдущий фильм Карла Олссона "Blessed Be This Place" был номинирован на премию фестиваля Camerimage (операторские "Канны").

Безусловно, за время четырехлетних съемок режиссеру удалось совместить приятное с полезным - проникнуть в весьма закрытый аристократический мирок, завести нужные знакомства, параллельно обеспечивая своей картине статусный промоушн. Собственно, почему бы и нет. Во время ММКФ-овского пресс-показа часть зрителей откровенно скучала, раздражаясь тягуче-медленной сменой планов, а поклонники хруста французских (в данном случае, скорее датских) булок выражали бурное восхищение "породистым и стильным кино".

https://drugoe-kino.livejournal.com/3330770.html

-




"Хроники ртути" Саши Кулак и Бена Геза - настолько по духу и по манере исполнения американская картина, что совершенно не верится в её славянский след: Саша Кулак - молодая минчанка, учившаяся и работающая в Москве, а Бен Гез - в оригинале Вениамин Гез - петербуржец, живущий в США с раннего детства. Гез по образованию антрополог, изучавший изолированные сообщества, и изображённая в "Хрониках ртути" Новая Идрия, заброшенный шахтерский посёлок, жертва экологической и экономической катастроф, - классическое изолированное сообщество. Ещё какое изолированное, с населением-то в 2 человека!

Экспозиция фильма - панорамные съемки запустения, той калифорнийской глубинки, о которой мало что известно: Новая Идрия, посёлок-призрак, снискавший славу самого загрязненного места в США (раньше здесь добывали ртуть, используемую для получения золота), в которое можно попасть через Дьявольский каньон. Местечко кажется инфернально-зловещим ровно до того момента, как появляются главные герои, "вечно молодые и вечно пьяные", оживляющие мрачный безлюдный ландшафт своей неуёмной энергией и обаянием. Брата и сестру Кейт и Кемпа Вудс, за которыми любовно наблюдает доброжелательная и в то же время беспощадная камера, можно назвать красивым словом "дауншифтеры", можно - уничижительным термином "бичи" (бывшие интеллигентные люди), - это полностью на усмотрение наблюдающего и в зависимости от его личного отношения. Словно сошедшие со страниц книг Берроуза или Керуака, бывший учёный-минералог и бывшая скрипачка кажутся пожилыми, потрёпанными жизнью, сотканными из вредных привычек (словоохотливую, не закрывающую рот Кейт трезвой мы так и не увидим ни разу), и тем удивительнее будут в конце фильма фотографии героев в молодости - красавцев, будто сошедших с голливудских постеров 70-х. Полноправные герои фильма - многочисленные собаки и коты с кличками типа Гамлет, Полоний, Офелия, живущие в покосившемся доме Вудсов, спасающие героев от утреннего похмелья и составляющие как бы отдельную, побочную сюжетную линию.

Постепенно из полубессвязной нетрезвой болтовни Кейт и резонёрских замечаний Кемпа вырисовывается горечь американского "потерянного поколения", "лишних людей", сбежавших от реальности в придуманный мирок альтернативной "американской мечты", разочарованных и опустившихся, издевающихся над телекартинкой, глумящихся над политиками, но не теряющих веры в лучшее: "Наконец-то с завтрашнего дня не надо будет слушать херню, которую несёт Трамп", - щёлкает пультом Кейт, записывать монологи которой авторы фильма приехали аккурат в ночь президентских выборов. Когда хмурым похмельным утром выясняется, что слушать Трампа придется долго, героиня потрясает кулаком: "Откажусь от гражданства к чертям! Мой Президент - Летающий Макаронный Монстр!"

Два бывших американских интеллигента с собаками и котами - это коллективный портрет не только умирающей американской глубинки, но и идеалистов – постоянных избирателей Демпартии, свято верящих в давно канувшие в Лету принципы. Битническая эстетика фильма, гармонирующая с героями, была понятна отнюдь не всем зрителям ММКФ, недоумевавшим, зачем полтора часа слушать полупьяное философствование, декламацию стихов ("Мексиканцы - лучшие поэты на Земле. Пойми меня правильно, русский!") или критику фотографий Сьюзен Зонтаг, а потом увидеть белый титр на чёрном фоне "Кейт Вудс 1957 - 2017, Кемп Вудс - 1953 - 2018". У представителей американского потерянного поколения и жизнь не удалась, и уйти, как задумывается, не удастся - планировавшая умереть последней Кейт ("чтобы не бросать Кемпа и собак") разбивается на машине годом раньше смерти брата. Классический фестивальный фильм "не для всех", одаривающий досидевших до конца удивительно тёплым послевкусием и сподвигающий на малоприятные, но необходимые размышления о бренности всего сущего.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3330332.html

