3
[700x449]

Первое закреплённое изображение было сделано в 1822 году французом Жозефом Нисефором Ньепсом (Nicéphore Niepce), но оно не сохранилось до наших дней. Поэтому первой в истории фотографией считается снимок «вид из окна» полученный Ньепсом в 1826 году с помощью камеры-обскуры на оловянной пластинке, покрытой тонким слоем асфальта. Экспозиция длилась восемь часов при ярком солнечном свете.

В 1839 году француз Луи́-Жак Манде́ Даге́р (Jacques Daguerre) изобрел способ получения изображения на медной пластине, покрытой серебром. После тридцатиминутного экспонирования Дагер перенес пластину в темную комнату и какое-то время держал её над парами нагретой ртути. В качестве закрепителя изображения Дагер использовал поваренную соль. Снимок получился довольно высокого качества — хорошо проработанные детали как в света́х, так и в тенях. Свой способ получения фотографического изображения Дагер назвал дагеротипия.

Практически в то же самое время англичанин Вильям Генри Фокс Тальбот изобрел другой способ получения фотографического изображения, который назвал калотипией. В качестве носителя изображения Тальбот использовал бумагу, пропитанную хлористым серебром. Тальбот получил первый в мире негатив. Экспозиция длилась около часа, на снимке — решётчатое окно дома Тальбота.
[250x185]

Antoine Blanchard
(1910 - 1988)
[175x229]

СМОТРЕТЬ ВНУТРИ!
PART-I

ОТ РЕДАКЦИИ:
В НАЧАЛЕ МНОГИЕ ИЗЪЯВИЛИ ЖЕЛАНИЕ ЗДЕСЬ
ПРИСУТСТВОВАТЬ-ПУСТИЛИ...
И ЧТО? И - НИЧЕГО!!! ЕСЛИ ВЫ ХОДИТЕ КУДА-ТО
И МОЛЧИТЕ-ЭТО ДЕЛО ВАШЕ, ЕСЛИ ВЫ ИЗЪЯВЛЯЕТЕ
ЖЕЛАНИЕ БЫТЬ В СООБЩЕСТВЕ И ОПЯТЬ МОЛЧИТЕ-
-ЭТО УЖЕ ДЕЛО НАШЕ, ПОЭТОМУ, БУДЕТ ПРОВЕДЕНА
РЕДАКЦИЯ ДОСТУПА...
ЭЛЕМЕНТАРНАЯ НЕЗАИНТЕРЕСОВАННОСТЬ ИЛИ ТОГО
ХУЖЕ-НЕВЕЖЛИВОСЬ...
ЗДЕСЬ ЗА "ПОКАЗАТЕЛЯМИ" НИКТО НЕ ГОНИТСЯ, И НАМ
ВСЁ-РАВНО, СКОЛЬКО ТУТ БУДЕТ УЧАСТНИКОВ, ТАКОВА
ПОЛИТИКА. ЗАРАНЕЕ ИЗВИНИТЕ...

Сикейрос Хосе Давид
Сикейрос Хосе Давид, или Альфаро Сикейрос (Alfaro Siqueiros, Jos David) (1896-1974), мексиканский живописец и график. Родился в Чиуауа. С юных лет и до конца жизни Сикейрос сочетал политическую деятельность с профессиональными занятиями живописью. Учился в академии Сан-Карлос (1911) и в школе Санта-Анита (1913). В 1914-1918 участвовал в Мексиканской революции, был офицером армии президента Венустиано Каррансы. С 1919 по 1922 Сикейрос путешествовал и учился в Европе. По возвращении в Мексику вместе с Д. Риверой и Х.К. Ороско основал Синдикат революционных живописцев, скульпторов и граверов, пользовавшийся поддержкой государства. Тогда же он выполнил стенные росписи в Национальной подготовительной школе в Мехико (1922-1923).

С 1924 Сикейрос стал одним из руководителей Мексиканской коммунистической партии. Он помогал организовывать профсоюзы, сотрудничал в рабочих газетах и участвовал в международных конгрессах профсоюзных и коммунистических организаций в Москве, Буэнос-Айресе, Монтевидео и Нью-Йорке. В 1930 он был арестован, в 1931 отправлен в ссылку в Таско, где создал большое число картин, литографий и гравюр на дереве. В 1932-1934 и 1935-1936 Сикейрос работал в США; там он украсил росписями фасады зданий Художественной школы Чуинард и художественного центра Плаза в Лос-Анджелесе (1932) и основал экспериментальную мастерскую. Сикейрос читал лекции и устраивал выставки своих произведений в ряде городов Южной Америки, работал с группой художников в Буэнос-Айресе над композицией, получившей название "Пластический этюд" (1933).