-

Австриец Николаус Гейрхальтер, снявший гимн преобразователям природы - рабочим горнорудной отрасли - с первых титров своего докфильма "Земля" поражает зрителя цифрами: 60 миллионов тонн земли перемещается на нашей планете каждый день ветром и водой, а 156 миллионов тонн - передвигается усилиями человека и подвластных ему машин. Завораживающие живые картины приисков, котлованов, угольных разрезов, месторождений сняты всеми возможными способами, среди которых и крупные планы волокон и шероховатостей горной породы, и снятые с высоты птичьего полёта геометричные панорамы, напоминающие непостижимые фотокартины аса фотографии Жана Артюса-Бертрана, освоившего съёмку сверху тогда, когда ещё не существовало дронов. Огромные землеройные машины вгрызаются в чрево Земли, превращая пустыри и каменные кладбища в сады и города, пробирающиеся к самой земной магме, повинующиеся человеческой воле к преобразованиям. Безусловно, режиссер видит захватывающую поэзию в гигантских механизмах, на первый взгляд играющих самостоятельную роль в освоении земных недр и изменении ландшафтов. Но главные герои Гейрхальтера - не экскваваторы, не комбайны "Комацу" и "Катерпиллар", не буро-взрывные установки, а люди, чьим монотонным, последовательным и тяжелейшим трудом изменяется геологическая реальность. Натурные съёмки перемежаются монологами работяг, обслуживающих землеройные машины, обнаруживающими разнообразие характеров, стилей речи, разный подход к собственной работе, природе и Земле.

Фильм Гейрхальтера - безусловное приношение другому австрийцу, ровно пять лет назад покинувшему бренный мир Михаэлю Главоггеру, чья "Смерть рабочего" вошла в киноклассику как высший образец кино о человеке труда. Гейрхальтер ведет со своим великим соотечественником и учителем своеобразный диалог, развивая основную идею Главоггера: кто бы ни утверждал обратное, благополучие общества потребления зиждется именно на таком труде - повседневном, самоотверженном, неимоверно тяжёлом. Но если у Главоггера труд этот почти рабский, не претерпевший в ходе столетий никаких изменений, то Гейрхальтер усложняет вывод: с его точки зрения, автоматизация и роботизация, несомненно, облегчает человеческие усилия, но ни в коем случае не вытесняет и не заменяет их. Единство человека и послушной ему машины может делать чудеса, и вся картина австрийского режиссёра посвящена демонстрации этих чудес воочию.

По снятому с дрона карьеру в калифорнийской долине Сан-Фернандо снуют жёлтые точки: при приближении камер мы видим рабочих в жёлтых жилетах, и по кинозалу проходит гул - благодаря французским трудящимся ещё очень долго вид человека в жёлтом жилете будет вызывать целую палитру ассоциаций. Главный герой, весёлый бородач – водитель экскаватора, с наслаждением демонстрирующий на камеру процесс закапывания в землю горы и сам похожий на гору, хохочет: "Если машины не справляются, всегда есть динамит!"

Альпийские горные пейзажи Австрии, совсем не пасторально-открыточные, к каким мы привыкли, а индустриальные, стали фоном для мирового рекорда: волшебники-горнопроходчики прокладывают туннель на невиданной ранее глубине - 61 метр. Оператор гидравлического пресса признается, что чувствует себя космонавтом - побывавшим там, где никогда не был человек, только не в высях, а в недрах. Производственные съемки сменяются торжественным официозом: местные власти разрезают ленточку перед входом в туннель под аккомпанемент тирольского оркестра музыкантов в смешных шортах и шляпах с пёрышками, хотя сопутствующие трудовым достижениям обстоятельства совсем не смешные - при рытье туннеля погибло несколько рабочих.

В сюжете про угольный карьер в Венгрии к съемкам практической индустриальной деятельности добавляется наука: в горной породе пяти миллионов лет от роду нашли отпечатки древнейшего болотного кипариса, а потом и сами сохранившиеся остатки растений. Сенсационные находки стали основой экспозиции нового музея, вызвавшего всплеск интереса к древнейшей истории - вряд ли среднестатистический венгр знает, что живёт на дне доисторического океана Паратетис, а Карпатские горы семь миллионов лет назад были покрыты Паннонским морем.