В 1937-1939 Сикейрос принимал участие в гражданской войне в Испании на стороне республиканцев. В 1940 участвовал в организации покушения на Льва Троцкого, жившего тогда в Мексике. В 1960 он был арестован и до 1964 заключен в тюрьму за организацию студенческих волнений в Мехико.

В 1950-е годы Сикейрос добавил к числу своих живописных произведений мозаики на фасадах зданий университетского городка и монументальные живописные композиции для госпиталя Ла-Раса и замка Чапультепек (все в Мехико). Умер Сикейрос в Куэрнаваке (Мексика) 6 января 1974.
[319x434]

Эль Греко (Теотокопули Доменико) (Greco, El (Kyriakos Theotokopoulos)) (1541-1614 гг.), испанский живописец, скульптор и архитектор. Родился на Крите, отсюда прозвище - Грек. Обучался на Крите традиционной иконописи, после 1560 г. уехал в Венецию, где, возможно, учился у Тициана, а в 1570 г. - в Рим.

Творческий почерк сформировался главным образом под воздействием Тинторетто и Микеланджело. В 1577 г. Эль Греко переехал в Испанию и обосновался в Толедо, где работал с 1577 вплоть до самой смерти (7 апреля 1614), создав ряд замечательных алтарей. Для его произведений характерны невероятная эмоциональность, неожиданные ракурсы и неестественно вытянутые пропорции, создающие эффект стремительного изменения масштабов фигур и предметов ("Мученичество св. Маврикия", 1580-1582 гг.). Мастерски написанные Эль Греко картины на религиозные сюжеты с большим числом персонажей своей ирреальностью родственны поэзии испанских мистиков. Такова, например, торжественно-величавая композиция "Погребение графа Оргаса" (1586-1588 гг.).

Оказавшись сначала в орбите влияния Тициана и Микеланджело, а затем вступив на путь маньеризма, Эль Греко стал провозвестником искусства барокко. Стремление выйти за пределы обыденного человеческого опыта роднит его с испанскими мистиками – поэтом Хуаном де ла Крусом, св. Терезой и св. Игнатием Лойолой. Именно поэтому Испания стала благодатной почвой для творчества Эль Греко , которое, в свою очередь, было с готовностью усвоено испанским искусством. Со временем научные знания и занятия математикой стали приобретать все большее значение в его творчестве.

Эмоциональность свойственна и портретам Эль Греко , отмеченным порой психологической и социальной проницательностью. Черты ирреальности наиболее отчётливо проступают в поздних произведениях мастера ("Снятие пятой печати", "Лаокоон", 1610-1614 гг.). Острым поэтическим восприятием природы, трагизмом мироощущения овеян "Вид Толедо" (1610-1614 гг.). Творчество Эль Греко после смерти художника было забыто и заново открыто лишь в начале 20 века, с появлением экспрессионизма.

Предоставлено: Maldoror
[700x455]

Рафал Олбински - очень известный польский художник и иллюстратор. Живёт и работает в США. Лауреат Международного Оскара за самую запомнившуюся эмблему Prix Savignac, 1994.
Его иллюстрации часто используют такие издания как: Newsweek, Time, Business Week, Atlantic Monthly, Playboy, Omni, The New York Times, New Yorker.
"Наше воображение - это волшебный мир, который нам навсегда суждено воссоздавать."
[153x202]

Предоставлено: Maldoror
[700x448]

ЕЛЕ ОДОЛЕЛИ СТРАНИЧКУ №5)))
ВОВРЕМЯ ПРИШЛА МЫСЛЬ НА СЧЁТ
ОТКРЫТОК!)))

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что Вам выражена симпатия от одного из пользователей LiveInternet.Ru.
Увидеть подробности и выразить ответное чувство можно на страничке Отношений.
СПАСИБО! БУДЕМ АКТИВНЕЕ РАБОТАТЬ!!!)

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что Вам выражена симпатия от одного из пользователей LiveInternet.Ru.
Увидеть подробности и выразить ответное чувство можно на страничке Отношений.
СПАСИБО! СТАРАЕМСЯ!)))