Читать далее...

В картине "Не бойся я с тобой" много хороших песен, но самая лучшая это песня "Интеллигент"которую поют бандиты. В картине несколько главных героев и вот один из них якобы интеллигент. Это здоровый двух метровый детина, с кулаками с головку ребёнка которыми он в совершенстве владеет в плане подраться, защищая свою честь, защищая девушку и прочее. Также он в совершенстве владеет метанием ножа. Его друг каратист короткого роста и юноша с девушкой. Фильм этот очень хороший но его сильно портит момент с интеллигентом. Я считаю что интеллигенты не умеют драться это противоестественно интеллигенции на мой взгляд и поэтому этого героя я не считаю интеллигентом. А вот кого считаю. Стеблов.



Романов.


Руденский.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3329885.html

Жанр определен, в том числе, как «фэнтези», что в некотором роде является и спойлером и ошибкой. Да, фильм режиссера Али Аббаси трудно классифицировать, это похоже на социальный реализм про других существ, но это не волшебные пони и ничего из того, что мы привыкли называть фэнтези.

Снято очень смело, без боязни быть уродливым и мерзким. Удивительно, но картинка одновременно чужеродная, отталкивающая на грани фола, и в то же время полностью гармоничная. Естественная. Ей веришь.

Фильм открывает окно в совершенно другой мир, абсолютно ЧУЖОЙ и тем не менее парадоксально правдоподобный, реальный, как соседи по подъезду. «Они» показаны живыми и понятными, им сопереживаешь.

Не люблю всю разом пропаганду толерантности, но фильм «На границе миров» заставляет задуматься о живущем параллельно с нашим другом мироощущении, другом самосознании.

Фильм о способности принять себя таким, какой ты есть. О любви к себе.

Скандинавское творчество любит показывать всякую толерантную хрень, как норму жизни, но это кино — совсем другое дело. Это душевно, искренне.

Фильм — притча, о добре и человечности. Смотреть всем, кто склонен к самокопанию и чтению классической русской литературы.

Производство Швеция, Дания.

https://drugoe-kino.livejournal.com/3329576.html

Здравствуйте уважаемые.
Здравствуйте уважаемые.
Не знаю как Вы,а я с большой радостью всегда воспринимал роли раннего Эдди Мерфи. Он мне всегда казался солнечным, веселым и очень жизнелюбивым человеком. Ну и образы в начале своей карьеры создавал яркие, запоминающиеся. Всегда с юмором (еще умел быть на грани),всегда забавные. Не свалился еще в свои многочисленные эпопеи с множеством детей, непонятками с женами и сверскандальными похождениями. А главное - фильмы выдавал качественные.
Поэтому и многие из его картин я пересматриваю, причем неоднократно. И, конечно же, среди любимых фильмов блестящая и веселая лав-стори "Поездка в Америку".

Мне очень нравится антураж, идея и подбор актеров :-) В этом фильме засветилось немало интересных людей. Первая роль Кьюбы Гудинга-младшего, одна из первых ролей Самуэля Л. Джексона, тут мы познакомились с небезизвестным Луи Андерсоном, оценили Джона Эймоса — младшего, насладились красотой Шэри Хидли и Ванессы Белл Кэллоуэй. Да и к тому же, главные герои картины, Эдди Мерфи и Арсенио Холл сыграли в этом фильме на двоих 8 ролей — по четыре каждый.
В общем, отличное кино!

Но меня всегда интересовала роль, которую сыграл сэр Джеймс Эрл Джонс. Он вообще шикарный актер (а не только голос Дарта Вейдера), и тут был как всегда на высоте. Но меня интересовал немного иной аспект. А КОГО именно играл Джеймс Эрл Джонс.

Напомню, что у него роль его величество короля Замунды Джаффе Джоффера. Очень богатый, яркий и респектабельный человек, которого вроде как очень любят у него на родине, но он привык к...эээ...несколько шикарному образу жизни. Везде за ним ходит многочисленная свита, в том числе как минимум 3 бросательницы розовых лепестков. Джаффе Джоффер очень экстравагантно одевается, особенно, когда приезжает в Нью_Йорк обеспокоенный судьбой своего сына Акима (Эдди Мерфи). Ну примерно вот так:


Ну и собственно говоря,кто являлся прототипом-вот это вопрос меня мучал. Понятно, что в Африке никогда не было и нет страны с названием Замунда. Более того, в Африке всего 3 монархии- это Марокко, Лесото и Свазиленд. Первая не подходит по сути, а 2 последние- совсем маленькие и небогатые государства.