P
[700x461]

Винсент ван Гог
(30.03.1853 - 29.07.1890)

Творчество ван Гога - характерный пример постимпрессионистической живописи. Ван Гог не получил систематического академического образования и вообще творить начал довольно поздно. Однако, благодаря дару, постоянным усилиям, труду и собственному неповторимому взгляду на мир, он сумел создать подлинные шедевры.

Любовь к прекрасному, вероятно, зародилась еще в юности, когда будущий мастер работал продавцом полотен в салонах фирмы Гупиль. Однако перипетии личной жизни, опыт, накопленный за столь небольшой период, и, что немаловажно, пример отца привели его к мысли о том, что необходимо нести слово Господа миру и людям. Так, молодой проповедник Винсент Ван Гог попадает в бельгийский шахтерский поселок под названием Боринаж. Как человек, тонко чувствующий, он не мог оставаться равнодушным к тому, что здесь видел - к нищете и бесправию. Осознание того, что он сам не в силах как-либо облегчить жизнь обитателей Боринажа, заставляет Ван Гога задуматься о смысле и пользе его профессии, а скорее, о ее бессмысленности. Так, постепенно он отходит от деятельности проповедника и начинает заниматься набросками с натуры.

Первые работы 27-летнего Ван Гога были во многом неуклюжими и не очень удачными, но именно они стали первым шагом на пути осознания истинного жизненного призвания. Первыми героями его произведений становятся шахтеры. Именно их фигурки, согнутые вековой усталостью, запечатлевал бывший проповедник. Большую поддержку в эти нелегкие для художника годы оказал его брат Тео, который не просто материально помогал Ван Гогу, но и был ему близким по духу человеком, высоко ценил его творчество. На начальном творческом этапе невероятной удачей для начинающего живописца стала встреча с голландским мастером Мауве, который помог Ван Гогу постичь азы живописи и открыть некоторые законы искусства. Но все же основной путь художнику пришлось проделать самостоятельно, постоянно пребывая в процессе творческого поиска, в изучении натуры.

На протяжении всего творческого пути неизменным оставался интерес Ван Гога к человеку. Поэтому именно человек, венец мироздания, становится главным героем его первых произведений. Художника не могла не волновать жизнь людей, с которыми он прожил бок о бок несколько лет и был свидетелем их мук и бед. В 1885 году появляется полотно "Едоки картофеля". Оно выдержано в темной гамме, словно напоминающей о цвете земли, которую возделывают крестьяне. Создавая картину в сдержанном колорите, художник в этот период все больше внимания уделяет формальной стороне полотна.

После поездки в Париж и знакомства с импрессионистами в 1886 году манера Ван Гога несколько меняется. Его полотна становятся более эмоциональными. Они будто наполняются светом. Палитра обогащается, она становится более красочной, картины словно преображаются. В полной мере раскрыться творческому потенциалу художника помогает путешествие на юг Франции, в Арль, где он, будто на одном дыхании, создает ряд прекраснейших и вдохновенных произведений. Здесь Винсент Ван Гог думает воплотить свой грандиозный замысел. В этом благословенном месте, наполненном древними архитектурными памятниками, он мечтал организовать колонию художников. И не случайно то, что именно здесь он создает полотно под чарующим названием "Сад поэтов". Сам Ван Гог воспринимал городской сад как особое пространство, где можно, предаваясь своим мыслям, освободиться от тяжести забот повседневной жизни. Такой сад, по мысли Ван Гога, способен разбудить воображение и творческую фантазию. Сад, словно живой организм, его буйная зелень, листва и трава переживают постоянное обновление и таят в себе законы вечности. Пытаясь постичь непреходящие законы мироздания и отразить этот процесс в своих работах, Ван Гог мастерски использует символику цвета, он играет его "созвучиями" и "контрастами", благодаря чему полотна приобретают свой собственный ритм и звучание. Так, нетрудно заметить, что желтые, солнечные тона становятся едва ли не главными в полотнах живописца. Желтый - символ жизни, зрелого и полноценного урожая, выращенного руками тружеников-крестьян (особенно ярко проявляется в полотнах "Подсолнечники" и "Сеятель").

Природа на картинах Ван Гога живет собственной полноценной жизнью, она динамична, постоянно пребывает в движении, преобразуется и видоизменяется. Она может быть источником жизни для человека, рождая злаки и вскармливая виноградники, а может отвернуться от него, следуя собственному пути. Так, в полотне "Красные виноградники в Арле" художник воспевает торжество жизненных сил, благодаря символике динамичных пурпурных, буро-красных, оранжевых сочных оттенков. Картина словно звучит, она превращается в гимн природе.