И тут намедни меня осенило... А ведь это Мобуту Сесе Секо Куку Нгбенду ва за Банга (или Жозеф-Дезире Мобуту) - один из самых известных и ярких африканских диктаторов 20 столетия.
Заир (именно так Мобуту назвал Демократическую Республику Конго) сходно чем-то с выдуманным наименованием Замунда. Да, Мобуту не был королем и его страна формально являлась республикой, но де-факто, он был пожизненным президентом, маршалом и вообще бесспорным главой страны без оглядки на какие то противовесы. Вот только некоторые из эпитетов, которыми его называли окружение: Отец нации, Спаситель народа, Несравненный боец, Великий стратег,Вождь.

Мобуту Сесе Секо тоже очень интересно одевался. Ввел в моду, изобретенный им самим облегающий френч с отложным воротником, получивший название абакост (от французского à bas le costume — "долой костюм"). А главное - неизменная шапочка из леопардовой шкуры (их шили по специальному заказу в Париже). Леопард вообще был важной составляющей частью культа Мобуту — как гласила его официальная биография, будущий вождь в детстве встретил хищную кошку рядом с родной деревней и одолел ее в честном бою, получив, таким образом, силу зверя.

Плюс большие очки в роговой оправе :-)))
В фильме лев, в жизни-леопард, очки, импозантная одежда.... Похож? :-))
Заир первоначально был одной из самых богатых стран Африки и диктатор не жалел деньги на всякие причуды. Так скажем свое любимое и самое обжитое обиталище, в котором к концу жизни он проводил почти все время, он без ложной скромности называл "африканским Версалем" (потом его разрушили).
Читать далее...

Само ли так получилось или это была тайная задумка организаторов, но седьмой день, а точнее вечер кинофестиваля сплошь был пропитан религиозной тематикой.

Самая громкая премьера вечера - картина Ким Ки Дука ЧЕЛОВЕК, ПРОСТРАНСТВО, ВРЕМЯ И СНОВА ЧЕЛОВЕК, библейские мотивы которой читаются с первых же кадров, когда мы видим довольно разношерстную группу людей отправившихся в плаванье на старом линкоре. Окромя небольшой команды сплошь всё бандиты, проститутки, каталы и уличная шпана. Плюс политик, одна штука. И пара овечек на заклание. Ким Ки Дук не очень любит людей, а потому финал картины вполне предсказуем. "Выживут только любовники" - слишком оптимистично для корейского мастера.


За внешней формой, взятой от самой своей успешной картины "Весна, лето, осень, зима... и снова весна", Ким Ки Дук продолжает свои исследования о низменной природе человека. Нынешняя картина напрямую наследует, например, криминальной драме "Пьета", получившей главный приз в Венеции, или социально-политической ленте "Сеть", показанной пару лет назад в рамках ММКФ с огромным ажиотажем. Картина даёт новое звучание не только библейскому мифу о Ковчеге, но и нашему недавнему прошлому, ознаменовавшимся рождением и крушением крупнейших тоталитарных режимов.

* * *

Картина БОЖЕСТВЕННАЯ ЛЮБОВЬ рисует ближайшее будущее, 2027 год. Бразилия, после тотальной победы христианства, преображается. Повсюду разлита благодать божия, под знаменем Иисуса проходят ночные дискотеки, а исповедаться можно также просто, как купить гамбургер в МакАвто - заезжаешь в автомолельню и слушаешь музыку.


Автор картины, Габриэль Маскаро, не даёт четкого ответа, что перед нами - утопия или анти-утопия? Но, будучи ещё и талантливым художником, изображает свою фантазию весьма красиво и убедительно. Частые сексуальные сцены не смотрятся пошло, а поднимаемые вопросы веры не раздражают пафосом. В конце мы встречаем прямую отсылку к Новому Завету, к его краеугольному камню - мифу о Непорочном Зачатии. Что внезапно ставит третью игровую картину Маскаро на одну ступеньку с двадцать четвертой работой Ким Ки Дука.