Как в природе художник пытается найти духовное начало, так и в окружающих людях его привлекает богатство внутреннего мира. Ван Гог нередко запечатлевает симпатичных ему людей, зачастую своих друзей. Портреты "Арлезианка", "Почтальон Рулен", "Зуав" будто излучают любовь и уважение, чувства, которые Читать далее...

P
[396x588]

Михаил Врубель
(1856 - 1910)
Биография

Одна из причин необычайно сильного воздействия врубелевского Демона, без сомнения, удивительная конкретная "осязаемость" его черт. В самом деле, словно с натуры писал или, по крайней мере, видел воочию. Ничего экстраординарного тут нет; авторов посещают их мифические герои, такова традиция. Сохранились свидетельства, что, например, к Рафаэлю приходила Мадонна - ободрить его в работе. Что до падшего ангела - и такой факт зафиксирован в истории искусства: Джордже Вазари сообщает, а Анатолъ Франс пересказывает, как сей субъект являлся итальянскому живописцу XIV века Спинелло Спинелли. Художник, изобразивший на стене храма врага рода человеческого в виде отвратительнейшего чудовища, увидел потом во сне ангела, прекрасного, словно предводитель воинства небесного Михаил, но только темного (вспомните цвет тела и лица Сидящего Демона). Ночной гость начал требовать справедливости, обвиняя Спинелло в клевете. Старый мастер не выдержал душевного потрясения и умер.

Пять с лишним веков спустя его российский собрат по кисти оказался гораздо более подготовленным к выполнению задачи по восстановлению этой самой справедливости.

Искусство и реальность странно перемешивались в судьбе Михаила Врубеля, и из этого причудливого переплетения родился особый "врубелевский миф". Один из самых тонких и остроумных исследователей русского искусства М.М. Алленов отметил удивительный параллелизм реальной биографии русского художника и вымышленной - немецкого музыканта Адриана Леверкюна, героя романа "Доктор Фаустус" Томаса Манна (улавливаете родную тему?). Правда, герой Манна был сразу осведомлен об условиях договора со странным посетителем - двадцать лет гениального новаторского творчества и затем - болезнь и безумие, а вот знал ли Врубель свою судьбу? Так или иначе, жизнь художника после появления "Демона Сидящего" меняет свое течение. Он окончательно покидает Киев, обосновывается в Москве, становится членом знаменитого Абрамцевского кружка. Не все безоговорочно принимают его творчество, бывают и конфликты, однако появляется и свой круг заказчиков, и признание - в первую очередь среди ведущих художников того времени (упомянуть имена Серова и Коровина в данном контексте вполне достаточно). А главное - сам Врубель ощущает в себе необычайные силы и возможности и полагает, что вообще-то рядом с ним в русском искусстве и поставить некого. Серов? Да, но и у того "нет твердости техники".

Врубель занимается почти всем: живописью, графикой, скульптурой, монументальными композициями, театральными декорациями, закладывает новые принципы оформления жилых интерьеров - словом, становится той удивительной многогранной фигурой, без которой немыслима русская культура рубежа веков. Причем "все, что ни сделал Врубель, было классически хорошо", - свидетельствовал художник А. Головин, под "классичностью" подразумевая безошибочную точность, завершенность формы. Лишь однажды нечто странное прорывается в одной из работ. Для особняка С.Т. Морозова художник выполняет скульптурную группу на сюжет оперы Д. Мейербера "Роберт Дьявол" (у Врубеля все же необычайно высок процент персонажей подобного рода на квадратный метр художественной поверхности - кроме постоянно появляющегося в разных формах и видах Демона, еще и Дьявол, и Мефистофель...). Так вот, в этой композиции лицо героя, которого пытается погубить князь тьмы, обретает отчего-то портретные черты самого автора. Правда, в другой фигуре исследователи угадывают пленительный облик Надежды Забелы, певицы с необычайно красивым голосом, в том самом 1896-м ставшей женой и - без преувеличения - Музой художника. 1896-1901-е самые счастливые, активные и плодотворные годы его жизни. Созданы лучшие живописные вещи ("Пан", "Сирень", "К ночи", "Царевна-Лебедь"), растет признание. В сентябре 1901-го рождается сын, в честь Мамонтова его называют Саввой. Примерно в это же время, после целой серии графических, скульптурных работ, посвященных Демону, художник начинает еще одно живописное полотно, которому придает особое значение. Он называет его "Демон поверженный". По воспоминаниям современницы, "Врубель объяснял, что в поверженном Демоне он желает выразить многое сильное, даже возвышенное в человеке (чувственность, страсть к красоте, к изощренности), что люди считают долгом отвергать из-за христианских... идей". Свой живописный "манифест" против традиционных норм и ценностей он даже предполагал назвать "Ikone". (Тут уже, несомненно, Ницше попахивает, и опять всякое лыко в строку - нам хорошо известны та попытка бунта и ее финал.)

Художник работал запоем, по 17 часов в день, иногда ночи напролет.

Изумительному рисовальщику Врубелю не нужны были натурные штудии, чтобы передать сложный ракурс, поворот тела. На холсте возникал рисунок поразительной верности и красоты. Однако что-то стало происходить с этим изумительным рисунком, по мере того как все дальше продвигалась захватившая художника целиком работа. Мнение коллег Врубеля, относившихся к нему с большой симпатией, Читать далее...

Здравствуйте, ART_FOTO!
Уведомляем Вас, что пользователь Garri_Mayson добавил Вас в список
своих друзей и стал Вашим постоянным читателем.
ЗАХОДИТЕ ТОВАРИСЧ! РАДЫ ВИДЕТЬ!)))

МОНДРИАН, ПИТ (наст. имя Питер Корнелис) ( Mondrian, Mondriaan Piet ) (1872–1944), голландский художник . Его картины, представляющие собой сочетания прямоугольников и линий, являются примером наиболее строгой, бескомпромиссной геометрической абстракции в современной живописи . Родился 7 марта 1872 в Амерсфорте. Его первые работы были написаны в реалистическом стиле. В 1911 он познакомился с кубистами, и их творчество начало оказывать значительное влияние на формирование молодого художника . Вскоре Мондриан отказался в своих картинах от малейших намеков на сюжет, атмосферу, моделировку и пространственную глубину и постепенно сознательно ограничивал выразительные средства . В 1912–1916 он строил композиции на основе свободно сконструированной и заполнявшей холст пространственной сетки. В это время Мондриан, подобно Жоржу Браку и Пабло Пикассо в период аналитического кубизма, предпочитал палитру рыжевато-коричневых и серых оттенков.
В 1914 художник вернулся в Голландию к отцу, который был при смерти, и оставался на родине в течение всей Первой мировой войны, а в 1919 снова уехал в Париж . К этому времени он уже был членом кружка, в который входили Тео ван Дусбург, Ауд, Ритвелд и ван Эстерен . Все они были адептами модернизма, работали в стилях, близких к живописи Мондриана, и, возможно, оказали на него некоторое влияние в переходе от кубистических композиций к чистым геометрическим формам красных, желтых и синих прямоугольников . В 1917 Мондриан и Тео ван Дусбург основали авангардистский журнал « Де Стиль » и группу с таким же названием. Эстетическая теория, лежавшая в основе этого направления, была названа неопластицизмом. В соответствии с требованиями неопластицизма Мондриан еще больше сократил свои художественные средства, используя только белый, серый, черный и наиболее интенсивные тона основных цветов спектра.

К 1920 стиль Мондриана полностью сформировался . Используя прямые линии жестких контуров, он делал композиции асимметричными, достигая динамического равновесия . Благодаря отказу от частностей и деталей он надеялся достичь более ясного выражения универсальных первооснов творчества, стремясь обрести то, что он называл « чистой пластической реальностью ».

В 1940 Мондриан переехал в Нью-Йорк ; двумя годами позже состоялась его первая персональная выставка . В одной из последних работ художника, Буги-Вуги на Бродвее (Нью-Йорк, Музей современного искусства), появилась тенденция к отходу от строгих классических принципов авангарда . В этой работе маленькие квадратики расположены пунктиром на сетке линий, что придает всей композиции новую синкопическую сложность и игривость ритма. Умер Мондриан в Нью-Йорке 1 февраля 1944. Его произведения оказали влияние на многих современных художников, таких, как Александр Колдер, Бен Николсон, Виктор Вазарели и Фриц Гларнер . Целый ряд направлений в современном искусстве, например минимализм и оп-арт, восходят к творчеству Мондриана и кружку « Де Стиль » , так же, как и формы современной архитектуры, рекламы и печати.

СРОЧНО НУЖНА ИДЕЯ!!!
КТО ИЛИ ЧТО ДАЛЬШЕ?)

2
[699x442]