Слежу за работами Маскаро уже пять лет. Его "Ветры августа", наполненные любовью и болью, произвели на меня сильное впечатление, хотя через сверхнеторопливое, документальное повествование было продраться также непросто, как пройти герою фильма через джунгли. "Неоновый бык", вторая картина, снятая в более привычном формате, мне ничем особым не запомнилась и скорее даже разочаровала. Тем приятнее было встретить новую работу, нетривиальную и явно достойную широкого зрительского внимания.



#miff #ммкф #ммкф2019

https://drugoe-kino.livejournal.com/3329232.html

ЖЕНСКИЙ ДЕНЬ. Тот случай, когда ничего не предвещало - ни куцый анонс, ни скриншот, ни имя режиссёра. То, что я попал на этот показ - чистая случайность! Но картина фантастическая! Полтора часа на одном дыхании мы смотрим на историю нашей страны - от Февральской Революции до наших дней. В кадре живые и поражающие своей энергией женские портреты - первая женщина-космонавт, первая женщина-бригадир тракторной бригады, санитарка, прошедшая всю Войну, писательница-нобелевский лауреат, диссидентки и феминистки, бизнес-леди и диктор телевидения. Десятки историй, вызывающих то гордость, то горечь, то самые смешанные чувства - освобождение женщин в Средней Азии, блокада Ленинграда, "оттепель" 60-х, Чернобыльская трагедия, "лихие" 90-ые... Как в такой небольшой фильм автору удалось сконцентрировать столько материала - мне до сих пор не понятно. Но это реально чудо!


Возможно секрет в том, что режиссер - родом не из СССР, хотя и прожила в нем долгое время и неплохо говорит по-русски. "Дитя Восточного Блока", как она сама себя называет в фильме - мама из Болгарии, отец из Югославии. Живёт в Лондоне. Взгляд космополита, искренний интерес к нашей (и отчасти своей) истории, а ещё какое-то удивительно точное чувство времени - то что выгодно отличает первую самостоятельную работу Доли Гавански.


Тем удивительнее, что фильм этот поместили, или даже спрятали, во второстепенную программу "Русский след", чем вообще запутали зрителя. Никакого "следа" там и в помине нет - весь фильм целиком про нас. Фильм очевидно достоин был бы специального показа, неплохо бы смотрелся в "Свободной мысли". И уж точно таким картинам необходимы повторы, чтобы сработал внутрифестивальный "сарафан". Ещё печальнее, что в ближайшее время никаких других показов ни в Москве, ни в других городах России не предвидится - фильм отправляется в большое фестивальное плавание. Остается только пожелать ему удачи и счастливого возвращения!

* * *

В конкурсе короткого метра я посмотрел пока всего две работы. На ещё две не пошёл сознательно - не хотел портить впечатления от уже просмотренного. Да и темы их - война и беженцы - мне показались слишком уж вторичными, надуманными. Всё-таки от короткого метра ждешь чего-то посвежее. И вот о таких работах и хочется рассказать.

Польская картина ПОЛЬЗОВАТЕЛИ Якуба Пёнтека, романтический триллер про знакомство в Сети, за свои полчаса практически выворачивает наизнанку, чего не каждому полному метру под силу. Новая интернет-реальность изображена стремительной и чувственной. Любовь и ненависть вспыхивают за секунды и тут же гаснут. Подобно новогоднему салюту за окном. Новое одиночество слишком удобно чтобы от него отказаться. Миллион потенциальных надежд на встречу с "тем самым единственным" заставляет бессмысленно кликать "дальше". Человек по другую сторону экрана так и не становится подлинно живым, но лишь безопасным фоном для собственных проекций. Послушной игрушкой. А не согласен - чао-какао. Навсегда.


СЕКС, СТРАХ и ГАМБУРГЕРЫ - другой полюс love-story. Отношения между двумя фуд-фотографами, юношей и девушкой, то ли коллегами, то ли любовниками явно не клеются. На их счастье в Алматы объявлен красный цвет террористической угрозы и в их студию забегает очаровательная отвязная нимфоманка. Экстремальная ситуация обнажает чувства и заставляет отбросить ненужные игры. Короткий метр в лучшем виде. Уже не первая режиссерская работа Эльдара Шибанова, известного также по работе художника в "Уроках гармонии", лучшем казахском фильме нового века.




* * *

ЯО, совместного производства Франции и Сенегала - добрая и полная обаяния картина о дружбе взрослого и ребенка, о внезапном приключении и о доверии собственным чувствам. 13-летний парнишка Яо сбегает из дома и, проехав с одного конца страны на Читать далее...

https://drugoe-kino.livejournal.com/3328741.html